A lo largo de la historia del arte y sus múltiples formas, los artistas siempre han estado interesados en las representaciones del mundo natural. Ya sean paisajes pacíficos o tormentas dramáticas impresionantes, a medida que las preocupaciones sobre el estado de la salud del medio ambiente comenzaron a aumentar en el siglo 20, los artistas comenzaron a adaptar sus representaciones y expresiones de la naturaleza. Estos artistas comenzaron a desarrollar obras que expresaban y llamaban la atención sobre los problemas del cambio climático y la contaminación, a menudo colaborando con el propio entorno físico.
El Movimiento Artístico del Ecologismo
El arte ambiental, también conocido como arte del ambientalismo, o incluso arte del cambio climático, se puede definir como una gama de prácticas artísticas que involucran la representación y expresión de los problemas ecológicos del cambio climático, la contaminación y temas similares que involucran el deterioro de la salud del medio ambiente.
Este movimiento ganó una atracción significativa durante la década de 1990 cuando los artistas, junto con el resto de la sociedad, comenzaron a discutir cómo los seres humanos afectan el medio ambiente en el que viven.
El movimiento de arte ambiental analiza el enfoque histórico para representar la naturaleza en el arte, así como las representaciones más recientes que involucran las expresiones más ecológicas y políticamente motivadas, celebrando la conexión del artista con la naturaleza, con el uso de materiales naturales.
Fotografía de la instalación artística de Particle Falls en el exterior del Teatro Wilma. Creado por la artista ambiental Andrea Polli en 2013, los colores transmitidos en la pared están determinados por la cantidad y los tipos de partículas en el aire en un momento dado; Instituto de Historia de la Ciencia, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Desde la década de 1990, el movimiento del arte ambiental se ha alejado de las expresiones más formales, hacia representaciones más profundas que representan expresiones de sistemas, procesos y fenómenos en relación con las preocupaciones socioecológicas. Esta expresión integrada se desarrolló inicialmente en los años 90 como una postura ética sobre el tema. Se entiende que es una expresión de la relación con las representaciones históricas de la tierra o Land art, así como el campo del arte ecológico.
Dada su temática, el movimiento incluye tanto la ciencia como la filosofía, involucrando tanto a los medios tradicionales como a los nuevos en sus representaciones del medio ambiente.
Ejemplos de ello son los paisajes más naturales de las zonas rurales, así como los entornos suburbanos y urbanos más industrializados. El movimiento ha ganado un lugar muy prominente en el campo del arte, convirtiéndose en el punto focal de muchas exposiciones contemporáneas en todo el mundo a medida que se expandieron las conversaciones sobre temas de cambio climático y preocupaciones ambientales globales.
Historia del Arte ambientalista
El entorno físico y natural siempre ha tenido su lugar en el campo del arte, remontándose al Paleolítico pinturas rupestres, que a menudo presentaba representaciones de animales o plantas; cosas de la naturaleza que serían de importancia para el estilo de vida prehistórico. A medida que el arte y sus formas evolucionaron a lo largo de los siglos, las expresiones del entorno natural se vieron a través de formas tales como pinturas de paisajes, que implicaba que el artista pintara un entorno mientras se sentaba ante él, desarrollando una profunda conexión con su entorno físico.
Esto se puede ver en las pinturas del cielo de John Constable, como «Cloud Study: Stormy Sunset» (1821 – 1822), así como en la serie londinense más industrializada de Claude Monet, como «Houses of Parliament» (1904).
Sin embargo, a medida que la sociedad se ha vuelto más consciente de su entorno físico y los problemas ecológicos que enfrenta, el arte ambiental tuvo que adaptarse. Pintores ambientales contemporáneos como Diane Burko y Alexis Rockman incorporaron estos temas en sus obras, para llamar la atención y encender una discusión sobre cómo los seres humanos y la industrialización en constante crecimiento han afectado negativamente el entorno físico. El trabajo de Burko es especialmente conocido por su representación de los fenómenos naturales, así como por cómo cambia con el tiempo.
