El arte formalista surgió inicialmente como una respuesta al movimiento postimpresionista a finales de 1800. Fue visto como un enfoque crítico de la forma en que el arte estaba siendo visto y producido, a medida que diferentes valores con respecto a la calidad estética comenzaron a desarrollarse. Este cambio en el desciframiento de lo que representaba el arte se atribuyó a un cambio en el pensamiento, ya que los artistas que practicaban dentro de este movimiento intentaron responder a la pregunta básica de qué era el arte. Por lo tanto, la teoría formalista se centró en analizar y comparar diversas formas y estilos de arte.
¿Qué es el formalismo?
De principio a fin historia del arte, las obras de arte han sido tradicionalmente analizadas por su forma y los elementos estructurales que han sido discernibles a simple vista. En ciertos momentos, se ha atribuido un significado adicional a las obras de arte en función de sus temas e intención general, así como de su valor de precio. A medida que el concepto de lo que representaba el arte se desarrolló y surgieron diferentes movimientos, las pinturas y esculturas comenzaron a evaluarse en función de las características distintivas que informaban cada movimiento en comparación con los métodos convencionales.
Cuando surgió el formalismo a finales del 19ésimo Siglo, el movimiento reiteró la importancia de basar una comprensión del arte a través de sus elementos convencionales solamente, que incluían la forma y el estilo. El formalismo en el arte se centró en una variedad de elementos que se consideraban importantes cuando se trataba de apreciar una obra de arte, como el color, la línea, la forma y la textura.
Esto llevó a que el contexto de las obras de arte se viera disminuido y se viera como una característica secundaria, ya que se enfatizaron los elementos físicos utilizados para construir la obra de arte.
El camino para comprender verdaderamente el concepto de arte formalista es a la vez filosófico y extremadamente revolucionario. Las teorías de Aristóteles, Platón e Immanuel Kant han trabajado para informar las nociones abstractas detrás del formalismo, mientras que las experimentaciones dentro de la vanguardia han abierto el camino para el desarrollo del arte socialmente atractivo y conceptual.
La combinación de estos ideales ha fomentado fundamentalmente la formación del tipo de arte que intenta responder a la pregunta más básica: ¿qué es el arte?
A medida que el mundo del arte ha seguido floreciendo, encontrar una respuesta a esta pregunta ha sido un desafío. A través de la presencia de cada nuevo movimiento artístico, se ha intentado crear una forma universal de determinar la calidad de una obra de arte. El enfoque del formalismo para descifrar obras de arte ayudó a introducir los conceptos de ciencia y crítica en el mundo del arte, que se centró únicamente en el nivel de habilidad presente en una obra. Si bien existen muchas otras críticas hoy en día, los conceptos introducidos por el arte del formalismo todavía están en uso hoy en día.
Formalismo en el arte
A finales de 1800, el formalismo surgió como un enfoque crítico en respuesta al movimiento postimpresionista que dominaba la cultura artística. Este cambio fue informado principalmente por la filosofía y las declaraciones de los artistas de la época, que comenzaron a ver el arte como un mero lienzo cubierto de colores y dispuesto en patrones específicos. Esta idea ayudó a construir la base inicial de lo que representaba el arte del formalismo, a pesar de ser considerado un concepto bastante estrecho de miras para empezar.
El enfoque principal del formalismo era la calidad visual y estética de una obra de arte.
Esto fue determinado por los aspectos básicos de la creación artística y a través de la evaluación de los aspectos visuales y materiales de la obra. En la pintura, así como en otros medios artísticos, el formalismo se refería a la comprensión de elementos básicos como el color, la forma, la línea y la textura. Estos aspectos perceptivos se consideraron más importantes que el contenido, el significado o el contexto reales de la obra, ya que su valor radicaba en las relaciones entre los diferentes elementos compositivos.
El formalismo esencialmente propuso la idea de que todo lo necesario para comprender una obra de arte estaba presente dentro de la obra de arte real. Aunque la teoría formalista indicaba principalmente una forma de interpretar el arte en lugar de hacer arte, artistas influyentes como Jackson Pollock y Pablo Cézanne se asociaron con el enfoque, que demostró su gran influencia.
