Willem de Kooning fue un prominente pintor estadounidense-holandés y un miembro clave del estilo expresionista abstracto. Fue sin duda uno de los artistas más influyentes del siglo 20. El arte de Willem de Kooning se basó libremente en las personas, las vistas del paisaje y los arreglos de la naturaleza muerta, y contribuyeron al desarrollo de lo que ahora se conoce como una forma particularmente estadounidense de arte contemporáneo. En este artículo, exploraremos la biografía de Willem de Kooning y las increíbles obras de arte.
Obra de arte y vida de Willem de Kooning
El hecho de que conservara una devoción a las tradiciones figurativas hasta cierto punto distingue a este artista de la mayoría de sus pares prominentes que eligieron la abstracción total. De Kooning, que fue fuertemente influenciado por Pablo Picasso y Arshile Gorki, se consideró que había fusionado el expresionismo, Cubismo, y el surrealismo dentro de sus composiciones visuales, marcando el camino para décadas de artistas figurativos expresivos.
Aunque era conocido por alterar constantemente sus pinturas, De Kooning con frecuencia las dejaba con una sensación de incompletitud activa, como si las figuras fluyeran continuamente, descansaran y crecieran en claridad.
Presentación de los Talensprijs a Willem de Kooning en 1968; Jack de Nijs para Anefo, CC0, vía Wikimedia Commons
Biografía de Willem de Kooning
| Nacionalidad | Americano-Holandés |
| Fecha de nacimiento | 24 de abril de 1904 |
| Fecha de fallecimiento | 19 de marzo de 1997 |
| Lugar de nacimiento | Rotterdam, Países Bajos |
De Kooning nació en los Países Bajos en el año 1904. Abrazó el camino creativo desde una edad temprana, dejando la escuela a la edad de 12 años para realizar una pasantía en diseño comercial y decoración de interiores. Dejar la escuela para buscar una carrera en la pintura contemporánea no era un evento raro en ese momento, como lo hicieron muchas personas creativas en busca de una salida artística.
Formación temprana y carrera
Durante este tiempo, De Kooning asistió a estudios nocturnos en la Academia de Rotterdam de Bellas artes. Comenzó su primer trabajo en el sector del arte a la edad de 16 años cuando se le presentó la oportunidad de colaborar con el director de arte de una prominente tienda departamental. Sin embargo, su vida no pareció mejorar incluso después de adquirir trabajo.
En 1926, De Kooning se escapó en un barco con destino a Estados Unidos, pensando que la mítica escena artística estadounidense demostraría ser un entorno mucho más lucrativo para un artista joven y ambicioso.
Rebotó entre numerosas ocupaciones en el noreste antes de establecerse en la ciudad de Nueva York. De Kooning no pudo dedicarse a sus ambiciones artísticas mientras tenía pocos problemas para obtener trabajo en Nueva York. Estuvo empleado en la industria del arte comercial durante varios años, y las cosas no parecían haber cambiado mucho desde cuando trabajaba en una profesión comparable en los Países Bajos.
Grupo pintura de retratos estudio de Jaap Gidding en el Aert van Nesstraat, 1905-1930. De pie a la izquierda está Jaap Gidding y sentado al frente del centro está Willem de Kooning; Anoniem., CC0, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, De Kooning pudo conectarse con una comunidad de creativos de ideas afines en Nueva York que lo inspiraron a crear arte para sí mismo y alejarse lo más posible de la industria formal del arte comercial. Alrededor de la época de 1928, comenzó a pintar bodegones y humanos, pero no pasó mucho tiempo antes de que experimentara con composiciones más abstractas, motivadas por artistas como Joan Miró y Pablo Picasso.
El verdadero avance de Willem de Kooning llegó en 1935 cuando fue seleccionado para ser el artista autorizado del proyecto de arte del gobierno para la WPA, lo que le obligó a crear una multitud de frescos y otras obras.
Las pinturas de Willem de Kooning fueron destacadas en una exposición del MOMA titulada New Horizons in American Art en 1936. Sin embargo, este logro profesional temprano se vio lamentablemente empañado al año siguiente, cuando el trabajo de Willem de Kooning con la WPA fue terminado ya que no era ciudadano estadounidense.
