Desde las primeras esculturas históricas simples excavadas en excavaciones arqueológicas hasta las esculturas más famosas del arte, todas tienen una cosa en común: independientemente de dónde las descubras, siempre ocupan el mismo espacio físico que tú. Las estatuas de arte famosas están destinadas a ser vistas en la ronda, empujándote a alterar tu punto de vista a medida que te involucras con ellas, en lugar de mirar una pintura desde una postura más o menos fija. Escultores famosos han estado explorando la interacción entre el observador, la ubicación y los objetos físicos en una multitud de métodos desde tiempos inmemoriales.
Una introducción a la escultura artística
Arte escultórico como las famosas obras de Miguel Ángel puede ser la más conocida por el público, pero las esculturas históricas en el arte se remontan a la historia humana. Durante miles de años, el arte escultórico ha sido muy popular. La experiencia requerida para hacer una escultura de arte digna es notable, y una sola pieza tomaría años a los escultores famosos en completarse. Las esculturas históricas tienen una probabilidad de supervivencia considerablemente mayor que las pinturas o dibujos, ya que en su mayoría están construidas en piedra. ¡Esto significa que todavía tenemos restos de esculturas antiguas en la historia del arte de hace casi 30,000 años!
Las esculturas más famosas del mundo se han convertido en un componente esencial de nuestro conocimiento de las sociedades antiguas, y fueron un método para que estos famosos escultores demostraran su talento al tiempo que proporcionaban un recordatorio de eventos o personas específicas.
Las esculturas más famosas de la historia del arte
Escultores famosos a lo largo de la historia han esculpido piedra, metal, madera y otros materiales en formas extraordinarias mediante la manipulación de objetos en tres dimensiones. Desde los albores de los tiempos, la escultura artística ha sido un medio vital para comprender la sociedad y la cultura, ya sea en forma de famosas estatuas de arte de figuras de renombre o representaciones metafóricas de conceptos morales. Si bien comentar sobre todas las esculturas históricas descubiertas sería una tarea desalentadora, hemos recopilado una lista de algunas de las estatuas de arte más famosas.
Venus de Willendorf (c. 25.000 a. C.) por Desconocido
| Escultor | Desconocido (c. 25.000 a. C.) |
| Fecha de creación | c. 25.000 a. C. |
| Medio | Caliza, ocre rojo |
| Ubicación actual | Museo Naturhistorisches |
A esta pequeña estatuilla, desenterrada a principios del siglo 20, se le asignó la etiqueta de Venus de Willendorf retrospectivamente basado en la noción de que se entendía como un arte escultórico de fertilidad. Si bien esta teoría ha sido apoyada durante muchos años, arqueólogos, historiadores y otros especialistas en el área aún no están seguros de su representación, función o incluso procedencia, lo que hace de esta antigua escultura de arte una de las más enigmáticas de la historia. Fue creado alrededor del año 25.000 aC, por lo que es una de las primeras piezas de arte conocidas del planeta.
La estatuilla, cincelada de piedra caliza y teñida ornamentalmente con ocre rojo, representa a una mujer desnuda.
Venus de la estatuilla de Willendorf, vista desde los cuatro lados; Bjørn Christian Tørrissen, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
A pesar de la falta de una cara, la gorra de la cabeza de la estatua está ornamentada con un diseño recurrente que se asemeja a un peinado trenzado o un tocado diseñado. Más intrigante que la elección del escultor de mantener la figura en el anonimato es la forma en que eligió mostrar su cuerpo, es decir, distorsionando las dimensiones y destacando los rasgos relacionados con la procreación y la capacidad de procreación.
Muchos académicos han determinado que se suponía que la escultura representaba una escultura de fecundidad, o «estatuilla de Venus», debido al gran pecho del sujeto, el estómago curvo y los muslos curvilíneos.
Una figura de Venus es una escultura en miniatura de forma femenina que se hizo durante la época del Paleolítico Superior. Si bien los comienzos de las esculturas son desconocidos, la mayoría de los estudiosos asumen que tenían una función ritual y presumiblemente glorificaron las nociones asociadas con la fertilidad, como la feminidad, las deidades y la sensualidad. Alrededor de 144 esculturas reproductivas han sido descubiertas en toda Asia y Europa hasta la fecha.
