«Abandonad toda esperanza, todos los que entráis aquí» – una cita de una de las piezas más influyentes de la literatura italiana, La divina comedia (actualmente conocida como la Divina Comedia: Infierno), escrita por el famoso poeta toscano Dante Alighieri (c. 1308-1321), sirvió como una piedra de toque crucial para muchos artistas y pensadores filosóficos del Renacimiento en el contexto de la historia del arte europeo. Las siguientes obras de arte lo guiarán a través de 10 de las representaciones más famosas del infierno como situado dentro del Renacimiento.
La Divina Comedia: El Infierno de Dante y el Arte renacentista
Hay muchos puntos de vista sobre cómo se ve el infierno y el tuyo puede sonar algo así como una bestia de siete cabezas, un pozo ardiente de fuego del infierno, almas torturadas en el inframundo, e incluso tal vez tu propia habitación personal donde te ves obligado a enfrentar tus miedos más oscuros más profundos … Suena a infierno, ¿no es así? A lo largo de la historia humana, se ha convertido casi en una segunda naturaleza intentar atribuir significado y definir los principios básicos de la existencia humana que abarcan la vida, la muerte, la tragedia y los sucesos insondables de otro mundo.
Desde los albores de los tiempos, los seres humanos se han enfrentado a desafíos para la supervivencia y, como resultado, han tenido que aceptar las preguntas precarias que acompañan a tales situaciones.
Las primeras representaciones de la condición humana y el sufrimiento se pueden encontrar en la teología cristiana, la iconografía y la filosofía de principios de los años 14.ésimo siglo. La Divina Comedia de Dante es un poema que describe el viaje que Dante enfrenta a través de los nueve círculos del infierno. El poema fue escrito durante un período de agitación política en Italia, y esbozó, con gran detalle, el encuentro de Dante con los nueve círculos del infierno, con cada encuentro mostrando niveles crecientes de sufrimiento. En ese momento, la filosofía y las ideas sobre el reino espiritual y su influencia en la humanidad desempeñaron un papel clave en los medios de vida de muchos artistas, poetas e individuos creativos.
El poema de Dante, sin duda, tuvo un impacto masivo en el impresionismo a seguir, en torno a la interpretación del artista del infierno según las narrativas religiosas y el infierno personal inmediato que enfrentaron los artistas durante la revuelta contra la academia y sus tradiciones.
Tabla del Infierno (entre 1480 y 1490) de Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Representaciones famosas del infierno en el arte
La Divina Comedia provocó un giro hacia representaciones multifacéticas del infierno en el arte y sus muchas asociaciones con lo divino, el miedo, la filosofía existencial, la religión y un cambio en la narrativa histórica del arte a lo largo del Renacimiento. Las siguientes pinturas muestran artistas significativos que no solo han mostrado un sentido refinado y dinámico de la artesanía en la interpretación y creación de obras de arte del infierno, sino que también se han establecido como maestros, hasta cierto punto, de representaciones del infierno en el arte, según lo establecido en la evolución de los patrones de creencias descritos por las narrativas religiosas.
El Juicio Final (1306) de Giotto di Bondone
| Artista | Giotto di Bondone (1266/67-1337) |
| Fecha pintada | 1306 |
| Medio | Fresco |
| Dimensiones (cm) | 999,9 x 839,9 |
| Dónde se aloja | Cappella Scrovegni, Padua, Italia |
Con sede en Padua, Italia, la Capilla Scrovegni es el hogar de muchos frescos exquisitamente ejecutados por nada menos que Giotto di Bondone, uno de los más grandes pintores de la historia del arte occidental. Modernamente apodado Giudizio Universale, El Juicio Final forma parte de un ciclo de frescos pintados como parte de un importante proyecto emprendido por Giotto y sus asistentes a principios del Renacimiento italiano para capturar la habilidad altamente apreciada del artista en la arquitectura igualmente venerada de la Capilla Scrovegni, que ahora es un sitio del patrimonio cultural de la UNESCO.
