El pintor romántico Joseph Mallord William Turner, también conocido como J. M. W. Turner o William Turner, fue un famoso artista de acuarela británico. Meditó sobre el creciente significado de las experiencias personales en la era de la Ilustración, cuando la percepción humana condujo a experiencias personales elevadas y relaciones exquisitas con la naturaleza, y al hacerlo, los paisajes de Turner se impregnaron de nueva vitalidad. Las pinturas de William Turner ayudaron a establecer el estilo creativo interdisciplinario del romanticismo, sentando las bases para avances posteriores en la representación de sensaciones subjetivas que culminarían en el impresionismo.
Biografía de William Turner
J. M. W. Turner descuidó e incluso destrozó la representación precisa de los detalles y las situaciones inmóviles que los maestros y contemporáneos de las generaciones anteriores todavía intentaban en busca de efectos subjetivos más grandes. Más bien, experimentó con enfoques artísticos para representar sensaciones de un entorno cuidadosamente observado, que culminaron en masas giratorias de luz variable y fuertes paletas de color salpicadas en aceite.
Varios de estos enfoques pictóricos para producir sentimientos «exquisitos» se convertirían en la sustancia y el tema de la era expresionista abstracta.
Muchas de las pinturas de William Turner destacaron la fuerza de la naturaleza de maneras que hasta ahora no se habían mostrado, haciendo que la figura humana y todo lo que la sociedad había construido parecieran microscópicos y frágiles en contraste.
| Nacionalidad | Británico |
| Fecha de nacimiento | 23 de abril de 1775 |
| Fecha de fallecimiento | 19 de diciembre de 1851 |
| Lugar de nacimiento | Covent Garden, Londres |
Infancia y Educación
Joseph Mallord William Turner fue enviado a residir con un tío en un pequeño pueblo rural de Brentford cuando tenía diez años, debido a los indicios de inestabilidad psicológica de su madre. Turner comenzó sus esfuerzos creativos allí en Brentford coloreando una serie de placas grabadas. Fue transferido a Margate en 1786, donde asistió a la escuela y comenzó a pintar el pueblo y su entorno.
A lo largo de su carrera, representaría el pueblo y sus alrededores y luego usaría esos bocetos para producir obras terminadas.
Autorretrato (1799) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar de vivir en varias partes de Londres y luego viajar extensamente, siguió siendo londinense durante toda su vida. J. M. W. Turner, a diferencia de muchos de sus colegas, no adquirió un comportamiento elitista a medida que ascendía en la jerarquía de la carrera. En comparación, Juan Constable notoriamente disputado por el rango en términos de posición social, prácticamente desplazando a una obra de Turner en una exposición de la Royal Academy por una pieza de su propia obra.
A pesar de pasar tiempo en compañía de clientes nobles, Turner eligió visitar sus mansiones más humildes en Chelsea y el complejo pesquero de Margate, incluso más tarde en la vida, mientras que también residía constantemente en el campo y la playa en busca de temas llamativos en la naturaleza.
Período temprano
Turner comenzó su carrera creando estudios de arquitectura para numerosos arquitectos y finalmente colaboró con un dibujante topográfico. Como resultado, los elementos arquitectónicos se pueden encontrar en muchas de sus primeras pinturas y bocetos. Asistió a la élite de la Royal Academy of Art a los 14 años y fue aprobado como becario un año después. La Academia, fundada en 1768 por una orden del rey Jorge III, fue un importante mediador de estilo, así como un importante centro en la red de posibles compras y órdenes, principalmente de la Familia Real y la nobleza, para sus participantes artísticos.
A pesar de su pasión por la arquitectura, Thomas Hardwick le recomendó que se dedicara a la pintura. En los inviernos, pintaba, y en el verano, viajaba por Inglaterra y Gales. En 1796, la primera pieza de arte de William Turner, Pescadores en el mar, se exhibió en la Royal Academy.
Pescadores en el mar (1796) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Era una escena nocturna a la luz de la luna, que era un tipo prominente de pintura en ese momento. Fue reconocido por este trabajo, que lo definió como pintor al óleo y como un representador de paisajes náuticos. Pintó un autorretrato favorable en este período, expresando su opinión de que había «llegado». En 1802 fue elevado al rango de académico de pleno derecho.
Saltó a la fama en 1807, a la edad de 3 años.2, cuando fue nombrado profesor de perspectiva.
