Gian Lorenzo Bernini fue un hombre de muchos talentos. No solo fue un escultor y arquitecto de renombre de la época barroca, sino que también actuó, dirigió y escribió obras de teatro, así como creó diseños para numerosos objetos decorativos como espejos, mesas y lámparas. Sin embargo, son las esculturas de Bernini las que le dieron más fama.
Una introducción a Gian Lorenzo Bernini
El escultor italiano Bernini nació en una familia artísticamente talentosa en Nápoles el 7 de diciembre de 1598. Su padre, Pietro Bernini, era un escultor de tradición manierista y reconoció el prodigioso talento de su hijo a la temprana edad de ocho años. Incluso a una edad tan temprana ya se había ganado la admiración de varios mecenas poderosos y era considerado como un joven Miguel Ángel. Toda la familia se mudó a Roma después de que el padre de Bernini recibiera una comisión papal en 1606, donde su padre progresaría aún más con la formación continua de su hijo.
Retrato de un hombre (autorretrato) (1623-1625) de Gian Lorenzo Bernini; Gian Lorenzo Bernini, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La noticia de la extraordinaria habilidad de Bernini se extendió poco después de que la familia llegara a Roma, e inmediatamente llamó la atención del sobrino de Pablo V, el cardenal Scipione Borghese, quien habló del niño prodigio a su tío. Por lo tanto, se le presentó al Papa Pablo V, quien estaba interesado en ver si los rumores sobre la habilidad de Bernini eran genuinos. Para el Papa asombrado, el joven improvisó un dibujo del Papa, y fue el comienzo del interés del Papa Pablo V en este joven prodigio.
Más tarde también se convertiría en urbanista y arquitecto, y diseñó estructuras seculares, casas de culto, capillas y plazas de la ciudad, y también enormes obras que incorporan escultura y arquitectura, particularmente intrincadas características públicas de agua y puntos de referencia funerarios.
Retrato de Gian Lorenzo Bernini por Giuseppe Ghezzi; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
También creó una gran cantidad de refugios improvisados en madera y estuco para servicios conmemorativos y eventos culturales. La vasta flexibilidad estilística de Bernini, la originalidad conceptual ilimitada y el dominio absoluto de la manipulación del mármol aseguraron que sería considerado como un heredero apropiado para el gran Miguel Ángel, superando considerablemente a otros artistas de su época. Su habilidad se extendía más allá de los límites de la escultura y abarcaba muchos conjuntos de habilidades.
Irving Lavin, el historiador del arte, se refirió a la capacidad del arte de Bernini para formar la arquitectura, la escultura y la pintura en un todo conceptualmente cohesivo y estético como la «unificación de las artes creativas».
Famosas esculturas de Bernini
La escultura fue un componente importante de la era barroca, aunque siempre ha habido mucho más énfasis en las pinturas, y este sigue siendo el caso actualmente. Muchos artistas fueron capaces de adaptar sus habilidades en los diseños de edificios, como el arquitecto y escultor Bernini. Estaba preparado para adquirir proyectos distintos a la escultura tradicional después de establecer un nombre para la adaptabilidad y la inventiva, lo que llevó a que sus habilidades fueran ampliamente solicitadas en una variedad de campos creativos. Hoy, sin embargo, nos centraremos en las estatuas de Bernini.
San Sebastián (1618)
| Fecha de finalización | 1618 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 220 cm |
| Actualmente alojado | Museo Thyssen-Bornemisza |
Originalmente, se suponía que esta escultura fue hecha para la capilla de la familia Barberini. Esta iglesia fue erigida en el mismo sitio donde aparentemente se descubrió el cuerpo de San Sebastián, sin embargo, no hay pruebas de que estuviera allí. La reubicación de la estatua de la casa familiar en Via dei Giubbonari a una nueva estructura en Via Delle Quattro Fontane se documentó por primera vez en 1628. El cardenal Francesco Barberini, tomó esta obra de arte de la nueva estructura. Su familia lo tuvo hasta 1935, tras lo cual Heinrich Thyssen-Bornemisza lo compró a sus descendientes, junto con otras obras de arte importantes.