Estudio de nubes: Atardecer tormentoso (1821 – 1822) de John Constable, ubicada en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C., Estados Unidos; Galería Nacional de Arte, CC0, vía Wikimedia Commons
Estas representaciones sobre el paso del tiempo no solo transmiten problemas ecológicos, sino que también llaman la atención sobre el tema del cambio climático. Rockman es reverenciadorse atrevió por sus paisajes, que expresan una visión cínica y satírica del cambio climático y de cómo los seres humanos causan daños al medio ambiente, con un enfoque particular en la ingeniería genética; cómo los humanos manipulan otras especies para su propio beneficio.
Con el constante deterioro del medio ambiente y la ampliación de la discusión global, los pintores y artistas ambientales comenzaron a adaptar su arte.
Los artistas comenzaron a expresar la forma en que el medio ambiente está muriendo en lugar de simplemente expresar su belleza. El movimiento se destaca como emergente en la década de 1960, con artistas prominentes como Jean-Max Albert, Nils Udo, Piotr Kowalski y Robert Smithson.
Una explicación del arte ambiental
El arte ambiental es un concepto muy amplio, más que un movimiento específico. No existe una definición establecida del término, pero el movimiento abarca un conjunto diverso de temas y mensajes sociales, políticos y científicos, y se puede clasificar en varios submovimientos.
Estos submovimientos son el arte conceptual, el arte de la Tierra, el land art y el arte sostenible. Un tema común importante entre todos estos submovimientos es el tema que trata de la crisis climática y el movimiento ecológico.
El arte ambiental en realidad evolucionó a partir del movimiento Land art ya existente, incorporando el uso expresivo del espacio y utilizando el entorno natural para evocar un mensaje. Estos artistas buscarían específicamente lugares poco ortodoxos para que su trabajo se exhibiera, haciendo un comentario y crítica sobre la industria del arte convencional, donde los museos y galerías generalmente controlaban la producción, venta y exhibición de piezas de arte.
La búsqueda de nuevas ubicaciones significó que los artistas eliminaron el poder de la industria establecida y, por lo tanto, cuestionaron la necesidad de esta industria comercializada. Este uso de la ubicación también permite a los artistas expresar la relación entre la población humana y el entorno físico combinando las dos fuerzas en su trabajo, incorporando su capacidad artística y práctica dentro del arte mismo.
Gaviotas, el río Támesis y las Casas del Parlamento (1904) de Claude Monet, ubicado en el Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú, Rusia; Claude Monet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Estos artistas tendrían como objetivo cambiar la forma en que estos lugares naturales normalmente serían vistos o percibidos, pero al mismo tiempo, traer luz a lo que ya estaba naturalmente allí, haciendo que los espectadores reconsideren cómo ven el entorno natural y llamen la atención sobre los ecosistemas en su lugar.
El objetivo principal de los artistas ambientalistas es la expresión de la relación entre los seres humanos y el medio ambiente, fusionando el entorno natural con su trabajo. Esto a menudo se expresa a través de los temas de ecología, salud ambiental y los problemas de derechos humanos asociados, lo que hace que el arte ambiental sea un gran medio para la representación de la conservación de la naturaleza y la política respetuosa con el medio ambiente.
Naturalmente, esto significa que estos artistas desempeñan un papel importante dentro de la sociedad en general, en lugar de solo desde una perspectiva artística, ya que su trabajo crea conciencia sobre los problemas ecológicos y los graves problemas que enfrenta el medio ambiente.
Su impacto es mundial y está representado a través de varias organizaciones como grupos regionales de base, así como grandes organizaciones e instituciones dependientes del país. Estos artistas utilizan materiales naturales del medio ambiente en su trabajo, como ramas, flores, hojas, arena, tierra y piedra. Este método permite a los artistas expresar un sentido de armonía dentro del entorno y también crea un espacio en el que el artista debe estar sujeto a los ciclos naturales del entorno, ya sean cambios en el clima, floración, erosión o descomposición.
Spiral Jetty de Robert Smithson, visto desde lo alto de Rozel Point a mediados de abril de 2005; Escultura: Robert Smithson 1938-1973Imagen:Soren.harward en en.wikipedia, dominio público, vía Wikimedia Commons
La capacidad de adaptarse a la naturaleza incontrolable e impredecible del entorno natural muestra versatilidad en estos artistas y su uso de una amplia gama de estilos, técnicas y medios. Estos artistas también tienden a fotografiar sus instalaciones para que puedan ser vistas a una escala más amplia, ya sea en galerías y exposiciones o en línea. Dentro del campo del arte ambiental, existe la subcategoría de arte ecológico, también conocida como ecoarte.