El Juicio Final (1306) de Giotto di Bondone en la Capilla de la Arena (Cappella Scrovegni), en Padua, Italia; Giotto, dominio público, vía Wikimedia Commons
Se presta atención primaria al tema principal, Dios mío, que es fundamental para el proceso de juicio que tiene lugar, como en muchas otras pinturas religiosas que representan el juicio divino. Cristo está rodeado de ángeles que tocan trompetas, señalando la llegada de la segunda venida de Cristo, y está encapsulado en un halo divino multicolor o portal celestial donde se le ve patando un pie hacia adelante de tal manera que parece estar saliendo para emitir su juicio.
El fresco está dividido en dos secciones distintas para mostrar el contraste entre dos mundos: el juicio del lado de Cristo y el juicio en el infierno.
Un primer plano del infierno en El Juicio Final (1306) por Giotto di Bondone; © José Luiz Bernardes Ribeiro
En la parte inferior derecha de la pintura, aquellos que recibieron castigo y entrada en el infierno son representados como arrastrados a la fuerza a ruinas rocosas de colores de piedra de tonos fríos, completamente desprovistos de vida. El castigo del infierno en el caso de Giotto implica una serie de mecanismos de tortura; entidades demoníacas y criaturas parecidas a dragones infligiendo daño físico y devorando las almas de aquellos que no siguieron los pasos de Cristo.
Uno ve cuerpos esparcidos y colgados juntos, cuerpos colgando de ramas y, como salidos de una pesadilla, una bestia con cuernos con patas con garras, festejando en un alma maldita mientras cuelga firmemente alrededor de dos almas humanas, supuestamente las siguientes en la fila.
Un detalle del infierno en El juicio final (1306) de Giotto di Bondone; © José Luiz Bernardes Ribeiro
La importancia de esta representación del infierno se coloca en evocar el miedo que se asocia con el infierno y la idea de permanecer consciente mientras se enfrenta a la persecución de criaturas impías con sonrisas diabólicas. Giotto ilustra hábilmente que la mayoría de las figuras en el infierno son conscientes, claramente vivas para presenciar su propio sufrimiento y el sufrimiento de sus compañeros pecadores.
No hay una estructura clara dada al infierno como se ve contrastado junto a la representación de la santidad y la «bondad» como se ve a través de individuos vestidos de santo, inteligentemente resaltados por la naturaleza piadosa de sus manos y el comportamiento tranquilo en la aceptación de Cristo.
El Juicio Final (1431) de Angelico Giovanni da Fiesole
| Artista | Angelico Giovanni da Fiesole (1395/1400-1455) |
| Fecha pintada | 1431 |
| Medio | Témpera en el panel |
| Dimensiones (cm) | 104,9 x 210 |
| Dónde se aloja | Museo di San Marco, Florencia, Italia |
Para encontrarse con el infierno, uno debe ser juzgado. Para convertirse en un pintor muy influyente y destacar entre la multitud, uno debe mirar a los viejos maestros. Nuestro viaje a través de un arte aparentemente aterrador sigue otra pieza clásica del artista toscano, Angelico Giovanni da Fiesole, conocido póstumamente como Fra Giovanni. Mientras que Miguel Ángel incluye la representación de figuras desnudas, Fra Giovanni pinta una imagen más clara de las marcadas diferencias entre aquellos que reciben juicio hacia el cielo y aquellos que reciben condenación en el infierno, como se representa en la esquina inferior derecha de El Juicio Final (1431).
El Juicio Final (1431) de Angelico Giovanni da Fiesole; Fra Angelico, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Todas las figuras que siguen a Cristo parecen estar vestidas y casi en paz con la idea del juicio. Por otro lado, en el extremo derecho del panel se encuentran unas pocas figuras desnudas selectas, esclavizadas a los tormentos caprichosos del infierno y su gobernante, como lo ilustra una criatura oscura con cuernos devorando la carne de los pecadores.
El uso experto de Fra Giovanni de la perspectiva, la luz, la atención inmaculada al detalle y la transición perfecta del estilo de la era gótica tardía al Renacimiento temprano es lo que hizo que sus obras y su impacto en las tendencias basadas en Florencia durante el Renacimiento fueran tan profundos.
Detalle del infierno en El juicio final (1431) de Angelico Giovanni da Fiesole; Fra Angelico, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Su posición como fraile dominico y las ideas de ser un Iluminador, artista bien establecido y mentor le permitieron representar un verdadero sentido de la horrible naturaleza del infierno. Estilísticamente, el enfoque dorado de Giovanni a la representación de figuras religiosas solidifica aún más su marca en la historia del arte y se puede ver bellamente ejecutado en otros obras de arte famosas como la Coronación de la Virgen (1432), la Deposición de Cristo (1434) y el Retablo de San Marcos (1443).
