El arte nativo americano se refiere a la obra de arte creada por los pueblos nativos originales de las Américas. A pesar de no tener ninguna conexión con la India, los aborígenes de la región a menudo se conocen como indios, y su arte es conocido por muchos como obras de arte de los indios americanos. El arte nativo de las Américas incluye escultura nativa americana, textiles, tejido de cestas, pinturas de nativos americanos, murales y dibujos de nativos americanos de América del Norte y del Sur, así como partes de Siberia, Alaska y Groenlandia.
Arte nativo americano
«Arte» es un término que puede significar varias cosas, dependiendo de dónde vengas. En muchos de los idiomas hablados por los nativos americanos, ni siquiera hay una palabra para artista o arte. Entonces, ¿cómo definiríamos a los artistas nativos americanos?
Interior del Edificio Indio Americano, Albuquerque, Nuevo México, 1900/1910; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
El papel de los artistas nativos americanos
La mayor parte de la vida nativa gira en torno a la perfección de diversas artesanías por razones prácticas, como cerámica para el almacenamiento de alimentos, ropa para usos cotidianos y rituales, cestas para transportar y almacenar mercancías, etc. En estas sociedades nativas, un artista era simplemente alguien que era bueno en su oficio o trabajo.
En lugar de hacer arte para la apreciación estética, el artesano aspiraba a crear objetos efectivos y prácticos para el uso diario y objetos poderosos para uso medicinal o espiritual.
Fue solo en las culturas donde la riqueza era un factor significativo en el estatus social de uno que los artistas eran vistos como algo importante. La clase dominante de algunas de estas culturas nativas a menudo estaba en posiciones clericales que les exigían encargar la creación de arte religioso y conmemorativo a artistas nativos americanos. Aunque el arte en sí mismo no era visto como algo que valiera la pena perseguir en muchas culturas nativas, la habilidad de ser capaz de elaborar canastas finas o motivos espirituales todavía era admirada y apreciada por otros.
Arte Individual vs. Arte Tribal
El objetivo principal de cada artista es evocar una respuesta emocional de sus espectadores. Esto no es diferente para los artistas indios americanos. El éxito en la comunicación con las civilizaciones nativas americanas dependía mucho de la comprensión del artista de las tradiciones.
La estructura social de varias tribus limitó la cantidad de experimentación que un artista podía hacer en comparación con las civilizaciones occidentales, obligando al artista a apegarse a formas de expresión más tradicionales.
Escaneo digital de una placa de color de pintura. Impreso con la siguiente leyenda: «1902 por E. Irving Couse, A. N. A.; El Historiador; El artista indio está pintando en lenguaje de señas, en piel de buey, la historia de una batalla con soldados estadounidenses. Cuando se exhibió en la Academia Nacional, este cuadro fue considerado una de las pinturas más importantes del año. Vea si puede encontrar el signo de los indios, la caballería de los Estados Unidos y el oficial al mando. Los puntos que está haciendo son «balas». Ver las flechas.»; E. Irving Couse (en.wikipedia), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, había una notable cantidad de libertad artística dentro de este estricto marco de tradición. Hay ejemplos documentados de personas que hacen cambios significativos en el arte y la economía de sus tribus. A través de la individualidad pura, estas personas lograron una victoria personal al establecer un estilo que no solo fue replicado por otros artesanos, sino que también fue reconocido como «tradicional» en esa región específica a lo largo del tiempo.
Orígenes del diseño de obras de arte de los indios americanos
Los orígenes de la mayoría de los patrones ornamentales de los nativos americanos son desconocidos hoy en día; la mayoría de ellos se perdieron en la prehistoria. Muchos están claramente inspirados en formas naturales, pero algunos son simplemente extensiones de temas geométricos. Algunos se han entrelazado tanto con construcciones extranjeras como el arte occidental después de la llegada de los europeos, que es difícil rastrear sus orígenes por completo. Sin embargo, hay evidencia de que ciertos patrones tempranos fueron desarrollados por artistas individuales, y muchos de ellos fueron motivados por una búsqueda de significado.
Para los indios americanos, el mundo de la búsqueda de la visión es un espacio espiritualmente significativo donde el alma puede abandonar el cuerpo, participar en actividades extrañas y ver muchas cosas inusuales.
Los diseños y criaturas experimentados durante la búsqueda de la visión a menudo se ven como seres protectores, por lo que se reproducen minuciosamente a lo largo del día para reflejar esta creencia. No artistas would periódicamente le contaría a un artista elegido sobre sus animales imaginarios, y el artista posteriormente los grabaría en piedra, madera u oculta. Sin embargo, debido a que estos encuentros paranormales eran tan íntimos, con frecuencia eran narrados por el propio sujeto, lo que resultó en un trabajo de calidad muy variable.