A medida que la escuela de pensamiento que era el formalismo comenzó a ganar tracción, fue visto como un movimiento artístico y una faceta de la crítica y apreciación del arte.
El auge del formalismo fue visto como inseparable del auge de la pintura abstracta durante el 19ésimo siglo, ya que ambos movimientos se entrelazaron debido a sus ideas similares. El formalismo y la abstracción se centraron en la importancia de los elementos compositivos como la forma, la textura y la relación de color, que se destacaron en el reconocimiento del arte por parte del espectador. La aparición posterior del cubismo a principios de los años 20ésimo El siglo ayudó al formalismo a alcanzar niveles de fama aún más altos de lo que ya tenía.
L ‘Art Pour L’ Art (Arte por el Arte)
La formación inicial del arte formalista fue aconsejada por la filosofía de l’art pour l’art, que se tradujo como «arte por el arte». Si bien esta frase fue utilizada por primera vez por el filósofo francés Victor Cousin a principios de 1800, la novela de 1835 del novelista francés Théopile Gautier capturó la primera declaración de la idea de que el arte era valioso como arte.
A mediados del siglo 19, varios artistas literarios y visuales fueron influenciados por la idea de que el arte existía sólo por su propio bien e intentaron perseguir esta noción en sus obras.
Como la teoría formalista veía el valor del arte a través de aspectos específicos, esta doctrina de los principios artísticos en ese momento creía que las obras de arte no deberían servir a ningún propósito social o moral. El arte que se adhiere a este ideal no necesitaba otro propósito que su belleza inherente, ya que se pensaba que el valor de una obra de arte se encontraba principalmente en sus elementos estructurales.
Como esta idea estaba estrechamente relacionada con la visión formalista del arte, todos los elementos vistos fuera de los aspectos primarios fueron vistos como que no tenían un propósito integral para el significado de la obra.
Visto como posiblemente una de las líneas más conocidas en toda la historia del arte, «arte por el arte» realmente personificó la forma formalista de pensar dentro del arte. Como todas las obras de arte hacen uso de los mismos elementos básicos, la teoría formalista enfatizó la creación de una base para comprender el arte en general, sin importar su estilo o contexto. Esta teoría de la comprensión permitió que el arte fuera visto como un dominio independiente de la creación humana, lo que quitó la presión de los artistas para encontrar una explicación a sus obras basada en cualquier estándar establecido.
El Grupo Bloomsbury
Clive Bell y Roger Fry, que eran miembros del innovador grupo Bloomsbury, establecieron y expandieron el concepto de formalismo a principios de los años 20.ésimo siglo. Como artista, Fry fue más notable por su participación en el desarrollo de la teoría formalista. Una de sus obras pioneras, Art (1914), demostró la teoría de la «forma significativa», ya que Fry continuó preguntando qué cualidades comunes compartían todo tipo de obras de arte que provocaban las emociones estéticas.
Al considerar los ideales del formalismo, el grupo de Bloomsbury declaró que los únicos elementos en una obra de arte que era capaz de agitar nuestras emociones estaban relacionados con la forma. Se pensaba que los artistas, sin importar el movimiento del que provenían, producían una obra de arte que se relacionaba con el concepto de formalismo en un momento u otro, ya que su uso creativo de líneas y colores ayudó a construir la teoría formalista.
La defensa del formalismo de Clement Greenberg
A mediados del 20ésimo El icónico crítico estadounidense Clement Greenberg definió el enfoque artístico del formalismo a través de sus niveles inigualables de detalle y rigor. Esto lo llevó a ser visto como uno de los partidarios más conocidos del formalismo en la era moderna, y el término generalmente se asocia con él a medida que pasaba el tiempo. Además, los artistas que Greenberg elogió, como el Expresionistas abstractos, también se asociaron con los conceptos de formalismo debido a los elementos vistos en las obras de arte que produjeron.
Según Greenberg, el formalismo abarcaba todo lo que era intelectualmente refinado y progresista dentro del arte, a diferencia de lo que se veía como ostentoso, insípido o vulgar.