La Crucifixión; El Juicio Final (1440 – 1441) por Jan van Eyck
| Artista | Jan van Eyck (1390-1441); Asistente de Taller |
| Fecha pintada | 1440-41 |
| Medio | Óleo sobre lienzo; transferido de madera |
| Dimensiones (cm) | 56,5 x 19,4 |
| Dónde se aloja | Galería 602
El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Nueva York |
Por supuesto, puede ser un pecado mayor no mencionar a uno de los maestros más hábiles del ilusionismo pictórico, Jan van Eyck, cuya permanencia en pinturas religiosas y la contribución más significativa a la Catedral de San Bavón, el Retablo de Gante (1432), es uno de los que se puede extraer brillantez.
La atención al detalle de Van Eyck asociada con su imaginación del infierno ciertamente tiene un golpe en el ojo de la mente.
La habilidad con la que representa figuras humanas, así como su uso experto de la profundidad y el espacio, hace que su trabajo no solo sobresalga con un alto nivel de grandeza, sino que también se define por la simplicidad en el tema y la narrativa.
La Crucifixión; El Juicio Final (1440-1441) de Jan van Eyck; Jan van Eyck, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Mostrar dos eventos bíblicos importantes uno al lado del otro, La Crucifixión, tal como se desarrolla en Jerusalén, y El Juicio Final, solo fortalece el significado del tema principal de la Biblia misma: el sacrificio de Jesucristo por la humanidad y la limpieza del pecado contrastado por la segunda venida de Cristo para juzgar a los impíos.
Según una investigación proporcionada por el Museo Metropolitano de Arte, ambos paneles experimentaron la separación en algún momento de la historia, lo que significa que los dos no siempre estuvieron unidos, sino que inicialmente sirvieron como parte de un tríptico o pieza de entrada a un santuario o tabernáculo.
El carácter de la pintura se intensifica así, no sólo en su creación sino en su viaje y redescubrimiento.
Dante y los tres reinos (1465) de Domenico Di Michelino
| Artista | Domenico Di Michelino (1417-1491) |
| Fecha pintada | 1465 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 231,9 x 289,8 |
| Dónde se aloja | Museo dell’Opera del Duomo, Florencia, Italia |
También inspirado en la Divina Comedia está el famoso artista nacido en Florencia, Domenico di Michelino, que es más popular por su Pinturas cristianas y el famoso fresco como homenaje a Dante, La comedia que ilumina Florencia (La commedia illumina Firenze), ubicado en la Catedral de Florencia.
Muchas pinturas renacentistas del infierno muestran elementos comunes extraídos de referencias bíblicas y, por supuesto, la vívida descripción de Dante del purgatorio y los nueve círculos del infierno.
Dante y su poema o Dante y los tres reinos (1465) de Domenico Di Michelino; Domenico di Michelino, CC0, vía Wikimedia Commons
En Dante y los Tres Reinos, Michelino ilustra su interpretación del purgatorio de Dante colocado en el fondo y que conduce hasta los cielos. Otro punto que vale la pena señalar es que durante este tiempo, el mapeo del diseño del mundo era muy inclusivo de los sistemas celestiales, como lo observaron los filósofos y astrónomos de la época. El artista llama la atención sobre la ciudad sagrada de su época, Florencia de 1465, bajo el cielo nocturno celestial situado a la derecha del purgatorio, como si fuera compañía para la puerta de entrada al infierno.
Esta pieza encargada sirve como un tributo a la impresión que el poema de Dante tuvo en los artistas de Florencia y su crecimiento personal en el desarrollo de sus talentos mientras competían por la aceptación en el Salón.
