El Renacimiento es el período de tiempo después de la Edad Media, que abarca desde el siglo 15 hasta el siglo 17. La palabra renacimiento es de origen francés y se define como «renacimiento». Este es el nombre apropiado para este período, ya que es uno de los puntos más cruciales en la historia humana. Durante el Renacimiento, la humanidad resucitó la quintaesencia del período clásico en todas las épocas de la vida. Ciencia, política, economía y, sobre todo, artes. Algunas de las pinturas y esculturas más veneradas que existen fueron creadas durante el Renacimiento.
La historia del arte escultórico renacentista
Muchos factores complejos provocaron el inicio de la Periodo renacentista, como el aumento del intercambio cultural debido a las rutas comerciales y las guerras santas, innovaciones como la imprenta Gutenberg y la Peste Negra, que sacudió las creencias religiosas incuestionables de la gente. Sin embargo, uno de los factores más importantes se puede atribuir al redescubrimiento de textos antiguos. Los historiadores atribuyen este renacimiento al erudito italiano Francesco Petrarca.
Francesco Petrarca, comúnmente conocido como Petrarca, es importante para el Renacimiento en más de un sentido.
Jefe de Perfil francesco Petrarca, entre 1800 y 1849; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Petrarca descubrió cartas del erudito romano Cicerón, en las que encontró filosofías antiguas fundadas en la lógica y la razón. Esto llevó a otros eruditos de italia, y de Europa en su conjunto, a buscar textos más antiguos. Petrarca también llegó a ser conocido como el Padre del Humanismo, una filosofía que da importancia al hombre, en lugar del poder divino, controlando su destino. El humanismo se convirtió en una característica definitoria del Renacimiento.
Otras características definitorias incluyen el dominio de la perspectiva y el movimiento artístico naturalista.
Durante el Renacimiento, el arte y la ciencia se fusionaron, lo que permitió a los artistas utilizar las matemáticas para dominar la perspectiva lineal. Esto les permitió crear más imágenes en 3D, algo nunca antes explorado en el arte. Esto llevó a los artistas a tratar de representar las imágenes y esculturas más realistas que pudieran, un movimiento artístico ahora conocido como Naturalismo.
Una escultura de una estatua esculpiéndose a sí misma llamada The Driller (1901) de Charles Niehaus; Sturgis, Russell, Sin restricciones, vía Wikimedia Commons
El arte renacentista a menudo se divide en tres fases: Renacimiento temprano, Alto Renacimiento y Renacimiento tardío. Aunque muy similares, hay algunos factores distintivos entre estas tres fases. Durante el Renacimiento temprano, Florencia, que en este momento era una ciudad-estado independiente, fue el epicentro del arte en Italia. Esto se debió en gran parte al aumento del mecenazgo artístico de la Iglesia Católica y la Familia Medici en la zona. Se gastaron grandes cantidades de dinero, particularmente en esculturas, para decorar la ciudad. La mitología griega y romana eran los temas favoritos de los escultores del Renacimiento temprano.
El Alto Renacimiento es conocido por ser la cima del movimiento.
Durante esta fase, la escultura renacentista italiana se había extendido a otras ciudades importantes de Italia, especialmente a Roma. Los maestros de la escultura renacentista, el más famoso Miguel Ángel, fueron comisionados por la Iglesia Católica para producir esculturas para la Basílica de San Pedro y otros catedrales sagradas. Por esta razón, el Alto Renacimiento vio una disminución en los temas de la mitología griega y romana y un aumento en los temas del cristianismo.
Moisés (1513) de Miguel Ángel para la tumba del Papa Julio II; Luca Casartelli, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
El Renacimiento tardío es más claramente diferente de las dos fases anteriores gracias a la difusión del manierismo. Las esculturas del Alto Renacimiento exhibieron armonía, pensamiento y realismo. En contraste, el manierismo del Renacimiento tardío se caracterizó por la tensión, la emoción y la exageración. Se pensaba que los escultores del Renacimiento tardío no creían que pudieran exceder el trabajo de sus predecesores y, por lo tanto, tenían que hacer algo diferente.