Greenberg creía que el propósito de arte de vanguardia, los gustos de los que se produjeron durante el movimiento formalista, fue proporcionar análisis secretos de los límites formales de la propia expresión artística. Se decía que esta forma discreta de autorreflexividad solo era posible a través de los atrevidos elementos compositivos popularizados por el formalismo en el arte.
Al describir el formalismo en su ensayo de 1960, «Modernist Painting», Greenberg abogó por el desapego del contexto y el tema de la forma de arte, ya que creía que las obras de arte abstractas ejemplificaban las expresiones más verdaderas del arte.
Su opinión sobre el formalismo se mantuvo resuelta durante algún tiempo, y su influencia solo comenzó a desvanecerse a principios de la década de 1970. Esto fue liderado por sus seguidores que comenzaron a rebelarse contra los conceptos del formalismo, lo que llevó a que las teorías de Greenberg fueran criticadas por ser demasiado dogmáticas en el mundo moderno del arte.
Una definición apropiada de formalismo
El formalismo existía como un concepto artístico que intentaba descubrir lo que el arte como idea representaba esencialmente. El formalismo en el arte buscaba entender cómo se podía determinar una obra de arte ordinaria a partir de una obra maestra, lo que llevó a que se pusiera un gran enfoque en los elementos primarios dentro de la creación artística. Por lo tanto, el término «formalismo» se ha utilizado para describir una técnica de crítica de arte para examinar obras de arte, siendo este método visto como uno de los métodos más antiguos jamás utilizados para evaluar el arte.
El enfoque que conformó el formalismo ayudó a formar la base de lo que hoy se conoce como crítica de arte y ha sido visto como una de las razones por las que los artistas aspiraban a aprender más y mejorar sus habilidades naturales. Enfatizado aún más por su nombre, el formalismo puso su único enfoque en los elementos compositivos de una obra de arte.
Como no se prestó atención al contenido y contexto de la obra, así como al significado previsto del artista, la definición de formalismo lo calificó como un movimiento que solo valoraba los aspectos formales de una pieza de arte.
Elementos clave y características del formalismo
Basado en la definición del formalismo, el enfoque del movimiento afirmaba que el arte solo podía analizarse verdaderamente después de considerar los elementos de forma y estilo dentro de una obra. A medida que el contenido y el contexto de las obras de arte se convirtieron en características secundarias en términos de su importancia, el arte formal se centró en el nivel de habilidad que mostraba un artista.
Por lo tanto, las características clave del formalismo que demostraron ser esenciales en la evaluación de una obra de arte fueron la veracidad de los materiales utilizados, así como su especificidad y planitud del medio.
Verdad a los materiales
Un principio central del formalismo en el arte era el énfasis que se ponía en la materialidad de una obra de arte. Esto se conocía a través del término «verdad a los materiales», que se convirtió en un concepto fundamental dentro del arte del siglo 20 en general. Se pensaba que los materiales utilizados para crear arte tenían sus propias cualidades individuales, que se destacaban aún más cuando se combinaban. Este concepto de la importancia que se le da al tipo de materiales utilizados se remonta al año 19ésimo siglo, que ayudó a informar el surgimiento del formalismo mismo.
Dentro de las piezas de arte formales, tradicionalmente se usaban materiales que elevaban los elementos de línea, color, forma y forma. Al hacerlo, la característica de «verdad a los materiales» ayudó a centrar la atención en los aspectos que se consideraban de suma importancia dentro de las obras de arte del formalismo. Si bien la verdad que se pagó al tipo de materiales utilizados ayudó en el desarrollo del formalismo, este concepto también dio paso al surgimiento del movimiento minimalista después del expresionismo abstracto.
Especificidad media y planitud
Cuando el crítico de arte Clement Greenberg llegó a la escena, introdujo su reconocido concepto de especificidad media en el arte. También conocido como pureza media, Greenberg amplió una noción del movimiento de un Formali más amplio.Teoría stic, que pasó a detallar en su ensayo de 1960 titulado Modernismo. Mientras desarrollaba la teoría del formalismo, Greenberg defendió los elementos primarios y formales que se ven dentro de las piezas de arte formal, así como el carácter distintivo que se pagaba a los medios utilizados.
