Antes de que las obras de arte de Andy Warhol aparecieran en galerías, ya era un ilustrador comercial muy prolífico. Las pinturas de Andy Warhol de objetos de marca doméstica y celebridades lo han empujado a los niveles superiores del mundo de las pinturas de arte pop. ¿Cuál es el patrimonio neto de Andy Warhol y cómo se hizo tan conocido en todo el mundo? Descubriremos la respuesta a estas preguntas, así como muchos más hechos fascinantes en nuestras secciones de biografía y obras de arte de Andy Warhol en profundidad.
Una biografía de Andy Warhol
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 6 de agosto de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | 22 de febrero de 1987 |
| Lugar de nacimiento | Pittsburgh, Pensilvania |
Las obras de arte de Andy Warhol de su tiempo trabajando como ilustrador comercial han sido reconocidas últimamente como las obras iniciales donde aprendió por primera vez a influir en los gustos del público. Sus dibujos durante este tiempo eran típicamente cómicos, ornamentales y peculiares, en contraste con el espíritu frío y mecánico de su Pinturas de arte pop. Se levantó de la miseria y la incertidumbre de un hogar de expatriados de Europa del Este en Pittsburgh para convertirse en un faro cautivador para la contracultura de Nueva York y, eventualmente, una posición en la alta sociedad.
Muchos vieron el ascenso de Andy Warhol como un eco de una de las aspiraciones del arte pop: llevar la estética y los temas prevalentes a las galerías de élite de las bellas artes. Su mayor éxito fue elevar su propia imagen al ámbito del icono público, simbolizando un nuevo grado de renombre y popularidad para el gran artista.
Niñez
Andy Warhola nació en la región de Pittsburgh en una familia migrante originaria de Checoslovaquia. Warhola fue un joven inteligente y artístico cuando era niño. Su madre, una pintora aficionada, apoyó sus inclinaciones creativas comprándole su primera cámara cuando tenía nueve años. Se informó que sufría de una condición mental que lo confinó a su casa durante largos períodos, y en todos esos momentos, escuchó la radio y se rodeó de imágenes de celebridades de Hollywood.
Esta temprana introducción a los eventos actuales, declaró posteriormente, inspiró su fijación con la cultura pop y las celebridades.
Retrato fotográfico del artista estadounidense Andy Warhol en su exposición dedicada a las travestis negras en Estados Unidos. Ferrara, noviembre de 1975; Desconocido (Mondadori Publishers), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Cuando Warhol tenía 14 años de edad, su padre murió, designando los fondos de la familia para ser utilizados exclusivamente para la educación superior de uno de los hermanos. La familia pensó que Warhola obtendría el mayor beneficio de la instrucción universitaria.
Formación temprana
Después de graduarse de la escuela secundaria a la edad de 16 años, Warhol se matriculó en la Universidad Carnegie Mellon, donde recibió capacitación formal en diseño visual. Poco después de graduarse, en 1949, se mudó a la ciudad de Nueva York para trabajar como artista comercial. Su primer trabajo fue para la revista Glamour, donde escribió un artículo titulado «El éxito es un trabajo en Nueva York».
A lo largo de la década de 1950, Warhol mantuvo una rentable carrera de ilustración comercial, trabajando para revistas como «Vogue» y «The New Yorker».
Fotografía de Andy Warhol en Nueva York en 1950; [1], Dominio público, vía Wikimedia Commons
Andy Warhol modificó su apellido de Warhola a Warhol a principios de la década de 1950 y decidió salir por su cuenta como artista profesional. Sus conocimientos y habilidades artísticas corporativas, mezclados con su participación en la sociedad pop estadounidense, impactaron sus obras más notables. Warhol tomó nota de los nuevos artistas en ascenso, particularmente Jasper Johns y Robert Rauschenberg, cuyo trabajo lo motivó a ampliar su propia exploración artística.
Warhol comenzó a utilizar paneles publicitarios y cómicos en sus obras de arte en 1960. Estas primeras piezas de arte pop se distinguieron por técnicas más emotivas y artísticas, con pinceladas claramente discernibles.
También se dice que estas técnicas se inspiraron en Expresionismo abstracto. Sin embargo, sus piezas posteriores, como Brillo Boxes (1964), mostrarían una fuerte reacción contra el expresionismo abstracto al eliminar prácticamente toda evidencia de la obra del artista.
