La Danza de Matisse fue creada en 1910 para Sergei Shchuken, un hombre de negocios ruso. Esta obra presenta un círculo de figuras danzantes y es considerada un punto culminante en la carrera del artista en el avance del arte contemporáneo. No es la primera pintura de bailarines, ya que fue precedida por una versión preliminar titulada Danza (I) en 1909. Más tarde, Matisse creó el mural del tríptico titulado La Danza II en 1932.
Análisis de «La danza» de Matisse
Henri Matisse se sentía fascinado por la idea del baile y cómo la música podía mover a las personas. Esta fascinación se reflejó en muchas de sus obras. Sin embargo, su pintura «Bailarines» no fue muy aclamada cuando se presentó por primera vez, a diferencia de su reconocimiento actual. En este artículo, vamos a explorar esta imagen llena de referencias inteligentes para poder apreciar mejor el verdadero espíritu de los «Bailarines» de Matisse.
Pero, ¿quién fue el artista detrás de la famosa pintura del círculo de baile? Comencemos con una breve introducción al propio Matisse.
Una breve introducción a Henri Matisse
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 31 de diciembre de 1869 |
| Fecha de fallecimiento | 3 de noviembre de 1954 |
| Lugar de nacimiento | Niza, Francia |
Henri Matisse es comúnmente reconocido como el colorista más destacado del siglo XX, rivalizando con Pablo Picasso en cuanto a la importancia de su innovación. Surgió como un destacado postimpresionista y se convirtió en el líder del movimiento francés conocido como Fauvismo. Aunque estaba fascinado por el Cubismo, optó por no seguir esa dirección, prefiriendo utilizar el color como elemento fundamental en sus lienzos expresivos, ornamentales y, con frecuencia, monumentales.
Una vez expresó, con cierta duda, su deseo de crear una obra que tuviera «un efecto calmante y tranquilizador en la psique, similar al de un buen sofá».
A lo largo de su vida, Henri Matisse tuvo un profundo amor por las naturalezas muertas y la representación del cuerpo humano desnudo. Además, la influencia del norte de África desempeñó un papel clave en su obra. Hacia el final de su vida, Matisse realizó una contribución significativa al arte del collage, utilizando formas recortadas en color en una serie de piezas. También se destacó como escultor.
En sus obras fauvistas, Matisse utilizaba únicamente tonos puros y dejaba partes del lienzo sin pintar para crear un ambiente lleno de luz. En lugar de sombreados o modelado, empleaba secciones contrastantes de color puro y sin modular para dar dimensión y forma a sus pinturas. Estos conceptos siguieron siendo fundamentales para él a lo largo de su carrera.
La obra de Matisse tuvo una gran influencia en la promoción de la importancia de la ornamentación en el arte contemporáneo.
Aunque a menudo se le considera un artista comprometido con la felicidad y la sensación de satisfacción, la aplicación de patrones y colores de Matisse puede resultar desorientadora y, a veces, incluso inquietante. Sus dibujos y pinturas de líneas se inspiraron en gran medida en el arte de diversas civilizaciones.
Según los informes, Matisse expresó su deseo de que su obra fuera una de «armonía, pureza y tranquilidad, libre de temas perturbadores o sombríos». Esta ambición influyó en aquellos, como Clement Greenberg, que recurrieron al arte en busca de refugio frente a la confusión de la vida contemporánea. La obra de Matisse se centró en el cuerpo humano, a veces lo desgarraba violentamente, mientras que otras veces lo trataba casi como una característica curva y ornamental. Parte de su arte reflejaba los estados de ánimo y personalidades de sus sujetos, pero en su mayoría los utilizaba como recipientes para sus propios sentimientos, reduciéndolos a símbolos en sus obras monumentales.
Después de asistir a numerosas exposiciones de arte asiático y de viajar al norte de África, Matisse incorporó algunos aspectos decorativos del arte islámico, las formas angulares de las esculturas africanas y el efecto de aplanamiento de las impresiones japonesas en su propio estilo artístico.
