Habiendo sido testigo del expresionismo abstracto, el arte conceptual y pop, el pintor David Hockney es posiblemente el mejor artista vivo de Gran Bretaña e innegablemente el artista más popular del mundo. Incluso antes de que la homosexualidad fuera despenalizada en 1967, Hockney era un artista exitoso, abiertamente gay y joven. Desde entonces, ha seguido siendo el chico de oro del arte occidental contemporáneo.
David Hockney causa sensación
| Fecha de nacimiento | 9 de julio de 1937 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Bradford, Reino Unido |
| Movimientos artísticos | Expresionismo abstracto, Arte Pop |
| Género/Estilo | Pintura, Fotografía, Collage, Digital |
| Medios utilizados | Pintura al óleo, acuarela, carbón |
| Temas dominantes | Piscinas, California, Los Ángeles, lujo, homosexualidad, naturalismo, espacio, retrato, ModernismoCubismo |
Las pinturas y fotografías más conocidas de David Hockney han reflejado una preocupación por la ciudad de Los Ángeles. A través de retratos íntimos de la élite de California y lujosos paisajes de piscinas turquesas y lujosas propiedades, un día se convertiría en el artista vivo más caro del mundo.
Nunca ha dejado de dibujar y experimentar con nuevos medios artísticos.
Biografía de David Hockney
La biografía de David Hockney comenzó el 9 de julio de 1937, en una ciudad victoriana cerca de Londres llamada Bradford. Bradford era verde pero industrial. Al crecer, el hermoso campo, que era una mezcla de pastoral y tierras silvestres, estaba a solo unas millas de distancia. De niño, caminaba allí desde su casa familiar, e incluso entonces, quedó cautivado por la luz del sol y el sombrío paisaje gótico.
Su madre era metodista y apoyaba mucho a Hockney. Su padre era excéntrico y también había estudiado arte en la escuela nocturna en Bradford, pero terminó haciendo trabajos ocasionales, incluido ser empleado en sus últimos años. Después de la guerra, su padre había probado suerte en el reciclaje de bicicletas de segunda mano. David Hockney recuerda haber visto a su padre pintar líneas en el manillar y enamorarse del gesto de pintar.
El joven Hockney era un estudiante brillante que ya estaba interesado en convertirse en artista cuando estaba en la escuela primaria. A la edad de 11 años, David recibió una beca para estudiar en la Bradford Grammar School.
Fotografía del artista David Hockney en el Centro Pompidou de París, Francia, en 2017; Connaissance des Arts, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Sus padres querían asegurarse de que David tuviera una buena educación. A los 16 años, se matriculó en la Bradford School of Art. Allí estudió dibujo observacional y encendió su pasión por la pintura. El autorretrato de David Hockney (1953) muestra al joven Hockney con una fregona de cabello oscuro y gafas de montura gruesa. A pesar de que aún no había encontrado su característico aspecto rubio blanqueador, su conciencia de imagen ya estaba clara.
«Retrato de mi padre» (1955) fue la primera pintura al óleo de David Hockney. Su padre, que alentó el interés de su hijo en el arte, le había comprado un lienzo viejo en una venta desordenada. David pintó sobre él y le pidió a su padre que posara para una nueva pintura. Su padre estuvo de acuerdo con la condición de que pudiera configurar un sistema de espejos y ver cómo la pintura tomaba forma. Hockney presentó esta instalación temprana de los retratos de David Hockney para ser exhibida en la Galería de Arte de Leeds, donde hizo su primera venta a los 17 o 18 años.
En 1957, Hockney se graduó como el mejor de su clase. Cuando tenía 18 años, visitó Londres por primera vez. Tomó el tren allí y hizo autostop de regreso. En la National Gallery y la Tate Gallery, descubrió la pintura moderna de la talla de Picasso, que nunca había visto en los museos y galerías de Yorkshire. Continuaría haciendo autostop a Londres y finalmente dejaría Yorkshire a la edad de 21 años.
Inicios de su carrera
En 1959, el pintor David Hockney, de 22 años, recibió otra beca para el Royal College of Art de Londres. Aunque estaba interesado en el arte moderno, se formó en dibujo y pintura académica, en la que se destacó. En su primer año en la universidad, vio un anuncio de productos para el cabello en la televisión que afirmaba que las rubias se divertían más, y así, se convirtió en una rubia de toda la vida. Hockney no sería el artista que es hoy sin el trabajo duro y los buenos momentos que tuvo en el Royal College of Art.
