¿Qué es el arte de tallar madera? Podemos ver que las obras de arte talladas en madera son tan frecuentes y queridas como siempre visitando algunas de las galerías de arte y subastas más prestigiosas del mundo. Las obras de arte en madera siempre han despertado la imaginación de diseñadores y artistas debido a su accesibilidad y relativa facilidad de tallado. La evolución del arte de la talla es muy paralela a la del arte en su conjunto a lo largo del tiempo, desde su uso principalmente para esculturas devocionales y religiosas de talla de madera hasta su metamorfosis en formas abstractas.
La historia del arte de la talla de madera
De estar finamente terminadas y coloreadas a ser apreciadas por su belleza y textura orgánicas, las esculturas de madera no solo tomaron las formas que los artistas imaginaron, sino que también fueron valoradas por su atractivo estético.
Sin embargo, además de sus características básicas, las obras de arte en madera estaban cargadas de otras connotaciones culturales y sociales que influyeron en la forma en que se utilizaron.
Figura de madera Mambila de Nigeria; Siren-Com, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Las esculturas de madera en el arte occidental evolucionaron de ser utilizadas en profusión y ser vistas como un material de valor cultural inferior a, por ejemplo, el mármol, a ser elogiadas y frecuentemente empleadas por artistas contemporáneos. Hoy exploraremos la historia del arte de la talla, así como profundizaremos en los ejemplos de talla de madera y las técnicas de talla de madera que fueron empleadas por los artistas a lo largo de los años.
Escultura de talla de madera en la Edad Media
Aunque la práctica de crear obras de arte en madera se remonta a tiempos prehistóricos cuando las esculturas de madera cumplían un papel ceremonial específico (el más antiguo de estos ejemplos de talla de madera es el ídolo de Shigir, tallado hace aproximadamente 11,000 años), comenzaremos con la Edad Media.
El cristianismo reconoció el uso de la madera por razones religiosas desde el principio, tallando cruces y diferentes imágenes sagradas y santos de ella.
El Gran Ídolo Shigir, almacenado en el Museo Regional de Sverdlovsk de la Tradición Local (Ekaterimburgo), es la escultura de madera más antigua conocida en el mundo. La datación radiactiva realizada en 1997 mostró que su edad es de unos 11.600 años; Владислав Фальшивомонетчик, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Muchos de los tesoros de esculturas talladas en madera desaparecieron a lo largo de los años debido a su perecederidad y sensibilidad al agua, insectos y hongos. La Edad Media también limitó el número de cuentos visuales que los artistas podían contar, que en su mayoría se decidían en conferencias religiosas donde los dogmas se obedecían estrictamente y las instrucciones sobre lo que estaba permitido y lo que no gobernaba la mayoría de los esfuerzos artísticos de la época. El Altar de la Santa Sangre, el Crucifijo de Gero y la Piedad de Röttgen son algunos de los muchos ejemplos de talla de madera que se destacan.
Alemania fue una de las regiones de arte de talla de madera más productivas, produciendo varias obras maestras. La madera fue elaborada para vigas, retablos, bustos de retratos y relieves, además de figuras.
Arte renacentista de talla de madera y más allá
El tono predominante y la comprensión del lugar de los humanos en el esquema más amplio de las cosas cambiaron de lo periférico al núcleo, por así decirlo, con la llegada del Renacimiento. La noción de Uomo Universale, un Hombre Universal que es el centro del cosmos, fue creada por Humanismo renacentista y uno de sus pensadores más importantes, León Battista Alberti.
Este concepto fue inmediatamente aceptado por las prácticas artísticas, que comenzaron a alejar su atención de los temas religiosos y hacia representaciones negativas de la experiencia humana.
Magdalena penitente (María Magdalena) (desde 1453 hasta 1455) por Donatello, ubicado en el Museo dell’Opera del Duomo en Florencia, Italia; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
La popularidad de los retratos y esculturas seculares creció dramáticamente, pero debido al deseo de preservar la imagen de uno para la posteridad, la madera no siempre fue la primera opción de los artesanos. Sin embargo, el arte de la talla continuó evolucionando a lo largo de este período, con el maravillosamente tallado San Juan Bautista de Donatello (1457) en Venecia y la Magdalena Penitente (1453-1455) que sobreviven hoy en Florencia como dos ejemplos notables.