El mártir cristiano San Sebastián está sujeto a una rama y su piel está llena de dardos en esta estatua. Simboliza el tiempo previo a la llegada de Santa Irene.
San Sebastián (1616-1617) de Gian Lorenzo Bernini; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Los perseguidores han abandonado el lugar de castigo, abandonando al santo para morir de su dardo injuries. Lorenzo coloca la imagen en una roca y apoya su espalda con el tronco del árbol donde san Sebastián fue asesinado. El antebrazo del santo, que todavía lleva una de las correas, descansa sobre una rama reseca. Para apoyar su torso, la pierna del mártir se coloca frente a él. Con una mano en la pierna, el otro brazo cuelga perpendicular al tronco del árbol. Este brazo, como la pierna derecha, parece haber sido abandonado.
Este santo se posa en un equilibrio peligroso y frágil, que se ha atribuido a su metamorfosis.
El tratamiento del rostro del mártir, que tiene un comportamiento sereno, labios abiertos y ojos cerrados, y las arterias cuidadosamente talladas y la musculatura tensa de su torso, son todos reflejos importantes de la extensa investigación de Bernini sobre la muerte y la vida del santo.
Alma maldita (1619)
| Fecha de finalización | 1619 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 77 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Palazzo di Spagna, Roma |
El escultor Bernini produjo esta cabeza cuando tenía 21 años de edad, al principio de su carrera. Representa el rostro lamento de una persona, su rostro retorcido en una mirada aterrorizada o tal vez agonizante. Esta escultura fue solicitada junto con otro busto Blessed Soul, que representa a una joven dama encantadora mirando fijamente con gozoso deleite. Estas esculturas de Bernini, cuando se colocan una al lado de la otra, representan la naturaleza dualista del sentimiento humano, los espectros opuestos de ser afortunado o condenado. Esta estatua de Bernini significaba mirar hacia el infierno, mientras que la otra significaba mirar hacia lo Divino.
Algunos dicen que esta escultura es un autorretrato. Bernini habría mirado en el reflejo, y varios dicen que incluso se había cortado el antebrazo para obtener la expresión facial angustiada.
Alma maldita (c. 1619) de Gian Lorenzo Bernini; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
A pesar de que estas obras de arte se crearon al principio de su profesión, tenían muchos aspectos que prevalecerían en todas las obras posteriores de Bernini, como la redención teológica, la fuerte experiencia subjetiva y el dominio técnico en representaciones sensuales de la figura humana. En contraste con las formas manieristas anteriores, que con frecuencia intentaban reproducir las antiguas tradiciones romanas y griegas, esta intensa representación del cuerpo también era única en el arte.
Bernini y otros maestros barrocos como Rubens y Caravaggio, por otro lado, abrieron el camino para una nueva forma de representar los cuerpos humanos con un nuevo énfasis en lo sensual.
Alma bendita (1619)
| Fecha de finalización | 1619 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 77 cm |
| Actualmente alojado | Palazzo di Spagna, Roma |
Esta escultura es una pieza complementaria a otra obra creada por Bernini conocida como El alma maldita. Bernini retrata a un espíritu rescatado levantando su rostro y mirando hacia arriba hacia los cielos en esta obra de arte. Su mirada indica que es una persona afortunada que ha sido testigo de la gracia de Dios. Como consecuencia, la belleza interior y la tranquilidad que viene de adentro son suficientes para ella. El realismo ayudó al escultor a poner características suaves en el pecho para demostrar una verdadera confianza. Los labios abiertos y los ojos abiertos transmiten la pureza que Bernini deseaba transmitir.
Además, su método en esta pieza era distintivo ya que buscaba representar polaridades en ciertas piezas.
