Cualquier amante del arte contemporáneo se habría encontrado con el término «arte de instalación». El arte de instalación ha crecido inmensamente en popularidad en las últimas décadas y se ha convertido en un foco importante de artistas, instituciones de arte y colecciones de arte. Mientras que algunos espectadores han encontrado desafiante la comprensión del arte de la instalación, otros han disfrutado particularmente de su enfoque inmersivo y participativo. Pero, ¿qué es el arte de instalación? Este artículo tendrá como objetivo responder a esta pregunta presentando a algunos artistas de instalación prominentes y explorando interesantes ejemplos de arte de instalación.
¿Qué es el arte de instalación?
El arte de instalación es un término utilizado principalmente para describir obras de arte que se hacen «in situ». Esto significa que la obra se crea o instala dentro del espacio específico donde se pretende ver. Por esta razón, el arte de instalación a veces también se llama «entornos» y a menudo es a gran escala y se crea con una variedad de medios y medios diferentes.
Una obra de arte de instalación a menudo ocupa una habitación completa o espacio de galería que requiere que el espectador camine a través de la obra para experimentarla.
Terraplén (2005 – 2006) de Rachel Whiteread, exhibida en la Tate Modern de Londres, Reino Unido; Gryffindor, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque estas son algunas cualidades comunes del arte de instalación, los límites de lo que se considera arte de instalación se han difuminado desde la introducción del género. La siguiente sección tendrá una mirada más cercana a algunas características del arte de la instalación.
Características del arte de la instalación
El arte de instalación es un género artístico muy versátil, que incluye una miríada de diferentes enfoques, medios y posibilidades. Las obras de arte de instalación a veces pueden ser muy simples, mientras que otras son extravagantemente complejas. La instalación en el arte también puede tomar forma en cualquier espacio, ya sea un espacio de galería, al aire libre o incluso basado en computadora o electrónica.
Una obra de arte de instalación a menudo ocupa una habitación completa o espacio de galería que requiere que el espectador camine a través de la obra para experimentarla.
El arte de instalación a menudo está diseñado para ser inmersivo
El arte de la instalación varía ampliamente, pero en general, su enfoque se centra en la experiencia del espectador de la obra. Las obras de arte de instalación a menudo tienen como objetivo transformar la percepción del espacio del espectador, haciéndolas muy inmersivas.
Mientras que algunas obras de arte de instalación son silenciosas, otras son interactivas y requieren la participación y el compromiso de la audiencia para trabajar.
Vision II (2017) de David Spriggs, hecho de láminas transparentes pintadas en capas; Instituto Técnico, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
La experiencia inmersiva es tan importante para muchos artistas de instalaciones que su objetivo es aumentar la experiencia del espectador mediante la adición de sonido, olor y tacto. Al involucrar los sentidos del espectador, la obra de arte de la instalación a menudo se convierte en un entorno completamente nuevo que los espectadores pueden experimentar.
Es un género artístico popular entre los artistas posmodernos
El arte de instalación es más popular entre los artistas posmodernos, pero no son necesariamente solo los artistas posmodernos los que crean obras de arte de instalación, ni todos los artistas posmodernos se centran en el arte de instalación. El arte de la instalación se desarrolló junto con el arte conceptual, y juntos son los dos géneros artísticos más importantes de Arte posmoderno.
Los artistas posmodernos son conocidos por empujar los límites de lo que se considera «objetos de arte» y a menudo empujaron estos límites tan lejos como pudieron.
10.000 Ciudades en Movimiento (2010 – en curso) de Marc Lee, ubicado en el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Seúl, Corea; Marc Lee, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
El arte de la instalación surgió de este cambio de fronteras, donde los artistas querían hacer un trabajo que no se admirara desde la distancia (como en el caso de una pintura o escultura) sino que se experimentara desde el interior de la obra en sí. En Arte conceptual, el aspecto más importante es la «idea» de la obra de arte y el impacto de la idea en el espectador.
