La Danza de Matisse fue producida en 1910 para Sergei Shchuken, un hombre de negocios de Rusia. The Dance de Matisse presenta un círculo de figuras danzantes y es considerado como un punto culminante de la carrera del artista en el avance del arte contemporáneo. No es la primera pintura de Dancers y fue precedida por una versión preliminar que se ha titulado Dance (I) (1909). Fue seguido por el mural del tríptico titulado The Dance II en 1932.
La danza de Matisse
Henri Matisse estaba fascinado por la noción de baile y el potencial de ser movido por la música. Esta curiosidad se convirtió en un tema recurrente en las obras de Matisse. A pesar de esto, su pintura Bailarines no obtuvo la aclamación que tiene hoy en día cuando se presentó originalmente. En este artículo, trataremos de comprender una imagen llena de referencias inteligentes para que podamos apreciar mejor el espíritu real de los Bailarines Matisse.
Pero, ¿quién era el artista detrás de la famosa pintura del círculo de baile? Comencemos primero con una breve introducción al propio Matisse.
Una breve introducción a Henri Matisse
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 31 de diciembre de 1869 |
| Fecha de fallecimiento | 3 de noviembre de 1954 |
| Lugar de nacimiento | Niza, Francia |
Henri Matisse es típicamente reconocido como el colorista más destacado del siglo 20, rivalizando Pablo Picasso en lo que respecta a la importancia de su innovación. Fue un postimpresionista que creció hasta el reconocimiento como la cabeza del movimiento francés. Fauvismo. A pesar de su fascinación por Cubismo, lo evitó en favor de usar el color como piedra angular para lienzos expresivos, ornamentales y, muy a menudo, monumentales.
Una vez dijo, dudosamente, que quería producir un trabajo que tuviera «un efecto relajante y relajante en la psique, algo así como un buen sofá».
Retrato de Henri Matisse, 1933; Carl Van Vechten, dominio público, vía Wikimedia Commons
Las naturalezas muertas y la forma humana desnuda fueron temas amados durante todo el lapso de su vida; El norte de África también demostraría ser una influencia clave; y, al final de su vida, hizo una adición significativa a arte collage con un conjunto de piezas que utilizan formas recortadas en color. También fue un conocido escultor.
En las obras de arte fauve de Matisse, aplicó solo tonos puros y el blanco de los lienzos descubiertos para generar un ambiente lleno de luz. Matisse empleó secciones opuestas de color puro y no modulado para agregar dimensión y forma a sus pinturas en lugar de utilizar sombreado o modelado. Estos conceptos siguieron siendo significativos para él a lo largo de su mandato.
La obra de arte de Matisse fue muy influyente en la difusión de la importancia de la ornamentación en el arte contemporáneo.
A pesar de ser a menudo considerado un artista comprometido con la felicidad y una sensación de satisfacción, su aplicación de patrones y colores es a menudo desorientadora y aterradora. Los dibujos y pinturas de líneas de Matisse se inspiraron en gran medida en el arte de varias civilizaciones.
Según los informes, Matisse declaró que pretendía que su trabajo fuera uno de «armonía, pureza y tranquilidad libres de temas perturbadores o sombríos», y esta ambición influyó en aquellos, como Clement Greenberg, que recurrieron al arte para refugiarse de la confusión de la vida contemporánea. La obra de arte de Matisse se centró en el cuerpo humano. Destrozó la figura violentamente a veces, mientras que en otras la trató casi como una característica curva y ornamental. Parte de su arte reflejaba los estados de ánimo y las personalidades de sus sujetos, pero la mayoría de las veces, los utilizó como recipientes para sus propios sentimientos, reduciéndolos a cifrados en sus obras masivas.
Henri Matisse, París, 1913; Alvin Langdon Coburn, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Después de presenciar muchas exhibiciones de arte asiático e ir al norte de África, mezcló algunos de los aspectos decorativos del arte islámico, las formas angulares de las esculturas africanas y el aplanamiento de las impresiones japonesas en su propio enfoque.
