The American Scene fue un movimiento artístico de la década de 1930 que comenzó en ardiente oposición al crecimiento del modernismo europeo y se distinguió por un compromiso con el tema auténticamente estadounidense. «Estados Unidos después de la caída» se define como una era marcada por los restos sociales y económicos de la Gran Depresión, durante la cual los estadounidenses se retiraron al interior, buscando consuelo en sí mismos y en su cultura. Para su tema, el artista de la década de 1930 recurrió a sus raíces, alejándose lo más posible de las nociones mundiales. En la década de 1930, el arte emigró de las torres de marfil al campo, las comunidades y la industria.
Estilos de arte y artistas de la década de 1930
Durante la era del arte de la Gran Depresión, una proporción significativa de artistas de la década de 1930 rechazó los movimientos creativos más revolucionarios y no objetivos que estaban ganando popularidad a nivel internacional, concentrándose en temas nativos producidos de una manera principalmente realista, generando un estilo de arte «democrático» que era comprensible y accesible para la población en general.
Los artistas del movimiento artístico de la década de 1930 conocido como la escena estadounidense iban desde regionalistas como Grant Wood, Thomas Hart Benton y John Steuart Curry, que conmemoraban las cualidades de la América rural, mientras que los realistas urbanos como Isabel Bishop y Reginald Marsh, y los realistas sociales como William Gropper, Ben Shahn y los hermanos Soyer respaldaron los méritos de la América urbana o utilizaron el arte para expresar sus ideologías para reformas políticas.
El gobierno federal proporcionó un apoyo significativo para el arte en la década de 1930, empleando a miles de artistas en sus iniciativas de arte público, tanto como pintores murales como pintores de lienzos, en el apogeo de la Depresión. Benton, Hopper, Wood y Marsh se encontraban entre los gigantes del arte en la década de 1930.
Temprano el domingo por la mañana (1930) de Edward Hopper; Edward Hopper, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, hubo una gran cantidad de otros artistas activos durante esos años del arte de la Gran Depresión, que según un escritor, «ganaron una gran aclamación entre sus colegas, así como con la población en general, pero cuyos legados personales después de la guerra en muchos casos experimentaron la humillación de la negligencia». La producción de esta «generación pasada por alto» de artistas estadounidenses de la década de 1930 continúa siendo pasada por alto en los círculos de historia del arte. El estudio retrospectivo del arte se ha concentrado en gran medida en el auge de expresionismo abstracto y el crecimiento de otros estilos de arte de vanguardia en América a mediados del siglo 20. La marea, por otro lado, podría estar cambiando.
El movimiento artístico de la década de 1930 está ganando popularidad a medida que las obras de arte de los artistas del siglo 19 y principios del siglo 20 se vuelven prohibitivamente costosas.
Los coleccionistas están empezando a revisitar los nombres menos conocidos de esta generación prácticamente olvidada de artistas estadounidenses; personas que estudiaron en las principales escuelas de arte de Estados Unidos y generaron creaciones de notable arte y encanto, solo para que sus logros se vieran eclipsados por la llegada del arte moderno y la abstracción.
Artistas importantes de la década de 1930 en Estados Unidos después de la caída
¿Cuál era exactamente el estilo artístico de la década de 1930 en Estados Unidos? Ese es un tema que los artistas de la nación reflexionaron y abordaron de diversas maneras durante la década que abarcó el colapso económico de 1929 hasta la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Con la economía del país en declive y la perspectiva del fascismo en aumento, los pintores de la época utilizaron sus distintos puntos de vista del país para reinterpretar el modernismo.
Las obras artística e ideológicamente diversas creadas por los artistas de la década de 1930 dan un retrato vívido de la mentalidad cambiante de la nación.
Mediodía (1939) de Thomas Hart Benton; Thomas Hart Benton, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La actitud reflexiva y sombría de Edward Hopper hacia los temas locales contrasta fuertemente con el idealismo extravagante de Thomas Hart Benton y los regionalistas de sus colegas, que tenían como objetivo producir una pintura patriótica que exaltara a Estados Unidos. Artistas como Ben Shahn y Philip Evergood emplearon el realismo social para criticar las creencias políticas actuales, enfatizando las dificultades de los trabajadores agrícolas migrantes, los migrantes judíos y otros segmentos oprimidos de la sociedad.