Si bien no todas estas figuras tienen las características sensuales de la Venus de Willendorf, la mayoría lo tiene. Esto es el resultado de que la capacidad de una mujer para procrear está inextricablemente relacionada con su apariencia física durante la era de la Edad de Piedra, lo que hace que una mujer en gran parte proporcionada sea un tema perfecto para un escultor preocupado por la fertilidad.
Busto de Nefertiti (1345 a. C.E) por Desconocido
| Escultor | Tutmosis (c. siglo 14 aC) |
| Fecha de creación | c. 1345 a. C. |
| Medio | Piedra caliza, estuco |
| Ubicación actual | Neues Museum; Berlín |
El busto de Nefertiti fue probablemente tallado alrededor de 1340 aC, durante el pináculo de la autoridad de Akhenaton. Pesa 44 libras y es de tamaño natural, habiendo sido cortado de una sola losa de piedra caliza. En antiguo egipcio civilización, la noción de retrato real no era nada fuera de lo común. Son abundantes en todos los palacios de Egipto.
La representación del monarca es lo que distingue a esta imagen. Si bien estamos acostumbrados a ver imágenes colosales sustanciales y en bloques de un faraón egipcio, el busto de Nefertiti es bastante distinto.
La cabeza no solo está cincelada con mejillas delicadamente curvadas, una barbilla poderosa y una nariz puntiaguda, sino que el núcleo de piedra también se recubrió con yeso de yeso antes de ser coloreado. El efecto final es una representación muy realista de la reina. El busto de Nefertiti está adornado con una tez marrón dorada, labios carmesí, joyas de colores y un tocado.
El busto de Nefertiti, 1352-1332 a. C.; Philip Pikart, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Los ojos están cristalizados, y un ojo está hecho de cera negra. El otro iris nunca se completó. Entonces, ¿quién hizo esta obra de arte? La mayor pista proviene de la ubicación donde se descubrió la figura. La imagen de Nefertiti fue descubierta en un estudio en lugar de un mausoleo o templo.
Fue notablemente en el estudio de Thutmosis, el escultor real autorizado, y el artesano favorito de Akhenaton.
La verdad de que esta figura fue descubierta en el taller de Thutmosis en Amarna indica que lo más probable es que fuera un modelo. Lo más probable es que Thutmosis hiciera esto como una guía para que pudiera tener el rostro de la reina con él al dibujar retratos reales adicionales, y potencialmente colosales.
Laocoonte y sus hijos (c. siglo 2 aC)
| Escultor | Agesandro de Rodas (c. siglo 2 aC) |
| Fecha de creación | (c. siglo 2 a. C.) |
| Medio | Mármol |
| Ubicación actual | Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano |
Se decía que esta obra de arte escultórica había decorado previamente la residencia del emperador romano Tito, pero se perdió en la memoria durante muchas generaciones. Su aspecto era apenas perceptible de la extravagante alabanza que le prodigó el filósofo antiguo Plinio el Viejo en su compilación de información, Historia Natural.
Plinio describe la obra de arte como «tallada en una sola losa, tanto la imagen principal como los jóvenes y las serpientes con sus increíbles bobinas», y la llama «una creación que puede considerarse superior a cualquier otra producción de la escultura de bronce de la obra de arte».
Lo que no está claro de las declaraciones de Plinio y sigue siendo una fuente de debate hasta este momento es si la estatua que presenció era una pieza auténtica o una réplica, como algunos afirman, de un clásico perdido hace mucho tiempo.
Laocoonte y sus hijos (c. siglo 2 aC) por Hagesandros, Athenedoros y Polydoros; Museos Vaticanos, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Lo que sí entendemos es que los brillantes elogios de Plinio por la obra de arte todavía resonaban en la imaginación de las personas que la descubrieron oculta en un campo en febrero de 1506. Cuando el Papa Julio II se enteró de que se había descubierto un tesoro de esculturas históricas, ordenó a un equipo de especialistas que supervisaran su extracción.
Un joven escultor llamado Miguel Ángel, que acababa de crear un audaz y muy publicitado monumento de David en Florencia, así como el arquitecto favorito de Lorenzo de Medici, Giuliano da Sangallo, estaban allí para la minuciosa excavación. Francesco, el hijo pequeño de Giuliano, también estaba asistiendo. Se convertiría en un artista muy conocido por derecho propio.
La obra de arte también tuvo una influencia duradera en la creatividad de Miguel Ángel, como se ve por la influencia en las famosas obras de Miguel Ángel.