En la década de 1950, los estudiosos vieron a Matisse y al fauvismo como precursores del expresionismo abstracto y la mayor parte del arte contemporáneo.
Alguno Expresionistas abstractos, como el artista Lee Krasner, están influenciados por los muchos medios de Matisse; sus recortes de papel la inspiraron a separar y recrear sus propias obras. Artistas del campo de color como Kenneth Noland y Marcos Rothko se sintieron atraídos por sus grandes campos de color intenso, como se muestra en el Estudio Rojo (1911).
En contraste, Richard Diebenkorn estaba más preocupado por cómo Matisse generaba la percepción de profundidad y la fricción espacial entre su tema y el lienzo plano. Muchos, como Robert Motherwell, no demostraron de inmediato el impacto de Matisse en sus obras, pero se vieron afectados por su perspectiva sobre el color y la forma en la pintura.
Las pinturas de danza de Matisse
Las obras de arte de Matisse con frecuencia incorporaban temas como la música y la danza. Tres de estas pinturas comparten el título La Danza, aunque la primera fue una versión preliminar y La Danza II fue un mural. Tocaremos las primeras pinturas de Dancers, pero nos centraremos en las dos últimas.
La danza (1910)
| Título | La Danza |
| Fecha de creación | 1910 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 260 cm x 391 cm |
| Ubicación actual | El Hermitage, San Petersburgo |
Matisse creó una versión temprana de esta pieza, conocida como Danza (I), en marzo de 1909. Es un ejercicio compositivo con colores más claros y menos detalles. La obra fue muy apreciada por el pintor, quien una vez la describió como «el pico abrumador de la brillantez». La danza es un gran panel ornamental producido junto con una pieza homóloga, Music (1910), para el industrial soviético y conocedor del arte Sergei Shchukin, con quien Matisse tenía un largo conocimiento.
Esta imagen, junto con «Música», colgaba en la escalera de la residencia de Shchukin en Moscú hasta la Revolución de Octubre en 1917.
La imagen representa a cinco individuos bailando en rojo brillante contra un fondo verde simple y un hermoso cielo azul. Recuerda el interés temprano de Matisse en el arte y emplea una paleta de colores fauvista tradicional: los fuertes colores cálidos contra el fondo verde-azul, así como la secuencia sincopada de figuras danzantes, comunican ideas de libertad emocional y decadencia. La imagen se conecta con frecuencia con la famosa composición musical de 1913 de Igor Stravinsky Dance of the Young Girls.
La danza (1910) de Henri Matisse; Michel B., CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Cuando Shchukin ordenó a Matisse que creara esta imagen, solicitó específicamente que los bailarines se disfrazaran. La decisión de Matisse de representarlos desnudos fue sensacional cuando lo exhibió en el Salón de Otoño de París. Algunos incluso lo acusaron de sufrir una dolencia mental. Su conexión artista/mecenas se vio tensa como resultado de esta situación.
Finalmente, los dos acordaron que los bailarines podrían ser representados desnudos, pero ningún genital sería retratado abiertamente.
The Dance es realmente una interpretación ampliada de una sección de la obra de arte de Matisse de 1905 The Joy of Life. Es históricamente significativo, particularmente en términos del surgimiento del movimiento fauvista. Matisse se inspiró para crear esta pintura después de presenciar a los trabajadores del campo bailando en la orilla del mar en el sur de Francia.
Le Bonheur de vivre (La alegría de la vida) (1905-1906) de Henri Matisse; Regan Vercruysse de Phelps, Nueva York, EE.UU., CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Las figuras parecen girar en un movimiento circular en ambas obras de arte. Matisse, por otro lado, incluye solo cinco figuras en su círculo en The Dance, en lugar de seis. Sus partes físicas se reducen, lo que las hace parecer no binarias, sin rasgos femeninos ni masculinos. Su tono de piel también está uniformemente bronceado.
La imagen es vasta, pero incluso en estas dimensiones, el encuadre es demasiado pequeño para la estatura de las figuras.