Pinturas de pieles de búfalo de la tribu Naiche, c. 1900-1910; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
La función cultural del arte nativo
Muchos artículos de arte de los indios americanos están diseñados principalmente para cumplir una función, como actuar como un recipiente o proporcionar un método de devoción. Las obras de arte de los nativos americanos con frecuencia asumen formas prácticas que reflejan la organización social de las civilizaciones involucradas. Las municiones, las joyas y el boato parecen haber sido formas de arte significativas en las civilizaciones geopolíticas. Las civilizaciones llana, inca y azteca reflejan la cultura guerrera prevaleciente en sus artes, lo que las convierte en los ejemplos más pronunciados.
Las civilizaciones que dan un alto valor al ritual tienen más arte ceremonial que las culturas que no lo hacen. Por ejemplo, todas las manifestaciones artísticas de los mayas muestran el abrumador estado teocrático del mundo.
Algunas de las mejores obras de arte de los indios americanos se aplicaron a artículos destinados a satisfacer a una divinidad, calmar deidades furiosas, apaciguar o aterrorizar a los espíritus malévolos, o rendir homenaje a los recién nacidos o recientemente difuntos, aunque esto no siempre es cierto. Los nativos americanos usaban tales métodos para ejercer control sobre su entorno y cualquier ser humano o mitológico que los pusiera en peligro.
Máscara con espíritu de foca u nutria marina; Alaska, pueblo esquimal Yup’ik, finales del siglo 19; Foto: Usuario:FA2010, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Algunos artículos solo estaban destinados para uso religioso, mientras que otros solo estaban destinados para uso secular. La forma en que se decoran las cosas no necesariamente revela para qué se usan. Algunos de los artefactos religiosos más venerados son básicos, incluso poco atractivos, mientras que otros están opulentamente adornados.
Algunas personas usaban cuencos de vajilla para la preparación de comidas, mientras que otros preferían tazones policromados. Muchos objetos tenían una doble función: podían usarse para las tareas domésticas cotidianas, pero en circunstancias específicas, también podían tener un propósito religioso. El objetivo del artista indio americano era crear diseños semijuígicos, que son comunes en el arte de las culturas no occidentales, en lugar de solo registros precisos.
El artista se dio cuenta rápidamente de que él o ella no podía construir una flor tan perfectamente como el Creador, por lo que el artista decidió no intentarlo. En cambio, él o ella buscó el espíritu o el alma de la flor y lo representó en la obra de arte en cuestión.
Materiales utilizados en obras de arte indígenas americanas
Las diversas tribus nativas americanas crearon arte que representaba su entorno trabajando con materiales autóctonos de sus propias tierras natales. Aquellos que vivían en áreas densamente boscosas, por ejemplo, necesariamente se convirtieron en grandes escultores de madera; los que tenían acceso a la arcilla se convirtieron en escultores expertos, y los que vivían en pastizales eran hábiles fabricantes de mimbre.
Los artistas indios americanos habían investigado y perfeccionado casi todos los medios naturales, como piedras raras, conchas, metal, fibra de algodoncillo y corteza de abedul.
Una colección de cestas indias apaches (ollas) en exhibición, c. 1900; C. C. Pierce, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Se utilizaron materiales de animales como pelo de ciervos, excrementos de llamas, púas de puercoespines e incluso bigotes de leones marinos para agregar colores o texturas al trabajo completado. Cuando tales materiales se convirtieron en mercancías en sí mismos, se intercambiaron a través de largas distancias; porque algunas cosas no se consideraban «oficiales» a menos que estuvieran hechas de una sustancia designada y, especialmente para fines religiosos, no se podía aceptar un reemplazo.
Los materiales a menudo alcanzaban un valor estandarizado en la economía y eran fácilmente aceptados como una unidad de comercio dondequiera que fueran populares.
Los diversos tipos de obras de arte de los nativos americanos
Hubo muchos objetos diferentes creados por los nativos americanos que se pueden apreciar por su artesanía artística y belleza estética. El arte nativo incluye cestas, abalorios, plumas, cerámica y escultura. Cada uno de ellos tomó gran habilidad y difirió de una región a otra.
Cestería
La forma, el método, los recursos y las características ornamentales varían ampliamente entre las canastas hechas por diferentes etnias. grupos o ubicaciones. Los tejedores eligen componentes individuales en una mezcla de costumbre tribal y preferencia individual, así como el tono, la textura y la idoneidad de los materiales para la función prevista de la cesta. Los textiles emplean muchos de los mismos métodos que el tejido de cestas, mientras que la cerámica copia algunas de las mismas formas de contenedores y decoraciones externas.