Simultáneamente, algunos artistas reavivaron la lucha contra el estilo artístico representativo de la década de 1930, adoptando la pintura no objetiva como un género que hablaba directamente a los problemas contemporáneos.
William J. L’Engle (1884 – 1957)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 22 de abril de 1884 |
| Fecha de fallecimiento | c. 1957 |
| Lugar de nacimiento | Jacksonville, Florida |
William J. L’Engle se graduó de la Universidad de Yale en 1906 con una especialización en arquitectura naval y era bien conocido entre sus compañeros por su habilidad para el dibujo. También se destacó en el equipo de atletismo, donde estableció el récord de la milla. Después de graduarse, se interesó en las bellas artes y se inscribió en la Liga de Estudiantes de Arte en la ciudad de Nueva York. Luego fue a París para mejorar su educación creativa. Pasó cinco años en la Academia Julián allí, donde estudió durante cinco años.
William J. L’Engle estaba motivado por el tema de la vida nocturna metropolitana.
Nightclub Dancer, que se completó alrededor de 1930, refleja la energía y el alma de la Era del Jazz, que floreció después de la Primera Guerra Mundial y alcanzó su apogeo en los clubes de Harlem de la ciudad de Nueva York. «Con prendas ajustadas, muy sensuales y balanceándose a un pulso rítmico, sus bailarines ejemplifican la idea entonces prevaleciente de los africanos como primarios, extraños e intensamente sensuales», según una revisión de su trabajo. Por lo que los historiadores entienden, su obra final fue El sacrificio de Abraham, que se completó en 1957, el mismo año de su fallecimiento, y examina una versión del evento bíblico que ha intrigado a pintores prominentes a lo largo de la historia.
James O. Chapin (1887 – 1975)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 9 de julio de 1887 |
| Fecha de fallecimiento | 12 de julio de 1975 |
| Lugar de nacimiento | West Orange, Nueva Jersey |
James O. Chapin fue uno de los miembros más respetados de este grupo. Chapin realizó estudios nocturnos de pintura en Cooper Union New York después de verse obligado a servir como corredor bancario antes de graduarse de la escuela secundaria. Más tarde, con la generosa ayuda financiera de un familiar, se matriculó durante dos años en la Real Academia de Amberes antes de mudarse a París. Allí, se enamoró de Cézanne y las ideas del modernismo antes de volver a casa para establecer su propio estilo.
En 1924, se había mudado a la rústica Nueva Jersey, alquilando una casa rural a los Marvin, una familia de agricultores que pintó en una delicada serie de lienzos muy realistas que le valieron fama nacional a partir de 1929. El pintor estaba en la cima de su éxito a principios de la década de 1930 cuando produjo Young Ball Player (1933), con no menos de 18 exposiciones individuales durante los siguientes cinco años. El joven galante que se muestra en esta pieza es un «bush-leaguer» regional que protagonizó para el equipo de woodglen town.
Es el primero de cuatro cuadros conocidos del pintor que muestra a jugadores de pelota semiprofesionales inmortales, lo que lo convierte en un tema clásico de la escena estadounidense.
Thomas Hart Benton (1889 – 1975)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 15 de abril de 1889 |
| Fecha de fallecimiento | 19 de enero de 1975 |
| Lugar de nacimiento | Neosho, Misuri |
La principal contribución de Benton a la pintura estadounidense del siglo 20 puede haber sido su concentración temática en imágenes de la gente común y el folclore. Su realismo expresivo se distingue por acentuar formas y formas curvilíneas, así como por el uso dramático de colores esenciales. Benton amplió tanto la variedad de material artístico factible como el mercado potencial para el arte al desviar la atención de Nueva York hacia el Medio Oeste.
Los lienzos y grabados de Benton se comprometieron a recordar a la música y el sonido como forma de comunicación.
Thomas Hart Benton, 1935; Carl Van Vechten, dominio público, vía Wikimedia Commons
Su preocupación por el sonido, típicamente en forma de melodías vernáculas e instrumentación, así como discursos y conversaciones, se remonta a los antecedentes de su familia en los asuntos de Missouri, donde se hablaba con frecuencia de la voz de la gente; Benton intentó mantener intacta esta perspectiva populista en su arte. El pintor también fue un destacado curador de música, catalogador, transcriptor y editor.
