La increíble obra de Alberto Giacometti rastrea las pasiones en evolución del arte en Europa, tanto antes como después de la Segunda Guerra Mundial. Las esculturas de Alberto Giacometti en la década de 1930 exhibieron formas escultóricas surrealistas y creativas, a veces sugestivas de juegos y juguetes. Después de la guerra, como existencialista, las pinturas de Giacometti allanaron el camino para una forma que encapsulaba las preocupaciones de la filosofía en observación, aislamiento y temor. Aunque pinta y dibuja, el artista nacido en Suiza es más conocido por sus esculturas, como Walking Man de Giacometti, una de sus estatuas más caras.
Biografía de Alberto Giacometti
| Nacionalidad | Suizo |
| Fecha de nacimiento | 10 de octubre de 1901 |
| Fecha de fallecimiento | 11 de enero de 1966 |
| Lugar de nacimiento | Stampa, Suiza |
Giacometti es más conocido por sus obras figurativas, que contribuyeron a popularizar el tema de la figura humana torturada como una representación de la angustia de la posguerra. El trabajo de Giacometti de la década de 1930 a menudo se considera como el contribuyente más significativo a la escultura surrealista. Creó una gama de objetos escultóricos para investigar temas psicoanalíticos freudianos como la sexualidad, el deseo y el trauma.
Algunos se inspiraron en obras de arte primitivas, pero aquellos que imitan juguetes, juegos y modelos arquitectónicos fueron posiblemente los más notables. Casi quieren que el observador se involucre físicamente con ellos, lo cual era un concepto novedoso en ese momento.
Infancia y formación infantil
Alberto Giacometti nació en el pueblo alpino de Borgonovo, en el este de Suiza, en 1901. Era el mayor de cuatro hermanos nacidos del artista postimpresionista Giovanni Giacometti y su esposa Annetta Giacometti-Stampa, cuya familia eran ricos terratenientes de la región. Además de su padre, numerosos parientes de la familia más amplia de Giacometti eran pintores, en particular el artista simbolista Augusto Giacometti y el fauvista Cuno Amiet, padrino de Alberto.
Cuando Giacometti tenía solo 11 años, comenzó a enviar bocetos de lápiz y crayón a su padrino Amiet, la mayoría de los cuales conserva y aún se conservan hoy en día.
En los años posteriores, ha experimentado con aceites y bodegones, utilizando con frecuencia a sus parientes como modelos. A la edad de 12 años, completó su primera obra de arte. Giacometti estudió en la Escuela Evangélica de Schiers en 1915, donde procedió a pintar en un pequeño taller privado.
Un grabado de Alberto Giacometti de Jan Hladík; Jan Hladík, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Después, asistió a la École des Arts Industriels de Ginebra, donde se dedicó a la pintura, el boceto y la escultura con el escultor Maurice Sarkissoff y el artista puntillista David Estoppey. Giacometti voló a Italia con su padre en mayo de 1920, cuando vio las pinturas de Giotto en Padua, las obras de arte de Jacopo Tintoretto en la Bienal de Venecia y el arte del antiguo Egipto en el Museo Arqueológico de Florencia. Poco después, se trasladó a París, donde participó en varios programas de pintura y se interesó por el cubismo y la artes primitivas.
«La mujer cuchara» (1927), su primera pieza escultórica de bronce significativa, se mostró en el Salón de las Tullerías en 1926.
Período de madurez
Giacometti fue cálidamente aceptado en los círculos surrealistas durante la década de 1930, y se acercó a individuos como Joan Miró, Man Ray y Max Ernst, así como los fundadores del movimiento, Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, también publicó material en Documents, un mensual publicado por el escritor Georges Bataille, quien en ese momento estaba promoviendo una versión alternativa del surrealismo a la de Breton.
Los críticos de hoy sienten que las teorías de Bataille influyeron en algunas de las esculturas de Giacometti, incluyendo «Suspended Ball» (1931).