Políptico, frente: vanidad terrenal y salvación divina (1485) por Hans Memling
| Artista | Hans Memling (1430/40-1494) |
| Fecha pintada | 1485 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones (cm) | 22 x 13,9 |
| Dónde se aloja | Musée des Beaux-Arts, Estrasburgo, Francia |
Es posible que hayas escuchado la frase latina Recuerdo Mori, que significa «recuerda tu mortalidad». Al igual que Hieronymus Bosch, Hans Memling hace referencia a la lujuria y la vanidad como rasgos definitorios que influyen en el juicio de nuestra mortalidad. Este tríptico, Vanidad terrenal y salvación divina, funciona como un políptico, un tríptico portátil bastante pequeño que parece ser el único de su tipo conocido por el arte europeo de la época.
Pintado sobre tres paneles de roble, desde la izquierda Memling pinta un cadáver, no del todo huesos y polvo, y tampoco del todo fallecido, pero en gran medida un significante de la muerte.
La parte frontal del políptico, Vanidad terrenal y salvación divina (1485) de Hans Memling; Hans Memling, dominio público, vía Wikimedia Commons
Colocada en el centro hay una figura desnuda bellamente posicionada de una mujer mirando en su espejo de mano, perdida en la admiración de su reflejo y belleza. Una Venus con espejo – vanidad. Debajo de ella yacen dos sabuesos y un grifo. Los sabuesos simbolizan la lujuria, mientras que el grifo hace referencia a su uso en muchas pinturas románticas que retratan el amor y el matrimonio.
El centro de la muerte es una vida de vanidad y deseos lujuriosos, y la verdadera conclusión del pecado se presenta como el infierno, un recordatorio no tan suave de las implicaciones del pecado y un guiño hacia la conexión de la moralidad y la mortalidad.
El jardín de las delicias terrenales (1490 – 1500) por Hieronymus Bosch
| Artista | Hieronymus Bosch (1450-1516) |
| Fecha pintada | 1490 – 1500 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones (cm) | 219,9 × 388,8 |
| Dónde se aloja | Museo Nacional del Prado, Madrid, España |
Sumergiéndonos en paisajes complejos y figuras imaginativas repartidas en tres paneles, el famoso pintor holandés Hieronymus Bosch representó su versión de lo que parece ser el vínculo entre el placer y las «delicias terrenales» frente a la inquietante representación del infierno.
Aquí, El Bosco presenta el infierno a través de imágenes de destrucción, lujuria, castigo, gula, tortura musical, guerra, oscuridad y rostros descontentos en medio del caos del infierno.
El jardín de las delicias terrenales (1490-1500) de Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Lo que hace que esta pieza sea tan significativa es que, aunque se presenta como una simple representación de la creación y la tarea de procreación dada por Dios, la pintura también contiene hábilmente la misma condenación asociada con la tarea inicial: la lujuria como el pecado primario y la indulgencia excesiva del hombre en las delicias terrenales, que en última instancia conduce al infierno.
El Bosco es uno de los muchos pintores famosos del Renacimiento cuyo trabajo abordó la representación del infierno y la ideología de la época.
El ala derecha interior de El Jardín de las Delicias Terrenales (1490-1500) de Hieronymus Bosch, que representa el infierno; Hieronymus Bosch, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El Juicio Final (1536– 1541) de Miguel Ángel
| Artista | Miguel Ángel de Lodovico Buonarroti Simoni (1475-1564) |
| Fecha pintada | 1536–1541 |
| Medio | Pintura al fresco |
| Dimensiones (cm) | 1369,9 x 1199,9 |
| Dónde se aloja | Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma, Italia |
| Precio | $540M (valor estimado) |
Clásico. Inolvidable. Histórico. De acuerdo con las famosas pinturas del infierno, es útil mirar hacia una de las más icónicas. artistas del Renacimiento, Miguel Ángel, conocido por sus contribuciones a la Capilla Sixtina. Las contribuciones de Miguel Ángel a la historia del arte continúan siendo una fuente de referencia para muchos estudiosos que investigan las pinturas renacentistas del infierno.
Aunque no es una referencia primaria al infierno, sin embargo, su asociación con el juicio no puede pasarse por alto, ya que el viaje al infierno o al cielo requiere juicio.
El Juicio Final (1536-1541) de Miguel Ángel; Miguel Ángel, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El Juicio Final de Miguel Ángel no solo es históricamente significativo en su residencia como un fresco de la famosa Capilla Sixtina, sino que también es una piedra de toque religiosa: una imagen cuidadosamente elaborada de las complejidades del cielo, Jesucristo (el hijo de Dios), el juicio y el infierno.