Si bien el artista de la instalación también se preocupa por la idea y el impacto de la idea, también está mucho más orientado materialmente.
Mientras que el arte conceptual «puro» no se ocupa de los materiales utilizados en el arte o su «producto final», el arte de instalación está mucho más enfocado. sobre qué materiales se utilizan para presentar la idea. De esta manera, la instalación está más «fundamentada» que el Arte Conceptual, ya que permanece ligada a materiales físicos y espacios físicos.
La longevidad del arte de instalación varía
El arte de instalación se puede hacer para que sea temporal o permanente. Esto a menudo depende del espacio donde se realiza la pieza de instalación, para quién se crea la instalación y qué materiales se utilizaron para realizar la instalación.
Algunos materiales utilizados en instalaciones de arte a veces pueden ser temporales, por ejemplo, plantas que se deteriorarán y se secarán.
Sin título (Portable Planetarium) (2009) de Sarah Sze, para la Bienal de Lyon en Lyon, Francia; dalbera de París, Francia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Otros trabajos de instalación pueden ser muy específicos del sitio y, por lo tanto, deben eliminarse para que un espacio funcione normalmente después de que la instalación haya seguido su curso. En estos casos, la única forma en que el trabajo de instalación puede vivir es en la documentación de la obra, es decir, en fotografías o vídeos.
En algunos casos, los museos o coleccionistas pueden encargar a un artista que cree una obra de instalación dentro de su espacio para existir dentro del espacio de forma permanente.
El arte de instalación utiliza muchos materiales diferentes
Con su objetivo de inmersión, la instalación en el arte puede tomar muchas formas diferentes y utilizar una miríada de materiales diferentes. Uno puede imaginar el tipo de materiales que los artistas podrían usar para evocar ciertos sonidos, olores, toques o incluso sabores. Por lo tanto, el arte de instalación puede utilizar una amplia gama de materiales, incluidos los más tradicionales como la pintura, la escultura o la fotografía, pero también puede usar medios inusuales como la luz, la electrónica o las proyecciones, la danza y el sonido, o incluso las hojas de té, la hierba y la suciedad.
No hay limitación sobre qué materiales se pueden utilizar en el arte de instalación.
Un arte de instalación de cangrejo loco creado con plásticos de desecho y desechos no biodegradables similares en Fort Kochi (2015); Augustus Binu, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
¿Cómo se desarrolló el arte de la instalación?
El arte de la instalación comenzó a surgir a principios de la década de 1960. Desarrollado junto con el arte conceptual, el arte de la instalación se remonta al artista Marcel Duchamp (1887 – 1968), quien, al traer un urinario al espacio de la galería, llamado Fountain (1917), desafió la definición de arte tal como estaba en ese entonces.
Por lo tanto, el arte de la instalación se inspiró enormemente en el dadaísmo y los artistas de vanguardia de la época.
Geometría irracional (2008) de Pascal Dombis; Cracksinthestreet, dominio público, vía Wikimedia Commons
Estos incluyeron a Kurt Schwitters (1887-1948), El Lissitzky (1890 – 1941), Lucio Fontana (1899 – 1968) y Allan Kaprow (1927 – 2006). Todos estos fueron artistas que comenzaron a considerar la importancia de usar el espacio mucho más en su trabajo.
Ejemplos de arte de instalación que debe conocer
El arte de instalación es un género artístico muy emocionante para explorar y a continuación se presentan algunos de los ejemplos de arte de instalación más reconocibles y memorables jamás realizados. Esta sección analizará a diez artistas que debe conocer que hicieron contribuciones únicas al género del arte de instalación. Se discutirá un trabajo destacado de cada artista para ayudarnos a definir qué es el arte de instalación.
