El contrapposto fue descubierto por los antiguos griegos. La definición de contrapposto de la palabra italiana (Pronunciación italiana: [kontrap’posto]) es «contraposición». Las primeras esculturas que representan el cuerpo humano en esta pose se remontan al siglo 5 a.C. La invención griega del contrapposto es una de las mayores innovaciones en el arte figurativo.
La belleza atemporal de Contrapposto
La técnica clásica de posado todavía se utiliza hoy en día para producir belleza, semejanza en la figura humana. Después del período griego, muchas obras de arte sorprendentes no abrazaron el contrapposto. Pero siglos más tarde, el Renacimiento italiano redescubriría y cambiaría el nombre de contrapposto, entregándolo finalmente a nosotros en la actualidad.
¿Qué es Contrapposto?
La definición de contrapposto es una postura de pie relajada y realista en la que el peso del cuerpo descansa sobre una pierna. La figura no se mantiene rígida y erguida, sino que distribuye el peso del cuerpo a gusto. La pose clásica de contrapposto requiere que los artistas comprendan los diversos componentes contrapuestos de la figura.
En una posición natural de pie, tendemos a poner nuestro peso sobre una pierna.
Si estamos de pie durante un largo período, incluso cambiamos nuestro peso de una pierna a la otra. La pierna que es recta soporta la mayor parte del peso del cuerpo y se llama pierna comprometida. La pierna que no soporta peso y solo mantiene el equilibrio se llama pierna libre. El lado de la pierna libre parece más alargado pero ligeramente doblado porque está relajado.
La postura de contrapposto del Doríforo de Policleto (450 – 440 a.C.), donde «teso» es italiano para «tenso» y «rilassato» se traduce como «relajado»; Imagen de Marie-Lan Nguyen; Diagramas de Paolo Villa con fondo transparente, dibujar y escribir ejemplo de ContrappostoDoryphoros de Pompeya (copia romana anónima después de Polykleitos), CC BY-SA 4.0, a través de Wikimedia Commons
En el contrapposto, los hombros no son paralelos a las caderas. La pelvis y el torso están inclinados en direcciones opuestas. El artista debe representar el giro de la pelvis y el centro de gravedad del cuerpo. Las caderas y la caja torácica crean una línea curva «S» a lo largo de la columna vertebral. El contrapposto proviene de un análisis anatómico de la alineación del cuerpo cuando apoyamos nuestro peso sobre una pierna.
Las condiciones racionales del contrapposto son las que lo convierten en una pose dinámica y relajada simultáneamente. Una pose de contrapposto evoca un sentido de la vida a través de su expresión realista.
Los orígenes griegos antiguos de Contrapposto
Entre el 700 a.C. y el 480 a.C., el Período arcaico griego produjo lo que se conoce como esculturas griegas de Kouros que casi siempre habían sido simétricas, representando una postura vertical, frontal y rígida. Incluso cuando sus piernas estaban separadas, su peso se distribuía uniformemente en ambos pies. Esto fue claramente por razones logísticas. Su principal dilema era mantener los objetos erguidos, por lo que estas figuras aún no estaban de pie en artilugios.
Antigua Grecia Mármol pariano «Aristodikos Kouros», desde lo alto de la tumba del joven aristócrata ateniense, Ática, 510-500 a.C.; Gary Todd de Xinzheng, China, CC0, vía Wikimedia Commons
Esto fue hasta lo que conocemos como el período clásico griego. Este período que comenzó después del final de las guerras persas significó que la antigua Grecia dominó el Mediterráneo y la cultura europea. Representó un florecimiento general de la cultura griega y dio lugar al racionalismo, el naturalismo y el estoicismo en el arte. Filósofos como Platón, Sócrates y Aristóteles estaban trabajando. Se estaban escribiendo las grandes comedias y tragedias. Esta fue la época de la invención de los Juegos Olímpicos y el estudio de las estrellas.
La antigua Grecia necesitaba un arte que dominara las realidades de la existencia rompiendo la rígida simetría de las figuras griegas arcaicas.
El canon griego se estableció en el siglo 5 en el apogeo de la escultura clásica. El canon era un sistema matemático de proporciones y convenciones para la representación de la figura humana. Debido a ello, el Los antiguos griegos fueron los primeros en crear esculturas verdaderamente naturalistas del cuerpo humano.