Nike de Samotracia (c. 190 a. C.) por Unknown
| Escultor | Desconocido (c. 190 a. C.) |
| Fecha de creación | c. 190 a. C. |
| Medio | Mármol pariano |
| Ubicación actual | Museo del LouvreParís |
La Nike de Samotracia es sin duda una de las obras maestras más famosas del arte escultórico helenístico. La encarnación del triunfo alado está representada por la escultura de mármol pálido de Paria. Porque la cara de la diosa y ambas extremidades son guno, la escultura de 2,7 metros de altura tiene un efecto aún mayor ahora. La representación magistral de las cortinas fluidas de su túnica doblada da la sensación de que Nike está a punto de caer en picado desde el cielo en medio de una tormenta. La tela de su túnica se empuja hacia su torso como si estuviera húmeda de humedad, sin embargo, algunas cortinas se balancean en rizos de barrido detrás de ella.
La deidad luce un corsé en sus caderas y debajo de su pecho, sobre el cual las arrugas cubren espectacularmente. En el siglo 4 aC, este método de duplicar la prenda de una mujer era común.
Nike alada de Samotracia (c. 190 a. C.); Museo del Louvre, dominio público, vía Wikimedia Commons
Luce una capa sobre su túnica, que oculta su pierna derecha y es empujada contra su torso por el poder ficticio de la brisa del océano. Las alas plumosas de la deidad se estiran como si estuvieran en movimiento. La escultura fue diseñada para ser apreciada en una perspectiva de tres cuartos desde su lado izquierdo. Esto es especialmente notable en el lado derecho del torso, que, al igual que la parte posterior de la obra de arte, está dibujado con considerablemente menos detalle.
En comparación con la disposición vibrante y los exquisitos detalles en el lado izquierdo de la escultura, el diseño en el lado derecho es bastante básico. La base de mármol grisáceo muestra que la escultura fue diseñada no solo como un homenaje a Nike, sino también para conmemorar un triunfo marítimo.
La obra de arte tiene 5,5 metros de altura cuando se combina con la base y la plataforma en la que se asienta.
Venus de Milo (c. 130 a. C.) por Alejandro de Antioquía
| Escultor | Alexandros de Antioquía (c. siglo 2 aC) |
| Fecha de creación | C. 130 a. C. |
| Medio | Mármol |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
En la isla griega de Milos, se descubrió la Venus de Milo. Un joven campesino lo descubrió en un campo, escondido en un nicho de pared en medio de los restos de la antigua ciudad. La escultura de mármol se dividió en dos partes: la parte superior del cuerpo y las extremidades drapeadas. Varias partes más escultóricas, incluyendo un segundo brazo izquierdo agarrando una manzana y un zócalo grabado con una fuerte conexión con el escultor, fueron desenterradas cerca.
Se dice que representa a Afrodita, la deidad griega tradicional del amor sensual y la gracia.
La estatua, basada en la palabra de los especialistas en restauración, fue esculpida básicamente a partir de dos losas de mármol pariano y está compuesta por varios componentes que fueron tallados individualmente antes de ser unidos con alfileres verticales. Desafortunadamente, las extremidades de la estatua y el pedestal original han estado desaparecidos desde la entrega de la escultura en París en 1820.
Vistas frontales a la derecha de la Venus de Milo; avocadogirlfriend de San Diego, Estados Unidos, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Esto se debió en parte a problemas de clasificación porque cuando la escultura se reconstruyó por primera vez, se pensó que las partes adyacentes de la mano izquierda y el brazo no correspondían a ella debido a su aspecto general «más áspero». A pesar de la disparidad en el pulido, los expertos ahora están seguros de que estas secciones adicionales eran parte de la escultura inicial porque era un procedimiento normal en el período gastar menos trabajo en partes menos visibles de una estatua.
Debido a que el brazo en cuestión está por encima de la altura del ojo, normalmente es indetectable para el observador no entrenado.
Los especialistas en restauración de estatuas estiman que el brazo derecho esculpido individualmente de Venus de Milo descansaba sobre el cuerpo, con la mano derecha apoyada en la rodilla izquierda elevada, agarrando la tela alrededor de las piernas y las caderas. Simultáneamente, el brazo izquierdo llevaba la fruta a la altura de los ojos. Los expertos discutieron sobre si la deidad estaba mirando la fruta que llevaba o en el horizonte.