Poco después, De Kooning comenzó a crear una serie de figuras masculinas. También empleó a una asistente, Elaine Fried, que se haría pasar por un sujeto femenino para varias de sus obras, incluida Mujer sentada (c. 1940).
Esta sería la primera gran obra de arte de De Kooning de una mujer, ya que luego iría on ser más famoso por su trabajo de décadas que representa a las mujeres en sus obras.
El arte de Willem de Kooning y el movimiento expresionista abstracto
De Kooning y Fried se casaron en 1943 y tuvieron una existencia de mal genio y empapada de alcohol juntos hasta que se divorciaron a fines de la década de 1950. tipos abstractos de arte. Durante el resto de la carrera del artista, estas composiciones abstractas procedieron a revelar la existencia de formas humanas en su interior. Las dos técnicas creativas de Willem de Kooning finalmente se mezclaron en Pink Angels, una de sus primeras contribuciones notables al expresionismo abstracto, en 1945.
De Kooning rápidamente saltó a la fama en el movimiento del expresionismo abstracto. Debido a su esencia conceptual, formas muy afectadas y técnica de medio mixto, las icónicas obras negras de De Kooning también son importantes en el desarrollo de esta escuela amplia y vagamente definida de arte estadounidense. A mediados de la década de 1950, cambió su enfoque de abstracto a pinturas de paisajes.
Las pinturas de paisajes de Willem de Kooning ayudarían a establecer toda una fase creativa en su vida artística, ya que su decisión de centrarse en ellos fue una sorpresa para toda la industria.
Obras maduras
Si bien las pinturas de paisajes fueron el tema central del trabajo maduro de De Kooning, la figura femenina siguió siendo un símbolo esencial para su trabajo y para toda su vida. Las obras de arte de Willem de Kooning representaban a las mujeres como consecuencia de antojos, decepciones, conflictos internos y alegrías.
Sus primeras pinturas abstractas y sus lienzos de paisajes posteriores también estaban profundamente anclados filosóficamente, pero la representación de las mujeres sigue siendo su producción artística más personal.
De Kooning se convertiría en ciudadano estadounidense en 1961 y se mudó a East Hampton, Nueva York. De Kooning y Fried se reconectaron a mediados de la década de 1970 y permanecieron juntos hasta su fallecimiento en 1989. A lo largo de la década de 1980 continuó trabajando, pero la aparición de la enfermedad de Alzheimer erosionó su memoria y dificultó significativamente su capacidad para pintar. Cuando su esposa falleció en 1989, De Kooning fue cuidado por su hija hasta su fallecimiento en 1997. En ese momento, tenía 92 años.
Willem de Kooning en su estudio, 1961; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Legado artístico de Willem de Kooning
Mientras que Jackson Pollock ha sido aclamado como el expresionista abstracto más significativo e impactante y se dice que inspiró a Allan Kaprow, muchos artistas jóvenes en ese momento descubrieron que copiar el método de pintura de Pollock a menudo resultaba en obras que simplemente se parecían a las de Pollock. Sin embargo, la utilización del color y la implementación impresionista de la pintura por parte de De Kooning, así como su desdén por los límites entre la abstracción y la figuración, ayudaron a inspirar a los artistas y llevaron a los críticos a elogiar su trabajo.
Siguiendo los pasos de De Kooning, los pintores figurativos Grace Hartigan y Larry Rivers y artistas como Jack Whitten y Al Held continuaron jugando libremente con la abstracción. Incluso artistas como Robert Rauschenberg, que utilizó infamemente una de las obras de De Kooning, la borró y luego la exhibió como su propio arte, y que trató de alejarse de la jerga existencial en torno a De Kooning, descubrió ideas en la obra de arte de Willem de Kooning.
La belleza de las pinturas de Willem de Kooning de la década de 1980 y la rica vitalidad de sus pinturas de las décadas de 1960 y 1970 pueden no haber cosechado los mismos elogios críticos que su trabajo anterior, pero el efecto de De Kooning en los artistas sigue siendo significativo hoy en día, especialmente aquellos atraídos por los enfoques gestuales.