Además, Greenberg habló sobre el aspecto de la planitud que se podía ver dentro de las piezas de arte formal, que estaba esencialmente vinculado al concepto de especificidad media.
Veía la planitud como un elemento definitorio en la pintura formalista, ya que se consideraba un medio único y exclusivo para el arte pictórico. La especificidad media y la planitud fueron vistas como conceptos interrelacionados, ya que ambos fueron evitados cualquier intento de sugerir tridimensionalidad o forma escultórica en las obras de arte, que era exactamente a lo que se oponía el formalismo.
Formalismo zombi
El formalismo gobernó la escena del arte moderno hasta la década de 1960, cuando llegó a su apogeo y comenzó a ser desafiado por los ideales del posmodernismo. Sin embargo, en 2014, el formalismo entró de nuevo en el mundo del arte después de que el artista y crítico Walter Robinson inventara el término «formalismo zombie» para describir una nueva tendencia en la pintura abstracta que estaba surgiendo.
En un sentido económico, Zombie Formalism fue posiblemente uno de los movimientos más grandes en la última década, ya que transformó el mercado del arte y lo que significaba ser un artista inexperto.
El nombre del movimiento se presentó por primera vez en la pieza de Robinson de 2014, Flipping and the Rise of Zombie Formalism. Esta obra de arte abordó el comportamiento de moda de los coleccionistas de arte en ese momento, que estaban adquiriendo ciertos tipos de pinturas a precios bajos antes de cambiar estas obras por un precio más alto en las subastas. A partir de 2011, el mercado del arte demostró un apetito voraz por un tipo de pintura que era paralelo al tema del cine de muertos vivientes, que dio lugar al desarrollo del formalismo zombie.
Los tipos de obras de arte favorecidas durante la era del formalismo zombie parecían ser bastante omnipresentes, ya que la mayoría de ellas se veían iguales. El formalismo zombi surgió como una marca de abstracción a través de los tipos de obras de arte que se hicieron famosas. A pesar de que la mayoría de las obras parecían ser indistinguibles entre sí, tendían a vacilar entre parecerse a una apariencia desordenada de un dibujo o un cuidadoso enfoque minimalista de un tipo de Pintura de campo de color.
El método de creación utilizado por los artistas dentro del formalismo zombie se hizo eco de los principios expresionistas abstractos originales que fueron defendidos por Greenberg. Lo que hizo diferente este estilo fue que los artistas no avanzaron en los principios del formalismo, sino que incorporaron teatralidades exageradas e innecesarias en sus obras. Esta creación estancada explicó la adición de «zombie» al nombre, ya que el movimiento fue revivido en la era moderna sin ningún intento de promoverlo, al igual que la inactividad asociada con los zombis.
La plataforma de redes sociales de Instagram ayudó a Zombie Formalism a crecer en popularidad, ya que a menudo llevó a que ciertas pinturas y obras de arte se volvieran virales.
Este elemento de gratificación instantánea hizo que los coleccionistas quisieran comprar la famosa pieza para revenderla y poder seguir siendo relevantes en el mundo del arte también. Dicho esto, el tipo de obras de arte para alcanzar niveles tan vertiginosos de fama a menudo atrajo a aquellos que casi no tenían antecedentes o conocimientos artísticos, ya que estas obras fueron vistas como ofensivas para el estándar del arte por los críticos.
Este aumento en el formalismo zombie fue liderado por el repentino aumento de la disparidad de riqueza en la economía que no se veía desde la Edad Dorada. De repente, individuos nuevos y hambrientos de ganancias cuyo poder estaba esencialmente impulsado por su riqueza intentaron ingresar al mercado del arte y eligieron seguir la tendencia más relevante en ese momento. Estos compradores se conocían como «COINs», que significaba «Coleccionistas solo de nombre», y estaban formados predominantemente por corredores de stoke que ingresaron inesperadamente al mercado del arte.