David (c. 1440) por Donatello
| Escultor | Donatello (1386 – 1466) |
| Fecha de creación | c. 1440 |
| Medio | Bronce |
| Ubicación actual | Museo Nacional del Bargello |
El Palazzo Medici era un centro de comercio e interacción social, con un patio central accesible desde la calle que conducía a la puerta principal. Una de las estatuas más inventivas de la Renacimiento temprano, el David de bronce de Donatello, encaramado en lo alto de una base elevada y visible cuando la entrada principal de la ciudad se abrió a los huéspedes. La pieza encarna las nuevas tendencias en la escultura del Renacimiento temprano de varias maneras: es la estatua desnuda independiente más antigua conocida desde la antigüedad. Además, está hecho de bronce, un medio caro que no se utilizaba comúnmente para la cría a gran escala.una escultura a lo largo de la Edad Media.
El tema de este monumento es David, el heredero al trono y protagonista de las Sagradas Escrituras, que mató al gigante Goliat cuando era joven y liberó a su nación (los hebreos) de la opresión del pueblo filisteo.
Estatua de bronce de David por Donatello, c. 1440; Donatello, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
La adolescencia de David es obvia en la estatua de Donatello: su físico desnudo es el de un adolescente, sorprendentemente yuxtapuesto con el grueso vello facial y la sabiduría de Goliat, cuyo cuerpo sin cabeza yace a sus pies. La roca que agarra en su mano izquierda enfatiza la debilidad de David, un reflejo que, aunque empuñando una espada, derribó a su gigantesco antagonista con una sola honda.
La moraleja es transparente: David prevaleció no por el poder físico, sino más bien por el favor de Dios.
Si bien la historia bíblica menciona que David optó por no luchar contra Goliat en la armadura que le entregó su padre, nunca menciona que fue desnudado. David está vestido con todas las representaciones anteriores de él, junto con una figura de mármol más antigua esculpida por Donatello personalmente. La decisión de representar a David completamente desnudo, excepto por una gorra de pastor adornada con coronas triunfales y calzado adornado, fue inusual.
David (1504) por Miguel Ángel
| Escultor | Miguel Ángel (1475 – 1564) |
| Fecha de creación | 1504 |
| Medio | Mármol |
| Ubicación actual | Galleria dell’Accademia, Florencia |
David fue ordenado inicialmente para la Catedral de Florencia como parte de una serie de enormes esculturas que se colocarían en los recovecos de las tribunas de la catedral, a casi 80 metros sobre el suelo. Los representantes de la Junta encargaron a Miguel Ángel que completara una tarea iniciada por Agostino di Duccio en 1464. Ambos artistas finalmente rechazaron una pieza masiva de mármol debido a la existencia de demasiadas fallas, lo que puede haber puesto en peligro la estructura de un monumento tan masivo.
Como resultado, esta magnífica pieza de mármol pasó desapercibida durante 25 años, descansando dentro de los terrenos de la Junta de Vestry.
En 1501, Miguel Ángel tenía solo 26 años de edad, sin embargo, podría decirse que ya era la figura más reconocida y bien pagada de su época. Aceptó con entusiasmo la tarea de esculpir un David de gran tamaño y trabajó incansablemente durante casi dos años para producir una de sus obras más magníficas de mármol blanco brillante. La Junta de la Parroquia había elegido un tema teológico para el monumento, pero nadie esperaba una representación tan radical de la figura legendaria.
David (1501-1504) por Miguel Ángel; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Históricamente, David se mostró jubiloso por el goliat asesinado después de su victoria. Los pintores florentinos crearon su propia interpretación de David sobre el cráneo desmembrado de Goliat. Más bien, para la primera instancia, Miguel Ángel representa a David antes del conflicto. Miguel Ángel atrapó a David en la cima de su atención.
Mantiene una postura cómoda pero atenta, descansando en una posición tradicional conocida como contrapposto. El modelo se encuentra con una pierna totalmente apoyada y la otra extremidad extendida, obligando a las caderas a descansar en ángulos opuestos, proporcionando al cuerpo completo de la estatua una pequeña forma curvada en S. La honda que lleva sobre sus hombros es prácticamente indetectable, lo que sugiere que el triunfo de David se logró a través de la astucia en lugar del poder bruto.
Exuda una tremenda seguridad en sí mismo y enfoque, dos rasgos asociados con la «persona pensante», que fue considerada como el pináculo de la excelencia durante el Renacimiento.