Clasicismo de las obras de arte en madera
Tras el renacimiento del interés en el arte antiguo provocado por los libros de Johann Joachim Winckelmann, el clasicismo llegó con un apetito insaciable por la maestría.rble. La madera se limitó a la decoración y el diseño como resultado de la tendencia a copiar antiguas esculturas grecorromanas, siendo la escuela de arte de talla de madera de Grinling Gibbons en Inglaterra una de las más prominentes.
Las repisas, los paneles de las puertas y las entradas fueron tallados en madera, y el siglo 18 vio un aumento en la fabricación de cabezas de querubines de madera. El arte de la talla se introdujo en el plan de estudios de las escuelas de arte en varias naciones europeas alrededor del cambio del siglo 19.
Talla de madera de Grinling Gibbons en los apartamentos del rey Guillermo III en el Palacio de Hampton Court, Reino Unido; Camster2, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Escultura moderna de talla de madera
Después de la liberalización de los géneros artísticos, que llevó a la diversificación de los materiales, los artesanos modernos volvieron a la carpintería. Henry Moore, Constantin Brancusi, Xawery Dunikowski, Paul Gauguin, Barbara Hepworth y Louise Nevelson se encuentran entre los muchos artistas conocidos por sus habilidades de carpintería.
Moore es famoso por sus esculturas de madera pulida, como Figura reclinada de 1936; Gauguin siguió las técnicas tradicionales de talla de madera de Tahití haciendo relieves de madera, mientras que Nevelson produjo ensamblajes de componentes de madera encontrados.
Escultura de madera realizada por Alexander Grabovetskiy; Alexander A. Grabovetskiy, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Implicaciones culturales del arte de talla de madera
La madera fue el material principal para muchos creativos de Oceanía, África, América y Australia, además de ser empleado en las civilizaciones occidentales. La madera es uno de los principales vehículos de expresión en el arte aborigen, por ejemplo, y el Medio Oriente tiene un largo legado de carpintería.
Detalle de la Última Cena de Tilman Riemenschneider Altar de la Santa Sangre (1501 – 1505), situado en Rothenburg ob der Tauber, Alemania; Tilman2007, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Los artistas emplean este material por una variedad de razones, incluidos objetivos decorativos y razones religiosas o ceremoniales, pero su uso fue malinterpretado en el entorno colonial como una indicación de los niveles culturales folclóricos y generalmente rudimentarios de las personas que lo usaban.
Mientras que Europa subordinó gradualmente la madera al ámbito del diseño ornamental, otras naciones interpretaron la carpintería a través del folclore y la tradición. Las máscaras africanas, que posteriormente influyeron en Picasso y en movimientos como el fauvismo y el expresionismo, fueron vistas como artículos ceremoniales con poco o ningún mérito estético.
Los aspectos culturales adversos de las obras de arte en madera son ahora parte de la historia, gracias a los cambios políticos y culturales en la segunda mitad del siglo 20 e incluso más allá, y la talla en madera es tan apreciada, valorada y utilizada como cualquier otro. Mientras que los artesanos continúan tallando madera en magníficos artículos de arte, el interés en la madera y su calidad parece ser grande.
Técnicas de tallado en madera
Se utiliza un cuchillo de talla específico para tallar y cortar la madera; una gubia con un extremo afilado curvo se utiliza para hacer depresiones y curvas; se utiliza una gubia especializada que tiene un borde en forma de U; se utiliza un cincel de borde recto para las líneas, y se utilizan diferentes martillos para tallar la madera.
El escultor comienza seleccionando una pieza de madera que sea adecuada para la forma y dimensión de su trabajo.
Una selección de herramientas manuales de talla de madera: 3 gubias de cola de pez, una herramienta de despedida en V, 4 gubias rectas, 3 gubias de cuchara y un mazo de talladores; Aerolin55, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
A continuación, corta la madera a una forma aproximada con gubias de varios diámetros, que refina con una gama de herramientas como veteadores. Después de terminar el meticuloso trabajo, el escultor alisa las superficies con rifflers y raspas, así como diferentes grados de papel de lija. Finalmente, tiñe la escultura con aceite de linaza o nuez, luego la pinta con resina, barniz o cera para enriquecerla y preservarla.
Famosos artistas de talla de madera y obras de arte
Personas de todo el mundo han utilizado materiales disponibles como la piedra y la madera para transmitir sus creencias más fundamentales a lo largo de la historia. Como resultado, el arte ha florecido siglo tras siglo, distinguiéndose por ideales sutiles que llevan las tradiciones de nuestros antepasados.
Con la intención de compartir la belleza, el conocimiento y el talento mezclados por los brillantes Maestros escultores de madera, hemos producido una lista de los ejemplos de talla de madera más notables a continuación.