Período de madurez
Comenzó su fase más productiva en septiembre de 1960, después de mudarse a una casa en Manhattan. No tenía un entorno de taller designado en su anterior ambiente del hogar, sin embargo, ahora había un amplio espacio para trabajar. Siguiendo con el tema de los comerciales y las tiras cómicas, las pinturas de Andy Warhol a principios de la década de 1960 se basaron principalmente en imágenes gráficas de materiales de noticias y artes gráficas. Pintando a mano alzada, lo haría entonces trazar la imagen con pintura directamente sobre el lienzo, sin necesidad de un dibujo a lápiz debajo. Como consecuencia, las piezas de Warhol de principios de 1961 son a menudo más pictóricas.
En 1961, comenzó a trabajar en las famosas piezas de lata de sopa Campbell’s. La serie utilizó una variedad de procesos, pero el grueso se hizo proyectando fotos de referencia en lienzos, reproduciéndolas con un lápiz de plomo, y después, pintaba sobre ellas.
Con este método, Warhol pudo ocultar la mayor parte del toque del artista. En 1962, Warhol comenzó a experimentar con la serigrafía. Producir una imagen en una pantalla porosa, luego agregar pintura o tintas con una esponja de goma, fue el método de plantilla.
Este fue otro método de crear mientras borraba los signos de su mano; similar a los procedimientos de plantilla que utilizó para hacer las imágenes de Campbell’s Soup Can, esto también le permitió replicar el tema numerosas veces sobre el mismo visual, generando una imagen en serie que recuerda a la fabricación en masa. Por lo general, comenzaba la pieza aplicando una capa de color que coincidiría con la imagen estampada una vez que estuviera completa.
Fotografía de Andy Warhol con Archie, su perro salchicha mascota, tomada en 1973; Jack Mitchell, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Sus primeras obras de arte serigrafiadas fueron modeladas tanto en el anverso como en el reverso de los billetes, y continuó utilizando este proceso para producir varias series de imágenes de otros productos de consumo y cosas comerciales. Las etiquetas de carga y procesamiento, las botellas de refrescos, las pegatinas de los contenedores de café, las etiquetas de las cajas de jabón y los automóviles estaban representados por él. A partir del otoño de 1962, comenzó a crear piezas de foto-serigrafía, lo que implicaba copiar una fotografía en serigrafías porosas.
Baseball (1962) sería su primero, y muchos de los que siguieron usaron con frecuencia imágenes comunes o sorprendentes tomadas de imágenes de periódicos sensacionalistas de colisiones de automóviles y manifestaciones de derechos civiles, dinero en efectivo y artículos para el hogar de los consumidores. En 1964, Warhol se trasladó a lo que él apodó «La Fábrica». Debido a que había ganado cierta fama como artista en este punto, pudo reclutar a muchos trabajadores para que lo ayudaran a completar su trabajo.
Ahora podía quitar más definitivamente su mano del lienzo y generar piezas monótonas y producidas en masa que parecían carentes de valor e hicieron la pregunta: «¿Qué define el arte?» Esta fue una noción propuesta inicialmente por el héroe de Warhol, Marcel Duchamp.
Warhol tenía un interés de larga data en Hollywood, como lo ven sus imágenes clásicas de Elizabeth Taylor y Marilyn Monroe. También incursionó en instalaciones, sobre todo cuando reprodujo cajas Brillo en sus dimensiones originales y luego serigrafió sus diseños de etiquetas en losas de madera contrachapada.
Warhol comenzó a trabajar con el cine en 1963 con el fin de mantener su exploración de otros medios. Dos años más tarde, durante una gira para una exposición de sus pinturas, anunció que dejaría de pintar para centrarse solo en las películas.
Aunque nunca realizó completamente su visión, hizo varias películas, la mayoría de las cuales fueron protagonizadas por los Warholstars, un grupo ecléctico y variado de personas que asistieron a The Factory y fueron reconocidas por su estilo de vida inusual.
En 1967, también creó un concepto llamado The Exploding Plastic Inevitable (EPI). El EPI fue un evento multimedia que combinó el grupo de música The Velvet Underground con exhibiciones de cine, iluminación y bailarines, terminando en un sensual encuentro teatral. Warhol había sido autoredición de las publicaciones del creador desde la década de 1950, pero andy Warhol’s Index, su primer volumen producido en masa, fue lanzado en 1967. Continuó escribiendo numerosos libros adicionales y, en 1969, cofundó la revista Interview con su colega Gerard Malanga.