La violación de Proserpina (1622) de Gian Lorenzo Bernini
| Escultor | Gian Lorenzo Bernini (1598 – 1680) |
| Fecha de creación | 1622 |
| Medio | Mármol |
| Ubicación actual | Galería y Museo Borghese |
Esta escultura de mármol, creada a principios del siglo 17, ejemplifica algunas de las fortalezas de Bernini, en particular su comprensión de la fisiología y la capacidad de conjurar tanto el movimiento como la emoción. Mientras que las habilidades del artesano continúan siendo elogiadas hoy en día, el desagradable material de origen de la obra de arte ha colocado una sombra problemática sobre él, a pesar de ser un punto culminante clásico de ambos. Época barroca y de una estatua de mármol en general.
En 1622, Bernini terminó esta escultura. A pesar de tener solo 23 años de edad en ese momento, el escultor ya estaba logrando el reconocimiento como un artista en ascenso.
Ya se había hecho una reputación como escultor distinguido a principios de la década de 1620, con cuatro obras maestras. La escultura está hecha de mármol de Carrara, una piedra derivada de la Toscana que fue utilizada tradicionalmente por los antiguos arquitectos romanos y, posteriormente, por el manierismo y los artistas del Renacimiento.
La violación de Proserpina (1622) de Gian Lorenzo Bernini; Burkhard Mücke, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
La delicadeza de este mármol de alta calidad se prestó al arte de Bernini, ya que se sintió satisfecho de dar al mármol la ilusión de la piel. Esta fascinación por convertir la piedra en piel es más visible en La violación de Proserpina, una obra diseñada para representar una captura espectacular (la frase «violación» alude al hecho de secuestro). Como muchas de las primeras obras de Bernini, fue ordenada por el cardenal Scipione Borghese, un entusiasta conocedor de obras de arte y leal partidario de Bernini.
Después del Alto Renacimiento, hubo un resurgimiento del entusiasmo en resucitar un estilo clásico de pintura, incluidos los temas influenciados por los mitos romanos y griegos antiguos.
Estatua de la Libertad (1886) por Auguste Bartholdi
| Escultor | Auguste Bartholdi (1834 – 1904) |
| Fecha de creación | 1886 |
| Medio | Láminas de cobre |
| Ubicación actual | Liberty Island, Estado de Nueva York |
La Estatua de la Libertad fue un esfuerzo de colaboración que involucró a Francia y los Estados Unidos para celebrar la relación de larga data de los dos países. El monumento fue construido por el Artista francés Frederic-Auguste Bartholdi de tiras de cobre machacado. La Estatua de la Libertad fue entregada a los Estados Unidos y construida en una pequeña isla en la Parte Superior de la Bahía de Nueva York, sobre la base diseñada por los Estados Unidos, e inaugurada en 1886 por el presidente Grover Cleveland.
El monumento se mantuvo fuerte cuando oleadas de extranjeros desembarcaron en los Estados Unidos a través de la vecina isla Ellis a lo largo de las décadas; en 1986, recibió una importante remodelación para conmemorar el centenario de su inauguración. Cuando la Guerra Civil Estadounidense llegó a su fin en 1865, el historiador francés Edouard de Laboulaye sugirió que Francia hiciera un monumento para donar a los Estados Unidos en honor al logro de ese país en la creación de un gobierno sostenible.
El proyecto fue entregado al artista Frederic Auguste Bartholdi, conocido por sus grandes obras; el objetivo era completar el monumento a tiempo para el centenario de la Declaración de Independencia en 1876.
Estatua de la Libertad; Alex Liivet de Chester, Reino Unido, CC0, vía Wikimedia Commons
El esfuerzo sería una empresa de colaboración entre ambas naciones -los franceses estarían a cargo del monumento y su construcción, mientras que los Estados construirían el podio en el que se posaría- y un emblema de la buena voluntad de sus ciudadanos. La construcción de la estatua no comenzó hasta 1875, debido a la necesidad de reunir fondos para el monumento.
Bartholdi golpeó enormes paneles de cobre para construir la «piel» del monumento, que se informó que estaba modelada por el rostro de su madre (utilizando un método conocido como «repousse»).
Contó con la ayuda de Alexandre-Gustave Eiffel, el creador de la Torre Eiffel de París, para desarrollar el marco sobre el cual se construiría la concha. Eiffel colaboró con Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc para crear un marco de pilares de hierro y acero que permitiera que la cubierta de cobre actuara libremente, una necesidad de las fuertes ráfagas que enfrentaría en el destino seleccionado del puerto de Nueva York.