Matisse tuvo que hacer un arco en algunas de sus espaldas para que encajaran completamente dentro del marco. Como resultado, sus aspectos circulares atraen la atención del público: los personajes en la parte superior están enroscados como si arquearan la espalda, mientras que los de la parte inferior se extienden. Sus curvas dominan la imagen, y su forma circular, creada por manos entrelazadas, le da a la pintura una sensación de movimiento e impulso.
La danza II (1932)
| Título | La Danza II |
| Fecha de creación | 1932 |
| Medio | Mural |
| Dimensiones | 4 m x 13 m |
| Ubicación actual | Fundación Barnes |
Matisse también creó una pintura similar de Dancer, el mural The Dance II. El mural se instalaría sobre tres arcos que abarcan las ventanas de la sala principal de la galería de Barnes. Matisse completó el mural en Niza, Francia, nosotroslienzo dado por Barnes, en lugar de en el sitio. Esta era una técnica poco común para una pieza de este tipo, pero el benefactor le había dado una licencia artística ilimitada, y trabajar en el sitio habría sido impracticable en cualquier caso.
El esfuerzo fue un desafío para Matisse, y terminó llevándole dos años, dejándolo física y emocionalmente agotado. También se molestó profundamente al enterarse, durante la instalación, de que Barnes no tenía planes de mostrar la pieza al público. Sin embargo, Matisse estaba extasiado con la pieza. Matisse escribió:
«Tiene una magnificencia que uno solo puede imaginar hasta que uno lo ve, ya que todo el techo y sus bóvedas arqueadas cobran vida a través de la radiación, y el impacto primario corre hasta el piso … Estoy bastante cansado pero muy contento. Cuando vi que se colgaba la pintura, se divorció de que yo me convirtiera en parte de la estructura».
La danza II (1932) de Henri Matisse; Damien, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Algunos críticos creen que el mural de The Dance II fue significativo para permitir a Matisse reconectarse con los fundamentos más fundamentales de su pintura. Para Matisse, la pieza enfatizó características como la simplicidad, el aplanamiento, el enfoque de color y el uso de recortes de papel, todo lo cual eventualmente jugaría un papel esencial en su evolución creativa. Barnes concedió a Matisse total libertad creativa en términos de materia; el acuerdo solo definió el tamaño del mural y su ubicación en la pared sureste de la Galería Principal.
Matisse parece haber elegido el tema del baile desde el principio.
La Fundación Barnes le brindó la oportunidad de retomar su lugar como una figura prominente en el patrimonio del arte mural decorativo, y hacerlo públicamente y a gran escala. La Galería Principal de la Fundación presentó algunas de las pinturas más significativas de la segunda mitad del siglo 19 en 1930; ellos también presentarían al artista tanto una tarea como una posibilidad. La dificultad de Matisse fue ubicarse dentro de la herencia francesa de la decoración mientras proclamaba su trabajo como vanguardista.
Una pared con una placa de identificación colocada en la Fundación Barnes en Filadelfia; Thekohser, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
El uso de la danza como motivo, es decir, la representación de desnudos eternos que se mueven en círculo, no solo reconoció la herencia clásica, sino que también le permitió ilustrar la continuación de sus propias obras. Las decoraciones eran pinturas a gran escala creadas para encajar en un contexto específico, como una habitación privada o un lugar en una institución pública. La producción artística de Matisse fue impulsada por un método decorativo de pintura y pensamiento.
Matisse buscó una imagen cuya forma sea tensa y extensiva en lugar de cerrada y unida, y cuya superficie consista en amplias zonas de colores planos que desafían el sentido convencional de profundidad y su apelación a la contemplación paciente.
En cambio, los colores se extienden más allá de los cuatro bordes del lienzo, sumergiendo al espectador en una experiencia sensorial dinámica. Era obvio desde el principio que crear un diseño aceptable para el área donde colgaría The Dance sería difícil. Se suponía que el mural cubriría una gran área en la pared sur de la Galería Principal, sobre tres puertas francesas y debajo de los arcos curvos del techo. El área está dividida en tres lunetos semicontinuos por dos pechinas que descienden.