La postura de contrapposto de Apoxyomenos de Lisipo (c. 350 a.C.); usuario:shakko usando Usuario:Obra de Jastrow, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
El naturalismo describe la cercanía a la naturaleza. En arte figurativo, el naturalismo se basó en un estudio de proporciones, contlos nuestros, y los músculos del cuerpo. Requería una comprensión de los huesos y su movimiento bajo la carne. Cómo el cuerpo distribuyó el peso a medida que se movía y cómo varias partes del cuerpo ayudaron a este movimiento.
Las esculturas se volvieron más proporcionadas y hubo un gran énfasis en el físico idealizado.
A menudo representaban a jóvenes, heroicos, desnudos, atletas masculinos, dioses o guerreros. Esto permitió a los artistas hacer alarde de músculos bien definidos mientras empleaban una postura naturalista. A menudo, las figuras aparentemente estaban haciendo algo cuando la imagen fue capturada. Tienen la apariencia de estar congelados en el tiempo.
Kritios Boy (c. 480-370 a.C.) por Kritios; Critius, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, la característica más animadora del contrapposto era que no solo afectaba a las piernas sino a todo el torso. Con el peso equilibrado en una pierna, los pies se colocaron en posiciones no simétricas. Habían descubierto nuevas formas de equilibrar las esculturas sin tener los pies en una posición antinatural. A menudo, incluirían un tocón de árbol o algo por el estilo para ayudar en este acto de equilibrio.
Esto permitió a los artistas crear figuras que aparecieron en medio del movimiento y, por lo tanto, bastante reales.
Kritios Boy (c. 480 a. C.) es el primer ejemplo conocido del uso de la pose de contrapposto y se atribuyó a un escultor llamado Kritios. Debido a que muy pocas esculturas originales griegas han sobrevivido, conocemos muchas esculturas a través de copias romanas mucho más tardías, pero esta es un original griego. Es probable que el contrapposto se estuviera utilizando antes de Kritios Boy, pero esta es nuestra evidencia más temprana.
Doríforo de Policleto (450 – 440 a.C.)
Al preguntar «¿qué es el contrapposto?», es importante saber de Policleto, quien esculpió Doryphoros o Spear-Bearer originalmente en bronce. La mano de la figura está levantada porque probablemente sostuvo una lanza en algún momento, que ahora está perdida hace mucho tiempo. Es uno de los ejemplos más conocidos de la técnica clásica de posado de artilugios.
El Doríforo (450-440 a.C.) que observamos a menudo no es un original. Es una copia de mármol romano del bronce griego y una demostración de cuánto los romanos estaban siendo influenciados por la escultura griega clásica. Fueron los autoproclamados herederos de las grandes tradiciones griegas de gran exactitud para el cuerpo humano.
Es en gran parte a través de los romanos que ahora estamos al tanto del contrapposto.
Doríforo (450-440 a.C.) por Policleto; Minneapolis Institute of Art, dominio público, vía Wikimedia Commons
En el contrapposto, figuras griegas como los Doryphoros miran a la derecha. La pierna derecha que soporta peso tiene una cadera que sobresale hacia arriba y comprime el costado, lo que hace que se vea más corto. El lado izquierdo donde está la pierna libre permite que la cadera cuelgue aparentemente causando una extensión del lado. El resultado que se basa en la oposición de un lado del cuerpo al otro es que hay una alineación dinámica de las partes del cuerpo.
La escultura naturalista de Doryphoros indica una cultura basada en la observación cuidadosa y directa donde los artistas buscaban figuras humanas reales para su arte. Doryphoros, aunque idealizado, es asimétrico, acercándolo a una representación icónica pero naturalista del cuerpo humano. Polykleitos defendió este método y declaró que una estatua debe tener tres características principales: «proporciones ideales, un equilibrio entre los músculos tensos y relajados y una orientación equilibrada de las extremidades».
Estos son los elementos fundadores de la revelación innovadora en la representación del cuerpo humano que llamamos contrapposto.
Afrodita de Knidos de Praxíteles (c. 340 a.C.)
Si bien es más conocido por Hermes llevando al niño Dioniso (c. 350-330), Praxíteles también hizo Afrodita de Knidos (c. 340 a.C.) para la ciudad de Knidos, que ahora conocemos como la costa turca. Ambas obras emplearon contrapposto. Una vez más, sólo conocemos a Afrodita de Knidos a través de copias romanas. Las copias que existen muestran una amplia variación, por lo que no es del todo seguro cómo habría sido el original.
Esta escultura es importante porque es la primera vez que vemos evidencia de la pose femenina de contrapposto. Hasta ese momento, Arte griego evitó las estatuas de desnudos femeninos. Las figuras femeninas permitieron a los artistas experimentar con cortinas. Daban movimiento de cortina o una mirada húmeda para revelar la forma, pero habían preferido la modestia en las figuras femeninas.