Alma bendita (c. 1619) de Gian Lorenzo Bernini; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Esta es la razón por la que las dos esculturas compañeras están conectadas entre sí porque el ingenio utilizado para construir los bustos era casi idéntico. Bernini mantuvo el estilo barroco en gran respeto a lo largo de su profesión, como lo ven la mayoría de sus obras de arte. Utilizó la misma técnica en el Alma Bendita, que se suma a la lista del diseñador de numerosas obras barrocas que le valieron la reverencia en el mundo del arte. El mármol fue utilizado en la creación de la escultura de Bernini. En algunos de sus trabajos anteriores, ha utilizado mármol, y los resultados han sido impresionantes creaciones reconocidas en todo el mundo.
Es por eso que Bernini es un personaje muy conocido en el arte, y muchos artistas han seguido sus pasos, particularmente en la realización de esculturas significativas.
Eneas, Anquises y Ascanio (1619)
| Fecha de finalización | 1619 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 220 cm |
| Actualmente alojado | Galería Borghese |
Una vez que el Papa Pablo V vio las pinturas de Bernini, no podía creer que un niño tan pequeño tuviera tanta habilidad. El cardenal Scipione Borghese, quien adquirió la obra de arte, era un mecenas de las artes y amaba el dinero y el atractivo físico varonil. Se afirma que la obra de arte está inspirada en el trabajo de otros escultores conocidos como Miguel Ángel y Rafael.
Tres generaciones de la familia están representadas en este conjunto de tamaño natural.
Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619) de Gian Lorenzo Bernini; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Hay una aparente alusión al tema de las tres épocas del hombre en las imágenes del nieto, hijo y padre, que se representa comúnmente. Virgilio no explicó cómo Anquises fue transportado en la espalda de su hijo en la Eneida, y Bernini aceptó la tarea de representar el movimiento de una carga por una figura en movimiento, siguiendo los pasos de estatuas anteriores, incluida la Violación de las Sabinas por Giambologna.
Un primer plano de Eneas, Anquises y Ascanio (1619) de Gian Lorenzo Bernini; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Los personajes de Eneas y Anquises, y la combinación de vitalidad y edad avanzada que representan, están vinculados a la posición política del sobrino del Papa Benedicto XVI, Scipione Borghese, quien pudo ayudar a su anciano tío. Además, las dudas sobre la autoría de la escultura surgieron en el siglo 17: Joachim von Sandrart, un escritor alemán, atribuyó la estatua a Pietro y su descendencia, mientras que Domenico Bernini la acreditó a su padre.
Desde finales del siglo 19 hasta mediados del siglo 20, los historiadores del arte debatieron el tema hasta que se descubrió un registro de archivo que prueba el trabajo de Gian Lorenzo Bernini.
La violación de Proserpina (1622)
| Fecha de finalización | 1622 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 225 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Galería Borghese |
Esta estatua de Bernini representa una escena de las Metamorfosis de Ovidio en la que el dios Plutón se enamora de Proserpina y la secuestra en el mítico inframundo. Plutón se representa con una corona principesca y un bastón, mientras que Cerbero, el sabueso de tres cabezas, hace guardia en el fondo, asegurándose de que nadie interrumpa. Plutón agarra a Proserpina alrededor de las caderas y los muslos mientras trata de huir; ella empuja su cabeza hacia un lado mientras su otro brazo se estira impotente.
La preocupación de Bernini por presentar eventos en acción media explosiva es evidente en esta obra de arte, que invita al observador a ver la composición y quedar totalmente cautivado.
Domenico, su hijo, lo caracterizó como una «maravillosa yuxtaposición de sensibilidad y brutalidad», como se ve en las complejidades de los dedos de Plutón empujando los muslos de Proserpina, produciendo una impresión asombrosa en la que el mármol frío y duro parece suave y frágil en yuxtaposición a la brutalidad.
La violación de Proserpina (1621-1622) de Gian Lorenzo Bernini; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Según el experto en arte Daniele Pinton, la pieza es típica de una escultura de Bernini en el sentido de que «representa no a una persona sino a una ocurrencia». El escultor Bernini tiene como objetivo capturar un momento específico, y el drama se detiene en medio de la acción. El arte de Bernini también se construyó con frecuencia con la intención de mostrarse redondamente dentro de un área grande para que el espectador pudiera caminar a su alrededor y verlo desde todos los ángulos. Esto fue muy creativo para la época y le dio nueva vida al estilo.