Patio (1961) de Allan Kaprow
| Artista | Allan Kaprow (1927 – 2006) |
| Título de la obra | Patio |
| Fecha | 1961 |
| Medio | Instalación de neumáticos de caucho negro |
| Ubicación | Fuera de la Galería Martha Jackson, Nueva York |
Allan Kaprow es considerado uno de los primeros artistas de instalación y su obra Yard (1961) fue un punto de inflexión en historia del arte. En esta obra, el artista utilizó el patio trasero de la Galería Martha Jackson en Nueva York y lo llenó por completo con una plenitud de neumáticos de goma negra para automóviles.
El artista invitó a los participantes a explorar el patio trasero transformado y subieron y saltaron sobre los neumáticos como si fuera un patio de recreo gigante.
Este trabajo mágico permitió a los visitantes involucrarse con el arte como nunca antes se les había permitido hacer. Kaprow creía que al hacer que los espectadores sean participantes en obras de arte, en lugar de meros espectadores, el arte puede acercarse más a la vida.
De esta manera, Kaprow logró difuminar la línea entre el arte y la vida, que él creía que lo hacía todo mucho más interesante.
El fin del siglo XX (1983 – 1985) de Joseph Beuys
| Artista | Joseph Beuys (1921 – 1986) |
| Título de la obra | El fin del siglo XX |
| Fecha | 1983-1985 |
| Medio | Instalación de roca basáltica con fieltro y arcilla |
| Ubicación | Tate, Londres |
El escultor alemán Joseph Beuys podría ser uno de los artistas más famosos del siglo XX. Beuys realizó El fin del siglo XX, solo un año antes de su muerte, convirtiéndola en una de las últimas obras creadas por este artista monumental. La instalación consta de 31 grandes losas de roca basáltica, dispuestas al azar a través del piso del espacio de la galería.
Cada losa de roca de basalto es única con su propio peso, carácter e historia.
En cada una de las piezas, el artista perforó un agujero cilíndrico, que limó con una mezcla de fieltro y arcilla, y luego pulió para que sea difícilmente reconocible en la roca. La intervención artística de Beuys en esta obra es tan sutil, dejando solo un suave rastro que tuvo una mano en la historia de cada roca de basalto.
Con esta sutil intervención, realizada a principios de siglo, Beuys quiso hacer referencia al peso de la historia que continúa en la nueva era.
Cold Dark Matter: An Exploded View (1991) de Cornelia Parker
| Artista | Cornelia Parker (1956 – presente) |
| Título de la obra | Materia oscura fría: una vista explotada |
| Fecha | 1991 |
| Medio | Instalación de un cobertizo explotado |
| Ubicación | Tate, Londres |
Cornelia Parker es una artista de instalación británica mejor conocida por su trabajo de 1991 titulado Cold Dark Matter: An Exploded View. Su instalación es visualmente impactante y completamente memorable, imitando un cobertizo en medio de la explosión. Para crear esta obra, Parker explotó un cobertizo real, lleno de todo tipo de objetos domésticos, herramientas y juguetes.
Ella, sin embargo, no explotó el cobertizo ella misma, sino que pidió al ejército británico que lo explotara por ella en un campo.
Cold Dark Matter: An Exploded View (1991) de Cornelia Parker, expuesta en la Tate London de Londres, Reino Unido; Caroliney76, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Luego recreó la escena de la explosión en el espacio de la galería, reuniendo todos los fragmentos y suspendiéndolos en el aire. La misteriosa iluminación proyectada sobre la instalación hizo que el objeto una vez familiar se convirtiera en formas de sombra abstractas, y con el título Cold Dark Matter, Parker parece estar trazando paralelismos con la materia oscura en el universo y la explosión que destruyó y creó vida.
El fin del tío Tom y el gran cuadro alegórico de Eva en el cielo (1995) de Kara Walker
| Artista | Kara Walker (1969 – Presente) |
| Título de la obra | El fin del tío Tom y el gran cuadro alegórico de Eva en el cielo |
| Fecha | 1995 |
| Medio | Instalación de siluetas negras |
| Ubicación | Museo de Brooklyn, Nueva York |
La artista estadounidense, Kara Walker, es mejor conocida por sus monumentales siluetas monocromáticas teatrales. Su trabajo a menudo aborda la problemática historia racial de Estados Unidos y toca temas como la raza, la sexualidad, el género, la identidad y la violencia. Su trabajo tiene una fuerte calidad narrativa, que se puede ver en sus títulos a menudo largos.