Una postal de algunas canastas del suroeste de la India, c. 1910/1919; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Abalorios y Plumas
Las plumas de puercoespín fueron utilizadas originalmente por las culturas de las llanuras y la costa este para adornar una amplia gama de cosas, incluida la ropa y el tejido de cestas. Este tipo de ornamentación pesada en mano de obra persistió hasta mediados de la década de 1800, cuando el comercio con los europeos hizo que las cuentas de vidrio estuvieran más fácilmente disponibles. Con este nuevo medio, los pintores podrían crear patrones con mayor complejidad y una mayor variedad de colores. Los colores y temas elegidos también muestran preferencias regionales.
Tres mujeres nativas americanas, de pie, de cuerpo entero, mirando al frente, sosteniendo bolsas de cuentas, Reserva Indígena Warm Springs, Condado de Wasco, Oregón; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Cerámica
La religión, la arquitectura y las artes tienen una historia combinada de tres mil años en el suroeste de los Estados Unidos y México. Los pueblos Acoma, Zuni y Hopi, incluidos los Pueblos del Río Grande, descienden de los Pueblos Antiguos de Nuevo México y Arizona, y algunos de estos pueblos han estado habitados durante siglos. La cerámica que vemos ahora es el resultado de una tradición que se remonta a más de mil años.
Reliquias históricas y artefactos de cerámica de arte de la cultura pueblo del suroeste; Yinan Chen, dominio público, vía Wikimedia Commons
Escultura nativa americana
Los artistas aborígenes utilizan una amplia gama de materiales, como piedras, huesos y madera, dependiendo de lo que esté disponible. Cuando se trata del tema, los escultores con frecuencia representan las cosas con las que están más familiarizados: flora y vida silvestre locales, humanos y figuras mitológicas. El amor por los materiales y la estética regional se han transmitido a través de generaciones de escultores desde que las primeras personas de América del Norte comenzaron a hacer arte.
Esculturas de tótem Kamui Mintara; Jeff Hitchcock de Vancouver, BC, Canadá, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Las diversas regiones de la obra de arte de los indios americanos
El arte nativo se puede encontrar en todas las Américas. Esto incluye lugares como el Ártico, así como América del Norte y del Sur. Cada región tiene su propio estilo local y variación del arte tradicional de los nativos americanos.
Ártico
El pueblo Yup’ik de Alaska tiene una larga historia de creación de máscaras ceremoniales chamánicas. Desde la civilización Dorset, los pueblos indígenas en el Ártico han creado artefactos que podrían considerarse obras de arte. Las esculturas de marfil de morsa Dorset eran principalmente espirituales, pero el arte del pueblo Thule, que las suplantó alrededor del año 1000 EC, era más ornamental. El período histórico del arte inuit comenzó con la llegada de los europeos. La era moderna del arte inuit comenzó a fines de la década de 1940 cuando el gobierno canadiense alentó a los artistas a hacer grabados y tallas serpentinas para su distribución en el sur.
Postal de máscaras de danza esquimal, St. Michael, Alaska; Administración Nacional de Archivos y Registros, dominio público, vía Wikimedia Commons
Bosques del noreste
Al este del río Mississippi en América del Norte, los bosques orientales, o simplemente bosques, las culturas han existido desde al menos 2500 aC. Es importante tener en cuenta que, si bien había varios grupos culturalmente diversos que vivían en el área, el comercio entre ellos estaba muy extendido, y todos practicaban el entierro de montículos de tierra, que ha conservado una cantidad significativa de sus obras de arte.
Por esta razón, estas personas se conocen como Constructores de Montículos.
Cerámica de los constructores de montículos, 1897; Imágenes de libros de Internet Archive, sin restricciones, a través de Wikimedia Commons
Las civilizaciones tempranas, medianas y tardías de Woodland subsistieron principalmente de la búsqueda de alimento a lo largo de la era de 1000 aC a 1000 dC. La cerámica de la cultura Deptford (c. 2500 aC-100 dC) proporciona la evidencia más antigua de una tradición artística en la zona. Otra civilización temprana de Woodland bien conocida es la del pueblo Adena. Grabaron patrones de animales antropomorfizados en tabletas de piedra, hicieron cerámicas e hicieron prendas ceremoniales con pieles y astas de animales. Los mariscos eran un elemento básico de su dieta, como lo demuestra el descubrimiento de conchas talladas en túmulos funerarios.
Bosques del Sureste
Florida ha encontrado una gran cantidad de artículos de madera precolombinos. Mientras que los primeros artefactos de madera se remontan a 10.000 años, los artefactos de madera tallada y pintada datan de no más de 2.000 años. Varios lugares de Florida tienen efigies y máscaras de animales en exhibición. En la orilla occidental del lago Okeechobee, un estanque funerario tenía efigies de animales que datan de 200 a 600 d.C. Una escultura de 66 centímetros de altura de un águila es particularmente llamativa.
