Los colores tienen un significado significativo. En manos de artistas monocromáticos, el color puede afectar a los espectadores e incluso alterar el curso de la historia. No es de extrañar, entonces, que algunos artistas hayan optado por explorar las posibilidades del color a través de la limitación. Al centrarse en un color en particular, los artistas han abierto portales en las profundidades de la percepción, ya sea para apuntar hacia la espiritualidad o la nada.
El arte monocromático y la carga del significado
Las ilustraciones monocromáticas se limitan a un color, incluido el blanco o el negro para manipular el tono. La definición monocromática en el arte varía, pero las primeras imágenes jamás hechas en la tierra eran, por supuesto, monocromáticas, ya que las pinturas prehistóricas eran anteriores a la tecnología de pigmentos.
Curiosamente, mucho después de que los humanos hubieran desarrollado un espectro caleidoscópico de colores, muchos artistas continuaron eligiendo solo uno.
La historia de la pintura monocromática en el arte occidental
En el siglo 12, una orden monástica temprana conocida como los cistercienses comenzó a abrazar una estética particular prescrita por el jefe de su orden, Bernardo de Claraval. En 1134, compiló uno de los primeros documentos legales sobre estética que estipulaba que toda la decoración en sus monasterios cistercienses se haría solo en blanco y negro.
Bernardo de Claraval sintió que el color era superfluo y sobreestimulaba los sentidos. Su monasterio fue pensado como un espacio tranquilo para que los monjes se centraran en la oración y la meditación. Por esta razón, se aseguró de que los vitrales y los manuscritos iluminados del monasterio estuvieran pintados estrictamente en monocromo.
Si bien el concepto formal de pintura monocromática se estableció con fines religiosos o monásticos, se popularizó y finalmente se convirtió en una forma de arte deseable. Aristócratas y nobles de la familia real francesa y de las familias borgoñonas, clamaban por ser los primeros en encargar obras de arte pintadas solo en blanco y negro.
La pintura de Dylan (entre 1966 y 1986) de Brice Marden, ubicado en el Museo de Arte Moderno de San Francisco en California, Estados Unidos; Brice Marden, Dominio público, vía Wikimedia Commons
San Mateo y un ángel de Domenico Ghirlandaio (ca. 1477) es uno de los primeros casos conocidos de pintura en blanco y negro en el arte occidental. Fue hecho bajo la tutela de Andrea Delverocchio que era el maestro de muchos Renacimiento italiano artistas como Leonardo Da Vinci. Al menos 16 de estos estudios sobreviven y demuestran cómo artistas en el Renacimiento utilizó la pintura monocromática como dispositivo de aprendizaje exploratorio.
El mercado y la apreciación de las pinturas monocromáticas como productos terminados crecieron exponencialmente en la década de 1600. Los franceses le dieron a esta nueva forma de arte popular el nombre de «Grisaille», derivado de ‘gris’, la palabra francesa para gris. Esta definición monocromática en el arte también se refería a las pinturas subterráneas o pinturas preliminares, ya que los artistas continuaron utilizando el monocromo como un medio para mejorar su técnica, ya que la pintura en blanco y negro alteraba la percepción formal y espacial de una imagen.
Maestro pintor neoclásico Jean Auguste Dominque Ingres hizo seis versiones diferentes de su famosa Odalisca (1814). La versión original en color de Odalisca fue seguida por la versión monocromática Odalisca en Grisaille (1824-1834). Habiendo comenzado la versión de Grisaille una década más tarde, la mantuvo en su estudio durante muchos años. Esta versión reducida había sido liberada de muchos de los detalles de la primera Odalisca. De esta manera, se volvió algo abstracta lo que reveló nuevas facetas de la imagen.
Whistler y el Cubo Blanco
Mientras que muchos artistas continúan innovando y disfrutando de la pintura monocromática figurativa, fueron los modernistas quienes llevaron las cualidades abstractas de Grisaille al siguiente nivel. Los pintores se habían encontrado con una crisis inevitable sobre su capacidad para desarrollar un lenguaje moderno para la pintura.
En el mundo moderno que cambia rápidamente, los artistas optaron por restringir su paleta de colores para responder a la estética de los nuevos medios.
El blanco ha sido a menudo la señal visual de la virtud, la inocencia y la pureza. Sin embargo, el historia del arte revela lados siniestros de este color exaltado. A lo largo de la historia, el blanco en el arte ha llevado ideologías inquietantemente divisivas y a menudo opresivas. Del blanqueamiento del Museo Británico de lo una vez multicolor esculturas griegas antiguas comenzando el 25 de septiembre de 1938, hasta las teorías de la belleza idílica de Immanuel Kant en su Crítica del juicio (1724-1804).