Fotografía de Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Bruno Bischofberger y Fransesco Clemente en Nueva York, 1984; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
La revista, que está dedicada a las celebridades, todavía está impresa hoy en día. Esto marcó el final de la escena de The Factory en la década de 1960. A partir de entonces, Warhol buscó compañía en la corteza superior de Nueva York, y durante la mayor parte de la década de 1970, las obras de arte de Andy Warhol consistieron principalmente en retratos contratados producidos a partir de imágenes Polaroid impresas. La excepción más notable es su famosa serie Mao, que fue creada como respuesta al presidente. El viaje de Richard Nixon a China.
Sin el brillo y el atractivo de mercado de sus primeras películas, los críticos percibieron a Warhol como vendiendo su genio creativo, y esta fase posterior se consideró un período de declive. Warhol, por otro lado, consideraba el logro financiero como un objetivo esencial. Había pasado con éxito de diseñador gráfico a artista corporativo en este punto.
Últimos años y muerte
Las pinturas de Andy Warhol regresaron a fines de la década de 1970 y principios de la década de 1980, produciendo piezas que ocasionalmente rayaban en la abstracción. Su secuencia de Pintura de Oxidación, creada al orinar sobre un lienzo de pintura de cobre, reflejó la inmediatez de los expresionistas abstractos y la energía bruta de Jackson Pollock trabajos por goteo.
En sus últimos años, Warhol recurrió a temas religiosos; su representación de «La Última Cena» de Leonardo da Vinci es particularmente conocida.
Lápida de Andy Warhol en el Cementerio Católico Bizantino de San Juan Bautista, Pittsburgh; Allie Caulfield, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Warhol combinó lo santo con lo profano en estas piezas al contrastar logotipos de negocios de gran tamaño contra imágenes de Cristo y sus apóstoles. Warhol falleció el 22 de febrero de 1987, a la edad de 58 años, como resultado de problemas postoperatorios después de un tratamiento regular de la vesícula biliar. Fue enterrado en su lugar de nacimiento de Pittsburgh. Además, 2.000 personas se unieron a la ceremonia de Warhol en la Catedral de San Patricio.
Legado
Warhol explotó la cultura popular y los métodos corporativos para crear arte que resonó con una amplia audiencia, rechazando las ideas utópicas y los sentimientos íntimos representados a través de la abstracción. Fue uno de los padres fundadores del género pop art, elaborando los puntos de vista de Duchamp atacando el significado básico del arte.
Sus riesgos creativos y su persistente innovación con temas y medios lo establecieron como un precursor en casi todas las áreas del arte visual. Su sentido único de la moda, la celebridad y la compañía lo ayudaron a alcanzar la estatura de mega-estrella que deseaba.
En 1994, se inauguró el Museo Andy Warhol en Pittsburgh, Pensilvania, que contiene una colección sustancial de pinturas de Andy Warhol. Mucha controversia todavía acompaña a las famosas imágenes serigrafiadas que ayudaron a Warhol a establecerse como pintor pop a principios de la década de 1960. Su serie Muerte y desastre, así como sus imágenes de Marilyn, son vistas por muchos como muestras genuinas de su angustia en medio de eventos públicos. Por otro lado, otros los consideran como signos tempranos de «cansancio por compasión», o la capacidad reducida de la población para simpatizar con circunstancias que están lejos de ellos.
Otros consideran sus fotos como pantallas, colocadas entre nosotros y eventos atroces para capturar y procesar el trauma. Aunque los artistas se han apoyado en la cultura pop a lo largo del siglo 20, las pinturas de arte pop representaron una nueva etapa significativa en la separación de las formas de arte inferiores y superiores.
Las obras de arte de Andy Warhol de principios de la década de 1960 fueron esenciales para iniciar estos avances, pero es discutible que sus prácticas posteriores fueran tan impactantes para ampliar las repercusiones de las pinturas de arte pop a otras esferas y luego diezmar aún más los límites entre los reinos de la alta artesanía y la cultura prevalente.