En 1896, en Key Marco, en el sur de Florida, se desenterraron más de 1,000 artefactos de madera esculpidos y decorados, incluidas máscaras, inscripciones, tabletas y estatuas.
Pintura de máscara de madera excavada en Key Marco, 1896; William Henry Holmes, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Se han caracterizado como algunas de las mejores pinturas prehistóricas de nativos americanos de América del Norte. Los artículos no están fechados con precisión, aunque pueden datar del primer milenio del presente período. Estatuas y estatuillas similares fueron mencionadas por los misioneros españoles como utilizadas por los Calusa a finales del siglo 17, así como en el antiguo sitio de Tequesta en el río Miami en 1743, sin embargo, no han sobrevivido especímenes de los artefactos de Calusa de la época histórica.
Las Grandes Llanuras
La introducción del caballo transformó las civilizaciones de varias tribus antiguas de las llanuras. La cultura equina permitió a las tribus vivir vidas completamente móviles, persiguiendo búfalos. La piel de búfalo estaba adornada con costuras y cuentas de púas de puercoespín, dientes de alce y conchas dentalium, que eran recursos muy valorados. Las cuentas de vidrio y las monedas obtenidas a través del comercio se integraron más tarde en el arte de las llanuras. Las cuentas de las llanuras han prosperado hasta nuestros días.
La piel de búfalo era el material más utilizado para pintar.
Interior de un EarthLodge, Sitio Histórico Nacional knife River, con túnica de cuero pintada; Chris Light en Wikipedia en inglés, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Los hombres produjeron diseños narrativos y gráficos que documentaron sus experiencias o sueños. También pintaron los recuentos de invierno, que son calendarios periódicos gráficos. Las mujeres dibujaban patrones geométricos en túnicas despellejadas, que ocasionalmente se usaban como mapas. Las manadas de búfalos fueron exterminadas deliberadamente por los cazadores europeos durante la Era de la Reserva de finales del siglo 19. Debido a la escasez de pieles, los pintores de Plains experimentaron con medios de pintura alternativos como el papel o la muselina, dando lugar al arte Ledger, apodado así por los omnipresentes papeles de ledger utilizados por los pintores de Plain.
Dibujo de libro mayor anónimo por un explorador Cheyenne en Fort Reno. El dibujo muestra una batalla entre un guerrero Cheyenne (derecha) y un guerrero Osage o Pawnee (izquierda), 1906; Anónimo (Life time: Unknown), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Meseta y Gran Cuenca
El área de la meseta y la parte superior de la Gran Cuenca han sido un centro comercial desde el periodo arcaico. La gente de la meseta ha residido típicamente cerca de los principales sistemas fluviales. Como resultado, su trabajo está influenciado por otras áreas, como las costas del noroeste del Pacífico y las Grandes Llanuras. Las mujeres de las tribus Nez Perce, Yakama, Umatilla y Cayuse hacen bolsas planas y cuadradas de cáscara de maíz o dogbane de cáñamo adornadas con patrones brillantes y geométricos en costuras falsas.
Los trabajadores de cuentas de meseta se destacan por su intrincada ornamentación equina y cuentas de estilo contorno.
Guantes con cuentas de Yakama, c. 1920-1930; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
California
Los nativos americanos en California tienen una rica herencia de intrincadas técnicas de tejido de cestas. Las canastas hechas por artesanos de los Chumash, Miwok, Hupa, Pomo, Cahuilla y otras tribus eran populares entre los comerciantes, museos y viajeros a finales del siglo 19. Esto llevó a una importante cantidad de ingenio en forma de canastas.
Muchas obras de tejedores de cestas nativos americanos de las diversas regiones de California se encuentran actualmente en colecciones de museos.
Bandeja de canasta india Chumash; Jerónimo Roure Pérez, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Suroeste
Los pueblos de Athabaskan se trasladaron del norte de Canadá al suroeste a lo largo del último milenio. Entre ellos se encuentran los Navajo y los Apache. La pintura de arena es una técnica utilizada en las ceremonias de curación navajo que han generado una forma de arte. Los navajos aprendieron a tejer en telares verticales de Pueblos e hicieron mantas que las tribus de la Gran Cuenca y las Llanuras reunieron ávidamente en los siglos 18 y 19.
Después de que se construyó el ferrocarril en la década de 1880, las mantas importadas se volvieron abundantes y baratas, por lo que los tejedores navajos comenzaron a crear alfombras para el comercio.