Esta escultura es hoy considerada como un clásico barroco, y ha sido citada por artistas modernos como Jeff Koons, quien produjo una escultura de acero inoxidable en su estilo.
Neptuno y Tritón (1623)
| Fecha de finalización | 1623 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 182 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Victoria and Albert Museum, Londres |
Tritón está situado detrás de las rodillas de Neptuno en la obra de arte, empujando hacia adelante para hacer estallar la concha. Es un hombre joven, tal vez un adolescente, con músculos bien definidos. Tritón hace estallar su caparazón, señalando la llegada del gobernante de los mares y la tierra. Neptuno tiene la apariencia de un hombre de unos treinta años, con cabello rizado y vello facial. Sus piernas están separadas, y se está apoyando a sí mismo y a su hijo en una gran concha marina. Una enorme cortina oculta el hombro derecho de Neptuno y fluye entre sus musculosas piernas, revelando elementos de la anatomía masculina.
La obra de arte alude a las deidades míticas Neptuno y su hijo Tritón, que sirven como guardianes de los marineros. Neptuno y Tritón son dos dioses griegos que rara vez aparecen en los clásicos.
Neptuno y Tritón (1623) de Gian Lorenzo Bernini; Yair Haklai, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, eran considerados tan importantes como los amos de los océanos y la tierra. Es un error contemporáneo frecuente atribuir a Neptuno únicamente a los océanos. Sin embargo, en la mitología griega, él es el señor de la tierra y todo lo que tiene, al igual que Hades es considerado como el rey del Subterráneo y zeus se cree que es el gobernador de los cielos. De hecho, Tritón es la única figura que se asocia con el señor de los océanos. Los dos se muestran con frecuencia en entornos marinos, sosteniendo tridentes y conduciendo carruajes tirados por animales que salen del océano.
El escultor Bernini representa a la pareja bajo una luz ligeramente diferente.
Busto del Papa Urbano VIII (1623)
| Fecha de finalización | 1623 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 102 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Palacio Barberini |
El busto se encuentra actualmente en exhibición en el Palazzo Barberini en Roma. Esta no es la única variación de la estatua en circulación. Bernini esculpió una serie de estatuas del Papa Urbano VIII (Maffeo Barberini). Son una colección de esculturas de bronce y mármol con el mismo título. Debido a la escasez de pruebas, es imposible determinar cuándo Bernini trabajó en cualquiera de los bustos.
Se cree que la versión en el Palazzo Barberini fue construida entre 1632 y 1633.
Busto del papa Urbano VIII (1632-1633) de Gian Lorenzo Bernini; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Es posible ver cómo Bernini dio vida a la piedra mirando el busto del Papa Urbano VIII. Todo se reduce a los pequeños toques que agrega a la cara y la ropa de la modelo. Las complejidades en las pupilas, los pliegues en la mozzetta y la complejidad en el cabello del Papa, por ejemplo, hacen que el sujeto se vea realista. El uso del mármol por Bernini y el realismo realista en el busto crean la sensación de que la persona ha sido perfectamente conservada.
La autenticidad y minuciosidad de la escultura son típicas de la época barroca.
David (1624)
| Fecha de finalización | 1624 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 170 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Galería Borghese |
La estatua de David de Bernini representa la escena bíblica poco antes de que el joven lanzara la roca que mató al gigante Goliat, un logro que lo llevaría a ser proclamado rey. Su físico está contorsionado, y tiene una expresión enfocada y tensa en su rostro. Su mirada se concentra en el objetivo, y su figura está preparada, como un pistón a punto de desatarse, para azotar su brazo y lanzar la roca. El armamento está a sus pies, una referencia al libro sagrado, que afirma que David despojó su blindaje para permitirle más movilidad, reflejando su fe absoluta en la ayuda de Dios.
David era un tema favorito para los escultores del Renacimiento, incluidos Miguel Ángel, Donatello y Verrocchio.