Röttgen Pietà (1325) por Desconocido
| Fecha de finalización | 1325 |
| Escultor | Desconocido |
| Medio | Madera pintada |
| Ubicación | Landesmuseum |
La Piedad, que apareció por primera vez como una figura devocional distinta a finales del siglo 13, es uno de los tipos de representación más profundamente conmovedores en Arte cristiano. La Piedad en el Rheinisches Landesmuseum de Bonn es una de las más conocidas porque es extremadamente emotiva. Se ve a la Virgen sosteniendo al Cristo muerto en su regazo en esta talla de madera.
El dolor de la pérdida ha torcido su cuerpo. Es una de las primeras esculturas de su tipo, y es notable por su clara y fuerte representación de la angustia.
Es difícil no sentir nada al mirar la Piedad Röttgen, tal vez aversión, terror o disgusto. Es aterrador, pero cuanto más lo miras, más fascinante se vuelve. Esto es parte de Arte gótico belleza y drama, que intentaron provocar una reacción emocional de las audiencias medievales. La divinidad de Cristo fue enfatizada en representaciones medievales anteriores de Cristo. Cristo está en la crucifixión en estas obras de arte, pero nunca sufre.
Estas imágenes de crucifixión pertenecen a una categoría conocida como «Christus Triumphans». Cristo permanece erguido y alerta en la crucifixión, resistente a la angustia humana ya que su divinidad supera todos los componentes humanos.
María Magdalena (1500) por Gregor Erhart
| Fecha de finalización | 1500 |
| Escultor | Gregorio Erhart |
| Medio | Madera de cal policromada |
| Ubicación | Musée du Louvre, París |
Esta conocida escultura también se conoce como La Belle Allemande, y es posible que se inspirara en una impresión de Durero de aproximadamente 1500. La desnudez corporal unificada y pacífica de la santa resaltada y cubierta por sus trenzas, y la gracia de su postura girando en un sutil contrapposto, exponer un impulso de belleza carnal a estas alturas en el espíritu renacentista. La obra fue creada por el escultor del período gótico tardío, Gregor Erhart. Los ángeles de apoyo fueron finalmente retirados de la obra de arte.
La Colección Siegfried Lammle puso la figura de madera a la venta en el mercado de arte alemán a finales de 1800, y el Museo del Louvre de París finalmente la compró en 1902.
María Magdalena (1500) de Gregor Erhart, ubicada en el Museo del Louvre en París, Francia; Gregor Erhart, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
La elegancia serena y el rostro amable del santo indican el delicado estilo de la tradición gótica tardía de Suabia, mientras que la cadera empujada, que sugiere un artilugio tradicional, y la simetría y plenitud del cuerpo desnudo reflejan una época renacentista que lucha por la belleza formal.
Desarrolla curvas femeninas, músculos tensos y una gran conciencia sensual en lugar de un cuerpo delgado y antinatural en el estilo gótico.
Altar de la Santa Sangre (1505) por Tilman Riemenschneider
| Fecha de finalización | 1605 |
| Escultor | Tilman Riemenschneider |
| Medio | Madera |
| Ubicación | Rothenburg, Alemania |
En 1499, el ayuntamiento de Rothenburg ordenó el altar como una presentación más magnífica para la custodia que llevaba la venerada reliquia de la Santa Sangre de la ciudad. Tilman Riemenschneider, un conocido escultor de Würzburg, fue contratado para esculpir las figuras del altar, mientras que Erhard Harschner, un artesano local, construyó el marco básico y la estructura. El Altar había sido terminado en 1595 y puesto en la brillante Capilla de la Santa Sangre en el ábside occidental de la Iglesia de Santiago.
Tenía 9,7 metros de altura y, al igual que las ventanas y columnas de la iglesia, parecía elevarse al cielo con una estructura de marco delgado que contrastaba con los altares sustanciales de la época.
Altar de la Santa Sangre (1505) de Tilman Riemenschneider, ubicado en Rothenburg, Alemania; Tilman Riemenschneider, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los visitantes continúan acudiendo en masa a la St.-Jakobs-Kirche todos los días, ya que Rothenburg es la parada más popular en la Ruta Romántica, y el altar es un punto culminante estético. La reliquia de la Santa Sangre permanece en posición en la parte superior del altar, a pesar de que la Iglesia de Santiago ha sido luterana durante más de 500 años y la mayoría de los turistas vienen a ver la obra de arte.
