El período del Renacimiento es reconocido por sus fervientes contribuciones artísticas a la historia europea. Un período que constituyó innumerables obras de arte excepcionales, desde la Mona Lisa de Leonardo da Vinci hasta la Creación de Adán por Miguel Ángel. El movimiento renacentista influyó en los movimientos posteriores e inspiró significativamente el desarrollo del arte. En este artículo, exploraremos los 10 retratos renacentistas más famosos que se hicieron entre los siglos 15 y 17.
Retratos del Renacimiento
El movimiento renacentista que abarcó el siglo 14 al 17 en Europa se centró en el realismo con sus representaciones, ya que se desplazó de las formas abstractas del período medieval. Los retratos de arte renacentista presentaban a las personas en su verdadera forma y reflejaban el desarrollo del movimiento humanista.
Las obras de arte no eran particularmente extravagantes, de hecho, los fondos de la mayoría de los retratos renacentistas eran bastante simples. El tema se convirtió en el foco de la pintura. Los artistas pintaban representaciones realistas de las personas que posaban para ellos, no simplemente registrando sus rasgos, sino presentando una representación vívida de la persona que tenían delante.
Fue durante el período del Renacimiento que vimos la introducción de la pintura al óleo, que finalmente se convirtió en el estándar para los artistas de todo el mundo. Esto contrastaba con el uso de pintura al temple, que había sido el estándar artístico anterior.
Anteriormente, los retratos existían como parte de composiciones más grandes, como narrativas bíblicas o históricas, luego fue durante el siglo 15 que Arte renacentista los retratos llegaron a buen término. Aunque las pinturas de retratos renacentistas a menudo representaban a personas que tenían un estatus social más alto, fue durante este movimiento que por primera vez en la historia esencialmente cualquiera podía hacerse un retrato de sí mismo, siempre y cuando pudiera pagarlo.
Los 10 retratos renacentistas más famosos
El retrato prosperó bajo el surgimiento del movimiento humanista durante el período del Renacimiento. Esto restableció la fascinación clásica antigua con los asuntos humanos y destacó el desarrollo del individuo, con representaciones de semejanza distintiva. Hubo un mayor enfoque en retratar con precisión las figuras humanas. Los artistas estaban preocupados por el realismo y los trajes detallados en sus obras de arte. El resurgimiento del retrato durante el Renacimiento dio lugar a las abundantes contribuciones artísticas que se siguen celebrando hoy en día. Aquí está nuestra lista de los 10 retratos renacentistas más famosos.
Hombre con turbante rojo (1433) de Jan van Eyck
| Artista | Jan van Eyck |
| Fecha pintada | 1433 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones | 26 cm x 19 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | The National Gallery, Londres, Inglaterra |
Jan van Eyck ha sido reconocido, por algunos estudiosos, como el pionero del retrato moderno debido a su representación del hombre con turbante rojo. Se ha sugerido que la enigmática pintura es un autorretrato del famoso artista, que representaba un nuevo género. Entre las famosas pinturas de retratos del Renacimiento, el posicionamiento innovador de van Eyck de la postura del sujeto se considera uno de los primeros ejemplos de la vista de tres cuartos.
La mirada del sujeto se dirige al espectador, que propone el enfoque específico de van Eyck mientras creaba su propia imagen.
Retrato de un hombre con turbante rojo (1433) de Jan van Eyck; Jan van Eyck, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El género del autorretrato, innovado durante el Renacimiento por el propio hombre, mostró el estilo y el talento del artista. El extravagante turbante rojo del sujeto sobre el fondo oscuro crea un contraste sorprendente. Si miras de cerca, notarás el increíble detalle de los vívidos reflejos donde los pliegues del material atrapan la luz y las sombras oscuras en los pliegues, que eran muy característicos del estilo artístico de van Eyck.
Jan van Eyck fue capaz de lograr un grado de realismo extraordinariamente intrincado que antes era desconocido para el arte de las pinturas de retratos renacentistas.
Su interpretación de la carne humana tenía una cualidad tan distinta de naturalismo, tanto que parecía como si hubiera creado un nuevo medio artístico. A Van Eyck se le atribuyó la invención de la pintura al óleo por el historiador del arte y pintor florentino. Giorgio Vasari del siglo 16; este mito fue llevado al siglo 19. Aunque este mito fue derribado, desde entonces ha sido acuñado como el «Padre de la Pintura al Óleo».