Alberto Giacometti (izquierda) con Erhard Wehrmann (derecha) en la 31ª Bienal de Venecia, 1962; Kunststiftung Poll, CC BY-SA 3.0 DE, vía Wikimedia Commons
Giacometti y Diego, su hermano, escaparon de París en bicicleta en junio de 1940, evitando por poco una confrontación con el avance de la Wehrmacht alemana (observaron la devastación de la ciudad desde lejos al día siguiente). Durante este tiempo, Giacometti permaneció en Francia y formó contactos con Simone de Beauvoir y Jean-Paul Sartre, intelectuales que más tarde inspirarían sus obras figurativas.
Tras la emancipación de París y su año sabático de tres años en Ginebra, Giacometti reaparece.d en la ciudad francesa en 1946. Annette Arm, su antigua amante, se reunió con él ese mismo año, y los dos se casaron en 1949. Arm posó para él varias veces, incluso en la pintura al óleo Annette with Chariot (1950).
Giacometti desarrolló su forma madura de figuras extendidas mientras residía en París a lo largo de estos años, supuestamente después de pasar tiempo dibujando a los transeúntes en las calles de la ciudad.
Período tardío y muerte
A medida que la técnica de Giacometti maduró durante las décadas de 1950 y 1960, sus figuras de bronce se hicieron más grandes e intrincadas, desde Woman of Venice II (1956), que medía aproximadamente cuatro pies de altura, hasta Tall Woman II (1960), que tenía más de nueve pies de altura. También se centró más en el retrato, tanto en la pintura como en la escultura. Diego y Annette estaban entre sus modelos frecuentes, al igual que Isaku Yanaihara, un profesor y autor japonés a quien conoció en 1955.
Giacometti era mundialmente conocido en la década de 1960, pero su salud se deterioró.
Composición (Hombre y Mujer) (1927) de Alberto Giacometti, ubicada en la Tate Modern del Reino Unido; Wmpearl, CC0, vía Wikimedia Commons
Sufría de problemas cardíacos y de circulación. Sin embargo, persistió en crear, y en sus últimas semanas, se comprometió con un busto y obras de arte de Elie Lotar, un amigo personal cercano y fotógrafo francés.
Annette Giacometti se había convertido en la única custodio de su propiedad intelectual porque no tenía hijos.
Ella trabajó para compilar un inventario completo de las obras legítimas de su difunto esposo, así como para recopilar datos sobre la ubicación y la fabricación de sus obras y luchar contra el creciente número de creaciones falsificadas. Cuando murió en 1993, el gobierno francés estableció la Fundación Giacometti. Roland Dumas fue condenado en mayo de 2007 por vender ilegalmente las pinturas de Giacometti a un destacado subastador.
Análisis artístico
Ambos períodos cruciales en la carrera de Giacometti produjeron avances que impactaron a un amplio espectro de artistas. La calidad surrealista de las esculturas de Giacometti de la década de 1930, por ejemplo, impactó Henry Moore, creando el surrealismo que sería un elemento tan esencial de la obra de Moore a lo largo de su vida. Los propios intentos inventivos de Moore en la década de 1930 serían difíciles de imaginar sin el modelo de Giacometti.
Y, en un momento en que el arte abstracto gobernaba, el trabajo representacional de Giacometti fue fundamental para restablecer la forma como un tema viable en el período de posguerra.
Alberto Giacometti en su estudio de Montparnasse en París, fotografiado por su esposa, Annette Giacometti; FAAG Paris, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Legado y logros
Sus esbeltas figuras de bronce, que parecen perforadas y frágiles, aplastadas en el espacio, son representaciones visuales de las ideas existencialistas, marcadores del estado destrozado de la humanidad moderna. Giacometti evitó el surrealismo y la abstracción a fines de la década de 1930, centrándose cada vez más en cómo expresar la forma humana en una ilusión convincente del espacio real.
Deseaba mostrar figuras de tal manera que se pudiera capturar una sensación real de distancia espacial, para que nosotros, como espectadores, pudiéramos participar en la propia sensación de distancia del artista de su sujeto, o del encuentro que inspiró la pieza.
