La obra de arte del artista japonés Takashi Murakami ha sido descrita como vívidamente colorida y locamente feliz. Las pinturas de Takashi Murakami se han disparado en popularidad en el mundo del arte contemporáneo, provocando elogios y críticas por su arte pop japonés. Las esculturas y obras de arte de Murakami combinan las referencias de la cultura pop de Japón con la rica tradición cultural de la nación, difuminando magistralmente la línea entre el comercio y el alto arte.
La vida y el arte del artista japonés Takashi Murakami
| Nacionalidad | Japonés |
| Fecha de nacimiento | 1 de febrero de 1962 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Tokio, Japón |
Por su estrategia de arte como negocio, así como por sus enormes fábricas de trabajadores que fabrican, promueven y venden su arte, Takashi Murakami ha sido comparado con Andy Warhol. Sus detractores lo han etiquetado como un estafador que está cediendo a la creciente necesidad del mercado del arte de un arte japonés fácilmente digerible y exótico.
Sin embargo, para Murakami, esto es un cumplido, y eso es exactamente lo que se había propuesto lograr.
Niñez
Takashi Murakami nació en el año 1962 de padre taxista y madre ama de casa. La participación de Murakami en las artes fue muy influenciada por su madre, que practicaba la costura y producía textiles. Sus padres con frecuencia le exigían que escribiera informes de las exhibiciones a las que había asistido. Se le ordenó irse a dormir sin comer si protestaba. Murakami aprendió a sentarse y pensar rápidamente como resultado de su educación en un entorno tan competitivo.
Estas habilidades ayudaron a dar forma a su eventual reputación como crítico de arte cáustico.
Murakami creció escuchando a su madre decir que si Estados Unidos hubiera detonado otra bomba nuclear contra Japón, nunca habría estado vivo. La omnipresencia del daño, así como la ocupación estadounidense de Japón en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, tuvieron un impacto significativo en el desarrollo artístico de Murakami. Durante la educación de Murakami, Japón desarrolló un carácter cultural que revitalizó la cultura histórica japonesa al tiempo que ejerció una enorme presión sobre sus trabajadores para que se desempeñaran para competir con Occidente tanto cultural como económicamente.
Fotografía del artista Takashi Murakami, tomada en su trigésimo cumpleaños por Ithaka Darin Pappas, con sus primeras obras en la Galerie Mars de Tokio en 1992; IthakaDarinPappas, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Los primeros pasatiempos de Murakami iban desde observar ritos budistas y estudiar clases de caligrafía japonesa hasta recorrer exhibiciones de maestros como Goya y Renoir, reflejando este enfoque mixto en las antiguas tradiciones japonesas y las ideas occidentales.
Aunque ganó una afinidad temprana tanto por la herencia japonesa convencional como por las obras de arte europeas contemporáneas, la animación japonesa tuvo la influencia más profunda en él a lo largo de sus años de adolescencia. Esto explica por qué dedica gran parte de sus obras al mercado otaku, una subcultura preocupada por las imágenes distópicas y fetichistas.
Estos tropos comunes en el manga y el anime se corresponden con la incapacidad de los fanáticos otaku, o posiblemente la renuencia, para participar en la vida real o usar habilidades sociales. El propio Murakami conecta la cultura otaku con la civilización japonesa de posguerra.
Formación temprana y trabajo
Murakami se alistó en el prestigioso departamento de nihonga de la Prestigiosa Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, un estilo clásico japonés de pintura que tira de aspectos del arte occidental contemporáneo, al principio se dedicó a aprender a crear el arte de fondo para animaciones. Aprendió la creación de animación fuera de la escuela mientras investigaba técnicas antiguas en la universidad, y amplió su comprensión del mundo del arte actual recorriendo exposiciones y participando en el programa de artistas itinerantes de su escuela.
Un encuentro inspirador pero agravante con Joseph Beuys en 1984 resultó ser un momento decisivo en la carrera creativa de Murakami.