El Descenso de la Cruz (1508) por Jacopo Sansovino
| Fecha de finalización | 1508 |
| Escultor | Jacopo Sansovino |
| Medio | Cera dorada y madera |
| Ubicación | Museo V& A |
En el centro, Cristo es representado como siendo izado de la Crucifixión. Los dos ladrones ya han sido aprehendidos. Dos hombres tropiezan a la derecha bajo la carga de uno de ellos, mientras que el ladrón contrito se enreda en la escalera apoyado contra su cruz. Dos de las Marías y San Juan rodean la imagen desmayada de la Virgen. Las «herramientas de la Pasión» están esparcidas por el suelo.
La imagen es idéntica a la reportada por Giorgio Vasari, el famoso pintor y escritor, quien afirmó que cuando estaba en Roma, Jacopo Sansovino construyó una estatua de cera de la obra para que Perugino la utilizara.
El Descendimiento de la Cruz (1508) de Jacopo Sansovino, ubicado en el Museo V&A; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Esto es probablemente correcto, ya que todavía existen copias de una pintura de Perugino que se basa en el modelo actual. Este modelo parece haber inspirado también una pintura temprana de Andrea del Sarto en Venecia. Sansovino nació y se educó en Florencia, aunque pasó un tiempo en Roma antes de mudarse a Venecia en 1527. Saltó a la fama como un notable escultor y arquitecto en la ciudad, desarrollando una gran escuela de seguidores que trabajaron predominantemente en bronce y mármol.
El modelo se coloca en un tabernáculo de madera que se origina a principios del siglo 16. La figura estaba en posesión de Giovanni Gaddi en Florencia alrededor de 1550, e Ignazio Hugford la compró a Casa Gaddi en 1766. Huxford podría ser quien repintó el campo ahora descolorido en el tablero trasero.
En 1855, el modelo fue agregado a la colección de Ottavio Gigli, y fue una de las obras compradas para el museo.
Saludo angélico (1518) por Veit Stoss
| Fecha de finalización | 1518 |
| Escultor | Veit Stoss |
| Medio | Madera de cal |
| Ubicación | Nuremberg, Alemania |
El Arcángel Gabriel y la Virgen María están rodeados por un enjambre de angelitos, muchos de los cuales están haciendo sonar con entusiasmo las campanas o tocando instrumentos. Las esculturas están rodeadas por una guirnalda de rosas con ocho medallones que representan episodios de la vida de la Virgen y de Jesús. Stoss diseñó una corona dorada para colgar sobre el marco, pero desde entonces ha desaparecido. Para iluminar la escultura de Stoss, Tucher encargó al artesano Jakob Pulmann que construyera e instalara un candelabro de hierro que contenía una pequeña figura de María.
El conjunto fue creado en la cúspide de la Reforma alemana, cuando los radicales luteranos comenzaron a preguntarse sobre la necesidad y el propósito del arte sacro, introduciendo conceptos de Iconoclasm.
Tucher y la ciudad abandonaron el catolicismo en favor del luteranismo en 1525. Desde 1519, una tela verde se ha cubierto sobre la obra, excepto en los días santos, cuando se permite su exposición. El sudario había sido considerado durante mucho tiempo como forzado por los iconoclastas, pero el descubrimiento de un documento escrito por Tucher en el siglo 20 encontró mención del pago por la tela, mostrando que el velo era parte del diseño inicial.
Angelic Salutation (1518) de Veit Stoss, ubicada en Nuremberg, Alemania; Veit Stoss, dominio público, vía Wikimedia Commons
Fue visto como únicamente devocional, sin propósito litúrgico, a finales de la década de 1520; honraba a María en lugar de a Cristo y se concentraba en el rosario, que había caído en desgracia con los luteranos. Era costoso de mantener, y se sugirió que el dinero gastado en él debería gastarse mejor en ayudar a los necesitados.
El trabajo generalmente se salvó de la demolición ya que se consideraba propiedad privada de la acomodada y poderosa familia Tucher. Religioso arte encargado por la aristocracia se salvó generalmente en la Alemania posterior a la reforma si se tomaba en una colección personal. A pesar de esto, se le permitió permanecer, aunque encubierto, en un espacio público, demostrando el orgullo de Nuremberg por su historia. Solo la corona fue desmantelada y demolida, mientras que la pieza central fue parcialmente cubierta y desactivada.
El proyecto todavía estaba en peligro, y fue apodado «una vergüenza para Nuremberg». Para ahorrar dinero, se inició una colección para reemplazar la suspensión metálica con cáñamo. Esta cuerda, sin embargo, se rompió en 1817. El «Saludo Angélico» no fue completamente expuesto y puesto a disposición del público hasta finales del siglo 19.