A pesar del hecho de que Warhol continuó produciendo pinturas de forma intermitente durante su carrera, se «retiró» del medio en 1965 para concentrarse en hacer películas experimentales. Estas películas han ganado recientemente prominencia internacional debido a años de aislamiento, y Warhol es ahora reconocido como uno de los directores más importantes del siglo, uno de los padres fundadores del cine independiente. Los críticos generalmente han considerado que la carrera de Warhol está en declive después de que fue atacado por Valerie Solanas en 1968.
Han priorizado sus primeros trabajos sobre las cosas que ocuparon su enfoque en años posteriores, como la fiesta, la colección, la publicación y la creación de retratos contratados. Sin embargo, otros han llegado a creer que todas las iniciativas de Warhol constituyen su legado más importante, ya que presagian los muchos pasatiempos, ocupaciones e iniciativas que involucran a los artistas de hoy.
Obras de arte de Andy Warhol
A principios de la década de 1960, el arte pop era considerado como un género innovador que varios artistas estaban adoptando por separado; algunos de estos antepasados se identificarían más tarde con la tendencia. Warhol adoptó este nuevo enfoque, en el que los temas comunes pueden incluirse en la paleta del artista. Construyó su estilo y temas posteriores a partir de estos orígenes. En lugar de centrarse en un tema distintivo, como comenzó a hacer, se centró en un estilo único., eliminando gradualmente lo artesanal del enfoque artístico.
Coca-Cola 3 (1962)
| Fecha de finalización | 1962 |
| Medio | Caseína sobre algodón |
| Dimensiones | 176 cm x 137 cm |
| Ubicación actual | Colección privada |
«Solo creo cosas que siempre he pensado que eran encantadoras, cosas que usas todos los días y en las que no piensas». El comentario de Warhol resume su enfoque; sus obras de arte colocan los objetos cotidianos al frente y al centro. Esto es cierto para la imagen pintada a mano de una botella de refresco.
Otro desafío al dominio del expresionismo abstracto, la «Coca-Cola» de Warhol es del mismo tamaño que muchos de los famosos lienzos de la época, pero carece de abstracciones.
Sin embargo, también hay paralelismos adicionales. Coca-Cola, al igual que la icónica serie de pinturas Stations of the Cross de Barnett Newman, se compone de una masa masiva y negra sobre un fondo blanco. La botella grita al espectador, buscando el tipo de atención que recibieron los lienzos profundos de Motherwell, pero la ironía reina suprema.
Marilyn Monroe de oro (1962)
| Fecha de finalización | 1962 |
| Medio | Silkscreen |
| Dimensiones | 211 cm x 145 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
La vida, la profesión y el dolor de Marilyn Monroe se convirtieron en una preocupación nacional después de su temprana muerte por sobredosis de pastillas para dormir en agosto de 1962. Warhol, que estaba obsesionado con las celebridades y la cultura pop, obtuvo una fotografía promocional en blanco y negro de ella y la utilizó para producir múltiples series de imágenes.
Todas las obras de arte de «Marilyn» compartían la premisa de que la imagen de Monroe se duplicaba una y otra vez, al igual que se publicaba en periódicos y publicaciones de la época.
Después de ver docenas o cientos de tales fotografías, un espectador ya no ve a una persona retratada, sino que se queda con un símbolo de la cultura popular y comercial. La imagen se transformó en otra caja de cereales en el pasillo de la tienda, una de las cientos de cajas idénticas. Warhol amplía la noción de iconografía en Gold Marilyn Monroe al poner el rostro de Marilyn sobre un fondo de color dorado muy enorme.
El fondo evoca los iconos religiosos bizantinos, que siguen siendo el punto focal de las creencias ortodoxas en la actualidad. En lugar de una deidad, vemos una imagen, que se vuelve un poco llamativa tras un escrutinio más detallado, de una dama que saltó a la fama y murió en una terrible catástrofe.
El trabajo de Warhol critica en voz baja la elevación de las superestrellas de nuestra sociedad al reino de lo santo. Una vez más, el artista pop utilizó elementos e imágenes cotidianas para proporcionar información muy específica sobre los valores y el entorno de sus contemporáneos.
Dormir (1963)
| Fecha de finalización | 1963 |
| Medio | Película en blanco y negro |
| Dimensiones | 16 mm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Durante una era de increíble inventiva a principios de la década de 1960, Warhol procedió a interrumpir el status quo utilizando un medio diferente, el cine. Aproximadamente a lo largo de su carrera, Warhol produjo más de 650 películas sobre una amplia gama de temas. Sus películas fueron elogiadas por el mundo del arte, y su impacto aún se puede reconocer en artes escénicas y cine experimental. Tilda Swinton actuó en una instalación de arte en el Museo de Arte Moderno (MoMA) en 2013 en la que durmió en una jaula de vidrio, mientras que la escritora, actriz y cineasta Lena Dunham expresó recientemente su deseo de duplicar Sleep, pero con ella misma como foco.