Sin su influencia, el arte muy abstracto y sexual de Cecily Brown es imposible, y Amy Sillman ha reequilibrado de manera similar el histrionismo masculino conectado con los expresionistas abstractos en sus pinturas modernas.
Firma de Willem de Kooning, 1977; Wmpearl, CC0, vía Wikimedia Commons
Obras de arte de Willem de Kooning
Si bien llegó a simbolizar el estereotipo común del pintor masculino y bebedor, De Kooning trató su trabajo con diligencia y fue considerado como uno de los pintores más informados de la Escuela de Nueva York. Exhibió una habilidad notable, habiendo sido enseñado adecuadamente cuando era joven, y aunque apreciaba a los maestros modernos como Matisse, Picasso y Miró, también adoraba a Rubens, Ingres y Rembrandt. Echemos ahora un vistazo a algunos ejemplos importantes de Willem de KooniPinturas de ng.
Mujer sentada (1940)
| Fecha de finalización | 1940 |
| Medio | Aceite y carbón, masonita |
| Dimensiones (cm) | 137 x 91 |
| Ubicación actual | El Museo de Arte de Filadelfia |
Un encargo de retrato llevó a la creación de Mujer sentada. Elaine Fried fue una modelo frecuente para De Kooning en esta época. en la obra de arte de Willem de Kooning, la mujer está sentada en una silla, con una de sus piernas cruzadas sobre la otra, vistiendo un vestido amarillo escotado. Un brazo yace sobre su regazo vacío, mientras que el otro parece curvarse hacia su cara a pesar de la ausencia de una mano. Como señala el curador John Elderfield, todas las partes de su cuerpo, que parecen más formas, flotan alrededor de su cuerpo, aparentemente desconectadas.
A principios de la década de 1950, De Kooning escribió: «Estoy hablando de la familiaridad que obtienes cuando miras de cerca el dedo gordo del pie de alguien o una arruga en la nariz. Las imágenes creadas por esos componentes son intercambiables y se convierten en varios parches de pintura o pincelada».
Dadas sus dificultades para retratar partes humanas específicas, es comprensible que las simplificara a tantas formas, volteándolas, girándolas y empleándolas en diversos arreglos. Esta imagen demuestra claramente las inspiraciones estéticas de De Kooning. El fondo verde, naranja y azul se ha lijado numerosas veces, lo que resulta en un acabado impecable, casi como una joya. Los planos de color aluden tanto al espacio cubista como a Mondrian’s Obras neoplásticas. Las plazas también se asemejan a las paredes del taller de un artista, con numerosas pinturas clavadas y amontonadas contra ellas.
Esta obra podría considerarse una pieza complementaria a una secuencia de obras de hombres sentados, y fue el primer gran retrato de una mujer de De Kooning, un tema al que a menudo volvía a lo largo de los años.
Ángeles rosas (1945)
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Aceite y carbón vegetal |
| Dimensiones (cm) | 30 x 33 |
| Ubicación actual | Fundación de Arte Frederick R. Weisman |
Figuras biomórficas de color coral y rosa se ciernen sobre las partes y se mezclan con un telón de fondo de amarillos y dorados en esta obra, que marca un hito significativo en la transición de De Kooning de las figuras humanas a las abstracciones a fines de la década de 1940. Las estructuras rosadas carnosas se asemejan a los globos oculares y otras características corporales que han sido destrozadas o están chocando. Ciertamente, el horror de la Segunda Guerra Mundial debe haber estado en sus pensamientos, pero el curador John Elderfield también ha notado vínculos con el Guernica, Matisse y Miró de Picasso.
Crucialmente, De Kooning se negó a ocultar el método de creación de la pintura.
Las líneas de carbón definen las formas rosadas y cruzan las secciones doradas a lo largo de la composición. En la esquina inferior izquierda, hay un ojo, tal vez parte de una cabeza de pez, adyacente a una figura similar a un cangrejo en la parte inferior derecha. De Kooning dibujaba con frecuencia formas en papel y luego las trazaba sobre lienzo.