Sus obras están inspiradas en eventos históricos, similar a cómo se usaron las pinturas de historia para conmemorar eventos notables como las victorias de guerra.
Sin embargo, a diferencia de estas pinturas históricas, las siluetas de Walker son más ambiguas y el evento representado a menudo no está claro. Interpretando escenas contra las paredes de la galería, las siluetas de Walker realizan narrativas de violencia de una manera que aún permite la interpretación de la audiencia.
Walker crea esta ambigüedad deliberadamente, argumentando que la generalización de sus siluetas se asemeja a cómo los estadounidenses negros han sido y están siendo estereotipados, que es algo que ella desea revelar.
Mi cama (1998) de Tracey Emin
| Artista | Tracey Emin (1963 – Presente) |
| Título de la obra | Mi cama |
| Fecha | 1998 |
| Medio | Encontrado sucediendo |
| Ubicación | Tate, Londen |
La controvertida instalación de arte de Tracey Emin, My Bed, cambió el rumbo de Arte de instalación cuando se exhibió en 1998. La instalación artística de Emin tomó la forma de una autobiografía visual literal. En este trabajo, que ha inspirado cantidades iguales de críticas y elogios a lo largo de los años, Emin mostró su propia cama después de pasar cuatro días con depresión en ella, después de una ruptura traumática de la relación.
La cama estaba exhibida en un desorden, cubierta y rodeada de condones realmente usados, ropa interior manchada de sangre y botellas vacías.
La instalación es descaradamente realista, ya que ofrece una instantánea visual de la vida del artista en un momento de crisis. Mientras que algunos describieron el trabajo como delirante, narcisista y ensimismado, otros lo vieron como un trabajo seminal que es poderoso y auténtico debido a su realismo sin disculpas.
Los críticos, sin embargo, estuvieron de acuerdo en que la obra trajo una intimidad al espacio de la galería que era innegable.
Obra Nº 227: Las luces encendidas y apagadas (2000) de Martin Creed
| Artista | Martin Creed (1968 – presente) |
| Título de la obra | Obra Nº 227: Las luces encendidas y apagadas |
| Fecha | 2000 |
| Medio | Instalación de una habitación vacía con una luz |
| Ubicación | Tate, Londres |
El Trabajo No. 227 de Martin Creed: Las luces que se encienden y apagan es posiblemente una de las piezas más simples y mínimas de arte de instalación que existen hasta el día de hoy. La instalación de Creed consiste en una habitación vacía que se iluminará y oscurecerá en patrones recurrentes de cinco segundos encendidos y 5 segundos apagados.
Este trabajo increíblemente sutil hizo que muchas personas se preguntaran cómo se puede considerar arte en absoluto. En toda su simplicidad, era una obra de arte que hacía que la gente hablara y captaba la atención del público.
¿De qué se trata entonces el trabajo? Work No. 227: The lights going on on and off es una obra de arte de instalación conceptual que utiliza la iluminación de una habitación como una forma de hacer que los espectadores reconsideren las cosas que damos por sentado en nuestra vida cotidiana.
Esta instalación minimalista juega con las expectativas del espectador y los artistas querían que la gente interactuara con el espacio desde un espacio de confusión.
El objetivo era cambiar las expectativas preconcebidas del espectador para permitirle obtener nuevas perspectivas. A través de la completa simplicidad y mundanidad de la obra, Creed obligó al espectador a interactuar de manera diferente con esta habitación aparentemente estática.