En la década de 1930, Jackson Pollock fue el mayor admirador entusiasta de Benton, y su trabajo temprano es estilística y temáticamente idéntico al de su instructor. El giro de Pollock hacia las abstracciones puras se ve mejor como un movimiento estético que como una desviación completa de Benton.
La transición del regionalismo al expresionismo abstracto también puede verse como parte de un movimiento político y cultural más amplio de las políticas de reforma del New Deal al período postatómico de la Guerra Fría. Al igual que con obras de arte como City Building (1931), justo de pie frente a esta imagen masiva y altamente coloreada, uno puede sentir la ciudad palpitando y palpitando con vita fresca.lity.
Reginald Marsh (1898 – 1954)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 14 de marzo de 1898 |
| Fecha de fallecimiento | 3 de julio de 1954 |
| Lugar de nacimiento | París, Francia |
Reginald Marsh era un observador astuto de la gente, y sus vibrantes obras de estilo documental son notables por su énfasis en las masas en lugar de en los personajes individuales. Marsh pintó en las décadas de 1930 y 1940, representando una ciudad que experimenta una agitación social y financiera significativa como resultado de la Gran Depresión, la posición cambiante de las mujeres en la sociedad y el estallido de la Segunda Guerra Mundial.
Marsh, un realista social, estaba obsesionado con pasatiempos populistas como atracciones de Coney Island, actuaciones burlescas y clubes de baile.
Sorting the Mail (1936) mural de Reginald Marsh, Ariel Rios Federal Building, Washington, D.C.; Carol M. Highsmith, dominio público, vía Wikimedia Commons
Retrató la vida cotidiana de los habitantes urbanos de la clase trabajadora, retratando con frecuencia los bajos fondos de las diversiones que amaban. Marsh captura la emoción y la velocidad de Nueva York a través de composiciones intrincadas de múltiples figuras y colores brillantes.
Sus obras carecían con frecuencia de un claro énfasis visual, que, junto con sus pinceladas irregulares y asimetría, no permite que la mirada se asiente en ningún lugar, generando una sensación de inquietud y movimiento constante en sus pinturas que contrasta fuertemente con la producción de otros pintores regionalistas. Muchas de las obras de Marsh presentan carteles y anuncios, haciendo hincapié en la difusión del medio y yuxtaponiendo su aspecto llamativo, productos básicos y reclamos con las vidas ordinarias de las personas que lo devoraron.
Marsh puede considerarse como un predecesor del estilo Pop Art que surgió a fines de la década de 1950 al recrear auténticamente esta iconografía y usarla como una declaración social.
Ben Shahn (1898 – 1969)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 12 de septiembre de 1898 |
| Fecha de fallecimiento | 14 de marzo de 1969 |
| Lugar de nacimiento | Kaunas, Lituania |
El objetivo de Ben Shahn de producir arte narrativo centrado en la justicia social y política ha llegado a personificar la estética de la conciencia social. Shahn permaneció comprometido con su visión desde que era un adolescente en Lituania, cuando comenzó a cuestionar las creencias religiosas, hasta el final de su vida.
Nunca dejó de producir obras de arte que llamaran la atención sobre personas cuyas vidas eran difíciles, y lo hizo con integridad en lugar de tristeza o romanticismo.
The Meaning of Social Security (1939-1940) mural de Ben Shahn, Wilbur J. Cohen Federal Building, Washington, D.C.; Carol M. Highsmith, dominio público, vía Wikimedia Commons
Antes de la Segunda Guerra Mundial, Shahn fue uno de los principales defensores de lo que se conoció como realismo social. Estas obras de arte son descriptivas, pictóricas e indicativas de los indigentes, oprimidos o personas que viven fuera de la sociedad. La devoción al humanismo es el espíritu impulsor del realismo social.
Ben Shahn reunió varios tipos de cultura visual para cerrar la brecha entre los principales medios de comunicación y las bellas artes.
Desafiando lo que Shahn llamó «normas de arte puro», el artista incluyó regularmente palabras, frases y citas en su trabajo para subrayar el aspecto didáctico de su trabajo. A pesar de su creciente celebridad y estatura, Shahn permaneció dedicado a sus espectadores y al tema. Shahn no habló mal al público estadounidense; en cambio, se paró en la multitud y luchó con ellos.