Una obra de arte de Elle de Ganadothe, la mejor tejedora entre los navajos, 1920; Imágenes de libros de Internet Archive, sin restricciones, a través de Wikimedia Commons
Los navajos aprendieron orfebrería de los mexicanos en la década de 1850. El primer platero navajo fue Atsidi Sani, pero tuvo numerosos alumnos, y la tecnología se extendió rápidamente a las aldeas vecinas. Miles de artesanos ahora crean joyas de plata con turquesa. Los hopi son bien conocidos por su tallado de madera de algodón y su trabajo de plata superpuesta. Los artesanos de Zuni son bien conocidos por sus joyas de trabajo en racimo, que presentan patrones de turquesa, así como por su intrincada incrustación pictórica de piedra en plata.
Platero en el trabajo, 1914; Pennington & Rowland, reclamante de derechos de autor, dominio público, a través de Wikimedia Commons
Mesoamérica
Los olmecas, que residían en la costa del golfo, fueron la primera civilización completamente desarrollada de Mesoamérica. Su civilización fue la primera en establecer muchas características que se mantuvieron constantes en toda Mesoamérica hasta los últimos días de los aztecas, como un sofisticado calendario astrológico y la construcción de estelas para conmemorar eventos significativos.
Los logros artísticos más reconocidos de los olmecas son enormes cabezas de basalto, que se cree que son retratos de reyes construidos para demostrar su tremenda autoridad.
Cabeza Colosal Olmeca No. 1 de San Lorenzo; Mesoamericano, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Los olmecas también tallaron figuras votivas, que enterraron debajo de los pisos de sus casas con fines inexplicables. Teotihuacán, una ciudad en el Valle de México, tiene algunas de las construcciones piramidales precolombinas más grandes. La ciudad fue fundada aproximadamente 200 aC y floreció durante los siglos 7 y 8 CE. Varias de las pinturas en Teotihuacan, México, han sobrevivido bastante bien.
Artistas indios americanos notables
El arte de los nativos americanos cubre un gran lapso de tiempo. La mayoría de los nombres han sido olvidados, pero hay algunos que han dejado su legado. Es importante rendir el debido respeto a los pioneros de su tiempo.
Nampeyo (1859 – 1942)
| Lugar de nacimiento | Hano Pueblo, Arizona |
| Fecha de nacimiento | 1859 |
| Popular para | Cerámica |
| Movimiento Asociado | Renacimiento de Sikyátki |
Nampeyo nació en Tewa Village, que está compuesto en gran parte por parientes del pueblo Tewa de Nuevo México que emigraron al oeste al territorio Hopi alrededor de 1702 para refugiarse de los españoles después de la Revuelta pueblo de 1680. Su madre, White Corn, era Tewa, mientras que su padre, Quootsva, era un miembro del clan Snake de la vecina Walpi.
Conocida como una de las mejores alfareras Hopi a la edad de 20 años, Nampeyo dominó las habilidades que heredó de su abuela utilizando macetas recicladas como material base.
Nampeyo, alfarera Hopi, sentada, con ejemplos de su obra, 1900; Henry Peabody, dominio público, vía Wikimedia Commons
Pocos alfareros han sido capaces de alcanzar el mismo nivel de estilo, precisión y belleza duradera que ella. Nampeyo es bien conocido por sus patrones policromados, que emplean una técnica conocida como pintura de hojas de yuca masticada para aplicar tonos brillantes que incluyen rojo, marrón, amarillo y negro profundo.
Cuando se trataba de su cerámica, utilizó formas geométricas junto con imágenes de animales y personas para crear un tema muy detallado y natural que luego se inmortalizó utilizando un método de cocción que se remonta a la década de 1400. Nampeyo pulió las macetas quemadas con un arbusto con una floración roja y puso huesos de oveja en el fuego para calentarlo o hacer que la cerámica fuera más blanca. Ambos métodos se remontan a la historia temprana de la cerámica Tewa.
Lucy M. Lewis (1890 – 1992)
| Lugar de nacimiento | Acoma Pueblo, Nuevo México |
| Fecha de nacimiento | 1890 |
| Popular para | Cerámica |
| Movimiento Asociado | Escultura y cerámica nativa americana |
Lucy M. Lewis era una ceramista de Acoma Pueblo, más conocida por su cerámica decorada que fue pintada en blanco y negro utilizando técnicas transmitidas a través de las tradiciones nativas. Lewis comenzó a producir cerámica cuando tenía ocho años, después de aprender con su tía abuela, Helice Vallo. Sus padres también trabajaron en Grants, una ciudad cercana, en ocasiones. Sus primeros intentos de cerámica estaban dirigidos a los visitantes. Los cuencos de ceniza eran fáciles de hacer y se vendían por cinco o diez centavos cada uno.