El pensador (1880) de Auguste Rodin
| Escultor | Auguste Rodin |
| Fecha de creación | 1880 |
| Medio | Bronce |
| Ubicación actual | Kunsthaus Zúrich |
El Pensador fue parte de un gran contrato realizado en 1880 para Las Puertas del Infierno, una entrada circundante. El Pensador se encuentra en el centro de la disposición, sobre la entrada, y es un poco más grande que la mayoría de las otras esculturas. Algunos estudiosos creen que inicialmente se suponía que debía retratar a Dante contemplando su famoso poema a las puertas del infierno.
Otros no están de acuerdo, citando que el cuerpo está desnudo aunque Dante está completamente vestido durante todo el pasaje y que el cuerpo de la escultura no se correlaciona con la forma efete de Dante. Rodin pretendía una forma noble a la manera de Miguel Ángel para transmitir inteligencia y belleza, por lo tanto, la obra de arte está desnuda. Se le representa agachado, con el codo en la pierna izquierda y la barbilla apoyada en el costado de la mano.
La actitud del monumento es de intenso pensamiento y concentración, y se utiliza con frecuencia como símbolo para representar a los filósofos.
El pensador (1880) de Auguste Rodin; Karora, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Rodin creó la estatua como un componente de su proyecto Las Puertas del Infierno, que fue contratado en 1880, pero el primero de los famosos moldes de bronce masivos se completó en 1904 y actualmente se exhibe en el Museo Rodin de París.
La escultura ha sido fundida en varias variantes y se puede ver en todo el mundo, pero la cronología de la transición de modelos a moldes aún no está clara.
Hay alrededor de 28 fundiciones de bronce de tamaño monumental en galerías y sitios públicos. Hay otras estatuas en varias dimensiones de tamaño de estudio, así como réplicas de yeso (típicamente bronce pintado) en proporciones masivas y de estudio. Algunos castings posteriores se hicieron después de su muerte y no se consideran parte de la creación inicial.
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) de Umberto Boccioni
| Escultor | Umberto Boccioni (1882 – 1916) |
| Fecha de creación | 1913 |
| Medio | Bronce |
| Ubicación actual | MoMA, Estado de Nueva York |
Formas únicas de continuidad en el espacio incorpora la velocidad y la dinámica de poder en la representación de una persona que camina. No retrata a un individuo específico en un punto preciso en el tiempo, sino que combina el acto de moverse en una sola entidad. Este era un estado preciso para Boccioni, un personaje significativo en el movimiento futurista italiano: un cuerpo en movimiento perpetuo, sumergido en el tiempo, conectado con las fuerzas que operan sobre él.
Boccioni afirmó que tenía poco interés en las esculturas tradicionales o renacentistas. «Cualquiera que ahora crea que Italia es la nación del arte es un desviado sexual que piensa en un cementerio como una pequeña gruta encantadora», dijo en Futurist Painting Sculpture (1914), un libro de estilo manifiesto.
Afirmó que el arte debe «tener una estrecha relación histórica con el período en el que ocurre»; Las esculturas de principios del siglo 20, creía, representarían el ritmo y la intensidad de la rápida urbanización de Italia.
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) de Umberto Boccioni; Umberto Boccioni, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Boccioni y los otros futuristas incluso vieron la inminente guerra global como una evolución lógica, una que borraría los vestigios de la historia y acercaría a las personas y la tecnología. «Rompamos la forma de par en par y permitamos que cualquier cosa que pueda rodearla se asimile dentro de sí misma», comentó Boccioni. Desafió la convención escultórica al abrir la forma de esta criatura en movimiento, que avanza como si estuviera cortada por la prisa. Mientras que la actitud triunfal y el cuerpo sin brazos recuerdan a las esculturas de períodos anteriores de la historia del arte, el metal brillante se refiere a la tecnología contemporánea resbaladiza.
Boccioni fue un personaje fundamental en el movimiento futurista, cuyos seguidores rechazaron violentamente el pasado en favor del diseño de formas que reflejaran la vitalidad y la inventiva de la era de las máquinas.