Mary Fife (1900 – 1990)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | c. 1900 |
| Fecha de fallecimiento | c. 1990 |
| Lugar de nacimiento | Canton, Ohio |
Mary Fife fue la pintora de arte ideal en la década de 1930 en muchos aspectos. Era una mujer tremendamente creativa por derecho propio, pero sacrificó su profesión para apoyar la carrera de su esposo, el pintor Edward Laning. Su tema se centró en los lugares y la gente de esa región, y fue una participante menos conocida de la «Escuela de la Calle 14», un grupo diverso de artistas realistas cuyos talleres estaban ubicados en el vecindario de Union Square-14th Street de la ciudad de Nueva York.
Place in the Sun (1934), que Fife exhibió en 1937 en el Whitney Museum of American Art, es una gran pieza del estilo artístico de la década de 1930 de la calle 14, tan brillantemente ejecutada como cualquiera de sus contemporáneos más conocidos. ÉsimoEl tema de la obra de arte, cuatro jóvenes trabajadoras saboreando su hora de almuerzo en un brillante techo del lugar de trabajo en un cálido día de verano, es similar a la buena amiga y colega de la artista, las representaciones compasivas de Isabel Bishop de mujeres trabajadoras.
Las damas de Fife, por otro lado, son más sensuales, aproximándose a la sensualidad más abierta de Reginald Marsh. Sus sujetos son poderosos y seguros de sí mismos, no afectados por los chicos que miran desde las ventanas de las oficinas circundantes.
Daniel R. Celentano (1902 – 1980)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 21 de diciembre de 1902 |
| Fecha de fallecimiento | c. 1980 |
| Lugar de nacimiento | Manhattan, Estado de Nueva York |
Daniel Celentano, hijo de inmigrantes italianos, nació en una gran familia en el distrito italiano de Manhattan. Debido a un episodio de polio infantil, solo tenía un uso limitado de su pierna derecha. Debido a su discapacidad, no pudo asistir a la escuela, y sus padres, reconociendo su talento creativo cuando aún era un joven, lograron organizarse para que los tutores de arte lo instruyeran en casa.
A la edad de 12 años, había recuperado la función de su pierna mediante el esfuerzo duro y la dedicación, y fue el primer estudiante del artista del realismo social Thomas Hart Benton.
Festival (1934) de Daniel Celentano; Daniel Celentano, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Celentano mostró por primera vez su trabajo en la ciudad de Nueva York en 1930. Poco después, participó en el programa de murales de la Administración de Progreso de Obras. Celentano obtuvo influencia creativa de las rutinas cotidianas de sus amigos y vecinos en el Harlem italiano, donde vivió posteriormente. The Houseboat (1938) es uno de los varios temas al aire libre ubicados en o cerca del East River. A pesar del ambiente inusual, el cuadro familiar retratado es familiar: una mujer, bebé en brazos, parece lista para castigar a sus muchachos rudos mientras dos figuras masculinas proceden a sus trabajos de navegación a pesar de la conmoción.
Beatrice Cuming (1903 – 1974)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 25 de marzo de 1903 |
| Fecha de fallecimiento | Marzo de 1974 |
| Lugar de nacimiento | Brooklyn, Estado de Nueva York |
Beatrice Cuming enseñó clases de pintura en la Girls’ Community High School durante un año después de graduarse antes de optar por dedicarse al arte comercial independiente. Cuming se mudó a París en 1924, utilizando su salario independiente. Después de un año en París, pasó un tiempo viajando y pintando en el norte de África, Italia, Inglaterra y Bretaña antes de regresar a los Estados Unidos en 1926. Se mudó a Túnez, con su amante, el novelista Dahris Butterworth Martin, a principios de la década de 1930. En 1933 Beatrice Cuming regresó a los Estados Unidos, y pronto desarrolló un nuevo respeto por el campo estadounidense.
«Me llamó la atención la riqueza de contenido para un artista allí, mi propio afán por ello, la sensación de encajar y no desear estar en otro lugar sino aquí», relató más tarde.