Afrodita de Knidos (c. 340 a.C.) por Praxíteles; Glyptothek, dominio público, vía Wikimedia Commons
Un artista necesitaba una j sólidaustificación para hacer un desnudo femenino. Afortunadamente para Praxíteles, la diosa de la sensualidad y el amor fue una figura apropiada para ser el primer desnudo femenino. Debido a la mitología que la rodeaba, el desnudo femenino de Praxíteles fue aceptado y se convirtió en un éxito tal que incluso la pusieron en sus monedas.
Afrodita, que también es la diosa del mar, se ve en Afrodita de Knidos en el proceso de un baño ritual. Ella parece ser aquí tanto diosa como sirena. Está colocada en contrapposto, en una fachada endeble de modestia. Su mano cubre sus partes íntimas al tiempo que llama nuestra atención hacia ellas.
Praxíteles, conocido por sus composiciones ligeras y líricas, usaba el artilugio para acentuar y exagerar la forma femenina.
Su artilugio tiene más cadera en la pierna que soporta peso. Hay una curva S más pronunciada en la columna vertebral. La relación cadera-cintura se mejoró para iluminar la elegancia del artilugio femenino. Con este movimiento, Praxíteles creó convenciones para las representaciones de la forma femenina que han persistido hasta nuestros días.
Apoxyomenos de Lisipo (c. 350 a.C.)
Muchas esculturas anteriores como Afrodita de Knidos de Praxíteles estaban destinadas a ser vistas principalmente desde un ángulo. Lisipo radicalizó la escultura mediante el desarrollo de objetos con diferentes perspectivas focales. Hizo un trabajo que obligó al espectador a moverse por la escultura para entenderla.
Apoxyomenos (c. 350 a.C.) por Lisipo; Gardner, Ernest Arthur, 1862-1939, Sin restricciones, vía Wikimedia Commons
Apoxyomenos (c. 350 a.C.) representa a otro atleta griego de contrapposto. El título significa «el raspador». Rasparse a sí mismo era una práctica común después del entrenamiento realizada por atletas antiguos. Sin embargo, si vieras esta escultura desde el frente, verías que el brazo es escorzo.
Lisipo quería que el espectador caminara alrededor del objeto para ver el acto de raspado y experimentar la figura en tres dimensiones.
El Renacimiento italiano (siglo 13)
Después del declive de los imperios griego y romano y el posterior surgimiento del cristianismo, los artistas en la Edad Media simplificaron la figura humana para el propósito de la narrativa. Mostrar con precisión cuerpos musculosos ya no era necesario cuando el objetivo era impartir el evangelio a las masas en gran parte analfabetas.
No habían olvidado las prácticas artísticas griegas, pero el propósito del arte había pasado del naturalismo a la espiritualidad.
Durante unos mil años, las representaciones del cuerpo humano fueron embalsamadas en una narrativa bíblica. Eso es hasta los artistas de la Renacimiento italiano como Leonardo Da Vinci, Donatello, Andrea del Verrocchio, Nanni di Banco, Miguel Ángel y Rafael comenzaron a mirar no solo a las figuras de las catedrales de la Edad Media, sino al naturalismo de los mundos antiguos. Renacimiento es una palabra francesa que significa «renacimiento», en este caso de la antigua cultura griega y romana.
El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli (c. 1485), con Venus de pie en la clásica pose de contrapposto; Sandro Botticelli, Dominio público, vía Wikimedia Commons
David de Donatello (c. 1440)
El David de Donatello (c. 1440) fue el primer desnudo masculino independiente desde la antigüedad. Durante los mil años intermedios, las figuras habían sido esculpidas en relieve o vestidas. La cortina de su ropa tenía la intención de mejorar su extravagancia, creando patrones ondulados que hacían que las figuras parecieran flotantes o irreales. Donatello’s David despojó cada prenda de ropa, al igual que doríforos de Polykleitos.
A diferencia del arte cristiano de la Edad Gótica, esta no era una representación que se ocupara del patrón de las cortinas, sino de la belleza mecánica del cuerpo humano.
David (c. 1440) por Donatello; Donatello, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
La imagen de Donatello de David es bastante joven como en la historia bíblica. La escena se desarrolla después del asesinato de Goliat mientras David se para en una exagerada pose de contrapposto, con las caderas inclinadas con su peso apoyado en su pierna derecha. Su pierna izquierda es relativamente ingrávida y descansa con suficiencia sobre la cabeza gigante de Goliat.