En la década de 1960, las pinturas de David Hockney se habían alejado de traditi.onal pintura académica y tomó una nueva y más personal dirección. Dejó de pintar figuras de la vida y las retrató de manera más estilística, como se ve en «The Third Love Painting» (1960) y «Kaisarion» (1960).
Incluso como estudiante, comenzó a ganar premios, recibir atención y hacerse un nombre en la escena artística de Londres. Hockney fue por primera vez a Nueva York en 1961 cuando tenía 24 años. Luego viajó a Berlín, Roma, Florencia y Egipto.
Sus obras comenzaron a explorar su homosexualidad, que no tenía precedentes en el arte británico. «We Two Boys Together Clinging» (1961) fue una declaración descarada en un momento en que la homosexualidad todavía era criminal. La imagen demuestra la incursión del artista en el expresionismo abstracto. Aquí, hockey experimentó con letras y palabras, que operaban como figuras.
El material de origen para los primeros trabajos de Hockney fueron imágenes de modelos de Physique, una revista de fitness comercializada subliminalmente para hombres homosexuales. El término Arte Pop fue presentado por un crítico británico Lawrence Alloway en relación con un grupo de artistas con los que Hockney estaba asociado.
Vista de la instalación de Mr and Mrs Clark and Percy (1970-1971) de David Hockney en un lugar desconocido (posiblemente Tate Modern), ca. 2016; Francisco Anzola de Estados Unidos, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Tea Painting in an Illusionistic Style (1961) es otro ejemplo de Hockney jugando con el Pop. Estaba mirando el empaque y el consumismo, mezclando la famosa marca británica Typhoo Tea con imágenes extrañas de una figura curiosa que parece estar dirigiendo la caja. Hockney exploró la perspectiva y la profundidad en su representación de la caja.
Este no es de ninguna manera el mejor trabajo de Hockney, y admite que en su esfuerzo por obtener la imagen correcta, accidentalmente escribió mal la palabra «té». Sin embargo, el objeto representa a Hockney en un momento en el que estaba ansioso por abordar el mundo comercial mientras se entregaba a un poco de nostalgia al usar la marca de té favorita de su madre. Ninguna otra obra de arte de David Hockney grita Pop Art de la manera en que lo hace Tea Painting.
Los experimentos de Hockney con el expresionismo abstracto, el art brute francés y el arte pop finalmente lo desviarían más cerca de casa, donde estuvo expuesto a un grupo dinámico de artistas que incluían a Peter Blake y Francis Bacon, que habían enseñado brevemente en el Royal College.
Las colinas de Hollywood
En 1964, tan pronto como Hockney se graduó, dejó Londres para ir a California. Después de haber visto películas de Hollywood y fotos de palmeras en su infancia, Hockney tenía la corazonada de que Los Ángeles era el lugar para él. Fue amor a primera vista. La medida tuvo un gran impacto en la carrera del joven de 26 años, quien se convertiría en el pintor seminal del sur de California.
Tenía suficiente dinero para vivir y pintar durante un año. Al principio, pensó que podía andar en bicicleta por todas partes, pero rápidamente se dio cuenta de que necesitaba obtener una licencia de conducir. Conduciendo en un automóvil abierto a través de hollywoodenses, tuvo una idea de lo grande que era y comenzó a observar seriamente el paisaje por primera vez, lo que inspiró un nuevo tipo de pintura de paisajes.
Los colores brillantes de la soleada California se abrieron paso en su trabajo al instante cuando encontró nuevas formas de representar el agua. Pensó que Los Ángeles se veía fresco, sexy y soleado, y apreciaba la reconocibilidad de los paisajes. Dijo que no había visto a personas pintando cuadros de Los Ángeles y lo tomó como un desafío.
La práctica de Hockney despegó en su estudio de Los Ángeles, donde también se dedicó a la fotografía polaroid que representa el medio ambiente y la vida en California. Los paisajes y las piscinas se convirtieron en motivos comunes y Hockney comenzó a producir sus famosas pinturas de Los Ángeles.
En California alrededor de 1978, las pinturas de David Hockney comenzaron a tener pintura más holgadamente aplicada, similar a la Impresionistas y recuerda a Van Gogh. Para entonces, su uso del color y la aplicación de la pintura habían cambiado, como se ve en Santa Monica Boulevard (1980), junto con su comprensión de la perspectiva. Completó pinturas de interiores inspiradas en casas modernas de Los Ángeles como Hollywood Hills House (1982).