Fuente (1917) de Marcel Duchamp
| Escultor | Marcel Duchamp (1887 – 1968) |
| Fecha de creación | 1917 |
| Medio | Porcelana |
| Ubicación actual | Tate Modern, Londres |
Fuente es una obra de arte prefabricada de 1917 de Marcel Duchamp que consiste en un urinario de cerámica marcado «R. Mutt». Un elemento regular de infraestructura seleccionado por Duchamp fue ingresado para una instalación de la Sociedad de Artistas Independientes en abril de 1917, la exposición debut de la Sociedad que se presentará en el Grand Central Palace en Nueva York.
Duchamp describió sus esculturas prefabricadas como «cosas comunes elevadas a la grandeza de una obra de arte por el acto de selección del creador».
La posición del urinario fue cambiada de su colocación regular en la pantalla de Duchamp. Fountain no fue rechazada por el panel porque las regulaciones de la Sociedad indicaban que todas las obras de arte presentadas por los creadores que enviaron el dinero serían admitidas, pero la escultura nunca se exhibió. La fuente fue cortada Alfred Stieglitz después de su partida, y la imagen fue impresa en la publicación dadaísta The Blind Man. El trabajo de origen se ha perdido. La pieza es considerada un importante punto de referencia en el arte del siglo 20 por los estudiosos del arte y vanguardia Pensadores.
Fuente (1917) de Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En las décadas de 1950 y 1960, se solicitaron 16 reproducciones a Duchamp y se crearon con su consentimiento. Algunos especulan que la pieza original fue creada por una mujer anónima que la envió a Duchamp como conocida, pero los críticos de arte piensan que Duchamp fue completamente responsable de la representación de Fountain.
La «Fuente» de Duchamp es posiblemente la más conocida de las readymades de esta colección porque el significado figurativo del inodoro empuja la cuestión intelectual dada por los readymades a su grado más emocional.
Del mismo modo, el filósofo Stephen Hicks sugirió que Duchamp, que estaba bien versado en la historia del arte europeo, claramente estaba haciendo un mensaje controvertido con Fountain: «Duchamp, el artista, es un creador mediocre: fue a comprar a un departamento de plomeros. La escultura no es un artículo único; fue producido en masa en una instalación. El arte no es una experiencia estimulante o edificante; en el mejor de los casos, es desconcertante y generalmente deja a uno con mal sabor».
Bird Girl (1936) de Sylvia Shaw Judson
| Escultor | Sylvia Shaw Judson |
| Fecha de creación | 1936 |
| Medio | Arcilla Original y Bronce Fundido |
| Ubicación actual | El Centro Jepson |
Cuando la escultura de Sylvia Shaw Judson de la Chica Pájaro apareció en la cubierta del libro de Midnight in the Garden of Good and Evil (1994), innumerables reproducciones de la joven agarrando los cuencos comenzaron a surgir por todas partes. La hija de la señora Judson, que posee todos los derechos de autor de las esculturas de su familia, estaba enfurecida. Comenzó a hacer todo lo posible, lo que implica acciones legales, para eliminar estos duplicados atroces del mercado. Brian Caldwell, el creador de Potina, se acercó a la hija de la Sra. Judson en la primavera de 1998 y propuso lanzar una réplica aprobada por el patrimonio del monumento Bird Girl. Caldwell recuerda haberle dicho: «Alguien va a seguir produciéndola». Quiero tratarla adecuadamente».
Después de mucha deliberación, el patrimonio de la Sra. Judson consintió en proporcionar a Potina un acuerdo de licencia exclusiva para crear y vender reproducciones del monumento.
A finales de año, había estado al frente de tres catálogos líderes y se estaba distribuyendo en centros de jardinería y tiendas de recuerdos de todo el país. Sylvia Shaw Judson, la diseñadora de Bird Girl, nació en Lake Forest, Illinois, y se formó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, así como en París. Su estilo ha sido elogiado por los críticos como modesto, claro, pacífico, infantil, tranquilo y encantador. Judson es posiblemente más conocida por sus adorables interpretaciones de animales y niños, pero también creó algunas piezas comisionadas bien conocidas con temas teológicos que representan su ascendencia cuáquera.
Hoy en día, las estatuas y fuentes de la Sra. Judson se pueden ver en jardines y parques de la ciudad en todo Estados Unidos.