El retrato de Arnolfini (1434) de Jan van Eyck
| Artista | Jan van Eyck |
| Fecha pintada | 1434 |
| Medio | Óleo sobre tabla de roble |
| Dimensiones | 82,2 cm x 60 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | The National Gallery, Londres, Inglaterra |
Otra pintura del venerado Jan van Eyck, ya que su escrupulosa obra fue tan admirada, es El retrato de Arnolfini, que es ampliamente considerada como una de las pinturas más intrigantes de la historia del arte europeo. Se sugiere que el doble retrato de Jan van Eyck retrata a Giovanni di Nicolao di Arnolfini, que era un comerciante italiano, y su esposa Costanza.
Como uno de los retratos renacentistas más famosos, la pintura de van Eyck no es de ninguna manera simple, sino que está deliberadamente calculada para transmitir varios mensajes en nombre de sus sujetos.
El retrato de Arnolfini (1434) de Jan van Eyck; Jan van Eyck, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Van Eyck seleccionó cuidadosamente cada objeto que incluyó en El retrato de Arnolfini para establecer el estatus social y la riqueza de la pareja, sin imitar el de la aristocracia. El sujeto masculino, Giovanni, tiene la mano levantada aparentemente en saludo. Sorprendentemente, en la pared posterior entre los dos sujetos, vemos un espejo convexo que muestra a dos hombres entrando en la habitación, de los cuales uno tiene el brazo levantado.
La pregunta sigue siendo, ¿podría el hombre en el espejo ser el propio van Eyck, siendo atendido por su sirviente? Directamente encima, verás la firma de van Eyck.
Si nos fijamos bien, la pintura revela su increíble nivel de detalle, demostrando las habilidades magistrales de van Eyck. Toma nota de las naranjas a la izquierda de Giovanni, reflejan la madera pulida de la caseta. Junto con las cuentas que cuelgan de la cama, proyectan reflejos y sombras en la pared detrás. Jan van Eyck explotó la pintura al óleo y las diversas técnicas que el medio permitía, lo que ayudó a su capacidad para representar figuras y objetos con detalles meticulosos y a todo color.
Retrato de una mujer (c. 1435) por Robert Campin
| Artista | Roberto Campin |
| Fecha pintada | c. 1435 |
| Medio | Aceite con témpera de huevo sobre roble |
| Dimensiones | 40,6 cm x 28,1 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | The National Gallery, Londres, Inglaterra |
Acuñado como el «Maestro de Flémalle», el artista flamenco Robert Campin fue uno de los primeros maestros y líderes de la pintura flamenca. El Retrato de una mujer de Campin (c. 1435) forma parte de un par de retratos llamativos titulados Un hombre y una mujer, que se supone que formaron las alas de un díptico que desde entonces ha sido desmantelado. Esto fue indicado por el reverso jaspeado de cada pintura, lo que sugiere que no estaban destinados a ser colgados contra una pared.
Se cree que los retratos que forman «Un hombre y una mujer» son de una pareja casada.
Retrato de un hombre (c. 1435) de Robert Campin; Robert Campin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Retrato de una mujer es particularmente interesante; La composición artística de Campin coloca su ojo izquierdo en el centro de la pintura, lo que le permite asumir una posición dominante a los ojos del espectador y del espacio pictórico.
Los colores que usó Campin fueron bastante apagados; predominantemente blanco, negro y marrón, sin embargo, aún así fue capaz de transmitir su personalidad optimista y contundente.
La piel del sujeto es suave y sus ojos brillantes están bien abiertos. Sus ojos tienen una curva hacia arriba en las esquinas, esto es imitado y amplificado por las curvas y pliegues de su tocado. El fondo es completamente sin funciones.
Retrato de una mujer (c. 1435) de Robert Campin; Robert Campin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Colocar al sujeto contra el sólido fondo negro la hace parecer tridimensional y realista. Ella está bien vestida, pero su ropa no es excesivamente rica, lo que sugiere que la pareja era gente adinerada del pueblo. Aunque el trabajo de Campin está bastante documentado dada su exitosa carrera, ninguno de sus trabajos fue fechado o firmado, por lo que la certeza con la que estas son sus obras no es exacta. La atribución de la pintura a Campin se basa en motivos estilísticos.