Además del vidrio y los espejos, el agua es un tema recurrente en la obra de Hockney. Estas superficies reflectantes le fascinan porque son difíciles de describir verbal y pictóricamente. También son la forma más sencilla de dibujar el ojo, imitando la transparencia en la superficie de la pintura.
Una fotografía en primer plano del BMW 850 CSi de 1995 diseñado por David Hockney; Tim Wang de Beijing, China, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
A Bigger Splash (1967) es una imagen icónica de Hockney y se hizo alrededor de abril a junio de 1967. Fue pintado a partir de una fotografía. La quietud de la fotografía la hace irreal ya que el ojo humano no puede capturar el tiempo congelado. La gama de marcas que Hockney hizo fueron experimentos para evocar el movimiento en la salpicadura. Si bien no hay figura, la piscina, el cielo, las palmeras, la silla del director y el trampolín amarillo están dramatizados por la señal de que alguien acaba de saltar al agua.
Durante este período, Hockney se convirtió en una superestrella internacional.
Había estado enseñando en la Universidad de UC Berkley cuando su arte fue anunciado como refrescante y nuevo en una era donde la abstracción estadounidense era el status quo. Sus imágenes contribuyeron a la estética fresca y minimalista de California. En 1976, publicó su primera monografía, David Hockney de David Hockney: My Early Years.
Retratos dobles
Adhesiveness (1960) fue su primer intento de un doble retrato, que se convertiría en uno de sus géneros característicos. David Hockney dijo que era su primera pintura seria. Estaba interesado en la relación entre sus súbditos, que invariablemente estaban unidos como parientes, amigos o amantes. Los retratos de David Hockney son en su mayoría retratos dobles y revisitan la pieza de conversación, que era una estética del siglo 18, creando una interacción entre las figuras. La extraña distancia se crea a través del espacio relativo ocupado de las figuras.
Uno de los retratos más conocidos de David Hockney, «Mr. and Mrs. Clark and Percy» (1970), es un retrato doble. Sus súbditos fueron sus amigos cercanos Celia Burtwell y Ozzy Clark, que eran una pareja poderosa en los años sesenta del oeste de Londres, Chelsea.
Ozzy era diseñadora de moda y Celia era diseñadora de telas. Aunque los representó como una pareja casada, estaban a punto de divorciarse. Sus cuerpos implican una polaridad. Celia se encuentra orgullosa con su dramático vestido y Ozzy está sentado con el gato en su regazo y un pie hundido en la alfombra shagpile, lo que indica facilidad.
Retrato de un artista (Pool with Two Figures) (1972) representa una vida de privilegios y libertad. Ubicado en una casa en Saint Tropez, en el sur de Francia, esta es una pintura. Las dos figuras son atractivas; viven vidas de lujo y ocio, sin embargo, el observador vestido, la ex pareja de Hockney, Slazenger, se para en el borde de la piscina en la que un nadador hace la braza, dando a la pintura una sensación de tensión psicológica.
My Parents and Myself (1976) muestra el interés de Hockey por el meta retrato doble. Este es en realidad un autorretrato de David Hockney, ya que siguió a artistas como Diego Velázquez, quien usó un espejo para incorporar un retrato de sí mismo en su doble retrato. Al año siguiente, un nuevo retrato doble de sus padres, Mis padres (1977), utilizó la misma técnica pero, en lugar de un reflejo, se representó a sí mismo como un cuadro en la pared, a través del doble retrato de 1976 de sus padres Mis padres y yo mismo (1976).
Otro autorretrato conspicuo de David Hockney es el meta retrato doble «Looking at Pictures on a Screen» (1977), en el que Hockney obliga al espectador a ver una pintura de una persona viendo una pintura.
En Model with Unfinished Self Portrait (1977), la cortina crea la ilusión de que hay un espacio detrás del modelo donde el artista se sienta a dibujar, pero el título nos dice que el autorretrato inacabado del artista que trabaja en la mesa está apoyado contra la pared del estudio mientras una modelo posa durmiendo en el sofá frente a ella. Es una pintura dentro de una pintura.
Conocimiento secreto
David Hockney ha dicho que la forma en que se hacen las imágenes nos da más información sobre ellas. Para él, la forma en que se hace una imagen es tan importante como por qué se hizo. Su libro, Secret Knowledge (2001), es el estudio de Hockney en el uso de la óptica en las obras de los grandes maestros. El arte occidental ha dependido de los dispositivos ópticos durante 400 años. Las proyecciones ópticas habrían sido utilizadas por los artistas a lo largo de la larga historia del arte occidental.