El David de Donatello fue una desviación radical de las representaciones figurativas en la Edad Media y tenía mucho más en común con las tradiciones griegas. Curiosamente, la desnudez y a veces el erotismo manifiesto comenzaron a fusionarse con la narrativa bíblica. El Renacimiento plantea yuxtaposed narrativa bíblica con el estudio del cuerpo humano. El arte una vez más se convirtió en observación en un nuevo mundo cristiano.
El David de Miguel Ángel (1501-1504)
El David de Miguel Ángel (1501-1504) se ha convertido en una de las esculturas más conocidas del Renacimiento italiano. A menudo se utiliza para simbolizar la transición de la Renacimiento temprano en el alto Renacimiento. Pero esta escultura es en parte legendaria debido a su uso magistral del contrapposto. El David de Miguel Ángel es icónico y completamente a gusto.
Miguel Ángel parece haber sintetizado las lecciones del arte griego, al igual que Donatello, en nuevas poses renacentistas.
Su David fue hecho 50 o 60 años después del de Donatello. Miguel Ángel creó tensión y dinamismo empujando a una masa hacia adelante y manteniendo a una detrás. El tratamiento curvo en S de la figura permanece, pero la figura de Miguel Ángel es más antigua que la de Donatello. Tiene un físico más musculoso y parece más sombrío.
David (1501-1504) por Miguel Ángel; Commonists, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
También parece más anatómicamente sólido. Su mano está doblada, sosteniendo lo que parece ser el cabestrillo que cuelga sobre su hombro. Concluimos que es un cabestrillo porque conocemos la historia de David. Ya no hay una espada o una piedra. Las referencias narrativas están despojadas del David de Miguel Ángel. Se parece mucho más a una figura de la mitología griega que a una figura cristo-judeo.
El contrapposto de Miguel Ángel posado «David» muestra que esta escultura trata sobre el interés de este artista en la forma humana.
Hay un detalle inmenso en el cabello. Hace visibles los tendones de la mano, las venas, la rótula. Su semejanza no se ve lastrada por su grandeza. Uno es capaz de caminar alrededor de él y ver varios detalles. Hay una delicadeza consumada en ello.
El uso contemporáneo de Contrapposto
Contrapposto es mucho más que una pose de pie para artistas. Ha tenido un efecto masivo en el arte occidental y, por lo tanto, en la cultura humana. Informa nuestras ideas de belleza e impregna nuestra vida cotidiana. Se ha demostrado científicamente que en Contrapposto las figuras parecen más bellas a la vista.
La clásica curva «S» del contrapposto vista en Leda y el cisne (c. 1510-c. 1515) por Cesare da Sesto, después de Leonardo da Vinci; Cesare da Sesto, dominio público, vía Wikimedia Commons
Tanto los artistas como los anunciantes utilizan la pose de contrapposto para aportar cualidades expresivas a la forma humana. Logra una sensación de movimiento en una figura inmóvil. La tensión creada a través de la energía potencial captura una quietud dinámica. Hace que la figura representada se sienta viva y aumenta su humanidad.
Asista a cualquier clase decente de dibujo de figuras hoy y se encontrará con contrapposto. Comprender sus principios es tan importante como siempre. Estas habilidades no son solo para hacer dibujos bonitos. Nos enseñan sobre el cuerpo humano e incrustan en la mente de un artista las posibilidades de manipular la forma para sugerir movimiento y vida. Un artista que domina el contrapposto domina el elegante arte de armonizar los componentes del cuerpo humano.
También puedes ver nuestra historia web de contrapposto.
Preguntas Frecuentes
¿Por qué fueron los griegos los primeros en pensar en Contrapposto?
La invención griega del contrapposto fue el resultado de un cambio creativo y científico en la cultura griega. Nos dice que los griegos tenían confianza en las capacidades y observaciones humanas. La cultura era lo suficientemente consciente de sí misma como para poner a prueba los límites de la habilidad humana.
¿Es Contrapposto para escultura o para pintura?
Contrapposto fue ante todo un desarrollo escultórico. Es en la escultura donde hubo un movimiento para hacer que las estatuas estáticas endurecidas arcaicas fueran más realistas. Pero informó a todas las áreas que requieren una representación naturalista de la figura humana.
¿Alguien rompió el David de Miguel Ángel?
Sí. En 1991 alguien tomó la obra maestra con un martillo y se rompió un pedazo de los dedos de los pies.