«Continuaba utilizando trazos para colocar y reorganizar formas esbozadas junto y por encima de las otras en el lienzo a medida que producía», escribe Elderfield, «un método que ayuda a explicar las intrincadas capas y las disonancias sorprendentes y cambiantes que animan la superficie de la obra de arte». Mientras que la mayoría de los expresionistas abstractos evitaban hacer borradores para sus obras, sino que trabajaban impulsivamente, De Kooning desarrolló un proceso que permitió la creación fluida y la reorganización de sus composiciones, conservando su espontaneidad.
Mujer III (1953)
| Fecha de finalización | 1953 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 170 x 120 |
| Ubicación actual | Colección privada |
Gruesas franjas de movimientos dinámicos, verticales y horizontales en tonos cremosos y plateados cubren la superficie del lienzo. La forma de una dama de ojos abiertos surge de esta superficie frenética. Tiene el pelo dorado y una amplia sonrisa. La compacidad de la figura da la impresión de que el cuerpo está siendo aplastado o restringido, mientras que su carácter gestual da la impresión de vitalidad enrollada.
El sutil estrechamiento de la figura hacia los tobillos y las rodillas evoca los antiguos ídolos de estatuillas, predecesores de la prominencia de la forma femenina en el arte al que De Kooning hacía referencia con frecuencia.
Significativamente, De Kooning combina la persona y el suelo por completo, lo que hace imposible saber dónde comienza uno y dónde termina, lo que resulta en que la dama se disuelva y emerja del telón de fondo, un efecto al que De Kooning se refirió como «sin entorno».
Podemos ver la manera en que el cuerpo y la naturaleza se mezclarían en su trabajos posteriores en estas obras femeninas de principios de la década de 1950. De Kooning volvió con frecuencia al tema de las mujeres. Algunos atribuyeron el asunto a sus tensas relaciones con su esposa, su conexión alienada con su propia madre y su predilección por el mujeriego.
Algunos especularon que De Kooning debe despreciar a las mujeres ya que usó rayas de pintura roja para simular tres heridas de bala en su pecho, pero De Kooning respondió diciendo: «Pensé que eran rubíes». «Los agujeros de bala, sea conocido, son rubíes extremadamente elegantes que se adhieren a la piel», dijo Elaine de Kooning.
Si bien los detractores pueden haber superpuesto sus propias preocupaciones e inclinaciones sexistas a las pinturas de Willem de Kooning, pasaron por alto cómo De Kooning trató y abrazó la cultura popular y consumista en sus obras. Con frecuencia describía a sus mujeres como compradoras de grandes almacenes humorísticas y satirizantes y las elegantes damas que se pavoneaban a lo largo de Madison Avenue.
De Kooning estaba fascinado con las mujeres pin-up y las celebridades del cine, así como con los viejos ídolos. Fue uno de los pocos expresionistas abstractos en abordar tales temas, y como resultado, se convirtió en una referencia para nuevos artistas como Larry Rivers, Robert Rauschenberg, Grace Hartigan y posteriores. Artistas pop.
Mujer y niño (1967)
| Fecha de finalización | 1967 |
| Medio | Óleo sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 139 x 91 |
| Ubicación actual | Colección privada |
No pasó mucho tiempo después de que De Kooning se mudara a East Hampton, para que retomara las cifras. Si bien todavía estaba fascinado por la cultura de las celebridades, también se interesó en las personas que vivían cerca y visitaban las playas. Mujer y niño representa la piel rosada y el pecho de una mujer cuyas piernas están levantadas y tocándose.
Una persona de ojos grandes y cabello naranja, probablemente el niño sugerido en el título, se acuesta a su lado, o tal vez el niño está sentado. De hecho, el título alude a los nombres dados a las representaciones tradicionales de la Virgen María y el Niño Jesús, de las que De Kooning era indudablemente consciente. De Kooning, en un movimiento audaz, ayuda a que lo celestial y divino sea algo tangible.
De Kooning altera el punto de vista y las figuras hasta tal punto que el espacio de la obra de arte se vuelve completamente indeterminado.
Las partes del cuerpo, como en sus primeras obras de figuras femeninas de la década de 1940, adquieren formas y vida propia, totalmente distintas de donde están destinadas a estar. En la década de 1970, la figura más abstracta se desintegraría totalmente en una abstracción vasta, expresiva y generalizada. Muchas personas criticaron estas obras de arte por estar desactualizadas.