El manierismo visto en el Renacimiento tardío a menudo se considera que se convierte en el Época barroca.
Las 10 esculturas renacentistas más famosas que existen
Algunas de las esculturas más hábilmente ejecutadas de la historia fueron creadas por escultores renacentistas. Su comprensión de la anatomía humana ay cómo trabajar su medio elegido es inigualable. Las famosas esculturas renacentistas se han convertido en iconos religiosos, así como en atracciones turísticas que han cautivado a personas de todos los ámbitos de la vida.
Puertas del Paraíso (c. 1425 – 1452) por Lorenzo Ghiberti
| Año de producción | c. 1425-1452 |
| Medio | Bronce dorado |
| Dimensiones | 473 cm x 767,5 cm |
| Ubicación actual | Muse dell ‘Opera del Cuomo, Florencia, Italia |
A menudo se cree que Ghiberti creó una de las primeras esculturas del Renacimiento. En 1403, la Iglesia Católica celebró un concurso para saber quién recibiría el encargo de esculpir las puertas del Baptisterio de Florencia. Ghiberti ganó el juicio con una puerta que consta de 28 paneles de bronce, cada uno representando un tema bíblico diferente.
Esto le tomó 21 años para completarlo.
En 1425, Ghiberti se puso a trabajar en las puertas de la entrada oriental del Baptisterio. Para completar este encargo, estableció un taller en Florencia que capacitaría a personas como Donatello y otros famosos escultores renacentistas. Incluso con la ayuda de sus aprendices, las puertas tardarían un total de 27 años en completarse.
Puertas del Paraíso (c. 1425-1452) de Lorenzo Ghiberti; Rijksmuseum, CC0, vía Wikimedia Commons
Las Puertas del Paraíso está formado por 10 paneles de bronce que han sido dorados con oro. Retrataron a varias personas que aparecen en el Antiguo Testamento, como Adán y Eva, Noé, José y otras figuras bíblicas importantes. Cada uno de estos paneles estaba enmarcado con vegetación ornamentada, estatuillas de profetas y bustos del artista y su padre.
El famoso escultor renacentista, Miguel Ángel, es en realidad quien nombró esta increíble pieza de arte renacentista. Al verlos, comentó que parecían la «Porta del Paradiso», o «Las Puertas del Paraíso». Hasta que Miguel Ángel les dio este apodo, simplemente se les conocía como las Puertas del Este.
David (c. 1430 – 1440) por Donatello
| Año de producción | c. 1430-1440 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 51 cm x 158 cm |
| Ubicación actual | Muse Nazionale del Bargello, Florencia, Italia |
David por Donatello es una de las esculturas más influyentes del Renacimiento. Creado en algún lugar entre los años 1430 a 1440, fue encargado por la familia Medici para su patio. Sin embargo, más tarde se trasladó al Palazzo Vecchio durante uno de los muchos exilios de los Medici de Florencia.
Donatello primero se formó como orfebre y más tarde en el famoso taller de Ghiberti en Florencia. Es aquí donde aprendió a manipular metales con tanta precisión. En años posteriores, Donatello se trasladaría a Roma para estudiar. Arte romano y arquitectura.
Durante el Renacimiento temprano, los temas de la antigua Roma y Grecia fueron muy prominentes en el arte renacentista, como se puede ver en muchas de las obras de Donatello.
David (c. 1430-1440) por Donatello; Donatello, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Hay dos características principales que hicieron del David de Donatello una de las esculturas renacentistas más famosas. Fue uno de los primeros desnudos independientes creados desde el Periodo clásico. Durante este tiempo, las esculturas casi siempre se incorporaron a la arquitectura del lugar para el que fueron diseñadas.
Esto solo hizo de esta estatua de David una escultura revolucionaria del Renacimiento.
