El arte funcional es una forma de arte que a menudo se pasa por alto, sin embargo, es muy interesante, emocionante y, a diferencia del arte por el arte, ¡también es útil! El arte funcional, también llamado «arte utilitario», ha existido durante siglos y se extiende por muchas culturas diferentes. En pocas palabras, el arte funcional se refiere a objetos de arte que se crean teniendo en cuenta tanto la estética como la utilidad. Incluyendo todo, desde la escultura funcional hasta los muebles, la vajilla y la iluminación, este artículo revela qué es la funcionalidad y cuándo se convierte en arte.
¿Qué es el arte funcional?
Para proporcionar una definición de arte funcional, es útil preguntar primero «¿qué es la funcionalidad?» La funcionalidad es la calidad de un producto u objeto que describe su idoneidad para servir a su propósito previsto. Por lo tanto, la funcionalidad describe cuán prácticos son los objetos funcionales.
Al pensar en el arte funcional o utilitario, se refiere así a un objeto que tiene una función práctica y estética.
La escultura de cerámica Music Lesson, creada por la fábrica de porcelana de Chelsea (c. 1765). Ubicado en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Fábrica de porcelana de Chelsea, CC0, vía Wikimedia Commons
Por lo general, el arte se recopila, se muestra o se almacena cuidadosamente. El arte funcional, que no solo tiene un propósito decorativo sino que también tiene usos prácticos, es tan coleccionable y puede ser tan valioso como cualquier otra forma de arte. Cada vez más galerías exhiben objetos funcionales en sus exposiciones, y también son ávidamente adquiridos por coleccionistas.
La definición de arte funcional es notablemente inclusiva y la siguiente sección profundizará en la multitud de diferentes ejemplos y formas de arte funcional.
¿Cómo se desarrolló el arte funcional?
Una de las instituciones más importantes que jugó un papel vital en el desarrollo del arte funcional fue la escuela Bauhaus. La escuela Bauhaus fue fundada en 1919 por el arquitecto alemán Walter Gropius. La visión de la institución era educar a sus estudiantes de tal manera que difuminara la línea entre el diseño y el alto arte. La escuela tenía un plan de estudios inusual y tenía artistas en ejercicio como Wassily Kandinsky y Paul Klee como maestros.
La presión del gobierno nazi y las dificultades financieras obligaron a la escuela a cerrar en 1933, pero sus enseñanzas fueron tan influyentes que dejan su huella en el arte hasta el día de hoy.
Hoy en día, la influencia del enfoque de la Bauhaus en la unificación de la función y el diseño todavía se puede ver en la arquitectura, el diseño y las bellas artes. Muchas universidades e institutos de arte de todo el mundo hoy en día tienen departamentos conjuntos con arquitectura y diseño. Esto, sin embargo, no solo es cierto en el caso de las instituciones educativas, sino también para los museos y galerías.
El Edificio Bauhaus en Dessau, que fue diseñado por Walter Gropius. Fue la más longeva de las tres localidades de la Bauhaus (1925-1932); Spyrosdrakopoulos, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
En 1932, el Museo de Arte Moderno abrió su departamento de arquitectura y diseño, convirtiéndolo en una de las primeras instituciones museísticas en reconocer la relevancia y el significado del arte funcional. El arte funcional, sin embargo, existía mucho antes del siglo 20 y la escuela Bauhaus.
Las colecciones de diseño del Museo de Arte Moderno honran esta historia a través de su colección de objetos de arte funcional que se extienden a lo largo de más de ocho décadas.
La colección también incluye una amplia gama de objetos, que van desde automóviles y helicópteros hasta vajillas y electrodomésticos. El Museo, fiel a su visión, centra su colección en los tiempos modernos. El arte funcional, sin embargo, se remonta a siglos atrás y la colección y apreciación del arte utilitario tampoco es un fenómeno nuevo, ya que se remonta a las culturas antiguas.
Ejemplos de arte funcional
Al responder a la pregunta «¿qué es el arte funcional?», es útil considerar algunos ejemplos de arte funcional. Desde antiguos jarrones chinos hasta escultura funcional, iluminación y muebles, el género de arte funcional es muy inclusivo.
La cerámica y los muebles son los ejemplos más comunes de arte funcional, ya que pueden ser hermosos y conceptuales en diseño y arte.