Beuys rechazó numerosas de las preguntas de los estudiantes durante un debate en clase, alegando que «las preguntas no tienen sentido. Me gustaría hacer una investigación más indagadora». La actitud despectiva de Beuys irritó a Murakami, quien también estaba enojado con lo que percibía como estudiantes de arte japoneses sin educación. Como resultado, durante su séptimo año de escuela secundaria, el trabajo de Murakami había comenzado a mostrar su postura extremadamente crítica hacia la industria del arte occidental.
Los primeros escritos de Murakami reflejan las circunstancias de su educación, profundizando en la difícil conexión posterior a la Segunda Guerra Mundial entre Japón y la Segunda Guerra Mundial.Estados Unidos. Polyrhythm (1991), por ejemplo, emplea figuras en miniatura de la Segunda Guerra Mundial, mientras que Sea Breeze (1992) alude a la bomba atómica.
Estas pinturas muestran su evolución temprana de un estilo divertido y engañosamente ligero que alude constantemente a un punto de vista más sardónico.
Período de madurez
El artista pop japonés se mudó a la ciudad de Nueva York con una subvención del Consejo Cultural Asiático. Allí se sintió solo e insatisfecho en Nueva York, asediado por las limitaciones de la escena artística estadounidense y el sistema de exposiciones. Allí reconoció que para prosperar en este entorno, necesitaba deshacerse de sus fijaciones japonesas excesivamente intelectuales y retratarse a sí mismo y a su arte en una forma más básica como verdaderamente japonés. Como resultado, este período marca un momento decisivo en su carrera.
Su trabajo se había concentrado previamente en el arte contemporáneo con un sesgo global, pero fue durante este tiempo que decidió volver a comprometerse con su herencia japonesa y aumentar la conexión de su obra de arte tanto con la forma de arte fino de nihonga como con los géneros de la cultura pop de manga y anime.
A punto de partir de Nueva York, Murakami creó el personaje «Mr. DOB», que finalmente pasó a representar la personalidad distintiva del diseñador en todo su amplio espectro de medios artísticos. Los inflables en forma de DOB se exhibieron originalmente en Nueva York en 1995 en la Fundación Angel Orensanz, pero obtuvieron poca aclamación de la crítica.
Fotografía del artista japonés Takashi Murakami en el Palacio de Versalles en Francia el 10 de septiembre de 2010, dando una entrevista a un equipo de filmación sobre su nueva exhibición; Sodacan, dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1996, participó en una exposición colectiva en la galería Feature. Su reputación y fama internacional comenzó con este espectáculo. Posteriormente, el artista pop japonés creó varias esculturas significativas influenciadas por la subcultura otaku, en particular Miss ko2 (1997) y My Lonesome Cowboy (1998).
Murakami comenzó la Fábrica Hiropon en 1996 para hacer sus obras de arte inspiradas en otaku. Su taller, como muchas de las creaciones de Murakami, se basa tanto en las fábricas de arte tradicionales japonesas, como las que crearon las vibrantes xilografías de la era Edo, así como en la fábrica de Andy Warhol.
En Hiropon, los asistentes educados en diversas áreas de competencia trabajan en iniciativas a gran escala y comercializadas en masa bajo la guía del artista. La fábrica de Hiropon pasó a llamarse Kaikai Kiki Co. en 2001. Además de crear y promover las obras de arte de Takashi Murakami, la firma apoya a artistas emergentes, organiza ferias de arte, organiza iniciativas conjuntas con individuos y empresas en moda, entretenimiento y música, y crea películas y películas animadas.
Arte presentado en la exposición «Flowers & Skulls» de Takashi Murakami, exhibida en el Instituto Tomie Ohtake de São Paulo, Brasil; Anna Cicilini, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Kaikai Kiki Co. marca un cambio en la producción artística moderna en la que las bellas artes y la industria se incorporan plenamente, y donde la mano tangible del artista en la creación de las obras de arte ya no define el valor, sino que el valor representacional se genera a través de la afiliación del artista con las mercancías artísticas generadas en su fábrica empresarial.