Lewis se casó con Toribio «Haskaya» Luis a finales de la década de 1910. Cuando el hijo mayor, Ivan, se unió a los Marines durante la Segunda Guerra Mundial, el título familiar fue cambiado a Lewis. Tuvo nueve hijos, siete de los cuales se convirtieron en alfareros. Su uso de líneas diminutas demuestra una mezcla particular de habilidad, precisión y simetría. Lewis tenía poca educación oficial y era principalmente autodidacta, a pesar de su competencia y talento creativo. Fue recibida en la Casa Blanca en 1977, y su trabajo se encuentra en el Museo Smithsonian en Washington, D.C.
Lewis ganó numerosos reconocimientos prestigiosos durante su vida y carrera, incluido el Premio del Gobernador de Nuevo México por logros personales excepcionales y el reconocimiento de la Asociación de Arte Universitario del Consejo Americano de Artesanías.
Kananginak Pootoogook (1935 – 2010)
| Lugar de nacimiento | Cabo Dorset, Canadá |
| Fecha de nacimiento | 1 de enero de 1935 |
| Popular para | Escultura y grabado |
| Movimiento Asociado | Arte Inuit |
Kananginak Pootoogook era un tipo que vivía entre los elementos. A pesar de ser un escultor e impresor de tinta del siglo XX, pasó la mayor parte de su infancia mudándose de iglús en invierno a casas de césped en verano. Su trabajo, como artista autodidacta, con frecuencia reconoce el cambio de la vida tradicional de los nativos americanos a un estilo de vida moderno. El arte de Pootoogook también demuestra un fuerte sentido de unidad y respeto por la relación entre el hombre y el medio ambiente. Sus obras representan animales imitando características humanas y viceversa, demostrando la igualdad de convivencia entre el hombre y la bestia.
Entre muchos otros premios, se incluyó una exposición de su arte durante los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010 en Vancouver.
El inukshuk en Rideau Hall creado por el artista Kananginak Pootoogook para el ex Gobernador General de Canadá, Roméo LeBlanc. El inukshuk fue creado para el Día Nacional de los Aborígenes y se dio a conocer el 21 de junio de 1997; abdallahh – https://www.flickr.com/photos/husseinabdallah/, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Mientras trabajaba en su boceto final e incompleto del bote Peterhead de su padre, fue afectado por ataques de tos, que identificó como cáncer. Fue a Ottawa con su esposa, Shooyoo, y fue diagnosticado con cáncer de pulmón mientras residía en la residencia larga Baffin. Fue operado en octubre de 2010 y no se recuperó. Falleció el 23 de noviembre de 2010 en Ottawa. Su esposa, siete hijos y varios nietos y bisnietos le sobreviven. Fue enterrado en el cabo Dorset.
Ernie Pepion (1943 – 2005)
| Lugar de nacimiento | Browning, MT |
| Fecha de nacimiento | 11 de mayo de 1943 |
| Popular para | Dibujos y pinturas de nativos americanos |
| Movimiento Asociado | Arte nativo americano |
Ernie Pepion creció en Browning como ranchero y artista de rodeo. Luchó en Vietnam y tuvo un accidente automovilístico después de regresar que lo dejó en su mayoría discapacitado. Todavía era capaz de hablar y usar una de sus manos, pero nunca sería capaz de volver a caminar. Mientras estaba en un centro de rehabilitación en Long Beach, California, comenzó a pintar. Su maestro era otro veterano con un pulmón de hierro que solo podía vivir una hora al día sin el uso de equipos. Durante ese período, pintó, y Pepion aprendió a utilizar la pintura para llenar las horas.
La pintura finalmente se convirtió en la forma personal de terapia curativa de Pepion.
Pepion regresó a Montana y se matriculó en estudios en la Universidad Estatal de Montana, donde obtuvo una maestría en arte. A partir de ahí se convirtió en un pintor de renombre. El arte de Pepion es sorprendentemente personal, confiando en sus propias experiencias como indio Blackfeet y parapléjico.
Sus obras, frecuentemente en el mismo lienzo, muestran tanto comedia como angustia, golpeando al espectador como una mano de metal en un guante de terciopelo. Muchas de sus obras están motivadas porNesty. Murió de causas naturales a la edad de 61 años. Su arte, sin embargo, continúa y se mostró en una exposición conmemorativa especial en el Centro Cultural Emerson. La presentación comenzó con algunos amigos reflexionando sobre su trabajo y ha evolucionado a un evento de un mes de duración.
Artistas nativos americanos contemporáneos
A pesar de tener raíces antiguas, las obras de arte de los indios americanos todavía prosperan hoy en día. El arte nativo ha pasado de ser principalmente tribal en su función, a representar algo que es a la vez individual, pero respetuoso de sus tradiciones y herencia. Veamos algunos de los creadores contemporáneos de pinturas de nativos americanos, dibujos de nativos americanos y otros medios, ya que ayudan a redefinir lo que significa ser uno de los artistas nativos americanos modernos.