Otros ejemplos interesantes incluyen accesorios como manijas de puertas o golpeadores que se recogen debido a sus cualidades artísticas y significado cultural. Sin embargo, hay muchas otras formas de arte funcional y algunas de las más significativas.Los ejemplos de cant se discuten en la sección a continuación.
Sofá Mae West Lips (1972) de Salvador Dalí
| Artista | Salvador Dalí |
| Título de la obra | Sofá Mae West lips |
| Fecha | 1972 |
| Medio | Espuma de poliuretano con un recubrimiento de polidur rojo |
| Tamaño (cm) | 110 × 183 × 81,5 |
| Colección | Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam |
Un excelente ejemplo de arte funcional es el sofá rojo en forma de labio del artista surrealista español Salvador Dalí. El sofá se considera una escultura funcional que está hecha de espuma de poliuretano, recubierta con pintura roja brillante. Los labios están inspirados en la actriz Mae West, que supuestamente fascinó a Dalí. Dalí pintó a la actriz en 1935. En esta pintura, titulada Mae West’s Face which May be Used as a Surrealist Apartment, Dalí pintó la cara de Mae West en forma de apartamento amueblado, donde los labios eran sofá, los ojos como pinturas enmarcadas y la nariz como chimenea.
Un rico mecenas del arte británico, Edward James, que era un coleccionista de arte surrealista, quedó encantado con esta pintura.
El Sofá Mae West Lips en exhibición en el Museo Boijmans Van Beuningen en Rotterdam, Países Bajos (2017); Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
James encargó a Dalí que creara el sofá de labios rojos como una pieza de arte funcional para su sala de estar, basada en la pintura de Mae West. El sofá se encuentra actualmente en Rotterdam en el Museo Boijmans Van Beuningen, mientras que otra versión del sofá se conserva en el Teatro y Museo Dalí en España.
Sin embargo, dos versiones más se encuentran en Inglaterra en el Victoria and Albert Museum y el Brighton Museum. Aparte de estas diferentes versiones del sofá original, muchas otras copias y falsificaciones han amueblado las casas de muchas personas.
Algunas de las personalidades más famosas que poseían una iteración del sofá incluyen a Christian Dior y Elsa Schiaparelli.
La lámpara de Tutankamón (1983) de Alberto & Diego Giacometti
| Artista | Alberto y Diego Giacometti |
| Título de la obra | La lámpara de Tutankamón |
| Fecha | 1983 |
| Medio | Fundición de resina |
| Tamaño (cm) | 49,85 x 46,67 x 18,1 |
| Colección | Coll Privado |
Muchos podrían reconocer el famoso nombre del renombrado escultor Alberto Giacometti. Aunque Alberto Giacometti fue un famoso artista, también incursionó en el arte funcional, especialmente cuando se asoció con su hermano, Diego Giacometti. Diego Giacometti apoyó profundamente la carrera de su hermano como artista y a menudo fue visto como su asistente de estudio para su hermano.
El amor de Alberto Giacometti por su hermano es claro en su obra y el rostro de Diego Giacometti aparece en muchos de sus dibujos y esculturas.
La fuerte conexión entre los dos hermanos también se puede ver en los muchos archivos de fotografías y cartas que caracterizan su amor y respeto mutuo. Diego Giacometti fue, sin embargo, más que un simple asistente y él mismo fue un talentoso escultor. Para separarse de su ya famoso hermano escultor, Diego Giacometti decidió especializarse más en el diseño de muebles. Alberto Giacometti, sin embargo, también se asoció con su hermano a veces y el dúo fraternal creó muchas piezas de arte funcional de diseño sensible juntos.
Una de estas piezas es la «Lámpara Tutankamón», una lámpara de resina fundida inspirada en el antiguo Egipto. Más específicamente, la pieza hace referencia directa a una lámpara de alabastro encontrada en la tumba del rey Tutankamón en 1922.
La versión Giacometti de la lámpara fue diseñada por primera vez en 1936 por Alberto Giacometti para Jean Michel Frank. Alberto Giacometti diseñó la versión original en yeso, y se dice que amó el medio de yeso por su fragilidad y tacto. Diego Giacometti más tarde, en 1983, fundió la misma lámpara en resina.