Le Chien (Der Hund) (1951) de Alberto Giacometti; Ioana Jimborean, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Se le ocurrió un método que incluía reducir las cifras a las proporciones más pequeñas posibles. Muchos autores involucrados en el existencialismo estaban intrigados por el éxito de Giacometti en la posguerra, estableciendo un vocabulario a través del cual describir la figura en el espacio real. Ambas ideologías tienen conceptos sobre la autoconciencia y cómo interactuamos con otras personas, y se consideró que el trabajo de Giacometti retrataba efectivamente el tono de melancolía, aislamiento y soledad que implicaban estas creencias.
A pesar de que la forma de arte barrió el mundo del arte tanto en Europa como en los Estados Unidos en la década de 1950, la escultura figurativa de Giacometti se convirtió en un paradigma profundamente importante de cómo la forma humana puede regresar al arte.
Sus figuras representaban a personas que estaban solas en el mundo, inclinadas hacia adentro e incapaces de relacionarse con sus compañeros a pesar de un fuerte deseo de hacerlo.
Análisis de estilo de arte
Según el Museo Metropolitano de Arte, el método escultórico de Giacometti fue: «Three Men Walking (II), 1949, tipifica su estilo con su estilo áspero, desgastado, intensivoSuperficies forjadas. Estas figuras, despojadas de sus elementos esenciales, recuerdan a los árboles solitarios en invierno sin hojas. Giacometti rara vez se desviaba de los tres temas que le interesaban: el hombre que paseaba, la dama desnuda de pie y el busto, o los tres, mezclados en varias agrupaciones, dentro de este estilo».
«Las figuras nunca fueron un bulto denso, sino como una arquitectura translúcida», declaró Giacometti en una carta a Pierre Matisse.
Buste de Diego (Büste Diego) (c. 1964/1965) by Alberto Giacometti; Ioana Jimborean, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Alberto Giacometti escribe en la carta sobre lo nostálgico que era por el realismo y los bustos clásicos de su infancia, y describe la narrativa del dilema existencial que lo llevó al estilo por el que se hizo conocido. «Reavivé mi deseo de crear composiciones basadas en figuras. Para esto, necesitaba hacer (rápidamente, razoné; de pasada) uno o dos dibujos de la naturaleza, solo lo suficiente para captar el diseño de una cabeza, de una figura completa, y tomé un modelo en 1935. Esta investigación debería tomar dos semanas, razoné, y luego podría terminar mis composiciones.
Desde 1935 hasta 1940, pasé todos los días con la modelo. Nada salió según lo planeado. Para mí, una cabeza se convirtió en una entidad totalmente desconocida y adimensional». Las dificultades de Alberto Giacometti para volver a acercarse a la forma como adulto a menudo se ven como una indicación de la batalla existencial por el significado, en lugar de una deficiencia técnica porque alcanzó un realismo exquisito con facilidad mientras creaba bustos en su adolescencia temprana.
Aunque Giacometti fue una figura crucial en el movimiento surrealista, su obra desafía la clasificación.
Alberto Giacometti en la 31ª Bienal de Venecia en 1962, fotografiado por Paolo Monti; Paolo Monti, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Varios lo llaman formalista, mientras que otros dicen que es expresionista o que tiene algo que ver con los «bloques de sentimientos» de Deleuze. Incluso después de su expulsión del grupo surrealista, sus esculturas fueron un reflejo de su reacción emocional al tema, a pesar de que el objetivo era típicamente mimetismo. Trató de hacer representaciones de sus modelos tal como los veía y como él creía que debían ser vistos.
Una vez declaró que estaba esculpiendo «la sombra que se proyecta», en lugar de la forma humana.
Las formas atenuadas de las figuras de Giacometti, según el erudito William Barrett, representan la perspectiva del existencialismo del siglo 20 de que la existencia moderna se está volviendo cada vez más hueca y carente de significado. «Todas las esculturas de hoy, como las del pasado, se harán añicos en algún momento. Como resultado, es fundamental elaborar meticulosamente el trabajo de uno hasta el más mínimo detalle e infundir vida en cada átomo de sustancia».