Murakami propuso la teoría Superflat en una exposición colectiva del mismo nombre en 2000, en busca de una identidad japonesa de posguerra y frustrado por la apatía de sus compatriotas hacia el arte contemporáneo japonés.
La muestra incluyó pinturas de Shigeyoshi Ohi, Yoshitomo Nara, Aya Takano y otros, así como la suya propia. La teoría Superflat se extendió rápidamente por todo el mundo del arte contemporáneo, convirtiéndose en una tendencia definitoria en el arte pop japonés contemporáneo y el último estilo significativo en alcanzar renombre internacional en el mundo del arte desde el grupo japonés Gutai en la década de 1950. El artículo seminal de Murakami «A Theory of Super Flat Japanese Art» (2000) es la culminación de su temprano desdén por el establecimiento del arte.
Allí, expresa el deseo de crear un estilo creativo claramente japonés que esté estrechamente vinculado a la larga sombra de Japón proyectada por la humillante pérdida de la Segunda Guerra Mundial. Este artículo tiene como objetivo capturar la esencia de la cultura japonesa de posguerra para usarla como una filosofía central para sus obras de arte. Murakami, como dice el escritor Pico Iyer, «es un reportero realista de la desviación de lo real». Y, al igual que Andy Warhol quería dar a la América contemporánea el exceso de producción en masa y el estrellato masivo en el que parecía tan empeñado, con furia, Murakami le dio a Japón exactamente las imágenes que le gustan, en su pasión por lo lindo y esas formas desviadas favorecidas por los otaku «.
La versión japonesa de este artículo está llena de venenoso antiamericanismo, aunque sus traducciones al inglés se concentran en el crecimiento estilístico de sus obras. Sin embargo, en ambas versiones, Murakami discute la noción de «súper planitud», que él llama «un concepto japonés original que ha sido completamente occidentalizado». Su épica tesis Superflat trata de conectar perfectamente la historia del arte japonés desde los pergaminos Genji y Heiji de los siglos 12 y 13 con la cultura pop japonesa moderna.
La gente es frecuentemente atraída a su obra de arte por su insidia percibida y brillante erupción de figuras y colores, a pesar de las connotaciones histórico-artísticas y culturalmente ricas en sus pinturas, artículos, declaraciones y entrevistas. Esta dicotomía entre el significado profundo y el placer rápido recibido por su audiencia ejemplifica el carácter fluido de su idea Superflat.
Práctica actual
El trabajo de Murakami se ha vuelto cada vez más cargado comercialmente y ha explorado medios creativos atípicos como el diseño, la música, el ocio, las instalaciones públicas, las animaciones y las películas desde la creación de la Fábrica Hiropon. Este cambio en las responsabilidades indica la determinación de Murakami de redefinir lo que significa ser un artista posmoderno en todo el mundo.
El artista japonés comenzó su larga asociación con la marca Louis Vuitton en 2002. Murakami fue capaz de mezclar su propia mirada distintiva en el proyecto LV sin sacrificar su singularidad.
Arte de Takashi Murakami, de la exposición «Flowers & Skulls» que se presentó en el Instituto Tomie Ohtake en São Paulo, Brasil; Anna Cicilini, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Fusionó el monograma de LV con sus propios ojos distintivos de medusa, por ejemplo, o reimprimió el monograma con sus cerezas caricaturescas. Esta asociación hizo que Murakami fuera conocido por disolver aún más las barreras comerciales, elevó su perfil al de una superestrella en su nación natal y aumentó el valor económico de su arte al de un producto muy valorado entre los coleccionistas (principalmente occidentales). Legacy Murakami ha sido mentor e influenciado por la próxima generación de artistas japoneses.