David (1624) de Gian Lorenzo Bernini; León Negro, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, la escultura de Gian Lorenzo Bernini era marcadamente diferente de las típicas formas verticales y orientadas hacia adelante. Además, en lugar de representar a David derrotando al gigante, como era tradicional, lo representa a punto de disparar. Estatua de David de Bernini ejemplifica la representación distintiva de Bernini de la coyuntura fundamental. Incorpora la figura en una narrativa más amplia al generar la apariencia de movimiento a través de la posición y el lenguaje corporal de la estatua.
Las figuras contorsionantes y las cortinas intrincadamente talladas trascienden los confines de los huecos o zócalos y no pueden ser limitadas o contenidas por ninguna vista.
Un primer plano de David (1623-1624) de Gian Lorenzo Bernini; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Más bien, se invita al observador a pasear por la obra de arte, empapándose de todos y cada uno de los aspectos desde todos los puntos de vista. El hijo del escultor pensó que la cara de David era un autorretrato, lo que podría explicar cómo obtuvo el aspecto exacto que deseaba, proporcionando visión de cómo el escultor Bernini creó.
Esta obra ejemplifica la transición del Renacimiento al período barroco. Tradicionalmente, los pintores renacentistas se basaron en estatuas antiguas, pero Bernini las creó directamente de la realidad.
Santa Bibiana (1624)
| Fecha de finalización | 1624 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 243 cm |
| Actualmente alojado | Santa Bibiana |
La pontificación fue considerada como un presagio positivo para el comienzo del sacerdocio de Urbano VIII. Como resultado, comenzó a reconstruir la iglesia original en el Estilo barroco. Tanto un nuevo altar mayor de Santa Bibiana como el interior fueron construidos en conjunto con la construcción del edificio. Bernini fue contratado para hacer las esculturas y el trabajo de construcción. Ganó su primer salario en 1624 y su último pago en 1626 por su trabajo. Santa Bibiana está esculpida como una forma femenina erguida envuelta en una prenda con hojas de palma y pilares asociados.
El estilo de esta escultura se forma en torno a las emociones y movimientos de Santa Bibiana. Sus labios parecen abiertos, y ella está mirando hacia el cielo, provocando una tensión facial expresiva.
Santa Bibiana (1624) de Gian Lorenzo Bernini; WikiPaintings, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Una de sus manos está agarrando con calma la hoja de palma, mientras que la otra mano está suavemente acostada sobre la columna con el brazo en la parte delantera, simbolizando la oposición al cuento. La escultura no representa un período específico en la vida de Bibiana, sino más bien una figura definida por cuentos abstractos. Es concebible, sin embargo, discernir los sentimientos de Santa Bibiana y su enigmática lealtad. La estatua se encuentra en el otro extremo de la iglesia, en un hueco del altar.
La adición de una nueva ventana única sobre el altar agrega un brillante resplandor de luz a la imagen, lo que se suma a la atmósfera mágica.
Apolo y Dafne (1625)
| Fecha de finalización | 1625 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 243 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Galería Borghese |
Apolo y Dafne de Bernini, creados cuando tenía 27 años, es comparable a su otra escultura. El Violación de Proserpina en el sentido de que representa un hecho violento. Representa un incidente de las Metamorfosis de Ovidio en el que Apolo, el Dios patrón de la Poesía y la Luz, es atravesado por uno de los dardos de Cupido, lo que lleva a Apolo a enamorarse desesperadamente del sprite de agua Dafne.
Ella estaba dedicada a la deidad Diana y había prometido permanecer célibe por el resto de su vida, por lo que cuando él la persigue, ella apela a la Deidad del río en busca de ayuda. Esta obra de arte representa la conclusión de la narración cuando Diana es ayudada por los seres divinos y transformada en un árbol para evadir el cautiverio de Apolo.
En su día, el dominio del escultor Bernini de la fluidez y la tensión entre las dos figuras no tenía rival.