La cena (2002) de Judy Chicago
| Artista | Judy Chicago (1939 – presente) |
| Título de la obra | La cena |
| Fecha | 2002 |
| Medio | Instalación de una mesa de comedor triangular con treinta y nueve configuraciones de lugares |
| Ubicación | Museo de Brooklyn, Nueva York |
Judy Chicago es una icónica artista y escritora feminista. Su obra de arte de instalación The Dinner Party (2002) se ha convertido en un monumento a la historia de las mujeres. La obra consiste en una gran mesa de banquete ceremonial triangular, con capacidad para 39 invitados, todas mujeres de honor, ya sea histórica o míticamente.
La mesa está adornada con corredores bordados, utensilios dorados y platos de porcelana que se asemejan con orgullo a la vulva femenina, y cada invitado tiene un diseño único que los simboliza.
La mesa tiene 39 configuraciones de lugares que honran a una mujer importante, ya sea histórica o míticamente. Cada mesa es personalizada y los invitados incluyen artistas femeninas, activistas, académicos e incluso diosas. En el suelo, debajo de la mesa, hay otros 999 nombres femeninos, inscritos con oro en una baldosa blanca. En esta instalación, se invita a los espectadores a caminar alrededor de la mesa, inspeccionando los nombres de los invitados a ser honrados.
Los artistas eligieron nombres de mujeres que habían estado subrepresentadas en la historia y, a través de la audiencia que veía la obra, la obra de arte se convirtió en el evento de la cena en sí.
El proyecto del tiempo (2003) de Olafur Eliasson
| Artista | Olafur Eliasson (1967 – presente) |
| Título de la obra | El Proyecto Meteorológico |
| Fecha | 2003 |
| Medio | Instalación de espejos, luz y niebla. |
| Ubicación | Tate Modern Turbine Hall, Berlín |
En esta instalación increíblemente inmersiva y surrealista, el artista de instalación danés-islandés Olafur Eliasson cambió las condiciones climáticas dentro de la Sala de Turbinas de la Tate Modern. En este ambicioso trabajo, Eliasson transformó el espacio creando el efecto de un sol masivo que brilla a través de la fina niebla que cuelga en el espacio.
El brillo dorado del sol artificial se hizo con lámparas de baja frecuencia que dominaban el espacio, dando a todo a su alrededor una iluminación mágica de negro y oro.
The Weather Project (2003) de Olafur Eliasson, expuesto en la Tate Modern de Londres, Reino Unido; Michael Reeve, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Las lámparas de baja frecuencia se ensamblan en un semicírculo que brilla contra la parte superior de la pared, encontrándose con el techo. El semicírculo se refleja en el techo, que el artista había cubierto de espejos, completando la forma de círculo completo de un sol. El techo espejado también refleja las formas de los espectadores, y muchos de ellos se acostaron en el suelo para verse flotando en el brillante cielo naranja de arriba.
Eliasson es un artista descrito como un maestro de la ilusión, utilizando la ciencia de la luz para orquestar sus maravillosas e inmersivas creaciones.
Tú (2007) de Urs Fischer
| Artista | Urs Fischer (1973 – Presente) |
| Título de la obra | Tú |
| Fecha | 2007 |
| Medio | Instalación de un cráter en el piso de la galería |
| Ubicación | Gavin Brown’s Enterprise, Nueva York |
La instalación de Urs Fischer titulada You (2007) es una obra de arte que se basa en la eliminación en lugar de la adición. En este trabajo, Fischer transformó un espacio de galería en la ciudad de Nueva York destruyendo su piso de concreto. Al arrancar el piso, Fischer creó un vacío que llenó de tierra.
Este enorme cráter de tierra creado por el artista tenía más de dos metros de profundidad y se extendía a todos los rincones del espacio de la galería de paredes blancas, midiendo aproximadamente nueve por once metros.
Los espectadores describieron la experiencia de la obra como «emocionante», ya que se pararon en los bordes del agujero, mirando hacia el paisaje ahora de aspecto natural creado dentro de la galería. La obra plantea la pregunta de cuál es el tole del espacio tradicional de la galería y qué constituye que el arte sea digno de ser exhibido en dicho espacio.