Aunque los dos se usan a menudo como sinónimos, es importante que el ecoarte se distinga como una subcategoría, siendo el ecoarte chaRacterizado por su expresión de justicia social en su trabajo.
Al igual que el arte ambiental, el ecoarte también hace uso de instalaciones específicas de la ubicación, utilizando el entorno natural para expresar un mensaje. Dentro de este tipo de Land art, los elementos naturales del entorno son el material utilizado, creando una experiencia inmersiva para el espectador, en lugar de una visión a distancia, poniendo el valor de la pieza en su capacidad de crear conciencia sobre los problemas ecológicos, en lugar del valor de mercado.
El land art a menudo se asocia con el eco-arte, con la artista ambientalista Nancy Holt afirmando que el land art era fundamentalmente ecológico en la naturaleza y expresa la conexión entre el artista, la tierra y el medio ambiente. En contraste, artistas como Robert Morris rechazaron el ecoarte, alegando que b estaba corrompido por los problemas de los factores económicos, argumentando que este tipo de arte en realidad hacía más daño a la naturaleza que bien, ya que involucraba a un humano que entraba a alterar el medio ambiente con su instalación, que es lo opuesto al activismo de conservación para el que estaba destinado el arte ambiental.
Gusano de arena por Marco Casagrande, realizado para la Trienal de Arte Contemporáneo Beaufort04 2012 en Wenduine, Bélgica; Härmägeddon, CC0, vía Wikimedia Commons
El land art fue, sin embargo, uno de los primeros movimientos artísticos notables que tenían como objetivo expresar la fragilidad del entorno natural. Los artistas de la tierra buscarían ubicaciones en muchos tipos diferentes de entornos, desde campos abiertos hasta bosques y desiertos. Otra subcategoría del arte ambiental es el arte de recuperación, también conocido como «ecovención», que se refiere al movimiento artístico que implica la rehabilitación de espacios naturales contaminados o dañados, así como espacios industriales abandonados.
Aunque con frecuencia está vinculado al Land art, las creaciones de este movimiento permiten la restauración ecológica y apoyan el desarrollo de un sentido de comunidad con la naturaleza.
Estos artistas transformarían estos espacios con sus instalaciones, alterando el espacio para expresar un mensaje de restauración, que luego puede proyectarse a los problemas ambientales más grandes. Si un artista puede transformar un espacio contaminado para mejor, la sociedad puede potencialmente hacer lo mismo con el medio ambiente en su conjunto.
Hay muchas perspectivas ambientales diferentes sobre el arte y la naturaleza. Las representaciones ecológicas pueden ir desde el activismo hasta la sensibilización en festivales y exposiciones de arte. Para mejorar el planeta y acercar a las personas y el medio ambiente, los artistas intentan aumentar la conciencia pública a través de sus creaciones.
Artistas ambientalistas notables y sus obras
Hay varios artistas ambientales notables, pintores y creadores que son conocidos por sus expresiones de las preocupaciones globales que rodean el medio ambiente y su salud. Algunos de los más conocidos incluyen a Diane Burko y Olafur Eliasson.
Diane Burko (1945 – Presente)
| Artista | Diana Burko |
| Año de nacimiento/muerte | [1945–Presente |
| Nacionalidad | Americano |
| Medios preferidos | Pintura, fotografía |
Nacida en 1945 en Brooklyn, Nueva York, Diane Burko es una pintora y artista ambiental contemporánea que actualmente reside en Filadelfia en los Estados Unidos. Se graduó de Skidmore College con una licenciatura en historia del arte y pintura en 1966, y de la Universidad de Pensilvania con una maestría en Bellas Artes tres años después.
Ha enseñado en numerosas instituciones de todo el país, incluyendo la Universidad de Princeton, la Universidad Estatal de Arizona y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania.
Fotografía de Diane Burko en su estudio, 2016; Mientras tanto88, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Actualmente tiene el título de profesora emérita en el Community College de Filadelfia, así como un puesto en la junta directiva de la College Art Association. Es mejor conocida por sus pinturas y poderosas fotografías que representan las preocupaciones globales con respecto al deterioro del medio ambiente.