Autorretrato titulado Arreglo en gris: Retrato del pintor (c. 1872) por James McNeill Whistler, ubicado en el Detroit Institute of Arts en Michigan, Estados Unidos; James McNeill Whistler, dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1883, con sede en Gran Bretaña Artista estadounidense J.M. Whistler hizo lo mismo con su exposición A Masterpiece of Mischief. En él, presentó nuevas imágenes que había producido durante una visita a Venecia. Silbador era bien conocido por sus exquisitas pinturas de la época neorromántica y su obsesión por el blanco.
Sus nuevas obras eran blancas, monocromáticas y montadas en marcos blancos que el propio Whistler había diseñado y colgado en paredes que también eran blancas. La exposición fue pionera en el espacio de la galería blanca, que ahora es omnipresente en el mundo del arte.
Arreglo en Gris y Negro No. 1 (Madre de Whistler) (1871) de James McNeill Whistler, ubicado en el Museo de Orsay en París, Francia; James McNeill Whistler, dominio público, vía Wikimedia Commons
Con su exposición, Whistler solidificó el blanco como el color austero y exclusivo de la élite artística. El Cubo Blanco es elegante y prístino, pero también estéril y poco acogedor. Sin embargo, el mundo del arte moderno del siglo 20 abrazó la estética con ejemplos de arte monocromático de obras y espacios blancos impenetrables que han cambiado el curso de la historia del arte.
La Cruz Suprematista Blanca de Kazimir Malevich (1920-1921) llegó poco después de la Revolución de Octubre.
La amplia cruz blanca sobre un fondo blanco burlándose de un mundo que estaba lejos de ser estéril y puro. Del mismo modo, la Cátedra de Barnett Newman (1951) y las Estaciones de la Cruz (1958-66) se entregan a su propia blancura y a las fuerzas superiores de la naturaleza y la física. Las nubes efímeras de color y los campos variados se convirtieron en pura abstracción en aras de la abstracción.
Kazimir Malevich y el Cuadrado Negro (1915)
El suprematismo fue un influyente movimiento artístico ruso que ocurrió desde 1913 hasta finales de la década de 1920. Según su fundador Kazimir Malevich, que es considerado el primer artista ruso en crear obras de arte no representativas, el suprematismo representó «la supremacía del sentimiento puro o la percepción en las artes pictóricas».
Con este género, Malevich quería «liberar la pintura de la carga del objeto». En ausencia de tema, el espectador podría centrarse en los problemas formales de la obra de arte monocromática, como la forma, el espacio y el color.
Cuadrado Suprema ético negro (Cuadrado Negro) (1915) de Kazimir Malevich, ubicada en la Galería Tretyakov en Moscú, Rusia; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El Cuadrado Negro de Malevich (c. 1915) se hizo en cuatro versiones y se exhibió en la última exposición colectiva de pintura futurista en San Petersburgo del 17 de diciembre de 1915 al 17 de enero de 1916. Colgó su Cuadrado Negro en lo alto de la esquina de la habitación y lo describió como «un icono para mi tiempo» haciendo referencia a la tradición ortodoxa de colgar iconos. Afirmó que el Cuadrado Negro era un verdadero pintura realista porque era un cuadrado negro real, mientras que la mayoría de las obras de arte eran ilusiones de otras cosas.
Pero el Cuadrado Negro de Malevich resultó haber estado jugando un truco propio. Después de analizar la pintura bajo rayos X, los científicos descubrieron que debajo de la pintura negra había una capa de texto que decía: «Negros luchando en una cueva».
Esto fue un homenaje a la obra de 1897 de Artista francés Alphonse Allais, que también era un cuadrado negro titulado: ‘Negroes fighting in a Cellar at Night’, o Combat de Nègres dans un tunnel o Negroes fight in a tunnel (1882) de Paul Bilhaud, se cree que es el primero de los cuadrados negros que se muestran en la exposición incoherent Arts de 1882 en París.
Internacional Klein Blue
Yves Klein era un artista que siempre había estado fascinado con la libertad. Nacido en 1928 en el seno de una familia acomodada a la francesa, su práctica artística se convirtió en una forma de explorar lo que estaba más allá del mundo material. Al principio, se consumió haciendo arte monocromático cada uno de bloques individuales de varios tonos de rojo, rojo más tenue, amarillo, amarillo más brillante, etc.