En cierto modo, no puede haber uno sin el otro, y Miguel Ángel sabía del peso que esta pintura llevaría y presenciaría.
Satanás (1847) de George Frederic Watts
| Artista | George Frederic Watts (1817-1904) |
| Fecha pintada | 1847 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 197,8 x 132 |
| Dónde se aloja | Colección Conmemorativa G. F. Watts |
Por mucho que Cristo sirva como la figura principal en la mayoría de las pinturas religiosas, su adversario, el Diablo, también aparece en muchas pinturas del infierno renacentista. Cuando el Diablo viene a la mente, es posible que tienda a pensar en una bestia con cuernos, potencialmente en el cuerpo de una figura de aspecto medio humano con piel roja y escamosa y alas de murciélago. La idea de pintar al diablo equivale a la idea de infundir miedo.
Esta vez, el enfoque no está en la consecuencia del infierno, sino más bien en su gobernante y la naturaleza aterradora de lo que representa el diablo.
Dejándose guiar por otros maestros y artistas establecidos como Tiziano y Miguel Ángel, pintor y escultor inglés, George Frederic Watts pronunció su interpretación del maestro del infierno, como se ve en Satanás, pintado no como una criatura con cuernos, sino como una figura que parece ser un hombre musculoso bien construido, apartando su rostro de las crecientes olas del fuego del infierno.
La forma en que el pintor inglés retrata al diablo ruega al espectador que considere que el diablo mismo tal vez se enfrenta a la angustia y la incomodidad entre los pozos del infierno. Solo por las llamas, se puede deducir que la figura envuelta en el horno debe estar situada en el infierno y, por lo tanto, el sujeto es el propio Satanás, pero sin las escalas de protección contra el fuego del infierno. Está casi en un estado de vulnerabilidad, frustración y desesperanza, como se espera de las representaciones del infierno en el arte.
Aparte de la fascinación por el rostro de Satanás, tal vez Watts no podía imaginar representar la identidad del diablo: el propio Watts se especializó en retratos y había acumulado un sólido historial de éxito en sus retratos de hombres y mujeres desde todos los ángulos. ¿Algo para reflexionar?
Dante y Virgile (1850) de William-Adolphe Bouguereau
| Artista | William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) |
| Fecha pintada | 1850 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 280,4 x 225,2 |
| Dónde se aloja | Musée d’Orsay, París |
Volviendo al poema de Dante, representado arriba está Dante y Virgile interpretado por William-Adolphe Bouguereau, un pintor académico francés y receptor del Prix de Rome, una beca para jóvenes artistas de Roma. Hay muchos artistas que tomaron referencia de La Divina Comedia, pero ninguno lo ha hecho con tanto realismo, profundidad de carácter y uso refinado del color invertido en una pintura como Bouguereau.
La pintura hace referencia al octavo círculo del infierno de Dante, donde se produce una pelea entre dos almas condenadas a la condenación eterna.
Dante y Virgile (1850) de William-Adolphe Bouguereau; William-Adolphe Bouguereau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Bouguereau pinta al agresor, mordiendo brutalmente el cuello de otro, un hereje, como se describe en el poema. La escena parecía haber inspirado a Bouguereau a ejecutar hábilmente, con tremendo detalle, lo que sería una extenuante lucha a muerte ilustrada por movimientos musculares distorsionados, intención agresiva, agonía y desesperación rodeados por los misteriosos espectadores del infierno.
Una escena verdaderamente llamativa para un pintor cuyos showstoppers incluían pinceladas finas, rostros suaves y figuras femeninas refinadas.
Autorretrato en el infierno (1903) de Edvard Munch
| Artista | Edvard Munch (1863-1944) |
| Fecha pintada | 1903 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 82 × 66 |
| Dónde se aloja | El Museo Munch, Oslo, Noruega |
Es posible que reconozcas a este creativo noruego por sus pinceladas y el uso del color. Más famoso por su pintura, El grito (1893), Edvard Munch fue muy influenciado por otros impresionistas de Europa como Èdouard Manet y Paul Gauguin, solo unos pocos para mencionar los muchos encuentros que el artista tuvo con figuras tan veneradas.