Retrato de un hombre y una mujer a la casa (c. 1435 – 1440) por Filippo Lippi
| Artista | Filippo Lippi |
| Fecha pintada | c. 1435 – 1440 |
| Medio | Témpera |
| Dimensiones | 64 cm x 42 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos |
En términos de Renacimiento italiano Retratos, el Retrato de un hombre y una mujer en un casete de Filippo Lippi fue muy innovador para su época. La pintura demuestra el estilo típico de retrato de la Renacimiento temprano con su retrato del perfil del sujeto, reflejaba el renacimiento de la antigüedad clásica. Retrato de un hombre y una mujer en un casement es el primer ejemplo que tenemos del doble retrato de Italia que ha sobrevivido.
Cuando un retrato presentaba el perfil de un sujeto, la capacidad del artista para representar las expresiones faciales del sujeto era limitada.
Por lo tanto, el artista se adaptaría utilizando el simbolismo como representación de las características del sujeto. En el Retrato de un hombre y una mujer en un casete de Lippi, representó a su sujeto con piel pálida, adornado con prendas caras para representar su pureza y riqueza. La representación de Lippi de su belleza significaba su virtud. Se cree que los sujetos son Angiola di Bernardo Sapiti y Lorenzo di Ranieri Scolari que se casaron en 1439.
Retrato de una mujer con un hombre en un casement (c. 1440) por Filippo Lippi; Filippo Lippi, CC0, vía Wikimedia Commons
El retrato de estilo renacentista de Lippi muestra al sujeto en un entorno doméstico, de hecho, es el primer ejemplo que tenemos de un retrato donde el sujeto está en un entorno doméstico con una vista que revela un paisaje. Probablemente fue uno de los primeros retratos de boda.
Los ojos de los sujetos no se encuentran, ya que una mirada desviada era un signo de modestia.
El matrimonio significaba que la mujer se convertiría en parte de la casa del marido, como lo demuestra no solo la composición del retrato de estilo renacentista de Lippi, sino también la inclusión del escudo de armas de Scolari al que Lorenzo se aferra. El lema que está bordado en la manga de Angiola, lealta, significa «lealtad».
Lippi incorporó hábilmente elementos topográficos en sus pinturas, como se puede ver en la ventana detrás de Angiola. Es como si estuviera documentando las posesiones de la familia Scolari, que incluían propiedades vistas por el paisaje, joyas finas y una esposa virtuosa. Retrato de un hombre y una mujer en un casete fue una obra de arte muy influyente para los retratos renacentistas italianos que siguieron. El genio de Lippi fue reconocido en su dominio de las composiciones, la coloración y los detalles ornamentados.
Retrato de una joven (c. 1465 – 1470) por Petrus Christus
| Artista | Petrus Christus |
| Fecha pintada | c. 1465 – 1470 |
| Medio | Aceite sobre roble |
| Dimensiones | 70,29 cm x 22,5 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Gemäldegalerie, Berlín, Alemania |
Petrus Christus fue un pintor neerlandés temprano y produjo lo que es ampliamente considerado como uno de los más magníficos. Renacimiento del Norte pinturas de retratos, Retrato de una niña. En cuanto a los retratos famosos del Renacimiento, Retrato de una joven significó un importante avance estilístico en el retrato contemporáneo.
La impasible niñera mira directamente al espectador con una mirada enigmática, encantadora pero aparentemente frágil, se desarrolla en un entorno casi tridimensional sin pretensiones que permite que su compleja expresión domine el marco.
Retrato de una joven (c. 1465 – 1470) de Petrus Christus; Petrus Christus, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Christus se separó de la tradición al incorporar un fondo aireado realista que podría haber sido fácilmente el hogar de la niña, en lugar de usar el fondo oscuro tradicional. La joven lleva joyas y ropa caras, con un sentido del aplomo que propone su nobleza. Su mirada cautivadora se ve resaltada por la sutil desalineación de sus ojos, enmarcada por sus cejas débilmente depiladas.
Era relativamente inédito que el sujeto de una pintura reconociera a su audiencia, incluso en los retratos renacentistas italianos, que algunos estudiosos describieron como desconcertantes.
El retrato de Christus de la joven, con su piel opalescente y su mirada intensa en su Retrato de una niña, fue extremadamente influyente en las décadas que siguieron a su finalización y fue considerado emblemático para posteriores Pinturas de retratos famosas del Renacimiento. Aunque se sabe muy poco sobre la identidad de la niñera, su presencia iluminadora y su belleza distintiva distinguen a esta obra de arte de sus contrapartes. Retrato de una joven es una rara maravilla que compone la obra maestra de Christus.