A sus partidarios japoneses, declaró que estaba en una misión para engañar a Occidente y destruir el establecimiento de arte japonés.
También es un maestro entusiasta para artistas japoneses en ascenso, ya que los contrató en sus talleres, curó exhibiciones de su trabajo y escribió artículos que contextualizan su trabajo dentro de la herencia del arte japonés contemporáneo. A pesar de las reacciones contradictorias a su trabajo, que alterna entre el desprecio severo y el elogio absoluto, Superflat ha llegado a definir la percepción mundial del arte pop japonés.
Obra de arte de Takashi Murakami
El arte de Takashi Murakami está influenciado por la cultura japonesa de otaku, que está llena de extrañas perversiones de dulzura y pureza, así como de una tremenda brutalidad. Murakami utiliza esto para construir una crítica matizada de la sociedad japonesa moderna, así como el impacto invasor de Occidente en ella.
Murakami creó el movimiento Superflat en rechazo de la escena artística dominada por Occidente. El nombre se relaciona tanto con las composiciones aplanadas de las tendencias creativas japonesas pasadas como Nihonga, como con el aplanamiento (o fusión) del arte y los negocios.
Murakami’s Superflat combina la historia japonesa con la cultura pop moderna. Su enfoque colorido y simple de caramelo para los ojos atrajo un gran número de seguidores al trabajo de Murakami de inmediato. Los críticos, por otro lado, han criticado a Superflat como una caricatura obvia y una tergiversación del Japón moderno. Sin embargo, Superflat ha influido en una nueva generación de artistas japoneses.
727 (1996)
| Fecha de finalización | 1996 |
| Medio | Polímero sintético sobre lienzo |
| Dimensiones | 299 cm x 449 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno de Nueva York |
El avatar de Murakami, el Sr. DOB, se encuentra en el corazón de este tríptico moderno. Su boca abierta muestra colmillos afilados, mientras sus numerosos ojos lo miran maníacamente. El anime japonés es famoso por sus personajes de dibujos animados con ojos extraordinariamente enormes que generalmente cubren una cantidad sustancial de su cara. Los ojos errantes de esta pieza exageran aún más la exageración del anime.
El Sr. DOB de Murakami, que se desarrolló en 1993, está inspirado en la frase de la jerga japonesa «dobozita», traducida aproximadamente como «¿por qué?» La sonrisa loca del Sr. DOB podría verse como la postura de risa de Murkami hacia el mundo del arte, así como hacia Occidente.
727 es una referencia a los aviones estadounidenses que pasaron sobre su ciudad de la infancia en su camino a los sitios militares de los Estados Unidos. En este El nombre es una alusión directa al papel de los Estados Unidos en el Japón de la posguerra, que Murakami está ansioso por investigar y condenar en su arte. El Sr. DOB se sienta sobre un oleaje modelado, un tributo obvio al artista Hokusai, cuyos colores audaces y diseños aplanados inspiraron tanto a artistas japoneses posteriores como a gráficos de manga. El telón de fondo abstracto, logrado raspando múltiples capas de pintura, evoca una pantalla plegable japonesa de estilo nihonga.
La aplicación pacífica del color en el telón de fondo de esta pintura contrasta fuertemente con el cómico Sr. D.O.B. sobre una parodia de la ola de Hokusai. Murakami, que tiene un doctorado en nihonga, combina eficazmente los mundos de la antigua belleza japonesa con los populares dibujos animados japoneses modernos. Murakami lanzó la serie Mr. DOB con la intención de crear un símbolo moderno equivalente a Mickey Mouse o Hello Kitty. El Sr. DOB es una mascota de la compañía.
Este patrón repetitivo es el primer «ADN artístico» de Murakami, que se puede ver en una variedad de medios y contextos culturales, que van desde pinturas de bellas artes y esculturas masivas hasta camisetas, pancartas y llaveros producidos en masa.