En la década de 1950, los estudiosos comenzaron a considerar a Matisse y al fauvismo como precursores del expresionismo abstracto y de gran parte del arte contemporáneo.
Algunos expresionistas abstractos, como la artista Lee Krasner, fueron influenciados por los diversos medios de Matisse; sus recortes de papel la inspiraron a descomponer y reconfigurar sus propias obras. Artistas del campo del color, como Kenneth Noland y Mark Rothko, se vieron atraídos por sus amplios campos de color intenso, como se observa en «El estudio rojo» (1911).
En contraste, Richard Diebenkorn estaba más interesado en cómo Matisse lograba crear la ilusión de profundidad y la tensión espacial entre su tema y el lienzo plano. Muchos artistas, como Robert Motherwell, no mostraron de inmediato el impacto de Matisse en sus obras, pero se vieron influenciados por su enfoque del color y la forma en la pintura.
Las pinturas de danza de Matisse
Las obras de arte de Matisse a menudo incorporaban temas como la música y la danza. Tres de estas pinturas comparten el título «La Danza», aunque la primera fue una versión preliminar y «La Danza II» fue un mural. Abordaremos las primeras pinturas de bailarines, pero nos centraremos principalmente en las dos últimas.
La danza (1910)
| Título | La Danza |
| Fecha de creación | 1910 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 260 cm x 391 cm |
| Ubicación actual | El Hermitage, San Petersburgo |
Matisse creó una versión temprana de esta pieza, conocida como Danza (I), en marzo de 1909. Se trata de un ejercicio compositivo con colores más claros y menos detalles. Esta obra fue altamente valorada por el pintor, quien en una ocasión la describió como «el pináculo abrumador de la brillantez». La Danza es un gran panel ornamental producido junto con una pieza homóloga, Música (1910), para el industrial soviético y conocedor del arte Sergei Shchukin, con quien Matisse mantenía una relación de largo tiempo.
Este cuadro, junto con el cuadro «Música», adornaba la escalera de la residencia de Shchukin en Moscú hasta la Revolución de Octubre en 1917.
La obra representa a cinco individuos bailando en un rojo brillante contra un fondo verde simple y un hermoso cielo azul. Esta pieza recuerda el interés temprano de Matisse en el arte y emplea una paleta de colores tradicionalmente fauvista: los colores cálidos y fuertes contrastan con el fondo verde-azul. Además, la secuencia sincopada de figuras danzantes transmite ideas de libertad emocional y decadencia. La imagen está frecuentemente relacionada con la famosa composición musical de 1913 de Igor Stravinsky, «Danza de las jóvenes».
Cuando Shchukin encargó a Matisse que creara esta imagen, solicitó específicamente que los bailarines estuvieran vestidos. Sin embargo, la decisión de Matisse de representarlos desnudos causó sensación cuando se exhibió en el Salón de Otoño de París. Algunos incluso lo acusaron de sufrir una dolencia mental. Esta situación tensó la relación entre el artista y su mecenas.
Finalmente, ambos acordaron que los bailarines podrían ser representados desnudos, pero sin mostrar abiertamente ningún órgano genital.
«La danza» es en realidad una interpretación ampliada de una sección de la obra de Matisse de 1905 «La alegría de vivir». Esta conexión es históricamente significativa, especialmente en términos del surgimiento del movimiento fauvista. Matisse se inspiró para crear esta pintura después de presenciar a los trabajadores del campo bailando en la orilla del mar en el sur de Francia.
Las figuras parecen girar en un movimiento circular en ambas obras de arte. Sin embargo, Matisse opta por incluir solo cinco figuras en su círculo en «La Danza», en lugar de seis. Además, las características físicas de estas figuras se reducen, lo que las hace parecer no binarias, sin rasgos definidos de género. Además, su tono de piel está uniformemente bronceado.
La pintura es amplia, pero incluso en estas dimensiones, el encuadre resulta demasiado pequeño para la estatura de las figuras.