Impresionismo como uno de los muchos movimientos en la narrativa histórica de la historia del arte occidental surgió como una solución o refugio seguro para los artistas que habían sido rechazados por el Salón debido a su elección en estilo, tema y, lo más importante, representación.
Mientras que el impresionismo abarcó la primera impresión del tema de la vida real, el expresionismo de principios del siglo 20 permitió que surgieran elementos más emotivos.
Para Munch, su expresión de emoción representada en sus pinceladas largas, a menudo fluidas, con matices pastel casi infantiles y una cierta falta de detalle, destacó no tanto la habilidad de pintar por pintar en sí, sino más bien la emoción detrás de escena en el momento en que se desarrolló.
Autorretrato en el infierno (1903) de Edvard Munch; Edvard Munch, dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque no es una referencia directa a las pinturas basadas en la religión, Autorretrato en el infierno puede considerarse una obra de arte del infierno, ya que representa al artista como imaginado en el infierno. Dado que la fuerte afiliación de Munch con la pintura emotiva, puede estar seguro de hacer referencia a su estado imaginado cuando painting un autorretrato capturado en las profundidades del infierno. Munch se representa a sí mismo desnudo, como el sujeto principal de la pintura cuya mirada directa sostiene la de los espectadores.
La mirada no solo es crucial en términos de despertar el sentimiento del espectador mirando hacia adentro o el artista mirando hacia afuera, como si estuviera en la culpa, sino que es la forma en que Munch parece casi quieto, como si estuviera atrapado congelado en su propio infierno autoinfligido.
Aquí es donde entra la noción de infierno personal y por qué el giro del impresionismo y Expresionismo parecía diversificar las interpretaciones del arte aparentemente aterrador. La mirada es el precipicio de la expansión y un espejo no sólo del espectador sino de una pregunta autorreflexiva para el espectador. Encapsulado por el fondo solitario del infierno, Munch también pinta su carne como si estuviera amarillenta y casi con la enfermedad en mente, tal vez la condenación física más interna del infierno como experiencia en su realidad.
Que esto no sea el final de su inquisición en algunas de las pinturas del infierno más famosas del mundo. Otros artistas profundos y de ideas afines cuyas obras coinciden con la habilidad y el impacto de Hieronymus Bosch y Edvard Munch incluyen a Pieter Bruegel, William Blake, Franz von Stuck, John Martin y Sandro Botticelli.
Preguntas Frecuentes
¿Cuándo ocurrió el Renacimiento y cuál es su significado?
El Renacimiento (una palabra francesa) se refiere a un período de la historia europea que se estima que comenzó desde la Edad Media hasta el 17.ésimo siglo. Se cree comúnmente que se originó en Italia alrededor del 14ésimo siglo y es uno de los períodos más significativos de desarrollo y cambio filosófico, político y científico radical.
¿Cuál es la diferencia entre impresionismo y expresionismo?
El impresionismo es un aparte movimiento artístico del expresionismo. Se estima que el impresionismo apareció en París alrededor de 1860 como un movimiento independiente que se alejaba de los ideales del Salón. El impresionismo sirvió para capturar un entorno o instantánea momentánea de un objeto, persona, grupo de personas o sujeto general en tiempo real, visto a través de los ojos del artista en ese momento, y no se centra tanto en capturar un detalle de objeto para el detalle como lo haría una naturaleza muerta. Por otro lado, el expresionismo implica más emoción proyectada por el artista sobre el tema de la obra de arte. El expresionismo apareció por primera vez en Alemania en 1905 e incorporó elementos que tendían lejos de la representación física y más hacia la expresión emotiva.
¿Qué es el ilusionismo pictórico?
El ilusionismo pictórico puede entenderse en referencia a la representación visual a través de pinturas, literatura, imágenes visuales, cine, teatro o cualquier forma de medio o método que permita al espectador ver una imagen. Ilusionismo en arte se refiere a una obra de arte que crea una ilusión de un objeto del mundo real de tal manera que evoca una sensación de que el objeto está vivo. El ilusionismo pictórico va de la mano con la cognición, la percepción del espectador de la representación pictórica y las ilusiones asociadas con las imágenes visuales. Esto también puede incluir un engaño de la mente del espectador cuando se enfrenta a una representación de una escena real que hace que el espectador se sienta como si la pintura estuviera realmente viva.