Líneas de recesión del glaciar Columbia 1980 – 2005 (2011)
| Título | Líneas del glaciar Columbia de recesión 1980-2005 |
| Artista | Diana Burko |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 129,54 x 152,4 |
| Fecha de creación | 2005 |
| Ubicación actual | Instituto de Arte de Minneapolis |
A menudo hacía todo lo posible para garantizar la precisión en sus obras, como se ve con sus piezas en el hielo. glaciares de la Antártida, como Columbia Glacier Lines of Recession 1980-2005 (2011) y Makalu – Himalaya (fecha desconocida) Estos trabajos involucraron a Burko caminando en abismos profundos y helados a veces peligrosos para ver por sí misma qué tan rápido se estaban derritiendo los glaciares.
Esta preocupante representación de la crisis climática actual se expresa a través de las poderosas obras de arte y fotografías de Burko, iniciando una discusión necesaria sobre la fragilidad del medio ambiente.
Ella espera que su trabajo, que continúa hasta el día de hoy, permita a los espectadores reflexionar sobre cómo contribuyen al deterioro del medio ambiente y la destrucción del clima causada por el hombre, afirmando que el mundo «no será el mismo para nuestros hijos …» Burko ha visitado los tres principales campos de hielo del mundo, regresando recientemente de cruzar los ríos congelados de la Antártida y el glaciar Viedma en el Campo de Hielo Patagónico de Argentina, que se está derritiendo a un ritmo sin precedentes.
Diane Burko con su trabajo, Waters: Glaciers and Bucks, 2007 – 2011, en la inauguración de la exposición Sensing Change 2013 en la Chemical Heritage Foundation en Filadelfia, Estados Unidos; Instituto de Historia de la Ciencia, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Ella sirve como un recordatorio del fenómeno de derretimiento masivo de los glaciares que está teniendo lugar en todo el mundo a través de su arte ambiental. Ella afirma, por ejemplo, que ahora hay menos de 25 glaciares en el Parque Nacional de los Glaciares, frente a los 150 de la década de 1850. Aunque la formación de glaciares tomó miles de años, es asombroso observar cuántos han desaparecido en los 200 años anteriores, comenzando efectivamente con los albores de la era industrial. Este enorme aumento en el dióxido de carbono atmosférico es causado principalmente por el calentamiento global, que proviene de la quema excesiva de combustibles fósiles.
Burko admite que siempre ha tenido una «curiosidad científica», atrayendo el interés de la comunidad científica como resultado. Los científicos disfrutan trabajando con ella, respetando y apreciando su interpretación artística de sus hechos.
Burko recibe rutinariamente invitaciones para hablar en simposios y coloquios que se concentran en cómo las artes podrían transmitir hallazgos y fenómenos científicos. En la conferencia GSA (Geological Society of America) en Vancouver, Burko se desempeñó como orador invitado, celebrando un seminario y reuniéndose con los científicos investigadores de INSTAAR (Instituto de Investigación Ártica y Alpina). Hoy en día, Burko tiene más de treinta exposiciones en los Estados Unidos, y continúa trabajando en arte ambiental, documentando la crisis del derretimiento de los glaciares, como se ve con uno de sus trabajos más recientes, Summer Heat (2020).
Olafur Eliasson (1967 – presente)
| Artista | Olafur Eliasson |
| Año de nacimiento/muerte | 1967 – Presente |
| Nacionalidad | Islandés-danés |
| Medios preferidos | Instalaciones multimaterial |
Artista islandés-danés, Olafur Eliasson es un conocido pintor y creador ambiental, mejor conocido por sus esculturas e instalaciones a gran escala, inspiradas en los fenómenos naturales del medio ambiente. Su trabajo es elogiado por su uso de materiales elementales, como la luz, la temperatura y el agua, todos los cuales utiliza para crear una experiencia inmersiva para el espectador.
Olafur ha trabajado en varios proyectos de arte público, como la instalación en toda la ciudad Green River (1998), así como el London Serpentine Gallery Pavilion de 2007, una estructura transitoria diseñada en colaboración con el arquitecto noruego Kjetil Traedal Thorsen, y The New York City Waterfalls (2008), una comisión del Fondo de Arte Público. También diseñó el trofeo para el Premio Breakthrough.