Ejemplos famosos de pinturas y esculturas de Giacometti
Alberto Giacometti es más famoso por sus esculturas de bronce de figuras humanas altas y delgadas creadas entre 1945 y 1960, incluido el Walking Man de Giacometti, una de sus estatuas más caras. Las impresiones que recibió de la gente que corría en la enorme metrópoli impactaron el trabajo de Alberto Giacometti. «Una secuencia de momentos de quietud», describió a las personas en movimiento. Las figuras demacradas se entienden con frecuencia como símbolos del terror existencial, la insignificancia y la soledad de la humanidad.
Esta estadística refleja la atmósfera de miedo que prevaleció a lo largo de la década de 1940 y la Guerra Fría. Es deprimente, solitario y difícil de conectar.
Cabeza mirando (1928)
| Fecha de finalización | 1928 |
| Medio | Yeso |
| Dimensiones | 40 cm x 36 cm x 6 cm |
| Ubicación actual | Alberto Giacometti-Stiftung, Zúrich |
Alberto Giacometti tuvo muchos problemas para esculpir de la vida en sus primeros años. Desesperado, comenzó a trabajar de memoria. El resultado de este intento es el busto de yeso temprano Gazing Head, que es posiblemente la primera pieza completamente original del artista.
El busto es a la vez abstracto y figurativo debido al aplanamiento de la cara y la cabeza, así como al uso económico de Giacometti de divots lisos para definir.
A pesar de esto, el motivo central de la obra, la mirada, insta a los espectadores a considerar si lo que están mirando es, en realidad, un espejo. Cuando Gazing Head se mostró originalmente en París en 1929, llamó la atención de los surrealistas franceses, iniciando una relación que duraría el resto de la carrera de Giacometti.
Pelota suspendida (1931)
| Fecha de finalización | 1931 |
| Medio | Cordón, plaster, metal |
| Dimensiones | 60 cm x 36 cm x 34 cm |
| Ubicación actual | Fundación Giacometti, París |
Los surrealistas se sintieron atraídos por las esculturas de Giacometti como Gazing Head, pero fue Suspended Ball, originalmente exhibida en la Galerie Pierre en 1930, la que inspiró a André Breton a solicitar a Giacometti que representara al grupo. La forma esférica blanca de la escultura, que parecía flotar libremente mientras aún estaba encerrada en una jaula, así como la porción críptica debajo de ella, evidenciaban los aspectos oníricos y sensuales que los surrealistas apreciaban. Influenciado por Suspended Ball, Salvador Dalí escribió un ensayo sobre artefactos surrealistas para el diario de Breton después de la exposición colectiva de 1930.
A pesar de la asociación de las esculturas de Alberto Giacometti con el colectivo bretón, los críticos las han vinculado a los conceptos del rival de Breton, Georges Bataille.
Se ha afirmado que los elementos de la escultura son deliberadamente desconcertantes porque, si bien parecen representar un encuentro sexual, no se sabe qué elemento es masculino y cuál es femenino. Se ha argumentado que el concepto de falta de forma de Bataille está encapsulado por esta maraña de categorías.
Manos sosteniendo el vacío (1934)
| Fecha de finalización | 1934 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 153 cm x 32 cm x 29 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno, Nueva York |
Después de su breve participación con los surrealistas, Alberto Giacometti comenzó a divergir del grupo, como se muestra en esta pieza. Fue producido como un monumento al padre trágicamente fallecido del artista, encarnando la «realidad metafísica», como lo expresó el crítico Carl Einstein. Se incorporan ciertos motivos prehistóricos y egipcios. El vacío al que se aferra la figura podría ser el alma o kâ como era conocido por los egipcios.
Los surrealistas dieron la bienvenida a esta pieza, sin embargo, los componentes representativos muestran que el artista se estaba moviendo más allá de ellos.