«Sleep» es una de las primeras obras del creador y su primer esfuerzo en el cine experiencial, que se convirtió en una de sus marcas registradas. Esta película de seis horas profundiza en los hábitos de sueño de John Giorno, quien en ese momento era el novio de Warhol.
El público ve a Giorno a través de los ojos de Warhol, con una tira del torso desnudo de Giorno en cada escena. Aunque parece ser una secuencia continua de imágenes, en realidad son rollos de película superpuestos y empalmados y en bucle. El trabajo de Warhol se centró en la repetición, así como en su obsesión con lo banal.
Todo el mundo necesita dormir, y Warhol ha convertido una vez más lo común en expresión creativa.
En la cronología de las películas de Warhol, Empire and Eat (1965) siguió a Sleep. Empire es un documental de ocho horas sobre el Empire State Building al atardecer, mientras que Eat es un corto de 45 minutos sobre una persona que consume un hongo. Los temas de Warhol eran tan variados como su filmografía, profundizando en aspectos más evidentes como la cultura homosexual.
Accidente automovilístico en Orange catorce veces (1963)
| Fecha de finalización | 1963 |
| Medio | Silkscreen |
| Dimensiones | 269 cm x 417 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Orange Car Crash es parte de la serie de Warhol, que ocupó la mayor parte de su tiempo en ese momento. A menudo utilizaba fotos horribles y violentas de los periódicos diarios y las replicaba en todo el lienzo utilizando el proceso de foto-serigrafía. La repetición, fragmentación y deterioro de la imagen son vitales no solo para producir el impacto de las imágenes, sino también para desinfectar la imagen.
Cuando un espectador ve la foto violenta por primera vez, se queda angustiado y asustado, sin embargo, ver esa foto replicada una y otra vez debilita la potencia de la imagen, ya que la visión de la tragedia se convierte en otra imagen del mercado masivo.
El crítico de arte Christopher Knight ha presentado una forma alternativa de abordar esta y otras piezas de la serie Death and Disaster de Warhol. La colisión de automóviles que se muestra es sorprendentemente similar a la fotografía de la muerte de Jackson Pollock en un incidente automovilístico en Long Island en 1956.
Warhol está diciendo a los espectadores que el expresionismo abstracto ya no está vivo y bien. Así que tal vez Warhol estaba menos preocupado por el arte popular y más involucrado en ofrecer comentarios muy precisos y exclusivos del mundo del arte. Del mismo modo, en la serie Electric Chair de Warhol, hay un letrero de «Silencio» en la parte trasera de la sala de electrocución mostrada, que Warhol asocia con las obras modernistas de John Cage con sonidos.
Además, la serie «Race Riot» de Warhol es una reacción a pintores contemporáneos como Robert Rauschenberg, Jackson Pollock, Ad Reinhardt y las numerosas obras abstractas icónicas de Frank Stella llamadas Black Series.
Cajas Brillo (1964)
| Fecha de finalización | 1964 |
| Medio | Silkscreen |
| Dimensiones | 43 cm x 43 cm x 35 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Usando el proceso de serigrafía nuevamente, pero esta vez en madera contrachapada, Warhol proporcionó al espectador duplicados precisos de artículos cotidianos vistos en hogares y tiendas. Esta vez, sus obras de arte son apilables; son esculturas que se pueden apilar de varias maneras en la galería, pero cada caja es idéntica; uno no es mejor que el otro.
En lugar de la secuencia de pinturas ligeramente variadas que muchos grandes pintores han creado (piense en los pajares o catedrales de Monet), Warhol enfatiza que todas estas cosas son iguales y (en su opinión) ¡maravillosas!
Haciendo estos objetos en su «fábrica», Warhol se burla (o estimula maravillosamente) el mundo del arte y el artista-creador una vez más. Warhol tenía un apego especial a Brillo Boxes. Warhol nació en Pittsburg, una ciudad de acero que una vez fue próspera pero que ahora está en un estado de desorden. Brillo es lana de acero, una sustancia comúnmente utilizada por las mujeres para mantener relucientes los utensilios de cocina de sus magníficos hogares estadounidenses.