«El público no necesita al creador, solo a la persona», proclama, para hacer desaparecer al creador. «Me desespero de la idea de que el mundo no limpiaría, y que el arte es un medio eficiente para soportar con gusto, incluso después de mi entierro», continúa Murakami, haciéndose eco de los artesanos japoneses sin nombre del pasado. La popularidad desbocada del Sr. DOB le dio a Murakami el coraje de elevarse al nivel de Duchamp, Cézanne, Warhol y Picasso, quienes «tenían sus características para durar muchas décadas más allá de sus vidas», en sus palabras. El Sr. DOB es tanto una conmemoración como una crítica de la civilización actual, y es esta dicotomía la que lo hace tan atractivo.
Hiropon (1997)
| Fecha de finalización | 1997 |
| Medio | Fibra |
| Dimensiones | 223 cm x 104 cm x 122 cm |
| Ubicación actual | Varias versiones vendidas en casas de subastas |
Con su pequeña cintura y gruesas coletas rosadas, esta escultura excesivamente sexualizada tiene pechos tan grandes que estallan de su delgada parte superior del bikini, rociando una corriente de leche que encierra su forma. Si bien esta escultura parece ser una figura de dibujos animados, su imponente presencia física y su colocación sobre una vitrina blanca impecable recuerdan a los espectadores que están mirando «bellas artes».
Esta escultura, que combina la dulzura femenina con la depravación aterradora, representa la extensa conexión de Murakami con la sociedad otaku, particularmente su vientre pornográfico, conocido como el «Complejo Lolita», en el que la pureza y la feminidad son paradójicamente valoradas y glamorizadas.
En Hiropon, el amor de Murakami por las figuras inspiradas en el anime es muy evidente. Murakami describe estas obras de arte como «un reflejo de mi pasión personal por el anime cuando estaba en la secundaria y asimilé muchas cosas diversas del anime, como sus cualidades sensuales y fantásticas que culminaron en este trabajo».
Sin embargo, más allá de su barniz caricaturesco y relativamente insignificante, esta obra de arte sirve como una severa acusación de la civilización japonesa posterior a la Segunda Guerra Mundial. Murakami ha declarado con frecuencia en conversaciones y publicaciones que la presencia estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial infantilizó a Japón, convirtiéndolo en el «niño pequeño» en relación con los Estados Unidos. Según Murakami, después de la Segunda Guerra Mundial, a Japón se le «prohibió participar plenamente en la geopolítica mundial, los impulsos estético-políticos japoneses explotaron en sueños de criaturas y héroes, batallas galácticas, androides y escolares, todas las manifestaciones del anime, los cómics y los videojuegos».
Él retrata esto como teniendo un impacto brutal en Japón, y como consecuencia, la sociedad japonesa se preocupó por la ternura juvenil, y con ella, una encarnación sexual más oscura y violenta de este deseo. El término se refiere al lado más oscuro de la sociedad japonesa: «hiropon» es un término japonés para la metanfetamina de cristal.
El estudio de Murakami de la subcultura otaku como una forma ilegal de entretenimiento se muestra por esta conexión física con la sociedad de las drogas.
Supernova (1999)
| Fecha de finalización | 1999 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo montado sobre tabla |
| Dimensiones | 299 cm x 1049 cm |
| Ubicación actual | Colección de Vicki y Kent Logan |
A primera vista, esta imagen de hongos de varios paneles, llamada Supernova, parece ser una fantasía caprichosa e infantil, ejecutada en el característico estilo Superflat de Murakami que fusiona referencias al arte clásico japonés junto con la cultura pop moderna. Sin embargo, los ojos mutantes, las espigas en forma de colmillo, los tonos caleidoscópicos y las formas retorcidas de estos animales sugieren corrientes subterráneas oscuras.
El título de la obra de arte se refiere a la canción de 1995 «Champagne Supernova» de la banda británica Oasis. La relación de la canción con la cultura de las drogas implica que estas imágenes fantásticas pueden ser potencialmente consideradas como hongos mágicos.