Plaza de la ciudad (1948)
| Fecha de finalización | 1948 |
| Medio | Bronce pintado |
| Dimensiones | 24 cm x 64 cm x 43 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno, Nueva York |
Si bien no es el primer esfuerzo de Alberto Giacometti en los personajes tipo waif por los que es más conocido, la Plaza de la Ciudad de varias figuras es una lección notable para dar la sensación de un gran entorno. Las figuras, a las que Sartre se refirió como «contornos en movimiento», parecen emerger de la nada mientras caminan a través de un entorno vacío.
«El propósito de Giacometti es colocar el vínculo del hombre y el medio ambiente con la tierra», dijo Fairfield Porter en una revisión de 1960 para The Nation, «y también ve a la humanidad y todo lo demás como una conexión entre la tierra y el infinito, con una conexión dualista con el medio ambiente».
Para entonces, Giacometti había estudiado el existencialismo, y «City Square» puede leerse bajo esa luz, presentando a la humanidad como una pálida sombra de sí misma, viviendo a medio camino entre la existencia y la nada.
Annette con carro (1950)
| Fecha de finalización | 1950 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 50 cm x 73 cm |
| Ubicación actual | Colección privada |
Aunque la escultura es el medio más conocido de Giacometti, también fue un pintor experto. Este ejemplo de las pinturas de Alberto Giacometti de 1950 demuestra su capacidad para crear una sensación de tremenda profundidad en una superficie plana.
La esposa del artista, Annette, es el tema aquí, y está construida con los mismos arcos y guiones utilizados para mostrar el espacio circundante como si fuera simplemente otro objeto.
Annette, sin embargo, emerge discretamente del arreglo, estableciendo su humanidad a pesar del orden generalmente soso del espacio, al igual que las figuras de palo esculpidas de Giacometti. Las obras maduras de Alberto Giacometti habían sido un antídoto contra la abstracción, como señalaron varios de los prominentes filósofos existencialistas de la época.
Mujeres de Venecia II (1956)
| Fecha de finalización | 1956 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 120 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Metro, Nueva York |
«El hombre solo, degradado a un hilo, en el mal estado y el sufrimiento de la tierra, que se busca a sí mismo, comenzando de la nada. Hombre en una acera como hierro abrasador; que no puede levantar sus pies pesados», dijo Francis Ponge en una pieza de 1951 para Cahiers d’Art. Al igual que las pinturas anteriores en un género similar, Mujer de Venecia II representa a una persona solitaria, su cuerpo golpeado casi al borde del colapso, pero aún de pie. alto y recto.
El tema de la decencia humana y el deseo de la humanidad de establecer su presencia en un mundo enorme que parece empeñado en destruirlo estaba en el centro de tales obras de arte.
Mujer de Venecia VII (1956) de Alberto Giacometti, ubicada en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en Sydney, Australia; Alberto Giacometti, CC0, vía Wikimedia Commons
Preguntas Frecuentes
¿Quién es Alberto Giacometti?
La increíble carrera de Alberto Giacometti traza las pasiones cambiantes por el arte en Europa, tanto antes como después de la Segunda Guerra Mundial. En la década de 1930, las esculturas de Alberto Giacometti mostraban formas escultóricas surrealistas e inventivas, que a veces recordaban a juegos y juguetes. Como existencialista, las pinturas de Giacometti después de la guerra sentaron las bases para una forma que reflejaba los intereses de la filosofía en la observación, la soledad y el temor.
¿Qué caracteriza las esculturas de Alberto Giacometti?
Después de la guerra, se produjeron cambios paralelos en el trabajo del artista, con sus figuras frecuentemente alteradas cada vez más demacradas y separadas de su entorno. Comenzó a concentrarse en figuras individuales extendidas, con frecuencia paseando o de pie, así como conjuntos figurativos en diversos contextos espaciales. La perspectiva distintiva de Giacometti redujo sus temas a formas extensamente forjadas pero delgadas.