A través del respaldo financiero de las personas más ricas de la sociedad, Zombie Formalism vio el aumento en el valor de las pinturas alcanzar más del 3000 por ciento por encima de su precio gracias a «Zombie Collectors».
A finales de 2015, la demanda de la estética Zombie se había completado por completo. flaqueó, con la mayoría de las obras de arte cayendo en picado en precio y volviéndose completamente invendibles. Como el surgimiento de este movimiento fue dictado por aquellos que no tenían ni idea de lo que era el arte, parecía apropiado que este grupo marcara el declive del período.
Las piezas de arte de formalismo más famosas y sus artistas
A medida que el movimiento formalista demostró ser un momento notable dentro de la historia del arte, varios artistas experimentaron con sus ideales en sus obras de arte. Esto llevó a que se produjeran algunas obras de arte increíblemente conocidas, por artistas igualmente importantes. A continuación, echaremos un vistazo a algunas de las piezas de arte icónicas del formalismo que provienen del movimiento.
Nocturno en negro y oro: El cohete que cae (1875) de James McNeill Whistler
Pintado por el artista británico James McNeill Whistler en 1875, Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket es ampliamente considerado como una obra de arte significativa de la era del formalismo. Whistler creía que todo el arte debería ser independiente de cualquier aspecto sin sentido y debería ser independiente, para enfatizar verdaderamente los elementos importantes.
Visto como una figura destacada dentro del formalismo, el movimiento estético y el tonalismo, sus obras de arte «nocturno» se convirtieron en ejemplos influyentes de un enfoque formalista.
Nocturno en negro y oro: The Falling Rocket representó un espectáculo nocturno de fuegos artificiales que tenía lugar en los Jardines Cremorne de Londres. Existiendo como la última obra de arte en su serie «nocturno», esta pintura presentó una explosión animada en lugar de una imagen concreta. Al transmitir los efectos de los fuegos artificiales sobre el río, Whistler capturó la gran sensación de emoción y celebración que se podía sentir cuando el cohete estalló en una miríada de colores. A medida que la oscuridad se iluminaba, algunas figuras a lo largo de la orilla se podían ver en primer plano.
Whistler pintado Nocturno en negro y oro: The Falling Rocket en un estilo muy suelto con pinceladas arrolladoras. Los sombríos azules y verdes, que componían la paleta de colores predominante, fueron interrumpidos por pequeñas ráfagas de color brillante. Whistler describió sus colores como algo que se sumaba al estado de ánimo idealista y pensativo de la pintura, ya que no se conocía una narrativa clara.
Como esta obra de arte abrazó los ideales del arte por el arte, fue mal recibida cuando se exhibió por primera vez, ya que se pensó que era una pintura increíblemente imprudente y descuidada.
La bailarina de cuerda se acompaña con sus sombras (1916) de Man Ray
Un artista extremadamente famoso que surgió durante la era del modernismo fue el escultor, pintor y fotógrafo estadounidense. Hombre Ray. Como artista que era bien conocido tanto en América como en Europa, fue considerado como una figura significativa en la representación de la interacción entre los artistas de estos países, especialmente cuando el movimiento formalista entró en América.
Ray declaró que la fuerza creativa y la expresividad de una pintura residían en el material, el color y la textura de una obra, todos los cuales podían unirse en el plano plano del lienzo.
Dentro de The Rope Dancer Accompanies Herself with Her Shadows, se puede ver a una bailarina de cuerda floja de vodevil. Retratado con una pequeña figura gris y blanca, el bailarín se puede ver en la parte superior de la pintura en la parte superior de los grandes planos abstractos de colores brillantes. Se decía que estos colores indicaban las sombras de sus elegantes movimientos, pero pasaron a parecerse a un tipo de collage, ya que se superponían entre sí. Esta pintura surgió a través de varios experimentos iniciales y por casualidad de Ray encontrar los diseños que hicieron sus recortes.
Exhibida hoy en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, The Rope Dancer Accompanies Herself with Her Shadows demostró las representaciones abstractas de los movimientos de la bailarina. Estos pasaron a controlar todo el lienzo, lo que puso el énfasis en los elementos primarios.