Infinity Mirrored Room – Las almas de millones de años luz de distancia (2013) de Yayoi Kusama
| Artista | Yayoi Kusama (1929 – presente) |
| Título de la obra | Infinity Mirrored Room – Las almas de millones de años luz de distancia |
| Fecha | 2013 |
| Medio | Instalación de paneles espejados y luces de colores |
| Ubicación | La Galería de Arte de Ontario |
El artista de instalación japonés, Yayoi Kusama, es uno de los artistas de instalación más interesantes e icónicos de nuestro tiempo. Las famosas salas infinitas de Kusama han capturado la imaginación del público desde 1965 con su obra maestra Infinity Mirror Room: Phalli’s Field. En este trabajo, Kusama usó espejos para elevar el efecto de sus trabajos textiles anteriores de formas de tela fálica con lunares.
Desde el éxito de este trabajo, Kusama continuó haciendo más de veinte «Infinity Rooms» más distintas, todas diferentes en tamaño, medio y alcance de la participación de la audiencia.
Infinity Mirrored Room – The Souls of Millions of Light Years Away (2013) de Yayoi Kusama; Ron Cogswell de Arlington, Virginia, EE.UU., CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Su instalación Infinity Mirrored Room – The Souls of Millions of Light Years Away (2013) es solo una de las numerosas inmersivas ‘Infinity Rooms’ que se ha vuelto tan popular entre los espectadores de todo el mundo que ha sido apodada «la artista del infinito». Esta instalación específica se realiza cubriendo todas las paredes, techos y pisos de un espacio cerrado con espejos.
El artista luego tiene una red de pequeñas luces de colores proyectadas en diferentes direcciones sobre la habitación completamente oscura.
Como resultado, todo el espacio se convierte en una infinidad de luces, refractándose en todas las superficies espejadas y multiplicándose en infinito. El efecto visual de la obra es tan fuerte que el espectador se siente inmerso en un espacio infinito como si estuviera de pie entre las estrellas. Además, la experiencia del espectador se hace aún más surrealista al ver su reflejo reflejado y disperso por toda la habitación.
Preguntas Frecuentes
¿Cómo se debe interactuar o interactuar con el arte de instalación?
La forma en que un espectador interactúa con las obras de arte de la instalación dependerá de cada obra. A menudo, se espera que los espectadores caminen a través de la instalación para apreciarla y comprometerse plenamente con ella. Sin embargo, algunas instalaciones pueden ser demasiado frágiles para permitir que el espectador camine a través de ellas y requiere que el espectador camine a su alrededor o incluso las mire desde una ventana o puerta. Otras obras pueden requerir que el espectador participe físicamente en la obra para que cobre vida. Al visitar instalaciones de arte, la mayoría de los artistas o instituciones podrán explicar al espectador la mejor manera de interactuar con cada obra diferente.
¿Los artistas todavía hacen arte de instalación?
El arte de instalación sigue siendo una de las formas de arte más dominantes que los artistas contemporáneos eligen usar. El género también continúa creciendo y transformándose con el avance de las tecnologías, por ejemplo, la realidad virtual. De esta manera, el arte de la instalación continúa reinventándose y actualizándose y, por lo tanto, continúa siendo relevante y dinámico.
¿Qué sucede con las obras de arte de instalación después de que se exhiben?
Una obra de arte de instalación se crea en torno al enfoque principal de la experiencia que puede proporcionar y no en su valor como mercancía. Más allá de esto, no todos los materiales utilizados en las instalaciones son elegidos para su permanencia. En estos casos, la instalación simplemente se retirará después de que se exhibió y las fotografías o películas de la instalación serán la única forma de que la obra de arte viva. Sin embargo, hay casos en los que las obras de instalación son compradas por un coleccionista o institución. En este caso, lo más probable es que la obra sea desmantelada por el artista y reensamblada en un nuevo espacio elegido por el comprador. En otro escenario, el artista podría dar instrucciones de instalación al comprador sobre cómo se debe instalar la obra en caso de que se incluya en alguna vitrina futura.