Arte nativo americano moderno
Es difícil precisar exactamente cuándo surgió por primera vez el arte nativo «moderno» y actual. Los historiadores del arte occidental han visto previamente el uso de medios de arte occidentales o la participación en exposiciones de arte internacionales como criterios para el arte contemporáneo de los nativos americanos.
El estudio de la historia del arte nativo es un campo académico relativamente joven y muy debatido, y los estándares culturales occidentales que antes eran ampliamente aceptados ya no lo son.
Los artistas nativos han utilizado una amplia gama de medios, incluyendo la piedra y escultura en madera y la pintura mural, que ahora se consideran aceptables para el arte del caballete. La idea de que el gran arte no puede servir a un propósito práctico no es ampliamente aceptada en el mundo del arte nativo americano, como lo demuestra la alta consideración e importancia otorgada a las mantas, canastas, armas y otros artefactos prácticos en las exposiciones de arte de los nativos americanos. El arte nativo contemporáneo rara vez tiene un fino arte versus artesanía dividir para hablar.
George Longfish (1942 – presente)
| Vivió en | Oshweken, Ontario |
| Tribu | Séneca y Tuscarora |
| Medio | Montaje, pintura |
George Longfish nació en Ohsweken, Ontario, el 22 de agosto de 1942. A la edad de cinco años, su madre lo llevó a él y a su hermano a la escuela india Thomas y los dejó allí. Allí se encargaban de cuidar a los animales de la granja, así como de sacrificarlos. A través de las pinturas que creó cuando era niño, retrató la vida sin su madre y lo alejado que se sentía de su cultura.
A lo largo de su estadía de nueve años en la escuela, sintió que su conexión con su herencia nativa americana desapareció.
Produjo principalmente arte en estilos modernistas y socialmente conscientes. Su trabajo ha sido reconocido como un catalizador para el surgimiento de artistas nativos contemporáneos, así como el movimiento de arte nativo en su conjunto. En sus libros, examina las formas en que definimos nuestras propias identidades, sondeando sus raíces históricas, sociales, políticas y psicológicas.
Él cree que cuanto más control tienen sobre nuestra información espiritual, moral y de supervivencia, así como sobre nuestro lenguaje, menos poder tienen sobre ellos.
Una cosa que siente que podemos aprender de la historia es cómo usar el conocimiento espiritual y guerrero del pasado en el presente. Muchas de sus piezas se han mostrado en importantes exposiciones públicas de museos, como el Heard Museum. Sus pinturas nativas americanas incorporan elementos de motivos nativos con Arte pop, y con frecuencia hacer uso de Assemblage.
Will Wilson (1969 – presente)
| Vivió en | San Francisco |
| Tribu | Navajo |
| Medio | Fotografía |
Will Wilson nació en la ciudad de San Francisco, sin embargo, la mayor parte de su juventud la pasó creciendo en la reserva de la Nación Najaho. Después de recibir una beca, fue trasladado de la reserva a una escuela en Massachusetts. Recibió una Licenciatura en Artes en arte de estudio de Oberlin College y una Maestría en Bellas Artes en fotografía de la Universidad de Nuevo México.
El Critical Indigenous Photographic Exchange, una de sus iniciativas más conocidas, desafía y se desarrolla sobre la representación de los pueblos indígenas nativos establecida por el fotógrafo Edward Curtis. Las fotos de Curtis, según Wilson, son parte de lo que mantiene a los nativos congelados en el tiempo.
Con sus fotografías, Wilson tiene la intención de continuar el trabajo documental de Curtis desde la perspectiva de un practicante cultural aborigen en el siglo 21.
Wilson quiere reemplazar la mirada colonial de Curtis y la impresionante cantidad de material antropológico que Curtis reunió con una percepción moderna del norte nativo A.merica. Creía que estas cosas, en lugar de la vieja mentalidad de integración, son las únicas cosas que pueden ayudarlos a reinventar quiénes son realmente como indígenas americanos.
Frank Buffalo Hyde (1974 – presente)
| Vivió en | Nueva York |
| Tribu | Onondaga |
| Medio | Pinturas multimedia |
Frank Buffalo Hyde, un artista de Onondaga, nació en Nueva York en 1974 y se crió en la reserva onondaga de su madre. A la edad de 18 años, comenzó a mostrar su trabajo como un pasatiempo. Después de graduarse del Instituto de Artes Indígenas Americanas, comenzó a tomar su profesión de pintura más en serio. Su trabajo ha sido descrito como divertido, con colores brillantes y temas extraños como hamburguesas y búfalos, como se ve en su pieza Buffalo Fields Forever (2012).
Para crear su obra de arte, incorpora elementos de la cultura de Internet y la tecnología moderna, así como conceptos tradicionales de los nativos americanos.