Pero una vez que exploró el color azul, Yves Klein se dedicó por completo a las pinturas que no solo parecían azules, sino que también eran sobre el azul.
IKB 191 (1962) de Yves Klein; Yves Klein, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Klein inventó su propio tono de azul. Dedicó su serie de pinturas idénticas al azul. Se esforzó por crear un mundo entero basado en su nuevo color. Quería que emulara el azul del mar, del cielo y del infinito. Bautizó su nueva pintura «International Klein Blue».
Sus pinturas monocromáticas implicaban un tratamiento meticuloso del lienzo. Estos eran skrim de algodón tejido muy delgado que se recubría con leche después de lo cual la pintura se aplicó uniformemente. Las texturas resultantes en los lienzos son uniformes pero excepcionalmente intrincadas.
Las pinturas son tan abstractas que parecen haber vuelto a la naturaleza. Yves Klein esperaba que el espectador negara la necesidad de significado y simplemente experimentara la pintura, ya que experimentaría un cielo azul brillante, por lo que Klein llamó a sus imágenes «ventanas abiertas a la libertad».
Jackson Pollock y los objetivos de la época
Mientras que movimientos como el Grupo Cero y DeStijl se desarrollarían mucho después de la Rusia comunista totalitaria de la década de 1930 y el surgimiento del fascismo en Occidente, al final de la Segunda Guerra Mundial en 1945 la abstracción se llevaría a Nueva York.
Los artistas buscaron interpretar el mundo cambiante que los rodeaba a través de visiones cósmicas y espiritualidad. Se hizo hincapié en la expresión individualista que exploraba lo que podría ser la libertad en estos nuevos contextos de posguerra. Expresionismo abstracto, que surgió en las décadas de 1940 y 1950, tenía una premisa orgánica y psicológica como el estilo expresionista anterior.
Jackson Pollock es uno de los pintores expresionistas abstractos más conocidos. Su técnica, a la que llamó «pintura de acción», consistía en salpicar, lanzar y verter pintura sobre el lienzo que a menudo se colocaba en el suelo y se pisaba.
Número 1 (Lavender Mist) (1950) de Jackson Pollock, ubicado en la National Gallery of Art de Washington D.C., Estados Unidos; Jackson Pollock, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Su pintura Número 32 (1950) consiste en trazos fluidos de pintura licuada en negro solamente. La pintura fue hecha en su estudio del estado de Nueva York en un lienzo desplegado en el piso de madera. La pintura se leía como un cuadro y nada más porque el pintor obligaba al espectador a ver la pintura por lo que era, dando más sentido a los materiales y cómo eran tratados. El crítico estadounidense y defensor de Jackson Pollock, Clement Greenberg, sugirió que el modernismo se trataba de usar una disciplina para criticarse a sí mismo y aprovechar sus cualidades por excelencia.
Aunque la pintura estaba destinada a expresar la libertad, también expone un sentido de estructura. Las líneas más claras se equilibran con las manchas más grandes y contribuyen a la armonía visual de la superficie de la pintura.
Pollock utilizó una variedad de texturas para crear la composición contrastando áreas brillantes de pintura con partes secas, grumosas y teñidas. Sus producciones alcohólicas aparentemente aleatorias a menudo dejaban perplejo al público que buscaba significado. Explicó que estaba pintando «los objetivos de la época» y que no necesitaba imitar a la naturaleza porque «yo soy naturaleza».
Abstracción post-pictórica
A finales de la década de 1950, el arte había abandonado por completo el reino de la objetividad. Rendimiento, Pop y Arte conceptual estaba de moda, y el dinamismo gestual expresionista abstracto de Pollock, Willem De Kooning y Robert Motherwell era una vieja noticia.
Una vez más, la pintura tuvo que inventar un nuevo truco para mantenerse al día. La solución volvió a estar relacionada con las paletas de colores restringidas, pero esta vez con un abandono total del gesto.
Jóvenes artistas conceptuales como Joseph Kosuth criticarían al modernismo por su autoindulgencia desafiándolo a explorar el conceptualismo. Al igual que los pintores clásicos, los artistas monocromáticos continuaron aprendiendo más sobre la pintura reduciendo su paleta. Esto dio lugar a una mayor abstracción que podría enfatizar la objetividad de la pintura para justificar su forma en términos conceptuales.