Otra cosa que hizo a David tan único fueron las técnicas de naturalismo utilizadas por Donatello para crear la escultura. No solo era muy proporcionada, sino que también era una de las esculturas renacentistas italianas más precisas de la figura bíblica David. En la Biblia, David es solo un niño cuando derrota al gigante Goliat. Esto es para demostrar que incluso los débiles pueden vencer a los fuertes con Dios de su lado. Donatello muestra esto a través de su retrato casi afeminado de David. Un laurel, el símbolo romano de la victoria, también se puede ver en la cabeza de la escultura para significar su triunfo.
Judith y Holofernes (c. 1455 – 1460) por Donatello
| Año de producción | c. 1455-1460 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 236 cm |
| Ubicación actual | Palazzo Vecchio, Florencia, Italia |
Judith y Holofernes, creada alrededor de 1455, fue otra de las famosas Renaissa de Donatello.Esculturas. Encargado por los Medici, estaba destinado a acompañar a David. Aunque, a diferencia de David, Judith y Holofernes fue una vez dorada, como se puede ver por el oro restante en la espada de Judith. La escultura también mostraba originalmente la inscripción: «Los reinos caen por el pecado, las ciudades se levantan a través de las virtudes. He aquí el cuello del orgullo cortado por la mano de la humildad». Sin embargo, esto fue eliminado más tarde por la República debido a sus asociaciones con los Medici.
La escultura muestra la historia de Judith, una viuda judía, y Holofernes, el cruel comandante del ejército asirio. Holofernes planeó destruir la ciudad en la que vivía Judith. Para salvar a su pueblo, ella lo seduce y decapita mientras él está distraído. Al igual que el David de Donatello, esta escultura ilustra que incluso los débiles pueden triunfar sobre sus enemigos cuando están haciendo la obra de Dios.
Se cree que Donatello mostró el momento antes de la decapitación para transmitir la lucha moral de Judith entre romper uno de los 10 mandamientos y salvar su ciudad.
Judith y Holofernes (c. 1455-1460) por Donatello; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Judith y Holofernes fue una de las primeras esculturas renacentistas italianas que se crearon «en redondo». Esto significaba que se suponía que debía verse desde todos los ángulos sin una vista frontal clara. Esta técnica más tarde se hizo muy popular entre los escultores renacentistas. Judith y Holofernes es también la única de las esculturas de Donatello que firmó. Se piensa que esto se debe a que fue una de sus últimas creaciones y, por lo tanto, quiso inmortalizarse a través de su obra de arte.
Los historiadores del arte señalan que, aunque hay una gran cantidad de literatura del Renacimiento sobre las obras de donatello, hay muy poco sobre el propio artista. Muchos creen que esto se debe a que no era muy querido por varias razones.
En primer lugar, se creía que era de mal genio y prefería guardarse a sí mismo. En segundo lugar, se decía que era abiertamente homosexual, algo que no era aceptable en ese momento. Por último, y lo más importante, era un amigo cercano de la familia Medici, que eran odiados por la gente de Florencia por ser tiranos.
Piedad (c. 1498 – 1499) de Miguel Ángel
| Año de producción | c. 1498-1499 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones | 174 cm x 195 cm |
| Ubicación actual | Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano |
La Piedad de Miguel Ángel fue encargada por Jean de Bilhères, un cardenal francés con sede en Roma, para adornar su tumba. Miguel Ángel completó la Piedad alrededor de 1498, etapa en la que tenía poco más de veinte años. Si bien la escultura decoró el lugar de entierro del cardenal durante más de 200 años, más tarde se trasladó a la Basílica de San Pedro, en la Ciudad del Vaticano.
La Piedad representa a la Virgen María sosteniendo el cuerpo de Cristo en su regazo después de haber sido crucificado. Miguel Ángel ha sido elogiado por la precisión de sus formas humanas y su atención al detalle, especialmente cuando se trata de esculpir telas. También es capaz de transmitir, así como provocar, emociones intensas a través de sus obras de arte.