Apolo y Dafne (1622-1625) de Gian Lorenzo Bernini; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Las estatuas de Bernini se desviaron de las esculturas renacentistas anteriores en que la capa de Apolo gira alrededor de los personajes, atrayendo al observador a rastrearlo, y la composición representa la metamorfosis de Daphne. Por detrás, parece ser una hembra compuesta de músculo y hueso, pero solo al rodear la obra de arte puede el observador notar que sus trenzas y extremidades extendidas están brotando hojas y tallos. Esto produce una impresión dramática, un momento de gran movimiento y pasión que demuestra el dominio de Bernini del mármol.
El talento técnico de Bernini y su inventiva han influido en una gran cantidad de artistas contemporáneos, incluido Ian Hamilton Finlay, quien tomó prestado directamente de esta obra de arte en su pieza del mismo título.
Baldaquino de San Pedro (1634)
| Fecha de finalización | 1634 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones de la escultura | 28 m (altura) |
| Actualmente alojado | Ciudad del Vaticano |
Bernini creó el Baldaquino de San Pedro, un dosel de bronce intrincadamente curvo dentro de la Basílica de San Pedro de la Ciudad del Vaticano. Debido a sus vastas dimensiones y diseño intrincado, la cúpula rodea el altar mayor de la basílica y sirve como punto de enfoque. Cuatro pilares helicoidales se colocan sobre losas de piedra, con cuatro figuras enormes en cada cuadrante. La cumbre del dosel tiene un globo terráqueo y un crucifijo, los cuales representan la salvación de Cristo.
El baldaquino se encuentra justo debajo las cúpulas de la catedral y sobre la tumba de San Pedro. Llama la atención sobre lo divino de arriba, la esfera mundana de la basílica y la condenación de abajo al estar posicionado en este lugar.
Baldaquino de San Pedro (1634) de Gian Lorenzo Bernini; Dennis Jarvis de Halifax, Canadá, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Enfatiza la inmensa extensión del edificio y el tamaño de los individuos dentro de él, proporcionando un recordatorio permanente de la inmensidad de la creación Divina en comparación con los humanos que lo ocupan. Baldaquino fue un esfuerzo grupal. Bernini fue ayudado por su competidor Francesco Borromini, su hermano Luigi, su padre Pietro y otros artesanos que se sumaron a los aspectos ornamentales. Este logro cimentó la posición del artista como el escultor más famoso de Roma, y la noción de que estaba alojado bajo una cúpula diseñada por el maestro Miguel Ángel se sumó aún más a esa validez.
Busto de Costanza Bonarelli (1637)
| Fecha de finalización | 1637 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 72 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Museo Nazionale del Bargello |
Bernini produjo muchos bustos de retratos, pero este es notable porque no fue encargado; fue un esfuerzo «únicamente para el disfrute» para el creador. Retrata a la musa y amante del escultor Costanza en un estado semidesnudo. Sus labios ligeramente partidos añaden una tremenda seducción a la imagen como si estuviera esculpida de la realidad. Durante su romance, Costanza se casó con el colega de Bernini, Matteo Bonarelli. Para complicar aún más las cosas, Costanza más tarde tuvo un romance con Luigi, el hermano de Bernini, lo que llevó al escultor a exigir a un esclavo que cortara la cara de su amante.
Debido a la obvia controversia, la obra siempre ha despertado el interés del público.
Busto de Costanza Bonarelli (1637) de Gian Lorenzo Bernini; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
La característica más sorprendente de este busto, sin embargo, es retratar la increíble capacidad del escultor Bernini para crear la semejanza perfecta de alguien que estaba en el acto de hablar, en lugar de crear labios que simplemente fueron posados por el modelo. Creía que el mejor momento para ceder la boca del modelo era una vez que estaban a punto de hablar o acababan de hablar. Bernini ha capturado un aspecto fugaz que estamos convencidos de que fue el más distintivo de su modelo en esta obra de arte. El busto «encapsula la personalidad convincente del modelo».
El fervor de su edad, el descuido de sus acciones y la brillantez que la impulsaría a la fortuna y la fama están congelados en mármol.