Matisse se dirigió a Niza para comenzar a trabajar en el mural después de finalizar el arreglo, llegando a mediados de enero de 1931. Comenzó alquilando un garaje vacío en el que podía trabajar a escala. Matisse comenzó a pintar los lienzos en algún momento durante este procedimiento. Le gustaba trabajar directamente en el lienzo, con una mínima investigación de detalles previos, pero se encontró con un problema: el mural era demasiado vasto para acomodar las alteraciones. Eliminar la pintura con un trapo empapado de trementina, o cubrir una etapa anterior, era una tarea considerablemente mayor que con un poco de pintura de caballete.
También tenía casi 60 años, y la tarea de crear el patrón repetidamente lo había fatigado.
Como resultado, ideó un método de diseño basado en recortes de papel: en lugar de pintar directamente sobre el lienzo, recortó papel colorido y lo unió a la superficie del mural inacabado y parcialmente pintado. Todos los bocetos y exploraciones de color anteriores de Matisse ahora se dejaron de lado, y comenzó de nuevo. Entendió lo que pretendía lograr esta vez y trabajó considerablemente más rápido. Colocó tres lienzos y dibujó en el nuevo grupo de bailarines después de verificar dos veces sus medidas.
En Además, modificó la composición. Donde anteriormente había construido un plano continuo de movimiento, ahora separó el trabajo en tres puntos de interés, posiblemente en reacción al tamaño recalculado de las pechinas, que ahora eran dos veces más amplias que en el plan anterior. También amplió el número de figuras de seis a ocho, colocando dos bailarines para cada uno de los tres lunetos e introduciendo un par de diosas, una debajo de cada una de las pechinas, para servir como puente de una luneta a la siguiente.
Esta impresión de expansión, fractura y movimiento tenía la intención de involucrar al observador en una interacción activa y activa con el entorno de la habitación adyacente.
Matisse afirmó que los fondos negros de los paneles continuaron la región entre las puertas, produciendo la ilusión de una «base monumental para la bóveda». La oscuridad también contrastaba con las regiones de luz brillante que entraban en el espacio a través de las puertas francesas. Las figuras grises estaban destinadas a representar la piedra de la arquitectura adyacente, mientras que el azul y el rosa estaban destinados a recordar el cielo justo por encima del paisaje visible a través de las puertas. El acorde de color también incluía el verde de la hierba, los árboles y las plantas.
Análisis de la danza Matisse
Las elecciones artísticas de Henri Matisse para esta pintura generaron un gran revuelo en los salones de arte de 1910; la desnudez descarada y los colores torpemente colocados le dieron a la obra de arte un aspecto primario que algunos observadores percibieron como bárbaro. Matisse representó esta celebración en solo tres colores: azul, verde y rojo. Estos tres colores vibrantes proporcionan un contraste dramático, de acuerdo con las connotaciones de color tradicionales del fauvismo. Según un crítico de arte que observó a Matisse produciendo la pintura en su taller, «los colores eran puros de los tubos».
Debido a la economía del diseño y el detalle, las cifras no están claras; ni sus expresiones faciales ni su género se identifican fácilmente. Contra los fondos azules y verdes, las siluetas de tonos rojos están simplemente contorneadas con curvas gruesas. Matisse investigó la interacción entre colores y líneas para lograr la armonía; los colores, para él, no fueron diseñados para operar de forma aislada.
Además, no hay aspectos estructurales o paisajísticos que generen una sensación de escala o perspectiva. El gran lienzo presenta un fondo bastante plano, con la gente que baila como el punto focal principal.
Los fauves compartían la curiosidad de los primitivistas en las tribus indígenas, y el primitivismo los motivó a producir arte que volviera al espíritu de creación y comunión. Las figuras toscamente esbozadas en la danza recuerdan la estética primitivista, y el tema, individuos que se comunican dentro de un terreno vacío, tal vez «virgen», podría entenderse como un defensor de una reunión requerida con la naturaleza. La desnudez de la figura, por ejemplo, simboliza un rechazo de la sociedad contemporánea.