Morris Louis fue una de las selecciones de pintores post-pictóricos de Greenberg. Su pintura 7 Bronce (1958) es un ejemplo del artista que retiene el gesto más allá de la implicación del material. El artista simplemente aplicó varios colores en la parte superior del lienzo y dejó que la gravedad hiciera el resto. Esto resultó en una corriente descendente fluida de un fangoso color ocre. No hay pinceladas y el artista simplemente ha permitido que la pintura se convierta en sí misma.
La abstracción post-pictórica fue una forma de crear obras de arte intencionalmente impersonales en response al expresionismo abstracto. Para limitar la expresión, estos artistas experimentaron con la limitación del color.
Las pinturas monocromáticas, a veces duocromáticas, a menudo se caracterizaban por técnicas lineales, geométricas y arbitrarias. La exposición de Clement Greenberg en el MoMA de 1964 de la abstracción post-pictórica, influyó en lo que se llamaría pintura de borde duro y minimalismo.
Minimalismo y Frank Stella
Debido a que continuó mirándose a sí mismo, el arte monocromático conservó la crudeza de la auto-revelación y la replicación. Frank Stella, conocido por sus pinturas monocromáticas, dijo simplemente que una pintura es una superficie plana con pintura y que «lo que ves es lo que ves».
Sus pinturas acentúan la forma escultórica del lienzo y continúan la larga tradición de los pintores que utilizan la pintura para aprender más sobre la pintura.
Frank Stella es uno de los primeros artistas que se puede identificar como minimalista. El minimalismo estaba en su apogeo en las décadas de 1960 y 70. Era una síntesis de las inclinaciones impulsadas por objetos de Arte Pop y las inclinaciones de borde duro de los abstraccionistas post-pictóricos. La serie de pinturas de Stella, conocida como «Las pinturas negras», estaban hechas de pintura y pinceles comerciales baratos.
En un intento de explorar su núcleo, Stella pintaba rayas en un lienzo y lo llamaba un día.
Al igual que en su pintura Die Fahne Hoch (1959), Stella utilizó el lienzo estirado y sus barras de camilla, como punto de partida en la aplicación de sus tiras de pintura negra. Todas las señales en la pintura, hasta el ancho de las líneas, se tomaban de la estructura del lienzo en sí. De esta manera, Stella reforzó la objetividad de la pintura. Una vez más, la simplicidad era ilusoria. El título de Stella, Die Fahne Hoch, se traduce como «Levanta la bandera», el título alemán de un himno nazi.
La capilla Rothko (1965 – 1966)
Mientras que los artistas conceptuales y pop intentaron separar el arte del objeto, los expresionistas abstractos y los pintores de campo de color continuaron explorando la pintura a través del monocromatismo. Rothko fue un paso más allá que Pollock y Stella al dirigir y ocultar simultáneamente gestos artísticos. Sus pinturas destacaron la experiencia de la superficie del lienzo a través del toque ligero del artista. Las pinturas de Rothko conservan la objetividad al tiempo que ofrecen un sentido de lo sublime.
«La Capilla Rothko» en Houston, Texas fue originalmente encargada como una Capilla Católica, pero pronto se convirtió en una Capilla no denominacional, e incluso podría operar como una Capilla atea o agnóstica.
La Capilla alberga tres grandes pinturas monocromáticas de campo de color púrpura. Su falta de imágenes religiosas expone una crisis en el lenguaje de la pintura religiosa tradicional. Las pinturas nos hacen pensar en Malevich y cuestionarnos si algo ha sido eliminado u oscurecido.
Interior de la Capilla Rothko ubicada en Houston, Texas, Estados Unidos; Alan Islas, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Pero la negrura es una vez más una ilusión. Los lienzos en realidad consisten en muchas capas de color. La luz que entra desde la claraboya de la Capilla hace que los colores oscilen entre el púrpura, el marrón y el negro. Que la luz haga que las pinturas parezcan diferentes dependiendo de la hora del día no tiene nada que ver con las pinturas, que a su vez permanecen iguales. Estas pinturas son alusiones a la omnipresencia de Dios, a pesar de que nuestra visión de Él varía según nuestro punto de vista.
La capilla octogonal parece haber sido influenciada por la educación judía de Rothko. A los judíos jasídicos no se les permite usar el nombre de Dios. Los judíos ortodoxos que escriben el nombre de Dios, lo rascan u ocultan escribiendo «Di-s». La falta de figura y la incoloridad de estas pinturas hacen dos cosas: las pinturas monocromáticas de Rothko confrontaban ideas espirituales mientras que al mismo tiempo reconocían su incognoscibilidad.