Si bien esta es una de las primeras esculturas importantes de Miguel Ángel, ya mostró las habilidades de un maestro de la escultura renacentista italiana.
Piedad (c. 1498-1499) de Miguel Ángel; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Aunque la Piedad es ampliamente considerada como una obra maestra, todavía recibió algunas críticas. Esto se refiere principalmente a la Virgen María, que parece demasiado joven para tener un hijo de mediana edad. Miguel Ángel era un hombre profundamente religioso y, por lo tanto, tenía una gran admiración por la Virgen María. Declaró que intencionalmente la esculpió para que se viera tan joven con el fin de expresar su pureza y santidad.
La Piedad es la única de sus esculturas que Miguel Ángel ha firmado. Se cree que escuchó a los espectadores discutir la belleza de la Piedad, sin embargo, estaban dando crédito por la escultura a un artista de otra región.
Por frustración, Miguel Ángel talló su nombre en el pecho de la Virgen María. Más tarde se arrepintió de esta decisión por ser demasiado vanidosa y nunca firmó otra de sus obras de arte.
David (c. 1501 – 1504) por Miguel Ángel
| Año de producción | c. 1501-1504 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones | 517 cm x 199 cm |
| Ubicación actual | Galleria dell’Accademia, Florencia, Italia |
David de Miguel Ángel es, con mucho, el más famoso del Renacimientoulpture. Fue creado en algún momento entre 1501 y 1504 a partir de mármol blanco prístino. Aunque fue encargado para la Piazza della Signoria en Florencia, ahora se encuentra en la Galleria dell’Accademia. Sin embargo, en años posteriores se creó una réplica de la estatua para la Piazza della Signoria para que todos los miembros del público pudieran verla.
Se cree que Miguel Ángel basó su David en el héroe grecorromano Hércules. Estas influencias de la era clásica son muy comunes en la escultura renacentista italiana. David recuerda a los desnudos de la antigüedad, mostrándolo como un espécimen masculino perfecto. Sin embargo, al mirar la escultura de cerca, se puede ver que tiene los ojos ligeramente cruzados. Los historiadores del arte han dicho que esta ligera imperfección fue intencional.
El defecto es supuestamente por respeto a los escultores del período clásico para mostrar que Miguel Ángel no estaba tratando de superarlos.
David (c. 1501-1504) por Miguel Ángel; Michelangelo, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
A diferencia de la mayoría de las representaciones de David en el arte renacentista, el David de Miguel Ángel no está acompañado por la cabeza de Goliat. En cambio, muestra a David en los momentos previos a su pelea con Goliat. David tiene una mirada de concentración y determinación en su rostro para mostrar que está listo para la batalla. Una pequeña catapulta se cuelga sobre su hombro, ilustrando el tema de la estrategia sobre la fuerza.
Durante el Renacimiento, Florencia era una república. Sin embargo, su libertad fue frecuentemente amenazada por la familia oligárquica Medici y otros poderosos estados italianos. Es por esta razón que el héroe bíblico David llegó a ser un símbolo de Florencia y su batalla con los tiranos.
Cuando la estatua de David de Miguel Ángel todavía estaba situada en la Piazza della Signoria, se colocó con su mirada fija en Roma, como una advertencia para no causar conflicto con Florencia.
Virgen de Brujas (c. 1501 – 1504) por Miguel Ángel
| Año de producción | c.1501-1504 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones | 200 cm |
| Ubicación actual | Onze Lieve Vrouwekerk, Burges, Bélgica |
Miguel Ángel completado Virgen de Brujas hacia 1501. La escultura fue encargada por un rico comerciante flamenco de lana para ser colocada en la capilla de su familia. Es, por lo tanto, el único de Esculturas de Miguel Ángel haber abandonado Italia durante su vida. Permanece en Bélgica en Onze Lieve Vrouwekerk.
