Desde antiguas obras de arte indias hasta el próspero arte moderno de la India, la vívida tradición visual del país es el producto de una amplia gama de influencias culturales. Los diseños brillantes, diversos y cautivadores que representan muchas civilizaciones diferentes demuestran la gama de estilos de arte indio de esta región. Debido a que varias de las principales religiones del mundo, incluyendo el hinduismo, el islam y el budismo, se originaron o florecieron en la India, la mayoría del arte tradicional indio es de naturaleza política o religiosa. Las obras de arte indias cubiertas en este artículo incluyen pinturas indias y esculturas indias.
Historia tradicional de la India
El arte indio tiene un gran sentido del diseño que se puede ver tanto en el arte indio moderno como en el antiguo. Estas antiguas obras de arte indias se remontan a comunidades antiguas alrededor del tercer milenio antes de Cristo. El arte tradicional indio incluye varias formas creativas como esculturas, cerámicas, artes textiles y pinturas de artistas indios.
Historia del arte tradicional indio
Los arqueólogos descubrieron obras de arte rupestres prehistóricas que se remontan al menos a 290.000 años en este lugar. Los petroglifos de Bhimbetka en el centro de la India son los primeros especímenes. Este era el tipo dominante de pintura rupestre desde el Paleolítico hasta el Neolítico, mostrando con frecuencia figuras humanas y animales.
La civilización del valle del Indo produjo las primeras esculturas indias conocidas entre 2.500 y 1.800 aC. Hicieron figurillas de terracota y bronce en miniatura de animales y humanos como ganado y primates.
El desarrollo del budismo en el siglo VI aC despejó la puerta para obras de arte religiosas, generalmente en forma de estatuas de bronce y piedra. Durante este período, los pintores religiosos también experimentaron con la construcción de enormes templos de piedra adornados con columnas de estilo griego. La escultura tradicional india era popular entre hindúes y budistas. El hinduismo siguió siendo un gran énfasis del arte indio durante generaciones, con estatuas de deidades como Shiva siendo populares.
Sarnath León Capital de Ashoka (circa 250 aC). Ubicado en el Museo Sarnath, cerca de Varanasi, India; Chrisi1964, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
En el siglo 16, el Islam había crecido en prominencia bajo el Imperio mogol, y la creación de obras de arte indias había aumentado bajo los monarcas islámicos. Las artes florecieron durante este período, y la construcción del Taj Mahal comenzó en 1631. El compromiso británico en la India comenzó en el siglo 18 cuando se fundaron escuelas de arte para promover las formas europeas.
Como resultado, los estilos de arte indígenas mezclados con culturas externas, y las formas de arte antiguas a veces fueron glorificadas o exageradas para atraer a los clientes europeos.
India ganó la soberanía del imperio británico en 1947, lo que llevó a los pintores indígenas a buscar un nuevo estilo. Los componentes tradicionales y las inspiraciones del rico pasado del país se incorporan a las obras de arte indias modernas.
Estilos de arte tradicionales indios
Cada área de la India tenía su estilo de arte particular. Los motivos religiosos se encuentran entre los más populares, con figuras legendarias de animales y humanos, así como una rica decoración. La escultura y las pinturas de artistas indios han sido las formas de arte más prominentes a lo largo de la historia de la India, así como su magnífica arquitectura.
Pinturas indias
Cada estilo de pintura que surgió en la India simbolizaba tradiciones, prácticas e ideas que se habían transmitido de generaciones pasadas. Aunque las primeras pinturas indias se crearon en las paredes, la forma de arte se adaptó más tarde a materiales más contemporáneos como papel, tela, lienzo y otros materiales.
Algunos de los estilos de arte popular indio más prominentes se enumeran aquí.
Krishna tocando la flauta (ca. 1790 – 1800), de la región de Guler/Kangra. Acuarela opaca y oro sobre papel; Freer Gallery of Art, CC0, vía Wikimedia Commons
Pinturas de Madhubani
Las pinturas de Madhubani se encuentran entre las más conocidas de la India. Este estilo comenzó como una especie de pintura mural en el área de Mithila de Bihar, pero no fue generalmente reconocido en el mundo occidental hasta que el funcionario del gobierno británico e historiador del arte W.G. Archer lo descubrió en 1934 mientras examinaba los daños de un terremoto en la frontera entre Nepal y la India.