La obra de arte se transforma en un símbolo de unidad entre la humanidad, el cielo y la naturaleza. El objetivo de Matisse era producir una síntesis del primitivismo; las formas incómodas inspiradas en el arte rudimentario y popular, así como los colores brillantes y vivos, el instinto reflejado y el entorno. Los individuos están completamente absortos en su baile, indiferentes a cualquier deber cotidiano o empleo.
Matisse se centra en el movimiento y el ritmo creado por los bailarines más que en su aspecto único. La danza es el mayor emblema de la reunión individual.
Los cinco personajes caminan de la mano en un anillo, pero a la izquierda, podemos ver que las manos de las dos personas están divididas; se rozan entre sí en lugar de sostenerse. Matisse, por otro lado, colocó deliberadamente la ruptura donde cubre la pierna de la otra figura para no interrumpir la armonía de los colores y el círculo. Debido a que el punto de la ruptura es el más cercano a la ubicación del espectador, puede tomarse como una invitación a participar en el baile.
El círculo viene a identificar a los que «están afuera», y así unir a las personas. Los bailarines de Matisse se encuentran en una situación similar a la de The Joy of Life. El tema despertó el interés de Matisse lo suficiente como para aislarlo y dedicarle toda una pintura. Sin embargo, basándose en la investigación de Charles Caffin, la obsesión de Matisse con el baile comenzó en el Moulin de la Galette, donde veía bailar a la gente. Este tipo de baile popular contrasta con formas de danza más formales, convencionales o clásicas como el ballet. La Danza, de esta manera, proporciona un comentario sobre el desarrollo de la danza.
Bal du moulin de la Galette (Baile en el Moulin de la Galette) (1876) de Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar de la manera simple de la pintura, Matisse logró capturar una sensación de movimiento y espacio en la Danza: el cielo ilimitado y las curvas redondeadas que componen el suelo parecen estar imbuidos de parte de la energía que irradia de los cuerpos cargados rítmicamente. Los personajes parecen estar en trance, y el observador puede prácticamente escuchar el golpeteo de los tambores e imaginar una danza furiosa mientras giran en círculo. Debido a que la música proporciona ritmo, la articulación de la danza con la música es crucial.
En este sentido, es intrigante comparar la Danza con su Música equivalente. El movimiento continuo de la danza contrasta fuertemente con la música, donde los sujetos están inmóviles. Los vocalistas casi parecen ser espectadores, mirando a los bailarines mientras ponen sus brazos sobre sus rodillas.
Con esto concluye nuestra mirada a «La Danza» de Matisse. «The Dance» de Matisse representa un círculo de baile de individuos y es reconocido como un punto culminante en la carrera del artista, así como en el crecimiento del arte moderno. No es la primera pintura de «Bailarines», aunque fue precedida por una versión preliminar titulada «Danza» (I) (1909). En 1932, fue seguido por «The Dance II», un mural tríptico.
Preguntas Frecuentes
¿Cuál es un ejemplo del dibujo de líneas de Matisse?
Había mucha superposición entre las pinturas, bocetos y obras de arte recortadas de Henri Matisse. Al observar las técnicas de creación de este artista, se podría argumentar que tiene más sentido verlo como un todo en lugar de dividirlo en diferentes medios. Un ejemplo de los dibujos lineales de Matisse es Vase de Fleurs (1944).
¿Puedes dar un breve análisis de la danza Matisse?
La pintura de los Bailarines de Matisse usó solo tres tonos para expresar esta celebración: azul, verde y rojo. En línea con las implicaciones de color típicas del fauvismo, estos tres tonos brillantes hacen un contraste dramático. «Los colores eran frescos de los tubos», dijo un crítico de arte que vio a Matisse trabajando en la pintura en su taller. Las figuras son oscuras debido a la economía del diseño y el detalle; ni sus expresiones faciales ni su género están claramente determinados.