Para Rothko, la pintura era una práctica espiritual como lo había sido para Pollock y muchos otros pintores monocromáticos. Su uso restringido del color era un portal al mundo espiritual.
Estar de pie en presencia de estos Rothko nos permite entrar en un estado de meditación. Mientras la tierra se mueve alrededor del sol, la luz entra en la Capilla desde el techo, fluyendo y fluyendo revelando facetas ocultas de las pinturas monumentales.
El futuro del arte monocromático
El arte monocromático puede ser visto como la base de todo el arte. En lugar de sucumbir al paso del tiempo, resucita continuamente y responde a nuevas crisis en la pintura, con se. El arte monocromático nos ofrece continuamente oportunidades para considerar para qué sirve el arte y de qué es capaz. Ha demostrado ser la mejor respuesta de la pintura a los avances de los nuevos medios.
Al eliminar el humo y los espejos del realismo tecnicolor, el arte monocromático insinúa en cambio lo que realmente significa el objeto de arte y la intervención del artista sobre él.
Por supuesto, a medida que la fotografía ha reemplazado a muchos medios tradicionales y monopolizado las imágenes monocromáticas, algunos artistas continúan utilizando la pintura como respuesta. Las inquietantes pinturas de Gerard Richter emplean un efecto de desenfoque hiperrealista, que las posiciona en algún lugar entre pinturas y fotografías. En una pintura más abstracta Espejo gris (1982), Richter simplemente pintó una lámina de vidrio gris que transformó el vidrio en un espejo esencialmente aprovechando una imagen del espectador.
Composición suprematista: Blanco sobre blanco (1918) de Kazimir Malevich, ubicado en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Incluso en el acelerado mundo de las redes digitales y sociales, el arte monocromático se mantiene al día reinventando sus tradiciones milenarias. La priorización post-minimalista del proceso artístico y lo que ahora podríamos llamar la experiencia del usuario ha facilitado un cambio de un enfoque en el objeto a un enfoque en el compromiso. La serie Infinity Net de Yayoi Kusama (1959-presente) al principio parece una simple multitud de puntos post-minimalista, pero desde entonces se ha convertido en una sensación viral.
Miles de personas han tomado esa codiciada selfie en los entornos monocromáticos inventados de este artista. El enigmático proceso creativo de Kusama produce desde vertiginosos puntos monocromáticos o remolinos hasta objetos tridimensionales monocromáticos cubiertos de suaves protuberancias. Estas obras han tomado Internet por asalto y seguramente inspirarán a la próxima generación de artistas a desafiar las limitaciones.
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Preguntas Frecuentes
¿Pablo Picasso hizo arte monocromático?
Sí. El Período Azul a menudo se nombra como parte de la incursión de Picasso en el monocromatismo. Si bien es cierto que muchas de las pinturas se hicieron en variaciones de azul, a menudo incluían otros colores para equilibrar el azul. Ejemplos de arte monocromático se pueden ver en el período cubista de Picasso. Uno de los ejemplos más conocidos es Guernica (1935) que comparte una técnica casi idéntica con la versión de Picasso de Las Meninas (1957), que fue una de las 44 pinturas que realizó como homenajes a Diego Velásquez. Las Meninas, algunos de los cuales son de color, muchos de los cuales son en blanco y negro.
¿Es el arte monocromático lo mismo que el minimalismo?
No. Es posible hacer arte minimalista que no sea monocromático y es posible hacer arte monocromático que no sea minimalista. Pero al igual que el arte monocromático, el minimalismo exige ser apreciado por sus cualidades formales y no por su tema. Se podría argumentar que el minimalismo era una respuesta escultórica a la abstracción post-pictórica. Artistas clave como Donald Judd, Tony Smith, Sol Lewitt, Robert Morris y Carl Andre se encargaron de enfatizar la objetividad del arte no a través de la pintura, sino a través de los objetos mismos.
¿Qué es monocromo?
Monocromo básicamente significa que algo está compuesto de un color. La definición monocromática en el arte implica que la obra de arte utiliza un solo color, a menudo incluyendo blanco o negro para manipular el tono de la imagen.
¿Qué significa duotono en el arte?
Las obras de arte de duotono consisten en dos colores en lugar de uno. Andy Warhol era conocido por el tono dúo negro y rojo.