El estilo Madhubani se distingue por una representación directa y vívida de la tradición y la cultura, que generalmente representa temas míticos.
Pintura de Madhubani con Dios Shiva-Parvati y los Mahavidyas; toyin adepoju, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
En este estilo, los artistas combinan imágenes coloridas con patrones simples, que con frecuencia presentan diseños de flores, animales o aves. La forma de arte se practica en una variedad de géneros como Katchni, Bharni, Tántrico y Godna.
Pinturas en miniatura
Encontrados por primera vez en hojas de palma, creadas para comerciantes que las transportaron por todo el país en los siglos 10 y 12, estas pequeñas obras fueron elaboradas principalmente como imágenes para manuscritos. A lo largo de las cortes de Mughal y Rajput, la forma de arte creció en importancia.
Las pinturas en miniatura eran elaboradas y detalladas, basándose en los métodos persas. Los temas variaban desde situaciones históricas y religiosas hasta situaciones ordinarias.
Akbar montando al elefante Hawa’I persiguiendo a otro elefante; Victoria and Albert Museum, dominio público, vía Wikimedia Commons
Pinturas de Pattachitra
Este estilo, que se remonta al siglo 12 aC en Orissa, es otro tipo temprano de pintura. Este tipo de pintura todavía se produce en los pequeños asentamientos de la zona hoy en día. Pattachitra significa literalmente «imagen de tela», que describe con precisión este tipo clásico de pintura en pergamino basada en tela.
Las pinturas, conocidas por sus complejidades detalladas y temas legendarios, utilizan líneas angulares y agresivas y están fuertemente influenciadas por las influencias de la era mogol.
Odisha Pattachitra representando a Radha Krishna; Shakti, CC BY-SA 1.0, vía Wikimedia Commons
Pinturas warli
Las pinturas populares warli, una especie de obra de arte tradicional india, han existido durante 2.500 años. El estilo se desarrolló en Maharashtra, un estado en el centro-oeste de la India, y todavía se realiza comúnmente hoy en día. Las pinturas warli, que a menudo se pintan en las paredes de las chozas, usan colores lineales y monocromáticos y una forma básica de ejecución que imita la pintura rupestre.
En contraste con otros estilos de arte tribal, que utilizan una gran cantidad de colores, este estilo utiliza tonos tierra y tonos neutros para mostrar las rutinas cotidianas de los pueblos indígenas como la caza, la agricultura y el baile.
Pintura Warli de Maharastra; [https://www.flickr.com/people/[email protected] Jean-Pierre Dalb ra]desde París, Francia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Aunque Pattachitra, Warli, Madhubani y las pinturas en miniatura son algunas de las formas más conocidas, numerosas variedades adicionales de arte popular indio provienen de varios tiempos y lugares del subcontinente, que incluyen:
- Pinturas de Thanjavur: Entre los siglos 16 y 18, este estilo de pintura del sur de la India prosperó. Estas pinturas son obras de arte de paneles de colores brillantes creadas sobre un tablón de madera, con un dios como tema predominante.
- Pinturas de Kalamkari: Estas pinturas son telas de algodón impresas en bloque hechas en las regiones indias de Telangana y Andhra Pradesh. Tiene una fuerte relación con los temas persas y originalmente se empleó para elaborar pergaminos y paneles narrativos.
- Pinturas de Gond: Este estilo de arte glorifica la naturaleza, representando cualquier cosa, desde un exuberante follaje hasta animales. Las obras de arte se componen de puntos y guiones finamente organizados.
Escultura india
La escultura india sigue siendo una forma popular de expresión creativa, particularmente como un tipo de arte religioso. Los edificios estaban profusamente decorados, y el tema era en su mayoría formas humanas abstractas destinadas a expresar conceptos budistas, hindúes y jainistas. En la escultura india, las diosas femeninas como Kali, Shakti y Brahma fueron representadas con frecuencia.
Las esculturas indias se remontan al valle del Indo, cuando las figuras de terracota se encontraban entre las primeras en ser fabricadas.