Hockney desacreditó la idea errónea de que las cámaras se inventaron en el siglo 19.
Lentes desarrollados en el siglo 17, haciendo posible hacer proyecciones en forma de una cámara oscura. Hockney no inventó estas teorías, pero las ha popularizado y las ha colocado en el centro del debate artístico.
Para David Hockney, la fotografía es un medio de transponer una imagen a una superficie plana. Es una invención química, mientras que la cámara es un precedente de este proceso.
No hay duda de que estos artistas usaron el espejo cóncavo, ni hay una razón lógica por la que los artistas no usarían todas las herramientas disponibles. La pregunta entonces es por qué los artistas son tan reservados acerca de sus técnicas. La respuesta es la naturaleza humana. Los artistas pueden no querer to compartir secretos comerciales con sus competidores. Otros pueden pensar que admitir el uso de tales dispositivos disminuye su reputación de habilidad o genio.
David Hockney Fotografía
Hockney comenzó a abordar la fotografía inicialmente con polaroids. Se dio cuenta de que el problema con la fotografía era que la cámara registra el mundo desde una sola distancia focal estática y una perspectiva, produciendo una forma poco imaginativa de ver el mundo. La fotografía de David Hockney quería desafiar lo que él llama «la tiranía de la perspectiva del punto de fuga».
La fotografía de David Hockney se basa en su interés en las diferencias entre la visión de la cámara y la visión humana. Para desafiar la visión monocular de la cámara, Hockney exploró formas de ver esa perspectiva de un solo punto destrozada.
Quería representar el mundo desde todas sus perspectivas. Lo haría mostrando figuras enteras que se sienten bastante cercanas colocando la cámara a diferentes alturas. Amplió el medio, utilizando las fotografías para crear un collage y abrazando la cuadrícula, que funciona como marcos o ventanas.
El BMW 850CSi de David Hockney de 1995 en una exposición en Londres de la BMW Art Car Collection 1975 – 2010, en Hackney, Londres, en 2012; Edvvc desde Londres, Reino Unido, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
En la década de 1980, el pintor David Hockney comenzó a usar la fotografía para dramatizar el sentido del espacio. El Gran Cañón es uno de los paisajes más grandes del mundo. De pie en el borde del Gran Cañón, uno debe mirar a pesar de que no hay un solo punto focal. Como tal, no es fotografiable y presenta un desafío técnico interesante. A Closer Grand Canyon (1998) de Hockney es una interpretación del espacio y su borde en el Gran Cañón. Su serie de polaroids llamadas joiners fueron fotografiadas en trozos para formar un todo más rico.
Esto dio lugar a su famoso fotomontaje, Pearblossom Highway 11 – 18th April (Second Version) (1986). Había sido comisionado por Vanity Fair y mientras conducía en el suroeste, encontró un sujeto en la autopista Pearblossom. Pearblossom Highway es un collage diseñado para imitar la experiencia subjetiva y cubista del espacio.
Uno de los elementos clave en la realización de esta pieza fue una escalera que permitió a Hockney fotografiar los diferentes elementos desde diferentes puntos de vista. Las letras en el camino fueron disparadas desde una escalera mirando hacia abajo. La señal de alto fue disparada desde una escalera pero desde el nivel de los ojos. Su proceso implicó moverse por todas partes para lograr varios puntos de vista y puntos de fuga.
La contribución de Hockney a los problemas de la fotografía y los problemas ancestrales de transformar una experiencia vivida en una superficie bidimensional ha sido aplaudida. A pesar de que fueron hechas con equipos y técnicas fotográficas, las fotografías de Hockney pertenecían más al mundo de la pintura.
iPad
David Hockney siempre ha adoptado las nuevas tecnologías, incluyendo fotografía, collage, fotocopias, faxes y, finalmente, software de imágenes como Paintbox y Photoshop. La obra de arte de David Hockney cambia entre cualquier estilo o medio disponible que permita la expresión autográfica. Es consciente de las implicaciones de los nuevos medios y piensa que tienen un potencial revolucionario.
En 2009, comenzó a trabajar en su iPhone y más tarde con un lápiz óptico en su iPad. El dispositivo aumentó su salida de dibujo.