Talla en madera de un Cravat (1690) por Grinling Gibbons
| Fecha de finalización | 1690 |
| Escultor | Gibones sonrientes |
| Medio | Madera de cal |
| Ubicación | Museo V& A |
Este cravat de madera de tamaño natural está hecho a mano en el estilo de encaje veneciano de punta de aguja. Fue tallado para mostrar el talento del tallador. En los esquemas ornamentales arquitectónicos vinculados con Gibbons, se pueden encontrar cravats similares. Esta escultura probablemente fue creada para atraer y exhibir posibles mecenas. El cravat era propiedad de Horace Walpole, un tallador de madera que admiraba el arte de Gibbons. La talla de Gibbons se exhibió en un salón en la casa de su familia en Norfolk.
Aunque esta atribución ya no se reconoce, Walpole creía que una de las estatuas de marfil en su gabinete, una que representaba a Judith con la cabeza de Holofernes, también fue esculpida por Gibbons.
El cravat de Gibbons se exhibió en strawberry Hill’s Tribune Room con el gabinete Walpole. Pertenecía al inventario de Horace Walpole de artículos pequeños únicos. Walpole se puso el cravat para dar la bienvenida a algunos notables huéspedes españoles, franceses y portugueses a su residencia de Strawberry Hill en Twickenham en 1769.
Catedral del cielo (1982) de Louise Nevelson
| Fecha de finalización | 1982 |
| Escultor | Luisa Nevelson |
| Medio | Madera pintada |
| Ubicación | Museo de Arte Smithsonian |
El enorme tamaño y el efecto dramático de las esculturas murales de Nevelson complementaron la gran personalidad del artista. La pintura negra atrajo al artista porque evocaba «totalidad, tranquilidad y magnificencia». Los rastros espectrales de los elementos fracturados son recogidos lentamente por la luz, creando una escritura ilusoria sobre la superficie negra aterciopelada. Sky Cathedral sugiere «las esferas celestes, las áreas entre la tierra y el mar», como lo describe Nevelson, que se encuentran más allá de nuestra conciencia habitual.
Con sus esculturas monocromáticas de madera compuestas por estructuras en forma de caja y artículos anidados, Louise Nevelson, una notable artista del siglo XX, estableció un sitio específico y arte de instalación.
Sus primeras esculturas totalmente negras revelaron un enfoque en la sombra y el espacio, creando un vocabulario visual que llegaría a caracterizar la mayor parte de su trabajo desde mediados de la década de 1950 en adelante. Los trabajos de Nevelson investigan las posibilidades relacionadas de la escultura y el medio ambiente, encapsulando la objetivación del mundo externo en un entorno personal.
La madera se ha utilizado durante mucho tiempo para crear esculturas, pero no dura tanto como otros materiales primarios como la piedra y el cobre, ya que es susceptible al deterioro, el daño por plagas y el fuego. Como resultado, es un aspecto oculto esencial de la historia del arte de muchas naciones. En la mayoría de las regiones del mundo, las esculturas exteriores de madera no permanecen mucho tiempo, por lo tanto, los orígenes de las tradiciones de tótems no están claros. La madera se utiliza en muchas de las esculturas más notables de Japón y China, así como en la gran mayoría de las esculturas oceánicas, africanas y otras esculturas regionales.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte de tallar madera?
El arte de talla de madera es un tipo de carpintería que implica el uso de una mano para sostener una herramienta de corte, dos manos para sostener un cincel, una mano para usar un cincel y una mano para sostener un mazo para crear una figura o estatuilla de madera, o adorno escultórico en un objeto de madera. El término también puede referirse al resultado final, que puede ir desde esculturas individuales hasta molduras hechas a mano que componen una tracería.
¿Qué papel jugó la religión en el arte temprano de la talla?
Al principio de su historia, el cristianismo reconoció el uso de la madera con fines religiosos, tallando cruces y varias imágenes sagradas y santos de ella. Debido a su perecederidad y vulnerabilidad al agua, plagas y hongos, muchas de las gemas de escultura talladas en madera han perecido a lo largo del tiempo. El número de cuentos visuales que los artistas podían contar también fue limitado durante la Edad Media, ya que la mayoría de los esfuerzos artísticos de la época se regían por conferencias religiosas donde los dogmas se seguían estrictamente, y las instrucciones sobre lo que estaba permitido y lo que no gobernaba la mayor parte de los esfuerzos artísticos de la época.