La Virgen de Brujas es un retrato inusual de la arquetípica Madre y el Niño. Por lo general, la Virgen María se muestra mirando amorosamente al niño Jesús. Sin embargo, en la Virgen de Brujas se puede ver a María mirando al suelo, lejos de su hijo. Ella también apenas está sosteniendo al niño Jesús, que parece que está a punto de irse por su cuenta.
Se cree que la expresión solemne de María muestra que tiene una idea sobre el destino de su hijo.
Virgen de Brujas (c. 1501-1504) de Miguel Ángel; Miguel Ángel, CC0, vía Wikimedia Commons
Las representaciones típicas presentan a un niño Jesús sonriente, parecido a un querubín. Sin embargo, el niño Jesús en la Virgen de Brujas se ve tan pedregoso como la Virgen María. Esto es una vez más para demostrar que es consciente de su destino. La forma en que se encuentra sin mucha ayuda de María muestra que algún día se convertirá en un líder.
«Madonna de Brujas» tiene una historia muy enrevesada, habiendo sido robada a los belgas dos veces.
En 1794, la famosa escultura renacentista fue robada por los revolucionarios franceses, que se apoderaron de la zona y se llevaron a la Virgen de Brujas de vuelta con ellos a París. Permaneció en París hasta 1816, después de que Napoleón fuera exiliado. Luego fue robado nuevamente en 1944, durante la Segunda Guerra Mundial por los nazis que lo transportaron en secreto en una camioneta de la Cruz Roja. Afortunadamente, fue encontrado y devuelto a Bélgica dos años más tarde después del final de la guerra.
Hércules y Cacus (c. 1525 – 1534) por Bartolommeo Bandinelli
| Año de producción | c. 1525-1534 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones | 505 cm |
| Ubicación actual | Piazza della Signoria, Florencia, Italia |
La escultura renacentista italiana Hércules y Cacus fue completada por Bartolomeo Bandinelli alrededor de 1534. La historia de cómo la escultura llegó a existir es muy tumultuosa, muy afectada por la inestabilidad política de la época. También es probable que sea la razón por la que la escultura no recibió los elogios que recibe hoy en día durante el período del Renacimiento.
El proyecto fue originally comisionado en 1507 por el consejo republicano florentino bajo Piero Soderini. La comisión fue dada por primera vez a Miguel Ángel y estaba destinada a acompañar a su David. La escultura iba a celebrar la expulsión de los Medici, una familia de oligarcas, de Florencia en 1494. Sin embargo, el Papa Julio II mantenía a Miguel Ángel ocupado con varios proyectos en el Vaticano, tales como pintar el techo de la Capilla Sixtina.
Aunque Miguel Ángel prefería la escultura a la pintura, sentía que no podía decir que no a un Papa debido a sus creencias religiosas.
Hércules y Cacus (c. 1525-1534) de Bartolommeo Bandinelli; Morio, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
En el mismo año en que el consejo de la república encargó la escultura, hicieron extraer un bloque de mármol de Carrara para el proyecto. Sin embargo, en 1512 con la ayuda de la Iglesia Católica y las tropas españolas, los Medicis volvieron a controlar Florencia. Durante toda esta inestabilidad política el bloque de mármol había sido olvidado. Cuando fue redescubierto en 1523, Giulio de’ Medici ordenó a Bandinelli que lo tomara y creara una escultura para simbolizar a los Medicis conquistando a sus enemigos.
Sin embargo, en 1527 los Medicis fueron exiliados una vez más y el mármol fue entregado, a medio terminar, a Miguel Ángel.
Antes de que Miguel Ángel pudiera comenzar con la comisión, la familia Medici regresó a Florencia por última vez en 1530. El mármol fue devuelto a Bandinelli por los Medicis. Eligió el mito romano de Hércules y Cacus como su tema para la escultura. El mito es sobre el monstruo Cacus, que roba ganado de Hércules. Hércules, el héroe de la mitología romana, mata al monstruo. Hércules y Cacus llegaron a simbolizar a los Medici robando las libertades civiles de Florencia. Por esta razón, fue muy criticado durante su tiempo.