Matisse tuvo que arquear algunas de las espaldas de las figuras para que encajaran completamente dentro del marco. Como resultado, sus aspectos circulares captan la atención del público: los personajes en la parte superior parecen estar arqueando la espalda, mientras que los de la parte inferior se extienden. Sus curvas dominan la imagen, y la forma circular, creada por manos entrelazadas, le da a la pintura una sensación de movimiento e impulso.
La danza II (1932)
| Título | La Danza II |
| Fecha de creación | 1932 |
| Medio | Mural |
| Dimensiones | 4 m x 13 m |
| Ubicación actual | Fundación Barnes |
Matisse también creó una pintura similar de bailarines, el mural «La Danza II». Este mural se instalaría sobre tres arcos que abarcaban las ventanas de la sala principal de la galería de Barnes. Matisse completó el mural en Niza, Francia, utilizando un lienzo proporcionado por Barnes en lugar de trabajar directamente en el sitio. Aunque esta era una técnica poco común para una obra de este tipo, el benefactor le había dado una licencia artística ilimitada, y trabajar en el sitio habría sido impracticable de todas formas.
El esfuerzo resultó ser un desafío para Matisse, y terminó llevándole dos años, dejándolo física y emocionalmente exhausto. Además, se sintió profundamente molesto al enterarse, durante la instalación, de que Barnes no tenía planes de mostrar la pieza al público. A pesar de esto, Matisse estaba extasiado con la obra. Escribió:
«Tiene una magnificencia que uno solo puede imaginar hasta que lo ve, ya que todo el techo y sus bóvedas arqueadas cobran vida a través de la radiación, y el impacto primario corre hasta el piso … Estoy bastante cansado pero muy contento. Cuando vi que la pintura se colgaba, sentí que me había convertido en parte de la estructura».
Algunos críticos creen que el mural «La Danza II» fue significativo al permitir que Matisse se reconectara con los fundamentos más básicos de su pintura. Para Matisse, la pieza enfatizaba características como la simplicidad, el aplanamiento, el enfoque en el color y el uso de recortes de papel, elementos que eventualmente desempeñarían un papel esencial en su evolución creativa. Barnes concedió a Matisse total libertad creativa en términos de contenido; el acuerdo solo definía el tamaño del mural y su ubicación en la pared sureste de la Galería Principal.
Matisse parece haber elegido el tema del baile desde el principio.
La Fundación Barnes le brindó la oportunidad de retomar su lugar como una figura prominente en el patrimonio del arte mural decorativo, y lo hizo de manera pública y a gran escala. La Galería Principal de la Fundación presentó algunas de las pinturas más significativas de la segunda mitad del siglo XIX en 1930; esto también ofreció tanto un desafío como una oportunidad al artista. La dificultad para Matisse radicaba en ubicarse dentro de la tradición francesa de la decoración mientras afirmaba su trabajo como vanguardista.
El uso de la danza como motivo, es decir, la representación de desnudos eternos que se mueven en círculo, no solo reconocía la herencia clásica, sino que también le permitía ilustrar la continuación de sus propias obras. Las decoraciones eran pinturas a gran escala creadas para ajustarse a un contexto específico, como una habitación privada o un espacio en una institución pública. La producción artística de Matisse estaba impulsada por un método decorativo de pintura y pensamiento.
Matisse buscaba una imagen cuya forma fuera tensa y extensiva en lugar de cerrada y unida, y cuya superficie estuviera compuesta por amplias zonas de colores planos que desafiaran el sentido convencional de profundidad y apelaran a la contemplación paciente.
En cambio, los colores se extienden más allá de los cuatro bordes del lienzo, sumergiendo al espectador en una experiencia sensorial dinámica. Era evidente desde el principio que crear un diseño adecuado para el área donde se colgaría «La Danza» sería difícil. Se suponía que el mural cubriría una gran área en la pared sur de la Galería Principal, sobre tres puertas francesas y debajo de los arcos curvos del techo. El área está dividida en tres lunetos semicontinuos por dos pechinas que descienden.