Mona Lisa (c. 1503 – 1506) por Leonardo da Vinci
| Artista | Leonardo da Vinci |
| Fecha pintada | c. 1503 – 1506 |
| Medio | Óleo sobre panel de chopo |
| Dimensiones | 77 cm x 53 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Louvre, París, Francia |
Lo que se conoce como el pintura más famosa del mundo, por supuesto, tenemos que reconocer a la Mona Lisa. Francesco Del Giocondo encargó la obra maestra de Leonardo da Vinci a su esposa, Lisa Gherardini. La Mona Lisa es reconocida como uno de los retratos más preciados del Renacimiento y es posiblemente uno de los ejemplos más exquisitos de retratos de arte renacentista.
A pesar de su valor y eminencia, al igual que las otras obras de Leonardo da Vinci, esta pintura no estaba fechada ni firmada.
El sujeto se sienta elegantemente en una silla con el pecho y la cara vueltos hacia el espectador. La postura que sostiene se deriva de la composición piramidal de la Madonna sentada. Hay una sensación de conexión que sientes cuando el espectador mira a los ojos de la Mona Lisa. Sin embargo, la colocación algo protectora de sus brazos y el reposabrazos en el que se sientan la alejan de ti como espectador.
Mona Lisa (c. 1503-1506) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El esquema de color apagado: el dominio de da Vinci del sfumato, la técnica de pintura donde los tonos o colores prácticamente se funden entre sí porque se mezclan de una manera tan sutil; y la composición de la pintura dan la impresión de serenidad. Según la biografía de da Vinci, escrita por Giorgio Vasari, la enigmática sonrisa por la que se conoce a la Mona Lisa provino de la diversión de Lisa Gherardini ante los trovadores y músicos que el artista había contratado en un intento de mantenerla entretenida.
Leonardo da Vinci postergó la pintura; se especula que continuó trabajando en ella hasta 1517.
Es decir, la colocación de las manos del sujeto tomó bastante consideración, pero esto no fue en vano, ya que muchos conocedores las consideran casi tan altas como la cara. El contraste entre sus manos reposadas y elegantes que tienen una cualidad casi sin vida, con su rastro de sonrisa y su mirada hipnotizante, hacen que parezca que pertenecen a cuerpos diferentes.
La pintura de Da Vinci está valorada en más de mil millones de dólares. Desafortunadamente, lo que esto ha significado para la gloriosa pintura es que ahora debe residir detrás de una gruesa barricada de vidrio a prueba de balas para garantizar su protección. Aunque millones de personas acuden al Louvre para presenciarla por sí mismos, solo les queda un vistazo.
Retrato de un joven (c. 1517 – 1518) por Andrea del Sarto
| Artista | Andrea del Sarto |
| Fecha pintada | c. 1517 – 1518 |
| Medio | Óleo sobre lino |
| Dimensiones | 72,4 cm x 57,2 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | The National Gallery, Londres, Inglaterra |
Andrea del Sarto fue un célebre artista florentino, descrito como un «pintor impecable». Retrato de un joven es uno de los pocos retratos famosos del Renacimiento de Sarto que quedan, ya que solo un pequeño número sobrevivió. Es considerada una de las obras maestras de Del Sarto. Retrato de un joven fue pintado durante el período en que Leonardo, Miguel Ángel y Rafael habían dejado la ciudad de Florencia, lo que convirtió a del Sarto en el principal pintor florentino. Retrato de un joven representa un momento interrumpido, donde un joven que ha estado leyendo se vuelve para mirar al espectador.
La identidad del hombre sigue siendo desconocida, aunque durante un tiempo se le atribuyó ser un autorretrato de Del Sarto.
Retrato de un joven (c. 1517-1518) de Andrea del Sarto; Andrea del Sarto, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La pose representa una fluidez en espiral que se derivó de la obra de Leonardo, así como de la sfumato lo que causó el efecto atmosférico y humeante. La forma escultórica de la voluminosa manga azul es muy convincente y proporciona el punto central alrededor del cual gira la pose. La sutil paleta de colores incorpora azul-lila, grises pálidos, blanco, marrón y negro.
La iluminación dramática y reLa restricción de los colores contribuye a la intensidad general del retrato.