Chola bronce de Shiva como Nataraja («Señor de la Danza»), Tamil Nadu, (siglo 10 o 11); Instituto de Arte de Chicago, CC0, vía Wikimedia Commons
Grandes pilares de piedra surgieron en encrucijadas y lugares clave durante la dinastía Mauryan, que duró de los siglos 4 al 2 aC. Con frecuencia tenían tapas en forma de loto y motivos de leones, que eran insignias imperiales. Durante este tiempo, se crearon varias imágenes masivas de piedra de deidades, seguidas de copias más pequeñas que se colocaron en monumentos budistas. Las estupas estaban rodeadas por puertas talladas adornadas con una variedad de emblemas religiosos.
En los siglos II y I a.C., la India más desarrollada fiComenzaron a aparecer esculturas gurativas. A lo largo de las décadas que siguieron, una amplia gama de estilos y costumbres se desarrolló en varios lugares.
Medallón de barra transversal con elefantes y jinetes, arte Mathura (circa 150 aC); Rabe!, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Las cuevas de Elephanta, una serie de templos de cuevas dedicados principalmente a la deidad hindú Shiva y construidos a mediados del siglo 5 y 6 dC, es uno de los edificios más notables. En los siglos 9 y 10, la escultura india había evolucionado en una forma que difería poco de lo que es ahora y se utilizó principalmente como adorno de construcción.
En los primeros años del siglo 20, la escultura india siguió las prácticas artísticas académicas occidentales, y los estilos fueron influenciados significativamente por artistas del realismo trabajando en temas seculares en las universidades de arte británicas. Las formas antiguas y habituales que mostraban cuentos y deidades fueron alteradas significativamente. Ramkinkar Bai, trabajó en las décadas de 1940 y 1950 para combinar el arte occidental con el arte tradicional indio, explorando materiales inusuales como grava, hormigón y cemento.
Esta innovación continúa en la escultura india moderna, que se basa en métodos y temas tradicionales mientras experimenta con nuevos enfoques.
Importantes artistas indios y sus obras famosas
Ahora que hemos echado un vistazo a la historia del arte de la India, así como a los diversos estilos de arte indios, podemos pasar a ver algunas de las esculturas y pinturas más conocidas de artistas indios. Comenzaremos con una introducción a cada artista y luego exploraremos sus pinturas indias y otras obras de arte.
Raja Ravi Varma (1848 – 1906)
| Nacionalidad | Indio |
| Fecha de nacimiento | 29 de abril de 1848 |
| Fecha de fallecimiento | 2 de octubre de 1906 |
| Lugar de nacimiento | Kilimanoor, Travancore |
Ravi Varma, que nació en la ciudad de Kerala de Kilimanoor en 1848, era de ascendencia real. Según la leyenda, su tío lo descubrió dibujando imágenes en las paredes de su residencia. El tío lo llevó al palacio real en Thiruvananthapuram, donde le enseñaron pintura.
Estuvo expuesto a numerosos estilos occidentales e indios de la época en el palacio. El aceite como medio solo se estaba introduciendo, y había pocos que estuvieran familiarizados con la técnica.
Ravi Varma aprendió el medio al ver a Theodor Janson, un artista holandés que estaba visitando el palacio. Saltó a la fama como Raja Ravi Varma, venerado como el fundador de la pintura india contemporánea por dos razones principales. Fue el primero en combinar metodologías académicas europeas con gustos indios. Ravi Varma enfatizó el realismo en sus pinturas, centrándose en los detalles, el juego de luces y sombras, y dando profundidad mediante el empleo de la perspectiva. Los pliegues de un saris revoloteaban, el cabello rizado y los ojos brillaban de necesidad.
el artista Raja Ravi Varma en la década de 1890; Bhawani Ram, dominio público, vía Wikimedia Commons
Las gemas que adornaban profusamente sus figuras brillaban en una inclinación percibida de luz con trazos más pesados. Sus pinturas están llenas de vida, con árboles cargados de frutas y flores, cursos de agua que brillan con sus diversos colores e individuos aparentemente listos para parpadear y reanudar su actividad. Esta fue una desviación significativa del tipo de obra de arte que se creó en ese momento.
La extensa colección de obras de Ravi Varma refleja sus viajes a través de la geografía siempre cambiante del país. Pocas personas viajaban a esa edad, pero su búsqueda fue ayudada por los ferrocarriles del país, que se estaban construyendo en ese momento.