Lockheed Lounge (1990) de Marc Newson
| Artista | Marc Newson |
| Título de la obra | Salón Lockheed |
| Fecha | 1990 |
| Medio | Núcleo de resina de poliéster reforzado con fibra de vidrio, lámina de aluminio remachada a ciegas, resina de poliéster recubierta de caucho |
| Tamaño (cm) | 87 x 168,3 x 61,6 |
| Colección | La Galería de Arte de Australia del Sur, Adelaida, Australia |
Este elegante y curvilíneo sillón metálico con su diseño futurista es más que un simple mueble. Diseñado por Australian deEl firmante Marc Newson en 1990, el Lockheed Lounge se vendió en una casa de subastas de Londres en 2015 por la asombrosa cantidad de £ 2,434,500.
Con casi dos millones y medio de libras, esta silla fue considerada como el objeto de diseño más caro del mundo en ese momento.
Salón Lockheed (1990) de Marc Newson, como se ve en la Galería Nacional de Victoria en Melbourne, Australia; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
El Lockheed Lounge debe su alto precio no solo por el talento y el nombre del diseñador, ni por la calidad de los materiales utilizados, fibra de vidrio y aluminio, sino también gracias a su presencia en un famoso video musical.
En 1993, el ícono cultural y leyenda musical Madonna usó esta chaise lounge en su video musical «Rain».
Boomerang (2006) de Ai Weiwei
| Artista | Ai Weiwei |
| Título de la obra | Bumerán |
| Fecha | 2006 |
| Medio | Lustradores de cristal, acero chapado, cables eléctricos, lámparas LED |
| Tamaño (cm) | 700 x 860 x 290 |
| Colección | Galería de Arte de Queensland; Galería de Arte Moderno, Queensland, Australia |
Lo polémico Artista chino Ai Weiwei tiene una historia de traer objetos cotidianos al espacio de arte del cubo blanco. Ai Weiwei ha reconocido muchas veces inspirarse en el artista dadaísta, Marcel Duchamp. Duchamp, quien es más famoso por su rueda de bicicleta urinaria y hacia arriba, es bien conocido por traer objetos banales al cubo blanco de bellas artes.
El trabajo de Duchamp, sin embargo, es casi lo opuesto al arte funcional, ya que toma algo que tenía una función y lo convierte en arte al eliminar su funcionalidad y mostrarlo como un objeto para ser solo admirado. Sin embargo, los «ready-mades» de Duchamp desafiaron las nociones de lo que se considera arte, al igual que muchas obras de arte funcionales.
Así como el trabajo de Duchamp desafía las convenciones y pide que se abran nuevas posibilidades para el arte, también gran parte del trabajo de Weiwei apunta a cambiar el significado de lo que se considera arte.
Una de sus obras de arte funcionales toma la forma de una enorme lámpara de araña, titulada Boomerang. Una lámpara de araña es un objeto asociado con la opulencia, y la araña de Weiwei parece ser la opulencia definitiva debido a su brillo y tamaño. Boomerang está hecho de la asombrosa cantidad de 270 000 piezas de cristal que se iluminan con lámparas LED.
Esta lámpara de araña de estilo cascada increíblemente iluminada ocupa todo el espacio de la galería, ¡con un tamaño aproximado de siete por nueve por tres metros!
La obra no solo es exquisita a la vista y cumple una función de iluminación, sino que también tiene valor conceptual. La lámpara de araña se exhibe en la Galería de Arte de Queensland en Australia y que agrega una lectura cultural a la obra. Esto se debe a que la lámpara de araña tiene la forma de la icónica herramienta de lanzamiento aborigen, el boomerang, y con su referencia tanto a la riqueza como a la cultura, el artista plantea la cuestión de cómo el país adquirió su riqueza y cuáles son las implicaciones culturales de esta opulencia.
Serie en tiempo real (2009 y en curso) de Maarten Baas
| Artista | Maarten Baas |
| Título de la obra | Series en tiempo real |
| Fecha | 2009 y en curso |
| Medio | Vario |
| Tamaño | El tamaño varía |
| Colecciones | Rijksmuseum, Países Bajos
Museo Victoria Melbourne, Australia |
Los relojes pueden ser algunos de los objetos más funcionales en nuestra vida cotidiana, sin embargo, el diseñador holandés Maarten Baas, ve los relojes como arte conceptual y contemporáneo. Baas es considerado como uno de los diseñadores de muebles y objetos más influyentes vivos en la actualidad. Sus diseños de edición limitada son a menudo únicos en el sentido de que tiene alguna imperfección que es celebrada por el artista / diseñador.
Además, sus diseños tienen un significado conceptual, ya que a menudo critica la cultura del consumo desde el siglo XX en la sociedad.