Al hacerlo, Ray pudo hacer de sus efectos formales el foco principal dentro de este trabajo, que era lo que representaba el movimiento formalista.
Composición con gran plano rojo, amarillo, negro, gris y azul (1921) de Piet Mondrian
Artista holandés Piet Mondrian fue un miembro importante de la escena artística europea, ya que fue uno de los fundadores del icónico movimiento De Stijl. Era conocido por sus retratos del mundo a través deugh líneas verticales y horizontales, con esta singular visión demostrando su preferencia por la abstracción. La composición con gran plano rojo, amarillo, negro, gris y azul, pintada en 1921, existe como un ejemplo importante del arte del formalismo.
Todo el enfoque de la obra se coloca en las líneas utilizadas para crear las diversas cajas de colores primarios.
Al compensar las múltiples cajas de color contra un fondo de blanco y negro, Mondrian pasó a crear lo que pronto se conoció como su estilo característico. El nivel de abstracción visto dentro de esta obra es notable, ya que Mondrian simplemente creó un lienzo lleno de líneas y colores. Las gruesas líneas horizontales y verticales negras trabajaron para marcar los contornos de las diversas cajas, lo que efectivamente mantuvo los colores separados entre sí.
Esta composición demostró un tipo de arte abstracto que difería mucho del cubismo y el futurismo.
La simplificación de los elementos pictóricos que se pueden ver dentro de Composición con Gran Plano Rojo, Amarillo, Negro, Gris y Azul se convirtieron en aspectos esenciales en otras obras de arte de Mondrian. Greenberg reconoció el trabajo de Mondrian como un ejemplo importante de formalismo, ya que la geometría estricta presente en sus pinturas ayudó a imitar el ritmo variado de la vida moderna. Esta pintura de Mondrian, junto con varias otras suyas, influyó en las generaciones posteriores de artistas y obras de arte formalistas.
Bandera (1954 – 1955) de Jasper Johns
Pintor, escultor y grabador estadounidense Jasper Johns pasó a afectar a casi todos los movimientos artísticos desde la década de 1950 hasta la actualidad. Sus obras de arte juguetonas y misteriosas eran conocidas por la forma en que cuestionaban cómo se veía e interpretaba el mundo. Flag, que fue pintada en tres paneles entre 1954 y 1955, existe como la primera obra de arte importante de Johns que se separó de la Estilo expresionista abstracto de la época. Retratando la bandera estadounidense, su pintura era una representación de un objeto reconocible al instante.
Compuesto por un collage de piezas de periódico, Flag se creó sobre tres paneles de madera contrachapada que se combinaron. El método de creación de esta obra de arte se sumó a su singularidad, ya que los restos de periódico se pintaron con pigmento y cera derretida para permanecer juntos. El estilo de Johns, junto con esta obra de arte específica, a menudo se ha pensado que ha allanado el camino para el surgimiento del Pop Art a través de la reintroducción de temas inmediatamente identificables en el arte moderno.
A pesar de los elementos simples de línea y color que están presentes en este trabajo, Flag presentó un dilema para los críticos formalistas como Greenberg. Mientras que la obra de arte en sí misma mantenía los aspectos del formalismo, Johns hizo prácticamente imposible negar la presencia de un tema obvio. La bandera estadounidense salta al público en el momento en que ven esta obra, ya que este símbolo fue diseñado para destacarse a través de sus términos formalistas.
Aunque Greenberg y otros críticos rechazaron esta obra, los seguidores de Johns no lo hicieron, lo que llevó a su fama.
Soft Spoken (1969) de Josef Albers
Otro pintor y escultor estadounidense muy conocido fue Josef Albers, quien fue fundamental para llevar las nociones del modernismo europeo a los Estados Unidos. Ubicado en el Museo Metropolitano de Arte Moderno de Nueva York se encuentra su obra de arte, Soft Spoken, que pintó en 1969. Comprometiéndose con la abstracción en sus primeras obras, Albers pasó a experimentar con una variedad de yuxtaposiciones de color de una manera científica, lo que creó formas claramente inflexionadas del espacio pictórico.