La escultura, como la mayoría de su obra, examina las áreas donde el arte y la ciencia pueden coexistir. Tiene la forma de un toroide, evocando formas naturales como conchas marinas, bobinas de ADN y galaxias, así como agujeros negros y galaxias.
Fotografía del artista Olafur Eliasson; Vogler, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Desde 2014, Olafur se ha desempeñado como profesor adjunto en la Escuela Alle de Bellas Artes y Diseño en Addis Abeba. De 2009 a 2014, fue profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. La ubicación de su estudio es Berlín, Alemania. Fundó Studio Olafur Eliasson, un centro de investigación espacial, en Berlín en 1995.
Eliasson también estableció Studio Other Spaces, una oficina de arquitectura y arte, en 2014 con su socio de mucho tiempo, el arquitecto alemán Sebastian Behmann.
En 2003, Olafur representó a Dinamarca en la 50ª Bienal de Venecia, una exposición cultural internacional. Más tarde ese año, instaló The Weather Project (2003) en el Turbine Hall de the Tate Modern en Londres, que ha sido llamado un hito en el arte contemporáneo.
El proyecto del tiempo (2003)
| Título | El Proyecto Meteorológico |
| Artista | Olafur Eliasson |
| Medio | Instalación hecha de luces de monofrecuencia, lámina de proyección, máquinas de neblina, lámina de espejo, aluminio y andamios |
| Dimensiones (cm) | 2670 x 2230 x 15540 |
| Fecha de creación | 2003 |
| Ubicación actual | Turbine Hall, Tate Modern, Londres |
Para expresar el problema cada vez mayor del calentamiento global, The Weather Project (2003) se instaló como parte de la popular serie Unilever, llenando el espacio vacante dentro de Turbine Hall. La exposición está destinada a aparecer como un sol abrumador que sale de la niebla, creando una experiencia de visualización impresionante e inmersiva.
Esta pieza no estaba destinada a crear una ilusión, sino más bien a que los espectadores comprendieran todos los aspectos de la obra del artista.
Aunque el trabajo en sí era un tipo de burla que se burlaba de la comprensión del público de los elementos del clima, The Weather Project mostró una comprensión profunda de los elementos del cosmos. Crea la idea de tener un cielo que nunca termina y un sol que no es particularmente cálido. El Turbine Hall produjo un zumbido que, cuando se combinó con presenciar la producción de Eliasson, hizo que los visitantes se sintieran como si realmente estuvieran allí, lo que sugiere un contacto cercano. El resplandor rojo de la esfera también recordaba al planeta Marte.
The Weather Project (2003) en la Tate Modern, Londres; Michael Reeve, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Olafur hizo uso de humidificadores para producir una fina niebla en el aire utilizando una solución de azúcar y agua, así como un disco semicircular hecho de cientos de bombillas monocromáticas que emitían luz amarilla y se reflejaban en el espejo del techo para parecer circular. Los visitantes podían verse a sí mismos como pequeñas sombras negras contra un mar de luz naranja, que servía como techo de la sala y servía como una representación del sol. Al ver esta exhibición, varias personas se reclinaron sobre sus espaldas y agitaron sus manos y piernas en respuesta.
Los espectadores estaban «intoxicados con su propio narcisismo mientras se contemplan a sí mismos levantados en el cielo», como describió el crítico de arte Brian O’Doherty.
La delgada niebla que impregnaba toda el área y parecía provenir del exterior envolvió el espacio por completo. Los visitantes que miraban hacia arriba para ver si la niebla se escapaba al espacio podían notar que el techo había sido reemplazado por una imagen en forma de espejo del área de abajo. Al final de la sala, también había 200 bombillas monofrecuencia bajas en sodio. Típicamente vistas en las luces de la calle, las lámparas de monofrecuencia generan luz a una frecuencia tan baja que todos los colores que no sean negro y amarillo eran indetectables.
La instalación intentó crear una experiencia en la que los espectadores se sintieran como si estuvieran cerca del sol dentro de las nubes. El Proyecto Meteorológico fue una pieza de arte ambiental extremadamente efectiva y altamente exitosa. Según los informes, la exposición atrajo a dos millones de visitantes durante sus seis meses de duración, muchos de los cuales regresaron más de una vez.