Del Sarto modeló la forma derritiendo la luz y el color en lugar de usar tonos de negro. Su fascinación por los efectos de la atmósfera y el color, así como la expresión natural de la emoción y la pose informal, lo hicieron destacar entre sus compañeros pintores florentinos. El estilo de Del Sarto, que incorporó la paleta de colores restringida, la composición reducida, la intensidad psicológica y la percepción de un momento interrumpido, se desarrolló aún más por la generación de pintores que siguió, como el Retrato del escultor Alessandro Vittoria de Giovanni Moroni.
Autorretrato (1548) de Caterina van Hemessen
| Artista | Caterina van Hemessen |
| Fecha pintada | 1548 |
| Medio | Aceite sobre roble |
| Dimensiones | 30,8 cm x 24,4 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Kunstmuseum Basel, Suiza |
Caterina van Hemessen fue una pintora flamenca cuyas famosas pinturas de retratos renacentistas sobrevivientes se registran como los primeros ejemplos de obras verificables de una artista femenina flamenca. Hemessen tenía solo 20 años cuando completó su Autorretrato. La mirada no correspondida de la niñera es paralizante mientras mira más allá del espectador a su reflejo en un espejo.
Nos atrae el texto, inscrito en latín, que domina el espacio entre el rostro de la niñera y el caballete ante ella, que se traduce como «Yo Caterina van Hemessen me he pintado a mí misma / 1548 / Su edad 20».
Hemessen se representó a sí misma a media longitud sosteniendo un pincel en un panel de roble. Ella solo ha comenzado su proceso artístico, ya que vemos un boceto de su rostro en la pintura representada. La representación de la niñera de sus lujosas mangas de terciopelo rojo era demostrativa de su rango social y atribuía un sentido de dignidad personal, pero habrían sido poco prácticas de usar mientras trabajaba con pinceles y aceites.
Autorretrato (1548) de Caterina van Hemessen; Catharina van Hemessen, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Hay algunas contradicciones deliberadas en el retrato mientras explora la imagen especular. Por ejemplo, Hemessen coloca el boceto de su cabeza en el lado izquierdo del panel en el caballete, la pintura dentro de la pintura, mientras que en la pintura vemos la cabeza del cuidador en el lado derecho del panel.
Esto sugiere que se ha encargado de corregir la inversión óptica creada por el espejo en el que parece estar mirando y que se encuentra fuera del marco.
El Autorretrato de Hemessen ganó su considerable aclamación, no solo como una ilustración de un autorretrato femenino moderno temprano, sino también por retratar a un artista en un caballete. Hemessen fue el primer artista en hacerlo, era muy atípico para la época mostrar a los artistas participando en su vida cotidiana. Era raro que los artistas representaran las herramientas que usaban para su profesión. La contribución de Hemessen a los retratos de estilo famoso del Renacimiento ha dado forma a nuestra perspectiva moderna del temperamento artístico.
Autorretrato con Bernardino Campi (c. 1559) de Sofonisba Anguissola
| Artista | Sofonisba Anguissola |
| Fecha pintada | c. 1559 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 110 cm x 100 cm (antes de la restauración) |
| Dónde se encuentra actualmente | Pinacoteca Nazionale, Siena, Italia |
Una mujer del Renacimiento, Sofonisba Anguissola, se hizo un nombre como una de las primeras artistas femeninas prominentes durante este período. El sofisticado Autorretrato de Anguissola con Berardino Campi es una pintura dentro de una pintura, que representa al artista Bernardino Campi pintando un retrato de su estudiante, el joven Anguissola. Se cree que el retrato doble es de finales de la década de 1550, cuando Anguissola habría estado en sus 20 años y se considera un triunfo artístico.
Su composición indica que Anguissola se encuentra fuera del marco, pintando a su maestra pintándola.
Autorretrato con Bernardino Campi (c. 1559) de Sofonisba Anguissola; Sofonisba Anguissola, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Autorretrato con Berardino Campi deja clara su experiencia al espectador; su arte creativo se revela junto con su hábil dominio de la ilusión del espacio; y su capacidad para emular en la expresión de la pintura, la carne, la tela y la textura. La representación de Anguissola de ambos retratos en su pintura implica que fue una mejor artista que su maestro, Berardino.