En Soft Spoken, cuatro cuadrados se representan en azul azulado, verde claro, verde oscuro y púrpura oscuro. Basándose en el orden de los colores anteriores, los cuadrados se han dispuesto en tamaños decrecientes y se han colocado bastante abajo en el lienzo de una manera obviamente asimétrica.
Esta pintura formó parte de la serie Homenaje a la Plaza de Albers, que comenzó en 1949, con Soft Spoken demostrando su continua dedicación a la investigación formal del color a través de la adición de un cuarto cuadrado. Las cuatro variaciones de azul vistas dentro de Soft Spoken implicaban la repetición consistente de la forma de Albers y la delicada yuxtaposición del color, que se adhirió a las nociones de formalismo.
Uno de los aspectos más llamativos de su obra, que existió como una variación experimental del verdadero formalismo, fue la idea de que su experimentación formal con color y la forma podrían tener un valor moral y culturalmente liberal.
Dos caras de la misma moneda (2012) de Lucien Smith
Un artista que salió de la era del formalismo zombie fue Lucien Smith, quien creó Two Sides of the Same Coin en 2012. Esta obra de arte ejemplificó la tendencia del formalismo contemporáneo que se conoció como el período Zombie, ya que era una obra de arte cuyo valor se catapultaba en precio entre coleccionistas de arte y postores. Parecido a la lluvia o la niebla desde la distancia, Smith pintó con aerosol pintura negra sobre un lienzo en blanco para crear este trabajo. De cerca, los puntos parecen estar salpicados y se ven como explosiones pequeñas e individuales en el lienzo.
Como se pensaba que el proceso de pintura de Two Sides of the Same Coin era increíblemente moderno, se enfatizó como una obra verdaderamente abstracta cuando Smith la exhibió. Formando parte de su serie Rain Paintings (2011), esta obra de arte se realizó mediante el uso de extintores de incendios para rociar la pintura.
Smith dijo que su proceso de creación se inspiró en gran medida en los diversos artistas de graffiti en Nueva York que también hicieron uso de viejos extintores de incendios, que rociaban agua en lugar de polvo, para hacer composiciones.
Smith creó Two Sides of the Same Coin, junto con la serie, mientras estudiaba arte en la Cooper Union School of Art. Después de graduarse, sus obras se convirtieron en ejemplos prominentes en el nuevo tipo de inversión artística que había aparecido en escena, que era el formalismo zombie. Las obras de arte experimentales de Smith paralizaron al público, pero desafortunadamente, la intriga duró poco. Después de dos años de producir obras en línea con Zombie Formalism, los precios de subasta de sus obras se desplomaron tan rápido como aumentaron.
Formalismo en otras artes
Como fue un movimiento tan influyente, es comprensible que el formalismo no se limitara solo a evaluar las obras de arte. Los aspectos del formalismo podrían aplicarse fácilmente a diferentes formas de arte, lo que llevó a los creativos a expresar estas nociones en una variedad de géneros artísticos. Los conceptos de formalismo también se utilizaron con bastante libertad tanto en la literatura como en la fotografía, que se vieron como formas adicionales de arte.
Formalismo literario
En la literatura, los aspectos del formalismo surgieron a principios de los años 20.ésimo siglo, casi al mismo tiempo que el formalismo ruso. En 1914, se estableció en San Petersburgo la Sociedad OPOJAZ para el Estudio del Lenguaje Poético, que enfatizó un enfoque más analítico y convencional de la poesía y los dispositivos literarios.
Por lo tanto, la visión formalista en la literatura era de naturaleza más científica y lógica, ya que el enfoque del trabajo se centró en cómo la escritura podía expresar el lenguaje, así como en cómo los lectores reaccionaban a los diferentes temas de la escritura.
La literatura que se basaba en la teoría formalista demostró ser exitosa sin importar el contexto cultural y, debido a esto, se creía que podía resistir la prueba del tiempo en un mundo en constante cambio. La intención del formalismo literario era centrarse en las características y dispositivos distintivos de la literatura que eran inusuales dentro de la escritura creativa.