Una de sus obras que muestra esto poderosamente es su serie de relojes en tiempo real, que lanzó en 2009 en el Salone Del Mobile de Milán, Italia. En la serie Real Time, Baas juega con la tensión entre la creatividad humana y los productos producidos en masa. Explorando el concepto de tiempo, la serie Real Time de Baas consta de varios relojes donde se utilizan películas de 12 horas para mostrar el tiempo. En estas películas de 12 horas, el Baas, en tiempo real, actúa como un reloj él mismo, dibujando manualmente y borrando las manecillas del reloj como el tiempo avanza, minuto a minuto.
Reloj Schiphol de Maarten Baas; Jim.henderson, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Esto crea la ilusión de que el artista / diseñador está físicamente dentro del reloj, comunicando continua y permanentemente la hora de una manera analógica. Desde el lanzamiento de su serie Real Time, Baas ha recibido el encargo de expandirse desde películas y relojes de abuelo para incluir una aplicación para iPhone e incluso el reloj en la terminal internacional del aeropuerto Schiphol de Ámsterdam.
En el reloj Schiphol, se ve a un hombre en ropa de trabajo de pie de cuerpo entero en el reloj masivo y pintando, limpiando y repintando cuidadosamente los brazos del reloj a medida que avanza el tiempo. La serie se expandió aún más cuando Baas se asoció con la Carpenters Workshop Gallery, donde colaboraron en relojes como el Rijksmuseum, Grandmother, Bell y Self Portrait Clocks.
En algunas de sus actuaciones, el espectador puede ver a Baas en los relojes fumando, comiendo y bebiendo champán.
La Biblioteca Británica (2014) de Yinka Shonibare
| Artista | Yinka Shonibare |
| Título de la obra | La Biblioteca Británica |
| Fecha | 2014 |
| Medio | 6,328 libros, tela de impresión de cera holandesa, lámina de oro, software, redes, world wide web, mesa y sillas |
| Tamaño | Variable de dimensiones generales de la pantalla |
| Colección | Tate Modern |
Yinka Shonibare es una artista británico-nigeriana cuyo trabajo podría considerarse contemporáneo y poscolonial. Sin embargo, algunas de sus obras también pueden considerarse arte funcional. El ejemplo más obvio de esto sería su hermosa silla de aluminio y acero inoxidable cubierta de telas de cera holandesa. Un ejemplo menos obvio de arte funcional dentro de su trabajo es su trabajo de instalación titulado The British Library.
En su trabajo, Shonibare aborda el colonialismo y el poscolonialismo mientras explora cuestiones relacionadas con la identidad cultural y la globalización.
Tanto en su silla, titulada Windy Chair I (Orange and Blue), como en su instalación, The British Library, Shonibare utiliza telas coloridas que están cargadas de historias coloniales. Shonibare nació en el Reino Unido, pero pasó la mayor parte de su infancia en Lagos, Nigeria. Regresó a Londres para cursar su Maestría en Bellas Artes, donde comenzó a investigar más intensamente los problemas poscoloniales dentro del arte.
la artista Yinka Shonibare en 2012; Daren Clarke, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Al utilizar telas de cera holandesas sorprendentemente coloridas en su trabajo, Shonibare hace referencia a la influencia de Europa en los mercados de África Occidental donde se vendían estas telas. Estas telas, producidas en Europa y vendidas en África, se atendieron al estilo de los lugareños y rápidamente se convirtieron en parte del patrimonio cultural africano. Las familias africanas incluso encargaron diseños únicos para celebraciones y conmemoraciones. Al utilizar estos tejidos en su práctica artística, Shonibare hace referencia a muchas complejidades relacionadas con la historia colonial, la hibridez cultural y la apropiación, y las cuestiones de identidad y nacionalismo.
En su trabajo, «The British Library», Shonibare creó una instalación de 6.328 libros de tapa dura cubiertos individualmente con colorida tela impresa en cera holandesa, que se muestran en estanterías e incluyen una mesa y sillas.
Cada uno de los libros tiene nombres impresos en pan de oro en las espinas. Estos son los nombres de los inmigrantes británicos de primera o segunda generación que hicieron contribuciones notables a la historia británica. Los nombres incluyen tanto nombres famosos como nombres menos conocidos. En la mesa frente a los libros, los visitantes podían acceder a un sitio web (que también forma parte de la obra de arte) a través de tabletas.