Perseo con la cabeza de Medusa (c. 1545 – 1554) por Benvenuto Cellini
| Año de producción | c. 1545-1554 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 24,5 cm x 71,5 cm |
| Ubicación actual | Muse Nazionale del Bargello, Florencia, Italia |
Perseo con la cabeza de Medusa fue creado alrededor de 1545 por el famoso escultor renacentista Benvenuto Cellini. Cellini fue entrenado originalmente como orfebre y el Perseo de bronce con la Cabeza de Medusa es un testimonio de su increíble habilidad para trabajar el metal.
La escultura ha sido señalada como uno de los ejemplos más ejemplares del manierismo del Renacimiento tardío.
Como muchas de las famosas esculturas renacentistas, Perseo con la Cabeza de Medusa fue encargado por la familia Medici. Cellini decidió utilizar una técnica para crear Perseo con la Cabeza de Medusa que no era típica de la época. Formó un singular molde con el que moldearía el bronce. Esto una vez más mostró sus increíbles habilidades como artista, ya que esta no fue una hazaña fácil.
Perseo con la cabeza de Medusa (c. 1545-1554) por Benvenuto Cellini; Bradley Weber, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Perseo con la cabeza de Medusa retrata una de las historias más conocidas de la mitología griega. En el mito, Perseo logra evitar ser convertido en piedra por la mirada de Medusa mirando su reflejo en su escudo. Cellini hizo referencia a esto en Perseo con la Cabeza de Medusa esculpiendo su propio reflejo en la parte posterior del casco de Perseo. El mito termina con Perseo cortando la cabeza de Medusa mientras duerme.
Cellini hizo de la base de su escultura parte de la escultura, algo bastante único en la época.
El cuerpo muerto de Medusa ha sido utilizado como la base sobre la que perseo se encuentra. Cellini también utilizó la base como una oportunidad para transmitir un mensaje político sutil. Las serpientes se arrastran fuera del cuerpo de la Gorgona, representando a los Medici tomando el control de la ciudad de Florencia y amenazando su democracia.
La Deposición (c. 1547 – 1555) de Miguel Ángel
| Año de producción | c. 1547-1555 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones | 277 cm |
| Ubicación actual | Muse dell ‘Opera del Cuomo, Florencia, Italia |
Miguel Ángel comenzó a trabajar en La Deposición en algún lugar alrededor de 1555 cuando tenía poco más de 70 años. Es una de las últimas cosas que esculpió antes de morir y no fue una obra por encargo. Por esta razón, se cree que tenía la intención de decorar su propia tumba.
Debido a su temática religiosa, a veces se le conoce como la «Piedad florentina».
La Deposición was esculpido en mármol blanco puro y se compone de cuatro figuras. Cristo, mientras es removido de la cruz, la Virgen María, María Magdalena, y el sacerdote que embalsamara a Cristo, Nicodemo. Muchos historiadores del arte creen que la figura de Nicodemo fue esculpida a semejanza del propio artista.
La Deposición (c. 1547 – 1555) de Miguel Ángel; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Se decía que Miguel Ángel a menudo trabajaba hasta altas horas de la noche en La Deposición. Una noche se frustró y llevó un martillo a la escultura, dañándola en varios lugares. No está claro qué lo hizo hacer esto. Algunos dicen que fue infelicidad con su trabajo, mientras que otros creen que es una lucha con sus creencias religiosas.
Cualesquiera que fueran sus razones, Miguel Ángel nunca volvió a trabajar en él, vendiéndolo en su estado dañado y a medio terminar.
La Deposición fue comprada por Francesco Bandini, un rico hombre de negocios florentino. Luego encargó a Tiberio Calcagni, un antiguo aprendiz de Miguel Ángel, que completara la escultura. Debido a este cambio de artista, junto con el daño que Miguel Ángel había causado, hay muchas inconsistencias en la escultura, como la pierna perdida de Cristo. La Deposición fue finalmente vendida, ahora completada, a Cosimo de ‘Medici III, quien luego la exhibió en varios museos de Florencia.