En 1800, se había vuelto financieramente seguro y se había trasladado a una dirección superior en Londres. Para exponer sus obras, estableció una galería en 1804. En 1802, amplió sus viajes a Europa, visitando Francia y Suiza. Un grupo de aristócratas financió esta excursión, y se le proporcionó un intérprete francófono y un modesto autobús. Hizo una crónica de la expedición en su obra de arte, Calais Pier (1801), e hizo más de 400 bocetos a lo largo del viaje.
Muelle de Calais (1801) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Período de madurez
Turner trató de perfeccionar otros géneros que elogió en sus primeras obras de arte, como los métodos pictóricos realistas y organizados de Claude Lorrain y Willem van der Velde, pero en 1805, sus dibujos al óleo y obras de arte como El naufragio ilustraron su propia metodología única para paisajes y costas. A finales de sus 30 años, su arte se había vuelto más etéreo y brillante.
El naufragio (1805) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En obras como Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes (1812), comenzó a concentrar sus energías en representar las fuerzas de la naturaleza y la fragilidad del hombre en presencia de ella, al tiempo que proporcionaba un retrato histórico.
Turner estaba fascinado por la poesía, particularmente la de Lord Byron, Thomas Moore, Walter Scott y John Milton, y compuso su propia poesía, en particular una pieza incompleta e inédita, «Falacias de la esperanza», en 1812.
Turner recibió permiso para viajar al extranjero nuevamente después de que terminaran las Guerras Napoleónicas en 1815. Hizo su primer viaje a Italia en el verano de 1819, viendo Nápoles, Roma, Florencia y Venecia. Durante este período, creó más de 1.500 bocetos a partir de los cuales creó muchas pinturas.
J.M.W. Turner – «La falacia de la esperanza» (1851) de Alfred d’Orsay; Alfred d’Orsay, CC0, vía Wikimedia Commons
Estas pinturas, como El Gran Canal, Venecia (1835), muestran un cambio en su uso del color, con varias capas transparentes, colores cálidos y colores fríos formando estructura, y una gama más amplia en general. Turner era extremadamente reservado sobre sus asuntos personales, y a medida que crecía, se volvió más peculiar. Tenía pocos conocidos cercanos, pero su padre, que residió con él durante 30 años y se desempeñó como su ayudante de taller, chef y jardinero, fue su compañero más cercano.
El Gran Canal, Venecia (c. 1835) por J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su madre murió en 1804, muy probablemente en una institución mental en Belén. Turner sufrió de desesperación cuando su padre murió en 1829. Aunque nunca se casó, tuvo un par de descendientes con Sarah Danby. En uno de sus libros de arte, Turner escribió: «La mujer es un amor cuestionable», y existe la posibilidad de que la verdadera madre de sus hijos fuera la sobrina de Sarah Danby, que trabajó como su empleada doméstica durante un hechizo.
Período tardío
En sus últimos años, Turner viajó continuamente, visitando Suiza, Italia, Alemania, Francia, Dinamarca y Checoslovaquia. Dibujaba a menudo durante sus viajes, y su regalo incluía aproximadamente 19,000 bocetos de sus viajes. Las pinturas de William Turner comenzaron a ser más fluidas y etéreas, con menos características. Tren, vapor y velocidad: el Great Western Railway es una ilustración prominente de este período de tiempo (1844).
Tren, vapor y velocidad – el Gran Ferrocarril occidental (1844) por J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Estas obras de arte representan la respuesta de Turner a las transformaciones provocadas por la Revolución Industrial. El enfoque inventivo de Turner en sus pinturas posteriores fue ampliamente cuestionado, un crítico de arte inglés y fanático desde hace mucho tiempo del pintor romántico, John Ruskin, lo defendió en su libro Modern Painters (1843-1860).
Legado
Joseph Mallord William Turner falleció el 19 de diciembre de 1851. Destinó la mayor parte de sus ingresos a una fundación para «pintores en descomposición», y regaló sus obras completas a la Galería Nacional. La familia adquirió una gran parte del dinero como resultado del caso, y tanto las obras finalizadas como las incompletas se convirtieron en propiedad pública.
La mayor parte de las pinturas de William Turner son ahora se encuentra en la Tate Britain, con la National Gallery poseyendo algunas de las obras notables.