Siempre ha dibujado, pero como siempre tiene su iPad a mano, puede completar obras de arte más rápido que con cualquier otro medio. Utilizando este nuevo medio, Hockney ha producido numerosos paisajes y retratos, incluyendo Untitled no. 2 (2010).
Se dio cuenta de que en el iPad, podía establecer colores más rápido y fue seducido por el efecto especial de la pantalla luminosa del dispositivo. Hockney ha encontrado esta característica útil para lograr sujetos luminosos y rangos sutiles de color. El iPad le ofrece herramientas que serían imposibles si se hubiera limitado al lápiz y al papel.
Trabajo maduro
La naturaleza se ha convertido en un motivo cada vez más dominante de la obra de arte de David Hockney. Obligado por la belleza de su entorno, Hockney siempre ha hecho paisajes. Sus obras completamente angloamericanas son la mezcla perfecta de color extravagante y moderación medida. En 1997, Hockney pasó seis meses en Yorkshire para estar cerca de su viejo amigo Jonathan, que tenía una enfermedad terminal. Jonathan sugirió que Hockney pasara su tiempo pintando su Yorkshire natal y Hockney obligado.
Sus vívidos paisajes de Yorkshire sombrío, como «Yorkshire Fields, North Yorkshire» (1997), fueron posibles gracias a su paleta de colores americanizada.
Cuando Hockney comenzó las pinturas de Yorkshire, su escala estaba destinada a imitar la del paisaje. Porque el origenel estudio que tenía era muy pequeño, las pinturas se hacían afuera. Cada pintura consistía en seis grandes lienzos que se ensamblarían para hacer un todo. Esta fue una decisión logística ya que estos lienzos rotos eran más fáciles de transportar. Incluso ideó un método para pintar superficies muy grandes sin el uso de escaleras. Si bien es conocido por estas pinturas a gran escala, también es capaz de trabajar a pequeña escala.
Al comienzo del nuevo milenio, Hockney abrazó la acuarela, volviendo a temas favoritos como retratos, naturalezas muertas, sus perros, interiores y paisajes. El proceso de Hockney revisa temas y técnicas nostálgicas y tradicionales.
A menudo pintaba en Plein aire. Representando un montón de árboles cerca de un cuerpo de agua, Bigger Trees (2007) es una de las imágenes más populares de este período. Consta de diez paneles y mide cuatro metros y medio por doce, Bigger Trees es la pintura al aire libre más grande de Hockney.
La Campiña Inglesa
La obra de arte de David Hockney es apolítica, pero nadie puede negar que Hockney ama a Inglaterra. Siempre ha regresado a Yorkshire, donde vivía su madre, y pasó muchas Navidades en East Yorkshire, Bridlington, incluso mientras vivía en el extranjero. Por lo tanto, su eventual regreso a Inglaterra parecía un movimiento lógico que hablaba de lo que le importaba a él y a su práctica en ese momento. En 2008, Hockney se mudó a su estudio de Bridlington. Este fue su estudio más grande y le permitió trabajar a gran escala.
Hockney ha conocido el paisaje de Yorkshire toda su vida, por lo que, a partir de 2010, comenzó a experimentar con nuevas formas de representarlo.
Trabajando con películas, su equipo en Bridlington produjo paisajes de fotografía digital utilizando nuevas cámaras avanzadas. The Jugglers (2012), que podría llamarse un video cubista, representa un gran espacio en el que cada fotograma representa un momento separado. El trabajo de video multicámara es evocador de las pinturas multipanel, lo que permite a Hockney hacer que la imagen fotográfica funcione más como la realidad.
Para experimentar más con la representación de la inmensidad del espacio y la altura de los árboles, Hockney regresó al lienzo. Debido a que estaba interesado en capturar la naturaleza en diferentes épocas del año, las pinturas de David Hockney reanudaron el trabajo desde la observación.
Los bosques de Waltagate, donde se hicieron algunas de las obras más emocionantes de este período, muestran un color extraordinario. Podía completar un panel en uno o dos días y producía alrededor de nueve pinturas a escala real al año. Aprovechó los efectos naturales como la niebla. Trabajó rápido y cuando la niebla desapareció, descubrió cómo guardarla en la memoria. A través de la pintura al óleo, superpuso el tiempo, iluminándolo para el espectador. El tiempo que Hockney pasó en estos bosques también fue una revelación de la compleja calidad del paisaje.