Matisse se trasladó a Niza para comenzar a trabajar en el mural después de finalizar los arreglos, llegando a mediados de enero de 1931. Alquiló un garaje vacío como espacio de trabajo a escala. Durante este proceso, Matisse comenzó a pintar directamente sobre los lienzos. Le gustaba trabajar de esta manera, con una mínima planificación previa, pero se encontró con un problema: el mural era demasiado vasto para hacer alteraciones fácilmente. Eliminar la pintura con un trapo empapado en trementina, o cubrir una etapa anterior, resultaba una tarea considerablemente más difícil que con una pintura de caballete habitual.
También, dado que tenía casi 60 años, la tarea de crear el patrón repetidamente lo había fatigado.
Como resultado, ideó un método de diseño basado en recortes de papel: en lugar de pintar directamente sobre el lienzo, recortaba papel colorido y lo adhería a la superficie del mural inacabado y parcialmente pintado. Todos los bocetos y exploraciones de color anteriores de Matisse quedaron atrás, y comenzó de nuevo. Ahora entendía lo que pretendía lograr y trabajaba considerablemente más rápido. Colocó tres lienzos y dibujó en el nuevo grupo de bailarines después de verificar dos veces sus medidas.
Además, modificó la composición. Donde anteriormente había creado un plano continuo de movimiento, ahora dividió el trabajo en tres puntos de interés, posiblemente en respuesta al tamaño recalculado de las pechinas, que ahora eran dos veces más amplias que en el plan anterior. También amplió el número de figuras de seis a ocho, colocando dos bailarines para cada uno de los tres lunetos e introduciendo un par de diosas, una debajo de cada pechina, para servir como puente de una luneta a la siguiente.
Esta impresión de expansión, fractura y movimiento estaba destinada a involucrar al observador en una interacción activa y dinámica con el entorno de la habitación adyacente.
Matisse afirmó que los fondos negros de los paneles continuaban la región entre las puertas, produciendo la ilusión de una «base monumental para la bóveda». La oscuridad también contrastaba con las regiones de luz brillante que entraban en el espacio a través de las puertas francesas. Las figuras grises representaban la piedra de la arquitectura adyacente, mientras que el azul y el rosa evocaban el cielo justo por encima del paisaje visible a través de las puertas. El esquema de colores también incluía el verde de la hierba, los árboles y las plantas.
Análisis de la danza Matisse
Las elecciones artísticas de Henri Matisse para esta pintura causaron un gran revuelo en los salones de arte de 1910; la desnudez descarada y los colores torpemente colocados le dieron a la obra un aspecto primitivo que algunos observadores percibieron como bárbaro. Matisse representó esta celebración utilizando solo tres colores: azul, verde y rojo. Estos tres colores vibrantes proporcionan un contraste dramático, en línea con las connotaciones de color tradicionales del fauvismo. Según un crítico de arte que observó a Matisse produciendo la pintura en su taller, «los colores eran puros de los tubos».
Debido a la economía del diseño y el detalle, las figuras no están claramente definidas; ni sus expresiones faciales ni su género se identifican fácilmente. Contra los fondos azules y verdes, las siluetas en tonos rojos están simplemente delineadas con curvas gruesas. Matisse investigó la interacción entre colores y líneas para lograr la armonía; para él, los colores no fueron concebidos para operar de forma aislada.
Además, no hay elementos estructurales o paisajísticos que generen una sensación de escala o perspectiva. El gran lienzo presenta un fondo bastante plano, con las personas bailando como el punto focal principal.
Los fauvistas compartían la curiosidad de los primitivistas hacia las tribus indígenas, y el primitivismo los motivó a producir arte que regresara al espíritu de la creación y la comunión. Las figuras toscamente esbozadas en «La Danza» recuerdan la estética primitivista, y el tema de individuos que se comunican dentro de un terreno vacío, posiblemente «virgen», podría interpretarse como una llamada a una conexión necesaria con la naturaleza. La desnudez de las figuras, por ejemplo, simboliza un rechazo a la sociedad contemporánea.