Secuestro de una mujer sabina (c. 1579 – 1583) por Giambologna
| Año de producción | c. 1579-1583 |
| Medio | Mármol |
| Dimensiones | 410 cm |
| Ubicación actual | Loggia dei Lanzi, Florencia, Italia |
El secuestro de una mujer sabina fue completado alrededor de 1579 por el escultor flamenco Giambologna. Giambologna se formó en Amberes cuando era niño y luego se mudó a Roma para estudiar con los maestros italianos.
Su estilo manierista fue particularmente influyente en el período barroco, que seguiría al Renacimiento tardío.
El secuestro de una mujer sabina, a menudo se llama violación de las mujeres sabinas. Sin embargo, esta es una traducción incorrecta del latín rapio, que en realidad significa «arrastrar». La escultura cuenta la leyenda romana en la que Rómulo, uno de los fundadores de Roma, secuestra a varias mujeres sabinas. Él y sus tropas necesitaban esposas para ayudarlos a poblar el área. Sin embargo, la tribu local Sabine no permitiría a los romanos casarse con ninguna de sus mujeres. Por lo tanto, organizaron un festival religioso como disfraz para reunir a todas las mujeres sabinas para que pudieran robarlas.
Secuestro de una mujer sabina (c. 1579-1583) por Giambologna; Rufus46, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
El secuestro de una mujer sabina está tallado en un singular bloque de mármol, algo que requiere una inmensa habilidad. Fue creado en la ronda y su compleja composición lo convierte en una obra de arte increíble desde todos los ángulos. Representa tres figuras en movimiento: una mujer sabina, con los brazos extendidos, tratando de huir, un soldado romano, con los músculos ondulados mientras intenta capturarla; y un hombre mayor, que algunos creen que es su padre y otros creen que es su esposo.
La clara emoción y el movimiento mostrado por Giambologna son los que hacen de «Abduction of a Sabine Woman» una obra de arte manierista tan importante.
El secuestro de una mujer sabina, encargado por la familia Medici, fue ampliamente celebrado durante el Renacimiento tardío. Bajo su patrocinio, los Medici prohibieron a Giambologna salir de Florencia. Esto se debía a que les preocupaba que los monarcas de España y Austria vieran su brillante trabajo y lo tentaran a venir a trabajar para ellos.
Así concluye nuestra lista de famosas esculturas renacentistas. Vimos una evolución de habilidades y temas desde el Renacimiento Temprano, a través del Alto Renacimiento, hasta los períodos del Renacimiento Tardío. La lista de magníficas esculturas que salieron de este período es muy amplia. Es por eso que sería imposible incluir todas las brillantes esculturas producidas durante este tiempo en una publicación de blog singular. Si te gustó leer sobre estas maravillosas esculturas y sus fascinantes historias, te animamos a explorar más a fondo.
¡Echa un vistazo a nuestra historia web de esculturas renacentistas aquí!
Preguntas Frecuentes
¿Qué características definen la escultura renacentista?
La escultura renacentista generalmente utiliza el naturalismo, que se esfuerza por hacer que sus temas sean lo más realistas posible utilizando la proporción y los detalles en profundidad. Casi siempre, el tema de la escultura se inspiró en temas romano-greco o cristianos. FinalDurante el Renacimiento tardío, muchas esculturas mostraban el manierismo, un movimiento artístico que utilizaba formas complejas y poses exageradas.
¿Cómo talló Miguel Ángel sus esculturas?
Miguel Ángel fue uno de los más grandes artistas del Renacimiento, e incluso de la historia en su conjunto. Por lo general, tallaba sus esculturas en un bloque singular de mármol utilizando una técnica llamada escultura sustractiva. Cuando se le preguntaba cómo creó esculturas tan hermosas, a menudo decía que simplemente estaba dejando libre lo que ya estaba en el mármol.