Anguissola representa a su maestro en un hombre naturalistaner mientras engancha al espectador con su mirada, mientras que la pintura de Anguissola, que presumiblemente es de su maestra, es rígida y simple.
Los inmensos talentos de Anguissola le permitieron triunfar sobre las barreras que enfrentó sobre la base de su género. Ella fue lograda más allá de un estándar internacional. Anguissola estableció un lugar para sí misma en un campo que por lo demás estaba muy dominado por hombres, reconocidos por artistas como Anthony van Dyck y Miguel Ángel.
Retrato de una mujer noble (c. 1580) por Lavinia Fontana
| Artista | Lavinia Fontana |
| Fecha pintada | c. 1580 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 114,9 cm x 89,5 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | El Museo Nacional de Mujeres en las Artes, Washington D.C., Estados Unidos |
Lavinia Fontana es reconocida por sus magníficas pinturas de mujeres, así como por sus formidables y excepcionales habilidades como artista. El Retrato de una mujer noble de Fontana demuestra su capacidad para retratar suntuosas joyas y ropa con notable detalle. Los estudiosos están convencidos de que la mujer en el retrato era una joven noble boloñesa y la pintura sirvió como su retrato de matrimonio.
Las gemas y la ropa en la pintura corresponden con los artículos típicos de una novia de alto nivel, ya que las novias boloñesas usarían vestidos rojos en el siglo 16.
Retrato de una mujer noble (c. 1580) de Lavinia Fontana; Lavinia Fontana, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El fondo oscuro asegura que su enfoque se encuentre en el tema de la pintura. Fontana fue muy admirada por sus representaciones de ornamentación y tela. La piel de una marta, una criatura parecida a un visón, cuelga del cinturón de la novia como una indicación de su riqueza, con su cabeza y patas intrincadamente adornadas con joyas. El minucioso detalle con el que Fontana capturó los principales acontecimientos de la vida de las mujeres nobles, como la novia en Retrato de una mujer noble, es lo que hizo que la nobleza de Bolonia acudiera en masa a ella, para darles un retrato digno de su personalidad.
Fontana recibió capacitación de su padre en el campo del retrato y tuvo un impacto en la escena artística italiana. Reconocida por su oficio, ganó fama en Italia y más allá. Fontana hizo una verdadera carrera para sí misma con su arte, de hecho, se convirtió en la primera mujer en Europa Occidental que dependía exclusivamente de las comisiones para la base de sus ingresos.
Los 10 retratos renacentistas más famosos explorados en este artículo demuestran el impacto y la influencia que los artistas antes mencionados y sus obras de arte tuvieron en el movimiento en sí y en los que siguieron. Las contribuciones artísticas de este período fueron abundantes y continúan celebrándose hoy en día. ¡Estos retratos de arte renacentista fueron innovadores e inspiradores! Si nuestro artículo despertó su interés, navegue a través de nuestro sitio web, ¡tenemos muchos más artículos sobre diversos temas de arte que creemos que disfrutará!
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Preguntas Frecuentes
¿Qué son los retratos renacentistas?
Los retratos de estilo renacentista fueron pinturas hechas entre los siglos 15 y 17, durante el período del Renacimiento. Los artistas pintaban representaciones realistas de las personas que posaban para ellos, no simplemente registrando sus rasgos, sino presentando una representación vívida de la persona que tenían delante. Fue durante el Renacimiento que vimos la introducción de la pintura al óleo, que eventualmente se convirtió en el estándar para los artistas de todo el mundo, en lugar de usar pintura al temple que había sido el estándar artístico anterior. Aunque las pinturas de retratos renacentistas a menudo representaban a personas que tenían un estatus social más alto, fue durante este movimiento que, por primera vez en la historia, esencialmente cualquiera podía hacer un retrato de sí mismo, siempre y cuando pudiera pagarlo.
¿Qué hace un retrato renacentista?
Los retratos famosos del Renacimiento se centraron en el realismo con sus representaciones, ya que cambiaron de las formas abstractas del período medieval. Los retratos de arte renacentista presentaban a las personas en su verdadera forma y reflejaban el desarrollo del movimiento humanista. Se restableció la fascinación clásica antigua por los asuntos humanos, que destacó el desarrollo del individuo, con representaciones de semejanza distintiva. Las obras de arte no eran particularmente extravagantes. De hecho, los fondos de la mayoría de los retratos renacentistas eran bastante simples. El tema se convirtió en el foco de la pintura.