La obra de arte se transforma en un símbolo de unidad entre la humanidad, el cielo y la naturaleza. El objetivo de Matisse era producir una síntesis del primitivismo; las formas incómodas inspiradas en el arte rudimentario y popular, así como los colores brillantes y vivos, reflejan el instinto y el entorno. Los individuos están completamente absortos en su baile, indiferentes a cualquier deber cotidiano o empleo.
Matisse se centra en el movimiento y el ritmo creado por los bailarines más que en sus características individuales. La danza se convierte en el mayor emblema de la unión entre individuos.
Los cinco personajes caminan de la mano en un anillo, pero a la izquierda, podemos ver que las manos de dos personas están separadas; se rozan entre sí en lugar de sostenerse. Matisse, por otro lado, colocó deliberadamente la ruptura donde cubre la pierna de la otra figura para no interrumpir la armonía de los colores y el círculo. Dado que el punto de la ruptura está más cerca de la ubicación del espectador, puede interpretarse como una invitación a participar en el baile.
El círculo viene a identificar a aquellos que «están afuera», y así unir a las personas. Los bailarines de Matisse se encuentran en una situación similar a la de «La alegría de Vivir». El tema despertó el interés de Matisse lo suficiente como para aislarlo y dedicarle toda una pintura. Sin embargo, según la investigación de Charles Caffin, la obsesión de Matisse con el baile comenzó en el Moulin de la Galette, donde observaba a la gente bailar. Este tipo de baile popular contrasta con formas de danza más formales, convencionales o clásicas como el ballet. «La Danza», de esta manera, proporciona un comentario sobre el desarrollo de la danza.
A pesar de la aparente simplicidad de la pintura, Matisse logró capturar una sensación de movimiento y espacio en «La Danza»: el cielo ilimitado y las curvas redondeadas que componen el suelo parecen estar impregnados de parte de la energía que emana de los cuerpos cargados rítmicamente. Los personajes parecen estar en trance, y el observador puede prácticamente escuchar el golpeteo de los tambores e imaginar una danza furiosa mientras giran en círculo. Dado que la música proporciona ritmo, la articulación de la danza con la música es crucial.
En este sentido, es intrigante comparar «La Danza» con su equivalente «La Música». El movimiento continuo de la danza contrasta fuertemente con la quietud de la música, donde los sujetos están inmóviles. Los vocalistas casi parecen ser espectadores, mirando a los bailarines mientras ponen sus brazos sobre sus rodillas.
Con esto concluye nuestra exploración de «La Danza» de Matisse. «The Dance» representa un círculo de bailarines y es reconocido como un punto culminante en la carrera del artista, así como en el desarrollo del arte moderno. Aunque no es la primera pintura de bailarines, fue precedida por una versión preliminar titulada «La Danza» (I) (1909). En 1932, fue seguida por «La Danza II», un mural tríptico.
Preguntas Frecuentes
¿Dónde se puede ver la obra de «La Danza» de Matisse?
«La Danza» es una pintura creada por Matisse en 1910. Se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York. Por lo tanto, si estás interesado en ver esta obra en persona, te recomendaríamos visitar el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Es una de las pinturas más emblemáticas de Matisse y una de las obras más destacadas en la colección del MoMA.
¿Cuál es un ejemplo del dibujo de líneas de Matisse?
Había mucha superposición entre las pinturas, bocetos y obras de recorte de Henri Matisse. Al observar las técnicas de creación de este artista, se podría argumentar que tiene más sentido verlo como un todo en lugar de dividirlo en diferentes medios. Un ejemplo de los dibujos lineales de Matisse es «Vase de Fleurs» (1944).
¿Cuál sería un análisis breve de la danza Matisse?
La pintura de «La Danza» de Matisse utilizó solo tres tonos para expresar esta celebración: azul, verde y rojo. En consonancia con las implicaciones de color típicas del fauvismo, estos tres tonos brillantes crean un contraste dramático. «Los colores eran puros de los tubos», dijo un crítico de arte que observó a Matisse trabajando en la pintura en su taller. Las figuras son oscuras debido a la economía del diseño y el detalle; ni sus expresiones faciales ni su género están claramente determinados.