¿Apreciaba Warhol el producto en sí, o encontraba ridículas las exhibiciones minoristas, o le encantaba la yuxtaposición de acero y lana en un paquete de bienvenida como un hombre homosexual?
Sopa Campbell 1 (1968)
| Fecha de finalización | 1968 |
| Medio | Serigrafía |
| Dimensiones | 89 cm x 58 cm |
| Ubicación actual | Múltiples grabados en museos y galerías |
En la década de 1960, la industria del arte de Nueva York se había instalado en una rutina, y las pinturas altamente únicas y buscadas de los expresionistas abstractos se habían convertido en cliché. Warhol fue uno de los pintores que creyó que su propósito era reintegrar los gráficos en sus obras. Muriel Latow, la galerista y diseñadora de interiores, le recomendó a Warhol que pintara artículos que la gente usa todos los días, lo que llevó al concepto de pintar latas de sopa.
De 1962 a 1964, creó las famosas latas de sopa, cajas Brillo y botellas de refresco.
Comenzó su trabajo en el diseño comercial de consumo y se convirtió en un gran éxito. Utilizó su experiencia comercial para desarrollar una imagen que sea inmediatamente identificable y estéticamente interesante. Los productos de consumo y las imágenes comerciales estaban inundando las vidas de los estadounidenses con la riqueza de la época, y Warhol se propuso replicar suavemente esa abundancia utilizando imágenes vistas en la publicidad.
Replicó la sensación de estar en una tienda sobre lienzo. Como resultado, a Warhol se le atribuye la conceptualización de un nuevo estilo de arte que exaltaba (y sin embargo criticaba) las tendencias de compra de sus compañeros y clientes actuales.
Mao (1973)
| Fecha de finalización | 1973 |
| Medio | Silkscreen |
| Dimensiones | 43 cm x 43 cm x 35 cm |
| Ubicación actual | Instituto de Arte de Chicago |
En este retrato de Mao Zedong, Warhol combina pintura y serigrafía, parte de una serie que desarrolló en respuesta al viaje del presidente Richard Nixon a China en 1972. Warhol usó una fotografía en blanco y negro de Mao de su Pequeño Libro Rojo para hacer cientos de pinturas que representan al gobernante autoritario en varios tamaños.
Algunas de estas obras de arte son masivas en escala, representando el carácter dominante de la autoridad de Mao sobre China, así como el increíble culto a la personalidad que Mao poseía.
Esta escala gigantesca también recuerda a las imponentes imágenes propagandísticas vistas en toda China y durante la Revolución Cultural. Sin embargo, al generar cientos de fotos idénticas y colocarlas en la pared, Warhol transformó las imágenes de Mao en un producto de supermercado, similar a las botellas de Coca-Cola dispuestas en los estantes. El Mao de Warhol es ahora una mercancía de consumo, un principio fundamental del capitalismo, o el concepto preciso al que se oponen los comunistas.
Warhol va un paso más allá. Las salpicaduras de color parecidas a grafitis, el rojo escarlata y la sombra de ojos azul esencialmente «des-face» de la imagen de Mao, un acto de desafío contra la campaña de desinformación comunista al aprovechar su propia imagen elogiada contra sí misma.
Como una broma adicional, Warhol utiliza tropos de arte modernista como pinceladas expresivas alrededor de la cara de Mao. Las pinceladas son un símbolo de expresión personal y libertad creativa, los mismos conceptos a los que se opuso la Revolución Cultural de Mao.
Pintura de oxidación (1978)
| Fecha de finalización | 1978 |
| Medio | Pigmento metálico sobre lienzo |
| Dimensiones | 193 cm x 132 cm |
| Ubicación actual | Museo de Bellas Artes |
La pintura de oxidación, producida al final del mandato de Warhol, es una de una serie de obras de arte hechas por el creador solo, o con varios de sus amigos, orinando sobre un lienzo de pintura de cobre que se extendió horizontalmente en el piso y luego dejó que el resultado se oxidara.
El efecto final fue un brillo metálico con una impresionante profundidad de textura y color, evocador del trabajo de expresionistas abstractos como Jackson Pollock.