Un hongo masivo con una corona grotescamente hermosa cubierta de globo ocular y colmillos en forma de fragmento se encuentra en el medio. Sobre sus siete paneles, se extiende una banda horizontal de diminutos hongos. La pieza se inspiró en el Compendio de verduras e insectos de Ito Jakuchu (1761), que se concentra en los hongos: los hongos han sido adorados durante mucho tiempo en Japón por sus virtudes gourmet, variedad y conexión con la longevidad. Sin embargo, en el contexto del Japón de la posguerra, el hongo también es un recuerdo inquietante de la nube en forma de hongo generada por las bombas nucleares de los Estados Unidos disparadas contra Nagasaki en 1945.
La condición mutante del hongo evoca las horribles y duraderas consecuencias negativas de la radiación nuclear.
Los hongos aparecen comúnmente en los escritos de Murakami. Su retrato fantasioso de la alegría brillante es una acusación velada de la sociedad japonesa obsesionada con la juventud, que valora tanto la ingenuidad como la dulzura. Esto se refleja en los colores vivos y las características cómicas de la obra.
Guiño (2001)
| Fecha de finalización | 2001 |
| Medio | Globos |
| Dimensiones | 55 cm x 53 cm |
| Ubicación actual | Estación Grand Central |
Invadiendo la grandeza formal de la Grand Central Station de la ciudad de Nueva York, gigantescas burbujas cubiertas con los distintivos globos oculares y flores de Murakami parecen flotar alrededor del gran espacio como globos, mientras que dos esculturas en tierra parecen elevarse desde el suelo. Esta obra, presentada por Creative Time, ofrece una coexistencia contradictoria y sarcástica del Neo-Pop japonés con la grandeza formal de la arquitectura tradicional de Beaux-Arts de Grand Central Terminal.
Las esculturas lanzan una mirada guiñando un ojo a los transeúntes interesados, divertidos u ocupados, atrayéndolos a entablar un diálogo humorístico.
Wink, la instalación inicial de Murakami en los Estados Unidos, llevó audazmente el neo-pop japonés a una audiencia estadounidense más grande. «Cuando miras estas imágenes, te miran», comentó Murakami sobre los ojos caricaturescos en los orbes luminosos. Según la escritora de arte Roberta Smith, «se ve socavada por su contexto inadecuado, una enorme sala de espera antigua desprovista de sus sillas de madera, que se siente mal para el arte moderno». Esta extraña mezcla cultural, sin embargo, es exactamente lo que Murakami quiere decir.
El objetivo de Murakami de atraer a una amplia audiencia se deriva de su creciente ambición de revelar los mundos entrelazados del alto arte y los negocios.
Afirma: «Aprendí las formas de la escena de las bellas artes en Europa y América. Los museos son visitados por un pequeño número de personas. Las salas de cine son mucho más grandes. Ese lugar, el museo, recuerda a los medios de comunicación de la vieja escuela, como la ópera. Es por eso que me apasiona tanto crear cosas para la gente común».
Ojo Amor SUPERFLAT (2006)
| Fecha de finalización | 2006 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones | 100 cm x 100 cm |
| Ubicación actual | Kaikai Kiki Co., Tokio |
En 2002, Murakami comenzó su trabajo a largo plazo con Louis Vuitton. Los diseños de Murakami incluyen el monograma de la marca LV en 97 colores diferentes, así como sus distintivos ojos de medusa que se repiten sobre fondos blancos o negros. Murakami ha sido un pionero en la comercialización del arte como marca comercial como resultado de este famoso esfuerzo.
Esta cooperación histórica también le valió a Louis Vuitton más de 300 millones de dólares. Mientras que muchos críticos de arte se burlaron de su obvia comercialización, es simplemente la encarnación comercial del enfoque del artista hacia el arte para él.