En 1934, tomó un tren con destino a Boston. Cuando el tren llegó a Connecticut, quedó tan impresionada con la magnificencia que vio que se desmontó y comenzó una vida en esa área, donde se desvió hacia temas industriales como locomotoras de vapor, centrales eléctricas, muelles e industrias. Industrial Landscape evoca las formas industriales austeras preferidas por Charles Sheeler, así como la impresión de soledad urbana que se encuentra en las obras de Edward Hopper.
Balizas, cunas de astilleros, edificios industriales, ferrocarriles y almacenes estaban entre sus temas favoritos. Cuming retrata la realidad de un hombre con celo inquebrantable.
León Bibel (1913 – 1995)
| Nacionalidad | Polaco-Americano |
| Fecha de nacimiento | c. 1913 |
| Fecha de fallecimiento | c. 1995 |
| Lugar de nacimiento | Polonia |
Las dificultades que enfrentaron los artistas del arte de la Gran Depresión en Estados Unidos después de la caída fueron demasiado reconocibles para el pintor realista Leon Bibel. Bibel, que nació en San Francisco, se mudó a la ciudad de Nueva York en 1936, en el apogeo de la Gran Depresión. Fue un entusiasta colaborador de las iniciativas artísticas del gobierno de la WPA. Las serigrafías y pinturas de Bibel, que fueron fuertemente influenciadas por pintores mexicanos y Thomas Hart Benton, desafiaron las desigualdades sociales o, en el caso de Building A Nation (1937), abordaron temas políticos y elogiaron los principios y logros del hombre común.
Sus temas atrevidos y a menudo extremadamente politizados, así como su técnica seca y cruda, capturaron maravillosamente los ideales apasionados, casi sagrados.f arte en la década de 1930.
Bibel y su esposa se mudaron a South Brunswick, Nueva Jersey, en 1941, después de no poder sostenerse de manera efectiva después de la desaparición de la WPA. Durante más de 20 años, dejó su pintura para operar como criador de pollos y nutrir a sus dos hijos. Sus obras de arte de la década de 1930, muchas de las cuales reflejaban sus afinidades con la causa comunista (y varias de las cuales fueron dobladas y enterradas en los lofts de su gallinero durante todo el período McCarthy), no se mostraron oficialmente hasta casi 40 años después.
La escena estadounidense fue una tendencia artística de la década de 1930 que surgió en vehemente oposición al surgimiento del modernismo europeo y se caracterizó por un enfoque en temas genuinamente estadounidenses. «América después de la caída» se caracteriza como un período marcado por la devastación social y económica de la Gran Depresión, durante el cual los estadounidenses se retiraron hacia adentro, buscando consuelo en sí mismos y en su cultura. El artista de la década de 1930 volvió a sus orígenes para su tema, manteniéndose lo más lejos posible de las concepciones globales. El arte viajó desde las torres de marfil hasta el campo, los pueblos y la industria en la década de 1930.
Preguntas Frecuentes
¿Qué se entiende por Estados Unidos después de la caída?
Estados Unidos después de la caída se caracteriza por ser una era marcada por la devastación socioeconómica de la Gran Depresión, durante la cual los estadounidenses se retiraron hacia adentro, buscando consuelo en sí mismos y en su cultura. Para su tema, el artista de la década de 1930 recurrió a sus raíces, alejándose lo más posible de las nociones mundiales.
¿Qué definió el arte en la década de 1930?
Durante la Gran Depresión, una proporción significativa de artistas rechazó los movimientos creativos más revolucionarios y no objetivos que estaban ganando popularidad internacional, en cambio, se centraron en temas nativos producidos de una manera principalmente realista, lo que resultó en lo que se llamó un estilo de arte democrático que era comprensible y accesible al público en general. Sin embargo, hubo muchos más artistas activos durante los años de la Enorme Depresión que, según un escritor, habían ganado un gran reconocimiento entre sus colegas, así como con la población en su conjunto, pero cuyos legados personales después de la guerra en muchos casos enfrentaron la humillación de la negligencia. El trabajo de esta llamada generación olvidada de pintores estadounidenses de la década de 1930 todavía se subestima en unRt historia Círculos. Los coleccionistas están empezando a volver a los nombres menos conocidos de esta generación prácticamente olvidada de artistas estadounidenses; personas que estudiaron en las principales escuelas de arte de Estados Unidos y produjeron obras de arte y encanto excepcionales, solo para que sus logros se vieran eclipsados por la llegada del arte moderno y la abstracción.