En este sitio web, los visitantes pueden aprender más sobre los nombres de las personas impresas en los libros. El sitio web también proporciona otras formas de investigación para que los visitantes lean y aprendan más sobre la historia de la inmigración británica. El sitio web también celebra las contribuciones continuas a la cultura y la historia británicas por parte de los inmigrantes, ya que los visitantes pueden, si se aplica a ellos, compartir sus propias historias de inmigración.
«The British Library» es, por lo tanto, una instalación de arte conceptual y hermosa, al mismo tiempo que es un recurso para el aprendizaje, el intercambio y la investigación.
Shonibare abrazó el compromiso público con el trabajo y explicó que el trabajo tiene la intención de provocar la reflexión y el debate. El área de asientos creada como parte de la instalación crea un espacio físico que invita a este tipo de interacción donde las discusiones sobre identidad, pertenencia, historia, cultura y refugio son encoenfurecido. Por lo tanto, la instalación es más que arte y puede verse como una obra de arte que cumple una función cultural de aprendizaje e intercambio, dentro de un lugar físico y más allá.
Spotley Cru (2017) de los hermanos Haas
| Artista | Los hermanos Haas |
| Título de la obra | Spotley Cru |
| Fecha | 2017 |
| Medio | Silla de cuentas, latón |
| Tamaño (cm) | 161,3 x 111,8 x 99,1 |
| Colección | Desconocido |
Los hermanos Haas son un equipo de diseño compuesto por los hermanos gemelos Nikolai y Simon Haas. Los hermanos Haas nacieron en Los Ángeles en un hogar creativo con un padre pintor y tallador de piedra, y una madre escritora y cantante de ópera. Cuando aún eran jóvenes, la familia se mudó a Austin, Texas, donde los dos hermanos aprendieron las habilidades de talla y construcción de piedra de su padre.
Cuando tenían 19 años, los hermanos tomaron caminos separados, con Nikolai Haas mudándose a Nueva York para dedicarse a su música, y Simon Nikolai mudándose a Providence para estudiar arquitectura y pintura en la Escuela de Diseño de Rhode Island. En 2007, los gemelos regresaron a Los Ángeles mientras seguían persiguiendo su música y pintura individualmente.
Juntos comenzaron a trabajar en pequeños proyectos de construcción y diseño para amigos que los encargaron. En 2010 se les acercó una comisión muy especial que cambiaría sus vidas.
Sony Studios en Los Ángeles se acercó a los hermanos en septiembre de 2010 para trabajar para ellos en un pequeño proyecto de Johnston Marklee, y como resultado, nació la marca «The Haas Brothers». Desde este proyecto, su marca ha crecido enormemente y se ha convertido en sinónimo de obras extravagantes y experimentales, incluida la escultura funcional lúdica, las bellas artes, la moda y la escenografía para películas y medios impresos.
También son conocidos por su uso extenso y único de materiales, que van desde porcelana y latón hasta resinas, cuentas y pieles. Sus piezas de arte funcionales muestran tanto su habilidad como artesanos como su curiosidad como creativos.
Un ejemplo de esto es su gama de sillas y sofás que tienen tanto el estilo como la personalidad de extraños y curiosos monstruos psicodélicos parecidos a animales. Un ejemplo de ello es su famosa silla Spotley Cru, creada en 2017 a partir de latón y cuentas. Los hermanos Haas le dieron a la silla una personalidad adicional en una fotografía publicada en su cuenta de Instagram donde la silla se mira con sus ojos monstruosos a un espejo peculiar parecido a un monstruo con la leyenda «Spotley Cru Vanity Moment».
Además del diseño de muebles, los hermanos Haas también han trabajado en el diseño de telas para Versace y han creado decorados para los videos musicales de Lady Gaga. El trabajo de los hermanos Haas está difuminando la línea entre el arte y el diseño, ya que también son exhibidos por galerías de arte de primera línea y han sido asumidos por la galerista Marianne Boesky.
Los hermanos Haas continuaron siendo representados por la galería de diseño, R & Company, que exhibió su trabajo en una exposición individual en el Bass Museum de Miami en diciembre de 2018.
Recomendaciones de lectura
Las recomendaciones de libros a continuación se centran en artistas, diseñadores e instituciones que han difuminado las líneas entre los objetos funcionales, el diseño y el alto arte. Algunos libros están más centrados en catálogos, mientras que otros exploran más el lado conceptual del arte funcional. Todos estos, sin embargo, seguramente inspirarán y ampliarán nuestra comprensión de lo que se considera que cae bajo la definición de arte funcional.