Murakami fue elegido por Marc Jacobs, el diseñador jefe de Louis Vuitton en ese momento, para atraer a un nuevo grupo de jóvenes japoneses al abrazo de la marca premium. Murakami, por otro lado, siente que la moda puede ser un espejo visual de la época, afirmando que «las subculturas y los acontecimientos particulares en numerosas naciones se mezclan para producir el estado de ánimo de una época, que genera moda». Este deseo de representar nuestros tiempos es consistente con su mayor propósito creativo de confrontar y revelar el núcleo de la sociedad japonesa contemporánea a una audiencia mundial.
Poco después de lanzar su colección Louis Vuitton, Murakami reapropió los mismos motivos impresos en bolsas en pinturas destinadas a las principales instituciones de arte y coleccionistas famosos, difuminando aún más la barrera entre el arte y el consumismo. Una tienda Louis Vuitton fue incluida en la exposición «Murakami» de 2007 en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, wHich, como observó el escritor de arte Dave Hickey, «ha convertido el museo en un costoso Macy’s».
Cuando se ve desde una perspectiva diferente, la colección Louis Vuitton / Murakami presenta una nueva sociedad de élite para los ricos.
«Murakami está burlonamente (y posiblemente astutamente) absorto en los procedimientos del capitalismo neoliberal, al sugerir que está desafiando la dicotomía del arte, mientras que al mismo tiempo trata de explotar y conmemorar los procedimientos de comercialización y transferencia representacional que ocurren en la posmoderna», escribe la historiadora del arte Kristen Sharp.
Flores y calaveras azules (2012)
| Fecha de finalización | 2012 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones | 69 cm x 53 cm |
| Ubicación actual | Múltiples ubicaciones |
En esta pieza, la mortalidad y la inocencia se encuentran cuando las margaritas sonrientes y las calaveras de ojos grandes inundan el plano de la imagen y se funden al azar gracias a la paleta de colores azules de la obra. La mezcla de dulzura y mortalidad de Murakami es su método para conectarse y criticar la fascinación japonesa por la ternura. Según Murakami, «la tradición kawaii se ha convertido en un organismo vivo que penetra en todo».
«Con un pueblo despreocupado por el costo de celebrar la inmadurez, el país está en las garras de un enigma: una obsesión con el antienvejecimiento puede controlar no solo el corazón de la persona sino también el cuerpo», afirma. Murakami expone una participación más dura con estas flores alegres e infantiles en esta frase, que está dirigida directamente a la sociedad actual.
El cráneo ha actuado como un espejo de la propia muerte que se acerca a través de la historia del arte occidental.
Esto también corresponde a la noción budista japonesa de Shogyo mujo, que aproximadamente se traduce como «Todo es fugaz». Murakami entiende que esta frase significa que, al final, «Todos morirán, así que no te preocupes».
Preguntas Frecuentes
¿Qué tipo de arte son las pinturas de Takashi Murakami?
Sus críticos lo han calificado como un estafador que está cayendo en la creciente necesidad del mercado del arte de un arte japonés fácilmente consumible y exótico. Para Murakami, sin embargo, esto es un cumplido, y es exactamente lo que quiso decir. Su arte está influenciado por la cultura otaku en Japón, que está llena de extrañas perversiones de belleza y pureza, así como de un increíble salvajismo. Murakami emplea esto para construir una crítica sofisticada de la sociedad japonesa actual y la influencia invasora de Occidente en ella.
¿Por qué es famoso Takashi Murakami?
Las esculturas y obras de arte de Takashi Murakami se han caracterizado por ser brillantemente vibrantes e increíblemente alegres. Las pinturas de Takashi Murakami han explotado en popularidad en el mundo del arte contemporáneo, obteniendo aclamación y crítica por su arte pop japonés. Las esculturas y obras de arte de Murakami combinan las alusiones de la cultura pop japonesa con el rico patrimonio cultural del país, difuminando hábilmente el límite entre el comercio y el alto arte.