Sus colores excesivamente rosas y pasteles, su naturaleza gestual rica y aparentemente abrumadora, y su entusiasmo contrastaban con la frialdad del minimalismo, y Arte pop de la época. Algunos otros también fueron desanimados por una persona de la edad de De Kooning que se entregaba a una sensualidad tan abierta. A pesar de estas reservas, De Kooning estaba en el pináculo de su reputación en la década de 1960, con compradores e instituciones ansiosas por comprar el arte de Willem de Kooning.
Sin título VI (1983)
| Fecha de finalización | 1983 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 137 x 152 |
| Ubicación actual | Colección Robert y Jane Meyerhoff |
Hacia el final de la década de 1970, De Kooning estaba lidiando no solo con su propio alcoholismo y desesperación, sino también con su viejo enfoque de pintura general; buscaba una nueva forma de pintar. En ese momento, un amigo describió al artista: «Lo que quiere lograr hoy es realmente ‘gratis’, evoca. Matisse’s La Danse». A pesar de que trató de forjar un nuevo camino, volvió a las viejas tradiciones en ciertos casos. La superficie de Untitled VI está rica y exquisitamente pintada en algunos lugares y delgada y raspada en otros. Hay formas convincentes, capas y contrastes sorprendentes. Cintas fibrosas de azul y rojo parecen flotar a través de la superficie del lienzo, evocando formas y remolinos.
La pantalla blanca y vacía entre las líneas se vuelve gradualmente sustancial e igualmente provocativa, un tema recurrente en la obra de arte de Willem de Kooning.
Las formas en las obras de arte de De Kooning de la década de 1980 fueron influenciadas con frecuencia por sus obras anteriores, según uno de sus asistentes de taller de la época. Explicó que echó un vistazo a las fotografías de las obras anteriores y racionalizó sus formas y líneas «para que las nuevas obras de arte sean destilaciones de las más antiguas».
Muchas personas consideraron las obras posteriores de De Kooning con sospecha después de que dejó de pintar en 1990 como si fueran demasiado dependientes de un group de ayudantes de estudio que estaban reemplazando a un artista enfermo. Sin embargo, en comparación con sus obras de arte más antiguas, las pinturas de la década de 1980 son una emanación elegante y alegre de toda su vida profesional.
Varios artistas se han visto afectados por Willem de Kooning, uno de los expresionistas abstractos más conocidos de la historia del arte, tanto durante su vida como mucho después de su fallecimiento. Su uso de figuras intrincadas, que agregó una sensación de ambigüedad, fue el método más efectivo que aumentó la popularidad de De Kooning. Además, se observó que ciertas figuras de fondo parecían cruzar otros elementos de pintura, dando la impresión de que estaban en el frente. Todos estos pequeños detalles ayudaron a establecer a Willem de Kooning como el artista maestro que se le ve hoy en día.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el intercambio de Willem de Kooning?
Intercambio de Willem de Kooning (1955) es el título de una de sus piezas de arte. Las elecciones de De Kooning para los títulos de sus lienzos parecían ser alusiones al área de la ciudad de Nueva York donde residía entonces, como Interchange. Señaló el cambio en las obras de arte de Willem de Kooning de representar a las damas a los entornos urbanos abstractos. Ilustra un cambio en el estilo de pintura de De Kooning provocado por el artista Franz Kline, quien alentó a De Kooning a usar marcas gestuales rápidas en lugar de pinceladas contundentes.
¿Quién era Willem De Kooning?
Willem de Kooning, quien fue considerado por muchos de sus contemporáneos como su líder, puede ser comparado con Jackson Pollock, quien sirvió como el chico del cartel de la vanguardia de Nueva York. De Kooning se había hecho conocido como artista en la década de 1940. Trabajó en una variedad de géneros a lo largo de casi 70 años, estableciéndose finalmente como una conexión clave entre la pintura de la Escuela de Nueva York y el modernismo europeo. Su arte, que abarcaba desde la abstracción hasta la figuración y a veces combinaba los dos, se caracterizó por un sinfín de modificaciones.