El éxtasis de Santa Teresa (1652)
| Fecha de finalización | 1652 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 3.5 m (altura) |
| Actualmente alojado | Santa Maria Della Vittoria, Roma |
Santa Teresa de Ávila, mística y monja española, se muestra en esta escultura. Ella es representada sobre una nube, lo que implica su ascenso a los cielos, con rayos de luz de oro que fluyen sobre ella. La luz del día ambiental se infunde en el área a través de una abertura oculta sobre ella. Mientras una mirada de placer llena la cara de la monja, un ángel volador empuña una lanza lista para ser sumergida en su pecho.
Esta pieza ejemplifica el genio creativo y la originalidad de Bernini en el tratamiento del mármol, ya que los pliegues de la túnica de Teresa, en lugar de las arrugas reguladas de la escultura tradicional, se representan girando a su alrededor, lo que aumenta la sensación de movimiento.
El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652) de Gian Lorenzo Bernini; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Bernini se inspiró en la famosa representación de Teresa de sus experiencias místicas después de que la lanza penetró en su pecho dejándola completamente cautivada con una hermosa fe. La angustia era tan intensa que tuvo que llorar varias veces; y, sin embargo, este más profundo de los sufrimientos es tan increíblemente hermoso que es impensable desear liberarse de él, o que el espíritu esté satisfecho con algo menos que lo Divino. El público ha quedado cautivado por el placer representado en las palabras de Santa Teresa, y ha habido un debate sobre si la estatua retrata un encuentro sexual.
Algunos historiadores argumentan que este no era el objetivo del escultor en ese momento, pero las representaciones sensuales son precisas a la descripción de Teresa.
Busto de Luis XIV (1665)
| Fecha de finalización | 1665 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones de la escultura | 30 cm (altura) |
| Actualmente alojado | Palacio de Versalles |
Esta famosa escultura de Luis XIV de Francia, apodada la «mayor obra de retrato del período barroco», se realizó cuando en 1665 Bernini visitó París como parte de un intercambio político más amplio entre Francia y el papado. Se conserva dentro del Salón de Diane del Gran Apartamento del Rey en el Palacio de Versalles. Aunque el escultor Bernini fue originalmente comisionado para desarrollar nuevos conceptos para el Palacio del Louvre, declinó, debido a la animosidad generalizada entre el italiano Bernini y particulares individuos dentro de la corte francesa.
El busto, por otro lado, fue aclamado como un gran éxito. El busto tardó solo tres meses en esculpirse y fue tallado durante las sesiones del Rey.
Busto de Luis XIV (1665) de Gian Lorenzo Bernini; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons
Domenico Bernini, biógrafo de Bernini, y su hijo subrayaron el razonamiento creativo de su padre sobre por qué el Monarca consintió en posar durante un período tan largo, diciendo que el escultor eligió pintar a partir de la Realidad en lugar de dibujos. El artista también fue capaz de capturar todas las características del Emperador a través de encuentros con él. Según Bernini, «una sola similitud es insuficiente. Es necesario transmitir lo que está sucediendo en la mente de los líderes». Bernini retrató al rey como blindado, evocando a gobernantes heroicos como Alejandro Magno. El Emperador se muestra como una figura majestuosa, mezclando majestuosidad con una sensación de refinamiento opulento.
El arte de Bernini, específicamente las esculturas de Bernini, establecieron un estándar para los escultores del período barroco. Las estatuas de Bernini eran realistas y retrataban la emoción intensamente. Desde la estatua de David de Bernini hasta la de Luis XIV, siempre ha logrado capturar la esencia del carácter de la niñera y el movimiento de las modelos.
Preguntas Frecuentes
¿Fue el escultor Bernini siempre talentoso?
Se dice que Gian Lorenzo Bernini fue extremadamente talentoso desde una edad muy temprana. Su padre reconoció su habilidad desde que tenía solo ocho años. A partir de ahí, los dos trabajaron juntos para mejorar sus habilidades.
¿Qué estilo son las esculturas de Bernini?
Bernini fue un escultor en el período barroco. Era muy talentoso y creó muchos tipos de arte. También fue un arquitecto de la época barroca muy consumado.