Su hermano Raja Raja Varma, un magnífico artista por derecho propio, a menudo estaba a su lado, ayudando a Ravi Varma en su pintura y administrando sus empresas. Ravi Varma era consciente de sus clientes, los príncipes y dewans que pintó, una mezcla ambiciosa que lo convirtió en uno de los pintores más buscados, según Rupika Chawla. Raja Ravi Varma, ampliamente considerado como el creador de la pintura del calendario indio, dio vida brillantemente a personajes legendarios hindúes.
Sri Shanmukha Subramania Swami (fecha desconocida) por Raja Ravi Varma; Raja Ravi Varma, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Hasta entonces, la mayoría de las figuras pintadas eran planas, y los dioses solo eran reconocibles por sus accesorios personales. Su producción pictórica fue crucial en la formación de la conciencia nacional. También fue durante un período de la historia de la India cuando se estaban desarrollando sensibilidades nacionales. Su trabajo reflexivo del Veda atrapado en rápidamente, ganando popularidad al mismo tiempo que nutre la conciencia. Esta podría ser una de las razones por las que su igualmente consumado hermano, el paisajista Raja Raja Varma, no recibió la misma aclamación que su hermano.
Durante las décadas posteriores a su muerte, sus obras adornaron las paredes de las casas de clase media; sin embargo, eventualmente surgieron nuevas escuelas de pintura. La Escuela de Arte de Bengala respondió con enojo al enfoque artístico académico europeo de Raja Ravi Varma.
En la misma línea, algunos historiadores del arte criticaron sus obras por los mismos factores que lo hicieron famoso en primer lugar: combinar enfoques académicos occidentales con temas indios.
Shakuntala (1898)
| Fecha de finalización | 1898 |
| Dimensiones | 110 cm x 181 cm |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Galería de Arte Sree Chitra |
Ravi Varma interpreta a Shakuntala, una figura prominente en el Mahabharata, afirmando recoger una espina de su talón mientras busca a su amante, Dushyantha, mientras sus compañeros se burlan de ella. Este mero movimiento, la curva y el giro de la cabeza y el torso, invita al espectador a la historia, alentándolo a colocar este momento dentro de una serie imaginada de imágenes y ocurrencias.
La imagen se presenta sola como una escena congelada (como un fotograma de una película), tomada de una serie de incidentes en curso.
Shakuntala mirando hacia atrás para vislumbrar Dushyanta (1898) de Raja Ravi Varma, ubicada en la Galería de Arte Sree Chitra en la India; Raja Ravi Varma, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Estas obras también resaltan la importancia de la «mirada masculina» en el establecimiento de la imagen femenina. A pesar de faltar en el marco, el amante masculino sirve como un punto de referencia vital; su mirada transfija a Shakuntala, así como a Damayanti, en imágenes «deseadas», presentándolas como ideales poéticos y sensuales.
Abanindranath Tagore (1871 – 1951)
| Nacionalidad | Indio |
| Fecha de nacimiento | 7 de agosto de 1871 |
| Fecha de fallecimiento | 5 de diciembre de 1951 |
| Lugar de nacimiento | Jorasanko, Calcuta |
Abanindranath Tagore nació en la ciudad bengalí de Jorasanko y estuvo expuesto al arte desde una edad temprana. Fue uno de los artistas más importantes, nuestra nación fue bendecida, ya que la familia Tagore tiene una historia de cultura y literatura. Como defensor de los principios de Swadeshi, fundó la Escuela de Arte de Bengala. Su historia es suficiente para informarle sobre su extraordinario trabajo, que allanó el camino para la creación del arte indio contemporáneo.
La imagen se presenta sola como una escena congelada (como un fotograma de una película), tomada de una serie de incidentes en curso.
Ganesh-janani (1908) de Abanindranath Tagore, ubicado en el Museo Indio de la India; Abanindranath Tagore, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Este concepto, sin embargo, no surgió de la noche a la mañana. Se hizo consciente de la dominación inglesa sobre la escena artística en la India cuando se matriculó en la Escuela de Arte de Calcuta en 1890. Estaba profundamente perturbado por ello, ya que era un gran creyente en las antiguas formas indias. Como verdadero artista, fundó la «Sociedad India de Arte Oriental» con su hermano Gaganendranath Tagore. Combinó el estilo indio en sus pinturas, lo que resultó en una transformación fundamental en las enseñanzas. Ni siquiera dudó en condenar el arte «materialista» occidental.