Formalismo Fotografía
Se pensó que las fotografías que mostraban un enfoque naturalista dentro de sus composiciones encarnaban los conceptos del formalismo. A medida que se desarrolló la forma de arte de la fotografía, los fotógrafos se convirtieron en un tipo de diseñador visual cada vez que se capturaba un marco específico.
Esto se debió a que los fotógrafos pudieron seleccionar el tema que deseaban que estuviera presente en la escena para que se creara la imagen deseada.
La fotografía del formalismo, que a veces se veía como una forma de periodismo, hacía uso de las fuertes cualidades convencionales del formalismo dentro de las escenas que se capturaban. Al yuxtaponer temas convincentes con los elementos de líneas, colores y texturas, los fotógrafos pudieron producir imágenes cautivadoras que demostraron una fuerte influencia del formalismo.
El declive y el legado del formalismo
En la década de 1960, la influencia del formalismo comenzó a disminuir. Otros movimientos que demostraron ser perjudiciales para los métodos del formalismo surgieron como fuerzas dominantes, como el Pop Art, el Minimalismo, el Neo-Dada, y Performance. Algunos artistas sintieron que los ideales tan fuertemente respaldados por Greenberg eran limitantes en la era moderna, lo que llevó a la introducción de diversas prácticas y métodos artísticos que rechazaron los conceptos del formalismo por completo.
A pesar de su declive, es importante recordar que el formalismo continuó impregnando casi todos los enfoques críticos del Arte Moderno en el año 20.ésimo siglo. Esto ha llevado a un tipo de supervivencia del formalismo en el siglo 21 , ya que el movimiento aprovecha un aspecto tan fundamental de toda interpretación artística que ha comenzado a ser visto como notable nuevamente. El reconocimiento de las cualidades formales, como la forma en que las líneas y el color trabajan juntos, así como las diferentes texturas y patrones de una superficie, han demostrado ser importantes para comprender el arte nuevamente.
Hoy en día, la mayoría de los historiadores y críticos del arte hacen uso de análisis formales cuando intentan examinar y comprender las obras de arte, con este tipo de pensamiento originado en la era del formalismo. Sin embargo, la conciencia de la cultura, la historia y el contexto que enmarca las obras de arte hoy en día hacen que los análisis sean claramente diferentes de los realizados en la era tradicional del formalismo. Esto ha llevado al desarrollo de un tipo más estricto de formalismo, que ha comenzado a despertar el interés en los diferentes períodos de arte del arte del siglo 21.
El formalismo demostró ser un movimiento increíblemente poderoso y significativo dentro de la historia del arte. Al poner énfasis en los elementos formales y tradicionales que componían el arte, este estilo volvió a centrar a los críticos y espectadores en los aspectos primarios que habían sido momentáneamente olvidados cuando se trataba de examinar y comprender el arte. Muchos más artistas contribuyeron a este movimiento y si has disfrutado leyendo sobre el desarrollo de la época y sus obras de arte icónicas, te animamos a explorar más a fondo.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el formalismo?
Considerado como una forma crítica de arte, el formalismo describía el movimiento que analizaba las obras de arte de acuerdo con su forma y elementos estructurales que eran fácilmente reconocibles. El formalismo consideraba que el tema, el contexto y el significado previsto eran de importancia secundaria dentro de una obra de arte, ya que los elementos formales que construían físicamente la pieza eran el punto focal.
¿Qué es el formalismo zombie?
Alcanzando un pico en 2014, Zombie Formalism describe el resurgimiento del movimiento Formalism en arte moderno. A medida que se desarrollaba un nuevo tipo de pintura abstracta, el término «formalismo zombie» parecía apropiado, ya que las obras de arte se basaban en todos los conceptos del formalismo del 19.ésimo siglo. Lo que hizo que esta reaparición del arte del formalismo fuera tan diferente de la versión original, fue que no se hizo ningún esfuerzo para mejorar o desarrollar aún más los aspectos iniciales. En cambio, los artistas simplemente incluyeron teatralidades ridículas para captar la atención.