Hyde tiene la intención de que su trabajo sirva como un comentario sobre los problemas sociales y políticos actuales. Además, está motivado para continuar su arte destacando las preocupaciones indígenas. Su objetivo final con su trabajo es disipar cualquier noción preconcebida sobre el arte nativo americano y los individuos que lo crean.
Él cree que los aspirantes a artistas nativos americanos pueden producir cualquier arte que deseen sin preocuparse por si es o no auténticamente nativo americano.
Las pinturas nativas americanas de Hyde combinan elementos de arte de graffiti, artes gráficas, color impresionante y surrealismo humorístico. Su punto de vista sobre su experiencia como nativo americano o artista nativo, por otro lado, no es en absoluto humorístico o caprichoso.
Merrit Johnson (1977 – presente)
| Vivió en | Baltimore, Maryland |
| Tribu | Mohawk y Blackfoot |
| Medio | Materiales tradicionales |
Nacido en Baltimore, Maryland en 1977, este artista nativo de Blackfoot y Mohawk trabaja con una multitud de materiales y disciplinas tradicionales. Su trabajo parece familiar y diferente al mismo tiempo, así como accesible y desafiante. Su arte está lleno de matices, referencias y dificultades que llevan al espectador a diálogos más amplios y profundos sobre el ocultamiento cultural y la seguridad, las comunidades y la relación de las personas con la tierra.
La evidencia de esto se puede encontrar en su arte, que con frecuencia incorpora materiales orgánicos y naturales como conchas y pieles, así como iconografía conocida, pero lo hace de una manera poco convencional.
Ella usa su arte para transmitir un mensaje complejo sobre la larga y complicada historia de los Estados Unidos y los nativos americanos. Hasta hace poco, los nativos ni siquiera formaban parte de la conversación estadounidense.
Su arte profundiza en preguntas sobre el camuflaje cultural, cómo los nativos se ven a sí mismos, su necesidad de protección y cómo son vistos y amenazados por otras personas. Explora cómo los animales de todo tipo tienen miedo de ser presas, y cómo los humanos también son animales.
Siendo descendiente de nativos americanos y colonos, siente que su trabajo le ofrece la oportunidad de descubrir sus raíces, así como comprender las dualidades que existen tanto dentro de su trabajo como en sí misma.
Nicholas Galanin (1979 – presente)
| Vivió en | Sitka, Alaska |
| Tribu | Tlingit y Unangax̂ |
| Medio | Arte, Música, Cine |
Nicholas Galanin nació en 1979 en la ciudad de Sitka en Alaska. Su tío y su padre le enseñaron a trabajar con joyas y metales cuando era niño. También es nieto del renombrado tallador George Benson. Galanin comenzó a trabajar en el Parque Histórico Nacional de Sitka cuando tenía 18 años, como recepcionista.
En el parque, cuando se descubrió que estaba dibujando arte tlingit, le dijeron que podía estudiar libros históricos sobre Rusia solo durante las horas de trabajo.
Como resultado, se tomó un permiso de ausencia de su trabajo para centrarse en su arte. Considera que este es su último trabajo no creativo. El arte multimedia y la música de Galanin destacan su educación artística moderna al tiempo que reconocen los métodos tradicionales. Valora su singularidad y cultura, y como resultado, ha desarrollado una voz distintiva, apasionada e independiente.
No siente que esté ofreciendo ninguna nueva visión sobre Estados Unidos, sino que cuestiona lo que significa ser estadounidense. Su obra de arte proviene de una época en que la tierra aún no había recibido el nombre de América y allí.representa algo perdido para la sociedad moderna. Con su obra de arte, espera rechazar la narrativa habitual presentada en los libros de texto y volver a contar la historia desde la posición de los pueblos indígenas de la tierra.
Y eso concluye nuestra inmersión en el mundo del arte nativo americano. Hemos visto cómo el arte indio americano comenzó como puramente práctico y tribal y cómo con el tiempo se ha convertido en algo tanto personal como tradicional. Hoy en día, los nativos americanos pueden crear cualquier tipo de arte que quieran.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué materiales usaron los nativos americanos en su arte?
Se utilizaron materiales de animales como pelo de ciervos, excrementos de llamas, púas de puercoespines e incluso bigotes de leones marinos para agregar colores o texturas al trabajo completado. Los artistas indios americanos habían investigado y perfeccionado casi todos los medios naturales, como piedras raras, conchas, metal, fibra de algodoncillo y corteza de abedul.
¿Era el arte nativo americano tribal o personal?
El arte al principio solo se veía como un trabajo bien hecho. Los artistas eran considerados buenos artesanos. Aunque todas estas funciones existían originalmente para servir a la tribu, con el tiempo se volvió más personal. Hoy en día, los artistas usan su arte para representar su conexión con el pasado y la alienación que sienten a su alrededor.