Verdaderamente un individuo versátil, varias de sus obras reflejaron la India y ganaron una aclamación generalizada. Cuando su trabajo fue finalmente reconocido y comercializado como un estilo indio nacional dentro de las organizaciones de arte británicas bajo el apodo de Sociedad India de Arte Oriental, hizo historia.
Sin embargo, una de sus obras más notables fue la serie Arabian Nights, que completó en 1930. Empleó los cuentos de Las mil y una noches como metáfora en estas obras para representar el cosmopolitismo emergente de la Calcuta colonial.
Bharat Mata (1905)
| Fecha de finalización | 1905 |
| Dimensiones | 26 cm x 15 cm |
| Medio | Acuarela |
| Ubicación actual | Victoria Memorial Hall, Calcuta, India |
La pintura fue creada durante el movimiento Swadeshi. El movimiento surgió como una reacción a la Partición de Bengala de Lord Curzon (1905), que dividió las porciones orientales de Bengala, en su mayoría musulmanas, de sus áreas occidentales en gran parte hindúes. Los nacionalistas indios involucrados en el movimiento Swadeshi respondieron rechazando los productos y organizaciones británicas, organizando mítines y desfiles, creando comités, y ejercer presión política.
La persona central en la obra de arte lleva un libro, gavillas de arroz, una tira de tela blanca y una corona, todo lo cual está conectado con la tradición india y la economía de la India a principios del siglo 20.
Bharat Mata (1905) de Abanindranath Tagore, ubicado en el Victoria Memorial en Calcuta, India; Abanindranath Tagore, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Además, la figura principal de la obra de arte tiene cuatro manos, evocando la iconografía hindú que asocia muchas manos con una enorme fuerza. La imagen es históricamente significativa ya que es una de las primeras representaciones de la Madre India. Muchas variaciones del Bharat Mata se han creado en pinturas y otros tipos de arte desde 1905.
El valor de la obra de arte original de Tagore, sin embargo, todavía se reconoce. De principio a fin, la imagen es una súplica al corazón indio en el idioma indio. Es la primera obra destacada en un nuevo estilo.
Si fuera posible, se produciría en masa por miles y se extendería por toda la región hasta que no hubiera una cabaña de granjeros o una cabaña de artesanos entre el cabo Comorin y Kedar Nath que no tuviera esta exposición de Bharat-Mata en una de sus paredes. A medida que uno examina sus atributos, uno se sorprende una y otra vez por la claridad y sutileza de la personalidad representada.
Amrita Sher-Gil (1913 – 1941)
| Nacionalidad | Indio-húngaro |
| Fecha de nacimiento | 30 de enero de 1913 |
| Fecha de fallecimiento | 5 de diciembre de 1941 |
| Lugar de nacimiento | Budapest, Hungría |
Amrita Sher-Gil, una pionera del arte indio contemporáneo, utilizó su pincel para reflejar la vida cotidiana de las mujeres indias en la década de 1930, expresando con frecuencia una sensación de soledad y desolación. Pintó a individuos mientras viajaba al mercado, en casa y en una boda. Ocasionalmente retrataba a mujeres que se conectaban con otras mujeres.
Las piezas parecían transmitir una sensación de resolución tranquila por momentos. Era una representación única de mujeres de la India en una época en que las imágenes tendían a retratarlas como alegres y dóciles.
Por ejemplo, la melancólica imagen Three Girls representa a mujeres con miradas pasivas, sus sombríos rasgos marrones contrastan con los brillantes rojos, verdes y ámbar de sus ropas. El tono es sombrío como si estuvieran esperando a alguien o algo que sospechan que nunca llegará. Sher-Gil fue reconocido como el «indio» Frida Kahlo» por su estilo y atención a las mujeres. La soledad de sus sujetos se entendía fácilmente porque sus sentimientos reflejaban los suyos. Vivió entre mundos como resultado de su educación, anhelando con frecuencia un sentimiento de pertenencia.
Fotografía de Amrita Sher-Gil, tomada en 1936; Autor desconocidoAutor desconocido probablemente Umrao Singh Sher-Gil (1870–1954), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sher-Gil estaba igualmente desgarrada por su sexualidad. «En parte como resultado de su mayor perspectiva de una mujer como un individuo poderoso, emancipada del artificio de la tradición», dijo Dalmia, quedó cautivada por el concepto de una aventura lésbica. Tenía una estrecha relación con la pintora Marie Louise Chassany, y varios expertos en arte, incluido su sobrino, pensaron que su pintura Dos mujeres retrataba su deseo mutuo.