Ai Weiwei: Asuntos espaciales – Arquitectura de arte y activismo (2014) por Ai Weiwei
El trabajo de Ai Weiwei ya se presenta en este artículo. Si bien no todo su arte se considera arte funcional, muchos de sus trabajos son tanto funcionales como conceptuales. Lo que hace que las obras de arte funcionales de Ai Weiwei sean tan únicas, es su cuidadosa consideración del espacio. Este libro ofrece una visión más amplia del trabajo de Ai Weiwei, centrándose especialmente en su práctica multidisciplinaria que incluye arte conceptual, arquitectura, cine, diseño, curaduría, escritura y publicación. Trabajando con el artista, los editores se acercan a las formas en que Ai Weiwei considera cuidadosamente los asuntos espaciales en su trabajo orientado a la instalación activista.
- Exploración ricamente ilustrada de las instalaciones de Ai Weiwei
- Incluye extractos del famoso blog de Ai Weiwei
- Se centra en el uso del espacio por parte del artista
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Artists’ Homes (2018) de Tom Harford-Thompson
Este es un libro ricamente ilustrado donde el escritor y fotógrafo Tom Harford-Thompson nos da un vistazo a los grandes espacios de vida y trabajo de artistas y artesanos. Desde estudios musicales hasta almacenes industriales y una casa en el árbol con conciencia ecológica, este libro seguramente sorprenderá e inspirará. El libro incluye los espacios de nombres famosos como Billy Childish, Penny Rimbaud y Gee Vaucher, y Liam Watson.
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Los artistas y diseñadores que crean arte funcional han cambiado y desafiado continuamente los límites entre el arte y el diseño. Este artículo exploró los matices que existen dentro del mundo del arte funcional. Si bien el arte funcional es algo que se puede explicar como algo que es estético y tiene un valor utilitario, este artículo investigó cómo el arte funcional puede ser mucho más que solo hermoso y práctico. Los artistas discutidos en este artículo nos presentan diferentes formas en que el arte funcional también puede ser emocionalmente conmovedor, conceptualmente desafiante y culturalmente significativo.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte no funcional?
El arte no funcional generalmente se puede describir como formas de arte cuya única función es ser apreciada como una obra de arte. Esta apreciación puede ser a nivel visual, intelectual o sensorial, pero el arte no tiene un propósito utilitario. El arte no funcional se puede describir como todos los modos de bellas artes, incluida la pintura, la escultura, la instalación y la fotografía, por nombrar algunos. Este tipo de arte generalmente se muestra y no se usa para la funcionalidad diaria. Mientras que el arte no funcional es típicamente valorado por su sensibilidad o estética, el arte funcional es valorado tanto por su función como por su estética.
¿Puede la música ser arte funcional?
En algunos casos, la música puede ser vista como realizando una función social, convirtiéndola así en arte funcional. Piense, por ejemplo, en la música que se utiliza con fines educativos. La música se utiliza a menudo en los niveles de primaria y preescolar como una herramienta útil para estimular el aprendizaje. Además de una función educativa, la música también cumple otras funciones sociales y culturales. La música en tales casos no solo es hermosa, sino que también tiene un propósito, por ejemplo, proporcionar un sentido de nacionalidad unida a través de un himno nacional. La música también puede ser motivadora y alentadora, por ejemplo, cuando las multitudes animan a los atletas con himnos y canciones. Pero, ¿es la música un arte funcional? Esta pregunta no tiene una respuesta directa. Mientras que parte de la música se crea puramente para la escucha abstracta y, por lo tanto, podría no verse como una forma de arte funcional, otras formas podrían cumplir una función educativa, social o cultural y, por lo tanto, pueden considerarse arte funcional.
¿Es la moda arte funcional?
Al igual que en el caso de la música, la moda también podría considerarse en algunos casos arte funcional, y en otros casos no. Las grandes casas de moda de alta costura como Versace, Gucci y Louis Vuitton han colaborado regularmente en las últimas décadas con artistas para crear piezas únicas de ropa que son tanto una expresión del artista como algo que se puede usar. Consideremos, por ejemplo, Takashi Murakami Bolsos Louis Vuitton. Las instituciones de bellas artes establecidas y de buena reputación también están difuminando las líneas entre el arte y la moda, como el Museo Metropolitano de Arte, que alberga importantes exposiciones de diferentes diseñadores de moda.