El efecto de J. M. W. Turner en los artistas se ha sentido durante más de doscientos años: su representación de la humanidad dividida cuando se le presentaron las consecuencias de sus propias invenciones mecánicas en la era moderna fue un esfuerzo inicial para hacer frente a la Revolución Industrial. Aún más poderoso fue su forma de representación: representaciones impresionistas de eventos naturales que reflejaban sentimientos psicológicos interiores hasta el punto de una abstracción extrema y excepcionalmente temprana, a un nivel que los artistas solo tratarían por completo más de cien años después.
Retrato de J.M.W. Turner, R.A. (c. siglo 18/19) por John Thomas Smith; John Thomas Smith, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los paisajes de Turner, particularmente su obra posterior, fueron muy apreciados por el pintor abstracto. Marcos Rothko. Las enormes pinturas de Rothko con capas de color delicadamente cambiantes muestran el impacto. Rothko fue citado comentando: «Este hombre Turner, aprendió mucho de mí».
Esta notable recepción de la obra de un maestro premoderno por parte de un museo dedicado a arte moderno demostró el carácter radical de la participación de Turner en temas que no solo se adelantaron a su tiempo, sino que siguen siendo pertinentes hoy en día. Los experimentos previos de Turner con la luz y el color también motivaron al artista emergente Olafur Eliasson a desarrollar una secuencia de pruebas experimentales de color, cada una influenciada por una obra de arte distinta de Turner.
«Analicé minuciosamente la cantidad de tonos de color, oscuridad y brillo en un conjunto de obras de Turner, y luego construí un tipo de ‘retrato de carta de colores’ de cada uno, utilizando los mismos colores precisos y la misma cantidad de luz y oscuridad», dice Eliasson.
Pinturas de William Turner
La técnica pictórica de Turner evolucionó notablemente durante su larga carrera como artista. Si bien sus primeros trabajos se centraron en el estilo del paisaje, a medida que su carrera evolucionó, comenzó a dedicar menos atención a las complejidades de los elementos y el paisaje y más énfasis al impacto de la luz y el color. Se cautivó cada vez más por los componentes naturales y atmosféricos.
Turner, por otro lado, fue un cuidadoso observador y grabador de su entorno como un joven artista.
Muchas de sus pinturas enfatizaron la fuerza de la naturaleza de maneras novedosas, haciendo que la forma humana y toda la humanidad la hubieran hecho parecer pequeña y frágil en comparación. Turner también integró temas únicos de la era industrial en sus obras de arte, con trenes ferroviarios y barcos de vapor destacados, presagiando una fascinación recurrente con estos componentes de la vida moderna que figuraría en las generaciones posteriores de creativos.
Barcos holandeses en un vendaval (1801)
| Fecha de finalización | 1801 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 162 cm x 221 cm |
| Ubicación actual | The National Gallery, Londres |
Esta obra de arte fue solicitada por el tercer duque de Bridgewater como una pieza de contraparte al paisaje marino del siglo 17 de Willem van de Velde el Joven, Barcos en un mar tormentoso. Turner representa cielos oscuros y un mar turbulento con barcos que se esfuerzan en el agua agitada en esta obra de arte. Las vasijas de Turner, en contraste con la pieza compañera, parecen estar a punto de chocar, evocando una sensación de peligro inminente. Este cuadro de 1801 exhibe el impacto de los pintores holandeses en los primeros esfuerzos de Turner, pero también tiene la inestabilidad que se convirtió en una de las características distintivas de Turner.
Dutch Boats on a Gale (1801) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes (1812)
| Fecha de finalización | 1812 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 237 cm x 146 cm |
| Ubicación actual | Tate, Reino Unido |
Turner muestra las fuerzas de Aníbal intentando atravesar los Alpes en 218 aC en esta imagen. Un arco curvo de nubes oscuras se cierne sobre los guerreros, con un sol brillante brillando a través de la penumbra. Los soldados luchan contra las tribus indígenas en primer plano en la oscuridad sombría, mientras que los campos italianos más allá están empapados de sol. Una avalancha de nieve está deslizando la montaña hacia la derecha. Se desconoce la ubicación exacta de Aníbal; sin embargo, puede estar cargando contra el elefante en la distancia.
Durante la guerra entre Francia y Gran Bretaña, Turner hizo esta imagen.
Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes (1812) por J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Reconoció las conexiones entre Napoleón y Aníbal y creó esta imagen en reacción a Jacques-Louis David representación de Napoleón cruzando los Alpes (1805). Esta es la primera imagen en la que Turner utilizó un vórtice giratorio de vientos, lluvia, nieve y nubes, una técnica que utilizó con frecuencia en trabajos posteriores. Sus continuos estudios de iluminación y atmósfera tuvieron un impacto significativo en los impresionistas y postimpresionistas posteriores como Pissarro y Monet.
La quema de las casas del Parlamento (1834)
| Fecha de finalización | 1834 |
| Medio | Acuarela |
| Dimensiones | 92 cm x 123 cm |
| Ubicación actual | Tate, Reino Unido |
En 1834, un incendio consumió las Casas del Parlamento y ardió durante horas mientras los londinenses miraban con horror. Turner capturó el panorama desde el río Támesis en una secuencia de dibujos, acuarelas y pinturas al óleo.
Esta acuarela y pintura de gouache sobre papel representa una mirada más cercana al fuego y a las personas que se reúnen para observarlo.
La quema de las casas del Parlamento (1834) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Turner emplea el color para retratar la increíble luz y el calor que es tanto el foco de la imagen como la estructura en llamas. La elección de Turner para los aspectos elementales de la conflagración, así como el fuego en sí, refleja otro de sus temas favoritos: la relativa falta de importancia e insignificancia de los logros del hombre frente a la naturaleza.
El luchador Temeraire tiró de su último amarre para ser desguazado (1839)
| Fecha de finalización | 1839 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 90 cm x 121 cm |
| Ubicación actual | La Galería Nacional |
Turner muestra un crucero que alguna vez fue poderoso y majestuoso siendo arrastrado a su desaparición, donde será cortado para desguace. El barco aparece en la obra de arte como un fantasma en el telón de fondo, siendo remolcado por un pequeño remolcador negro a vapor. Las velas de los barcos supervivientes forman un triángulo dentro de un triángulo más grande de cielo azul en el fondo. El sol se está poniendo detrás del Temeraire, y la luna está iluminando el río.
Esta imagen representa el fin de una era, el declive del poder heroico y la llegada de la Revolución Industrial.
The Fighting Temeraire Tugged to Her Last Berth to Be Broken Up (1839) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los barcos a vapor fueron reemplazando gradualmente a los enormes veleros. Se ha creído que el barco representa al propio Turner mientras reflexionaba sobre sus éxitos pasados, su mortalidad y observaba a los artistas más jóvenes hacerse notar. Turner se tomó varias libertades al representar este incidente; por ejemplo, los mástiles del Temeraire no estaban intactos cuando fue remolcado. Quería representarla en su antigua majestad, por lo que los incorporó en la imagen.
Su modificación de los detalles reveló una liberación de «simplemente hechos», lo que inspiró a los artistas contemporáneos posteriores a sentirse más libres en sus interpretaciones de los escenarios presentados.
Barco de esclavos (1840)
| Fecha de finalización | 1840 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 91 cm x 123 cm |
| Ubicación actual | Museo de Bellas Artes |
Turner representa un barco en el telón de fondo navegando sobre un mar tormentoso, y en primer plano, a raíz del barco, individuos con grilletes en las piernas, mientras que los peces y los animales oceánicos flotan alrededor, pareciendo peligrosamente listos para consumirlos. Turner basó esta imagen en un poema sobre el Zong, un barco de esclavos varado en una tormenta.
La verdadera tragedia de ese barco tuvo lugar en 1781, cuando su comandante ordenó que 133 esclavos enfermos y sufrientes fueran arrojados por la borda para reclamar el pago del seguro.
Barco de esclavos (1840) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Turner organizó la exhibición de esta obra de arte para corresponder con la conferencia de la Sociedad Británica contra la Esclavitud. A pesar de que el Imperio Británico había abolido la esclavitud en 1833, Turner sintió que debería ser abolida en todo el mundo, y esperaba que cuando el Príncipe Alberto viera el arte.Ork, sería estimulado a intensificar las actividades contra la esclavitud.
Luz y color (Teoría de Goethe) (1843)
| Fecha de finalización | 1843 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 78 cm x 78 cm |
| Ubicación actual | Tate, Reino Unido |
La extraña forma de esta última obra, con proporciones pares en todos los lados, no implica ni la orientación tradicional para los géneros de paisaje ni retrato, dirigiendo aún más la experiencia consciente al concentrar la vista del público en el núcleo de un tipo de vorágine elemental. Los personajes principales, Moisés y una serpiente, se muestran vagamente entre el tipo de campos de luz y color aparentemente sin forma que los compañeros de Turner criticaron con frecuencia en sus obras posteriores.