Sher-Gil viajó extensamente durante su vida, visitando Turquía, Francia e India, basándose sustancialmente en las formas de arte indias precoloniales y la cultura india moderna. Ella es considerada una notable artista india del siglo 20, con un legado comparable a los innovadores del Renacimiento de Bengala.
También era una talentosa músico y una ávida lectora. A pesar de que fue poco reconocida cuando vivía, sus obras se encuentran entre las más caras entre las artistas indias actualmente.
Autorretrato (1931)
| Fecha de finalización | 1931 |
| Dimensiones | 65 cm x 54 cm |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Christie’s |
Esta es la primera obra de arte del creador que se coloca en una subasta en Londres, y una de las ocho pinturas de Sher-Gil que se subastan internacionalmente. Las pinturas del artista están designadas como «Gemas de Arte Nacional» por el gobierno indio, y se consideran de tal valor nacional para la herencia india que no se pueden vender si se obtienen en la India, y deben permanecer en el país si se compran en la India. Como resultado, las principales obras de arte de Sher-Gil rara vez se ofrecen a la venta fuera de la India.
Esta obra de arte de 1931 es una de sus obras de arte.obras vistas y desexhibidas.
Ha permanecido en Francia desde su creación y realizará su primer viaje transatlántico este verano, primero en Nueva York, donde se exhibirá en Christie’s, y luego a Londres para su venta previa y puja. Sher-Gil se comprometió temporalmente con Yusuf Ali Khan en 1931, y circularon rumores de que también estaba cometiendo adulterio con su primo Victor Egan. En 1931, Sher-Gil pintó cuadros de estos dos hombres, cada uno mirando hacia adentro a lo lejos, tal vez reflexionando sobre su propia vida en manos de esta seductora.
Autorretrato (1931) de Amrita Sher-Gil; Amrita Sher-Gil, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La imagen de Sher-Gil también se completó el mismo año. Estas pinturas construyen un triángulo entre tres personas, colocándolas en diálogo, cada una desviando la mirada del espectador, manteniendo un secreto del que solo los tres parecen ser conscientes. Entre sus 19 autorretratos reportados anteriormente, este es el único conocido de perfil. El artista está en pleno perfil aquí, evitando el compromiso directo con el observador. La composición, por otro lado, corta diagonalmente a través del lienzo, con el cuerpo prácticamente saliendo del lienzo hacia el observador.
El cuenco dorado vacío entre ella y el espectador representa el vacío emocional que pudo haber experimentado cuando era una joven de 18 años dividida entre sus diferentes amores.
Se dice que Amrita tuvo una vida tan intrigante y poco convencional como su trabajo. Su narrativa es intrigante: su padre, un fotógrafo, documentó sus primeros años para la posteridad, y proporcionó información sobre Amrita y la alta sociedad india y europea en la década de 1920.
Eso concluye nuestra mirada a los artistas y el arte de la India. Se han encontrado los vestigios del arte indio que se remontan al tercer milenio antes de Cristo. Cada época tiene su propio carácter, costumbres, historia y revoluciones que la definen. Las formas de arte de la India también se han desarrollado a lo largo de los siglos. Las pinturas, la arquitectura y la escultura aparecieron por primera vez en la antigua India.
Preguntas Frecuentes
¿Cuáles son los diversos estilos de arte indio?
Cada región de la India tenía su propio estilo de arte distinto. Los temas religiosos, con personajes animales y humanos míticos y adornos ornamentados, se encuentran entre los más populares. La escultura y las pinturas de pintores indios, así como su exquisita arquitectura, han sido las formas de arte más reconocidas a lo largo de la historia de la India.
¿Qué son las pinturas indias Madhubani?
Las pinturas de Madhubani son algunas de las más conocidas de la India. Este estilo comenzó como un tipo de pintura mural en la región de Mithila de Bihar, pero no fue ampliamente reconocido hasta que W.G. Archer lo encontró en 1934 mientras evaluaba el daño causado por un terremoto en la frontera entre Nepal e India. El estilo Madhubani se caracteriza por una representación directa y vívida de la tradición y la cultura, que típicamente representa temas legendarios.