Normandía
Después de vivir en Londres, Los Ángeles, París y Bridlington, el artista fue tomado por la Normandía francesa. Aquí es donde vive y trabaja actualmente. Un galerista, amigo y ahora vecino había sugerido este pintoresco lugar y Hockney se calentó con la tranquilidad de Normandía.
Desde 2019, el pintor se ha dedicado a representar el paisaje del norte de Francia, junto con sus texturas, colores y transiciones naturales.
La obra que creó durante el período se exhibió en el Museo Erengere de París. Parte de ella se inspiró en La de Claude Monet Nenúfares (1840-1926), que se encuentran en el Musée de Lengereie de París, el mismo edificio que ahora exhibe su Friso (2020-2021), que mide 90 metros de largo y un metro de alto.
Al igual que Monet antes que él, el paso de las estaciones parece ser lo que actualmente pre-ocupa a Hockney. El artista ha pasado gran parte de la pandemia de COVID-19 en Normandía.
Todavía se despierta temprano en la mañana y ha mantenido su ética de trabajo. En la década de 1960, Hockney podría haber tardado meses en completar una pintura. Después de toda una vida de experiencia, su proceso se ha vuelto más rápido y refinado, y se ha vuelto más productivo que nunca.
Una leyenda viviente
La biografía de David Hockney cuenta con una brillante carrera. Durante más de siete décadas, el mundo del arte lo ha mantenido en su cálido abrazo. Fue mundialmente conocido desde que era estudiante y pasó a tener exposiciones en los principales museos de todo el mundo, que eran eventos mediáticos de gran éxito con pinturas entre las más caras de cualquier artista vivo.
Las personas que conocen a Hockney lo encuentran encantador, elocuente y siempre dispuesto a discutir su trabajo con su adorado público.
Sus obras están siendo canonizadas en grandes retrospectivas, como la del Museo del Condado de Los Ángeles en 1988. Este fue su primer y estudiado 20 años de trabajo, incluyendo 250 piezas en diversas formas.
En 2017, recibió una gran retrospectiva que viajó desde la Tate de Londres hasta el Centro Pompidou de París, y finalmente al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. La gran retrospectiva abarcó seis décadas, comenzando con las obras de los estudiantes de Hockney hasta las piscinas de California, los paisajes de Yorkshire y sus últimos dibujos para iPad.
En 2018, una de las pinturas más famosas de Hockney, «Retrato de un artista (piscina con dos figuras)» (1972), salió a subasta en Christie’s en Nueva York. Se convirtió en la obra de arte más cara de un artista vivo, usurpando momentáneamente a Jeff Koons. La pintura fue comprada por unos vertiginosos 90 millones de dólares.
El corazón, la mano y el ojo
El pintor David Hockney tiene una obra que toca una fibra sensible porque teje su personalidad en la vida de una pintura. La biografía de David Hockney puede estar enraizada en la tristeza mundana de la Gran Bretaña de la posguerra, pero está coloreada por su vida sexy y tropical en Los Ángeles. Ya fuera el campo de Yorkshire o las flores de Normandía, Hockney nunca se fijó a un movimiento, estilo o lugar. De hecho, su trabajo ha escapado desafiantemente a la categorización dentro de los movimientos y tendencias artísticas en curso, que es lo que los hace brillar.
Hockney a menudo usa un dicho chino: «En la pintura, necesitas tres cosas: la mano, el corazón y el ojo». A sus 74 años, los tres parecen estar en perfecto estado de funcionamiento. Hockney es más claro sobre el tipo de trabajo que todavía quiere producir y se ha vuelto cada vez más prolífico. Continúa evolucionando y respondiendo a su entorno inmediato, manteniéndose alerta. Este es un hombre al que le encanta dibujar y no está interesado en reducir la velocidad.
Preguntas Frecuentes
¿David Hockney hace bodegones?
Además de temas favoritos como sus amigos y perros, la obra de arte de David Hockney incluye naturalezas muertas y objetos cotidianos como ceniceros, gafas y gafas. En un momento, estaba particularmente interesado en el objeto muy cercano.
¿Por qué la pintura de David Hockney se llama un chapoteo más grande?
A Bigger Splash (1967) se llama así porque es la primera de una serie de tres pinturas. A Little Splash (1966), Splash (1966) y A Bigger Splash (1967). Los títulos se utilizan para describir el tamaño de la pintura en lugar de la salpicadura real.
¿Qué pasa con David Hockney y fumar?
David Hockney es famoso por defender públicamente su derecho a fumar y criticar lo que él llama la policía de salud.