Mientras tanto, el brillo comparativo de los colores de Turner en esta pieza melancólica alude a partes más oscuras del tema bíblico de la salvación después del diluvio.
Luz y color (Teoría de Goethe) (1843) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto está relacionado con el subtítulo de la pieza, en el que la posible sensación de triunfo o alivio para las personas que escapan de tales desastres se mezcla con el conocimiento de que las mismas fuerzas siniestras pueden generar una nueva crisis en cualquier momento en el futuro. Turner es una interpretación de la historia bíblica vista a través de un filtro perceptivo conectado a la interpretación mental y teórica de Goethe de cómo las personas realmente ven el color como un fenómeno.
Turner avanza una actualización romántica tanto del relato bíblico tradicional como de las obras de Goethe, otro ejemplo del clasicismo posterior e iniciador arquetípico de las concepciones románticas, en la época anterior a la de Turner.
Lluvia, vapor y velocidad – El Gran Ferrocarril del Oeste (1844)
| Fecha de finalización | 1844 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 91 cm x 122 cm |
| Ubicación actual | National Gallery, Londres |
La obra de arte de Turner representa un tren que se acerca en el campo durante una tormenta eléctrica de verano. El tren en el medio es sombrío y cubierto de lluvia, flanqueado a ambos lados por un entorno natural brillante. El puente y el tren, las características concretas de la pintura, sin embargo, apenas se insinúan, desapareciendo en el ambiente brumoso y surrealista.
La niebla proveniente del lago, la lluvia que oscurece el cielo y el vapor del tren están borrosos y combinados, uniendo los colores de la imagen.
En la esquina inferior izquierda de la imagen, se puede ver a una persona pequeña en un bote, lo que sugiere que el paso elevado está erigido en la parte superior de un río. En la esquina inferior derecha de la pintura, un conejo se precipita por el riel. Columnas blancas de vapor se elevan en el aire por el motor, lo que indica que el tren se está moviendo. La primera calada, que está más cerca del motor, es la más obvia, mientras que las otras dos retroceden al fondo. A medida que las bocanadas se van dejando atrás, este detalle da la impresión de velocidad.
Turner pintó una multitud de personas saludando en la cabina del tren, sirviendo como un mensaje de que el ferrocarril era una diversión alegre y popular. Turner típicamente usaba un tono ambiental en sus obras creativas aplicando pintura al lienzo en letras cortas, barriendo pinceladas de una paleta sucia y esculpiendo gradualmente formas fuera de su base de color.
Turner utilizó un pesado impasto con un cuchillo de paleta en el centro y la parte superior derecha de la pintura. Para representar la lluvia, golpeó una masilla fangosa en el panel con una llana, mientras que el sol brillaba de grandes trozos de color amarillo cromado. Turner también usó tonos fríos de lago carmesí para transmitir la sombra, y aunque la llama en la locomotora de vapor parece roja, lo más probable es que estuviera hecha con verde y cobalto.
La imagen es estructuralmente sólida, con una disposición bien equilibrada de formas y una base matemática sólida.
Preguntas Frecuentes
¿Quién fue William Turner?
El artista de acuarela William Turner reflexionó sobre la creciente importancia de las experiencias personales durante el período de la Ilustración, cuando la conciencia humana condujo a experiencias personales más elevadas e interacciones exquisitas con la naturaleza, y sus paisajes se llenaron de energía fresca como resultado. Las pinturas de William Turner contribuyeron al desarrollo del enfoque creativo interdisciplinario del Romanticismo, estableciendo el marco para logros posteriores en la representación de sentimientos subjetivos que culminaron en Impresionismo.
¿Por qué fue famoso William Turner?
El estilo de pintura de Turner mejoró dramáticamente a lo largo de su larga carrera como artista. Aunque sus primeros trabajos se centraron en la estética ambiental, a medida que avanzaba su carrera, comenzó a centrarse menos en las complejidades de los productos y el paisaje y más en el efecto de la luz y el color. Los factores naturales y ambientales lo cautivaron cada vez más. Como joven artista, Turner, por otro lado, era un agudo observador y grabador de su entorno.