Warhol puso mucho pensamiento y diseño en estas piezas, y se le cita como comentando: «Estas pinturas también tienen técnica. Si le pidiera a alguien que produjera una pintura de oxidación y no pensara en ello, el resultado sería un desastre. Luego lo hice yo mismo, lo cual es mucho esfuerzo, e intentas descubrir un buen diseño».
Rorschach (1984)
| Fecha de finalización | 1984 |
| Medio | Polímero sintético sobre lienzo |
| Dimensiones | 417 cm x 292 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Aunque los primeros trabajos de Warhol señalaron una división significativa con el expresionismo abstracto, continuó mostrando interés en la abstracción a lo largo de su vida, y en 1984, canalizó sus pensamientos en su enorme serie de obras de arte de Rorschach. Fueron influenciados por la prueba de Rorschach, que fue desarrollada por el psicólogo suizo Hermann Rorschach. La prueba exige que los pacientes describan lo que ven en una serie de 10 manchas de tinta estandarizadas; Rorschach sintió que al hacerlo, podemos obtener acceso a ideas inconscientes.
Muchas pinturas abstractas, según Warhol, funcionaban de manera similar: en lugar de que los artistas pudieran expresar pensamientos a través de la forma abstracta, como muchos pensaban, sentía que los espectadores simplemente superponían sus propias nociones a las obras.
Sus imágenes de «Rorschach» eran, por lo tanto, una especie de sátira del arte abstracto: eran espejos que reflejaban las propias ideas del espectador, y a veces se parecían a la anatomía o a los diseños florales.
General Electric con camarero (1984)
| Fecha de finalización | 1984 |
| Medio | Óleo acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones | 111 cm x 150 cm |
| Ubicación actual | Colección desconocida |
Warhol comenzó a asociarse en obras de arte a instancias del comerciante de arte Bruno Bischofsberger. Inicialmente colaboró con el italiano Francesco Clemente, luego con el pintor haitiano-estadounidense considerablemente más joven. Jean-Michel Basquiat, y luego con Keith Haring. A principios de la década de 1980, la fama de Warhol se estaba desvaneciendo, y no había pintado nada desde la década de 1960.
Sin embargo, su colaboración con Basquiat, que duró entre 1984 y 1985, lo revitalizó y lo posicionó entre un grupo más joven y de moda.
General Electric with Waiter es representativo de las imágenes que la pareja creó juntos: Warhol proporcionó titulares más grandes, marcas y piezas comerciales, mientras que Basquiat agregó su emotivo gr.affiti. Los elementos cómicos inherentes tanto al arte pop como al graffiti contribuyeron al atractivo de la serie.
Autorretrato (1986)
| Fecha de finalización | 1986 |
| Medio | Polímero sintético sobre lienzo |
| Dimensiones | 111 cm x 150 cm |
| Ubicación actual | Galería Nacional de Arte |
A lo largo de su mandato, los autorretratos de Andy Warhol reflejan un mensaje general. Se puede decir que la pintura más popular de Warhol fue la imagen de sí mismo, que recreó a lo largo de su carrera. Considere esto: Warhol comenzó su carrera artística como un diseñador geek, introvertido y calvo y la concluyó como una estrella cuya fama rivalizaba con sus mejores representaciones.
El énfasis en esta pintura está en la cabeza y la peluca de Warhol.
Warhol crea una sensación de movimiento al combinar imágenes repetidas que son ligeramente diferentes entre sí y luego superponer las imágenes. Autorretrato, completado al final de su vida, representa al artista con su peluca y hace un uso espectacular de las luces y las sombras.
Preguntas Frecuentes
¿Dónde está el Museo Andy Warhol?
Está situado en la costa norte de Pittsburgh. Es el museo más grande de América del Norte dedicado exclusivamente a un artista en particular. Andy Warhol, una estrella del arte pop nacida en Pittsburgh, tiene una gran colección permanente de obras y documentos en el museo. Los planes del museo se dieron a conocer en octubre de 1989, casi tres años después de la muerte de Warhol.
¿Cuál es el patrimonio neto de Andy Warhol?
Sabemos que es rico, pero ¿cuál es exactamente el patrimonio neto de Andy Warhol? Tenía un patrimonio neto de $ 220 millones en el momento de su muerte, después de tener en cuenta la inflación y la valoración de su arte. Andy Warhol fue una figura clave en el movimiento de pintura de arte pop de la década de 1960.