En una entrevista con la revista Frieze en 2003, O’Doherty expresó su entusiasmo por la instalación y señaló que era «la primera vez que [he’d] visto el espacio enormemente deprimente, como un ataúd para un gigante, socializado de manera efectiva», mientras que Richard Dorment de The Telegraph elogió su «belleza y poder».
Sigue siendo la pieza más conocida de Eliasson y llegó al número once en una votación de The Guardian de las principales piezas de arte producidas desde 2000, con Jonathan Jones refiriéndose a Olafur como «uno de los artistas más significativos del siglo».
Otros artistas ambientales notables
Entre artistas ambientales como Burko y Eliasson, varios otros artistas utilizan su trabajo para explorar problemas ambientales, utilizando una multitud de técnicas y medios. Estos incluyen artistas ambientalistas como Vik Muniz y Janel Houton.
Vik Muniz (1961 – presente)
| Artista | Vik Muniz |
| Año de nacimiento/muerte | 1961 – Presente |
| Nacionalidad | Brasileño |
| Medios preferidos | Collages de materiales reciclados |
Hay varios otros pintores y artistas ambientalistas notables, como Vik Muniz, cuyo trabajo fue conocido por su reutilización de desechos y materiales reciclados, incluidos papel, imanes, juguetes e incluso colillas de cigarrillos.
Sus obras más conocidas incluyen «Postcards from Nowhere: West Palm Beach» (2014), «Mnemonic Vehicle No. 1» (2014) y «Repro (Monochromes): Green» (2017).
Janel Houton (1975 – Presente)
| Artista | Janel Houton |
| Año de nacimiento/muerte | 1975 – Actualidad |
| Nacionalidad | Estados Unidos |
| Medios preferidos | Pinturas |
También está Janel Houton, quien basó su trabajo en la cultura local de Boston, Estados Unidos, así como en el entorno natural que rodea la ciudad. Su trabajo expresa temas de cuestiones ecológicas nacionales y globales, como la protección del deterioro del medio ambiente de la tierra y el cambio climático. Una de sus obras más conocidas es Arctic Vision of St Francis (2017), que expresa el tema del calentamiento global y sus efectos en las regiones árticas y su fauna autóctona.
Los artistas ambientales, particularmente los activos en los últimos diez años, han pensado en su propia relación con el medio ambiente, así como en las repercusiones nocivas del cambio climático. Al incorporar el medio ambiente en su trabajo artístico, estos pintores ambientales esperan comprender mejor cómo los humanos interactúan con él. Esto altera la forma en que vemos la ubicación de la creación artística; en lugar de utilizar el estudio del artista como el único espacio en el que crear, los artistas ambientales interactúan con el mundo natural de una manera mucho más directa y activa. Pueden hacerlo experimentando con nuevos métodos en el exterior o incorporando materiales naturales en entornos novedosos.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte ambiental?
El arte ambiental es un movimiento artístico que involucra obras artísticas que están destinadas a mejorar o convertirse en parte del medio ambiente, en un esfuerzo por hacer declaraciones sobre cuestiones ambientales y ecológicas.
¿Qué es un ejemplo de arte ambiental?
Las obras de arte ecológicas son creadas por artistas ambientales que utilizan solo materiales naturales como pétalos de flores, conchas marinas, ramas de árboles, arena y agua. Por ejemplo, Richard Shilling por encima de crueda olor estaba hecho con hojas de otoño y un círculo de corteza de ceniza.
¿Cuáles son las características del arte ambiental?
El arte ambiental a menudo está diseñado para un lugar específico, no se puede transferir y, obviamente, no se puede exhibir en museos o galerías. Esta es una de sus cualidades clave. Sin embargo, hay ciertos valores atípicos porque los artistas ambientales emplean una amplia gama de métodos.
¿Cuáles son los tipos de arte ambiental?
El arte ambiental se puede expresar en varias subcategorías como Eco-arte, Land art, Arte del cambio climático, Movimientos de tierra y Arte de la Tierra.
¿Por qué es importante el arte ambiental?
El arte ambiental no solo crea un espacio para la expresión de la belleza del entorno natural, sino que también crea un espacio para la difusión de información importante y la sensibilización sobre cuestiones ecológicas y ambientales como el calentamiento global y el cambio climático.