Maman (1999) de Louise Bourgeois
| Escultor | Luisa Bourgeois (1911 – 2010) |
| Fecha de creación | 1999 |
| Medio | Bronce, Mármol, Acero Inoxidable |
| Ubicación actual | Guggenheim, Bilbao |
Louise Bourgeois creada Maman en mármol, bronce y acero inoxidable. La obra de arte, que se asemeja a una araña, es una de las más grandes del mundo, con más de 30 pies de alto y 33 pies de ancho. Tiene un saco con 32 huevos de mármol en su interior, y su vientre y patas están construidos de metal acanalado. El título es un juego de palabras con el término francés que significa «Madre». Bourgeois produjo la obra de arte en 1999 como parte de su proyecto debut, The Unilever Series (2000), en el Turbine Hall de la Tate Modern de Londres. Este original de acero fue seguido por seis moldes de bronce en un número de seis.
La escultura continúa la idea de la araña, que Bourgeois consideró inicialmente en una pequeña pintura de tinta y carbón en 1947, y que continuó con su pieza de 1996 Spider.
Maman (1999) de Louise Bourgeois; Jeangagnon, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Hace referencia al poder de la madre de Bourgeois a través de símbolos de hilar, tejer, nutrir y proteger. Su madre, Josephine, trabajaba en el taller de reparación textil de su padre en París, reparando tapices. La madre de Bourgeois murió de una enfermedad no revelada cuando tenía 21 años. Louise se sumergió en el río Bièvre unos días después de la muerte de su madre, frente a su padre (que no parecía tomar en serio la tristeza de su hija). Corrió en su ayuda.
«La Araña es una carta de amor a mi madre. Ella era mi compañera más cercananion. Mi madre era una hilandera, muy parecida a una araña. Mi hogar estaba en la industria de reparación de tapices, y mi madre tenía el control de la fábrica. Mi madre, como las arañas, era extremadamente inteligente. Las arañas son insectos agradables que se alimentan de mosquitos. Se sabe que los mosquitos transmiten enfermedades y son tan desagradables. Las arañas, como mi madre, son útiles y vigilantes», escribió.
Cloud Gate (2004) de Anish Kapoor
| Escultor | Anish Kapoor |
| Fecha de creación | 2004 |
| Medio | Acero inoxidable |
| Ubicación actual | Parque del Milenio, Chicago |
La forma líquida del mercurio influyó en la creación de Anish Kapoor, y la textura de la escultura altera la imagen del paisaje urbano de Chicago. Los visitantes pueden caminar alrededor de él y debajo del arco de 3,7 metros de altura de Cloud Gate, así como sentir la obra de arte. El ombligo es una cavidad cóncava en la parte inferior que distorsiona y amplifica la reflexión. Muchas de las ideas creativas de Kapoor se incluyen en la escultura, que es popular entre los visitantes como una oportunidad para obtener imágenes debido a sus características reflejadas distintivas. Un concurso de diseño resultó en la creación de la obra de arte.
Tras la selección del concepto de Kapoor, surgieron varias preocupaciones tecnológicas sobre la fabricación e instalación del diseño, al igual que preguntas sobre el cuidado y el mantenimiento de la escultura.
Varios especialistas se comprometieron, y algunos afirmaron que el concepto no se podía lograr. Aunque se descubrió un proceso de construcción viable, el desarrollo de la escultura se retrasó con respecto al cronograma designado. Se exhibió en una versión parcial en la ceremonia oficial de apertura de Millennium Park en 2004, antes de ser ocultado nuevamente hasta que se finalizó el 15 de mayo de 2006.
Después de que se terminó, pronto se descubrió que la obra de arte no requiere que alguien la mantenga porque está ventajosamente colocada afuera y puede ser realizada por la lluvia. La nieve puede ser eliminada de la obra de arte por las muchas personas que la tocan, lo que les permite tomar selfies retorcidos debajo de su «ombligo». Ha crecido en prominencia tanto a nivel nacional como en el extranjero en los años posteriores a su finalización.
Y con eso, terminamos nuestra lista de las esculturas más famosas del arte. El arte escultórico es una de las formas de arte existentes más largas debido a los materiales utilizados y tenemos la suerte de tener todavía tantas esculturas de arte para disfrutar hasta el día de hoy. Las famosas estatuas de arte continúan viviendo como restos de civilizaciones pasadas.
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Preguntas Frecuentes
¿Quién es considerado como el mejor escultor de la historia?
Lo más probable es que ese sea Miguel Ángel. Fue un «Hombre del Renacimiento» o «Maravilla Global» que se desempeñó en una variedad de profesiones como el arte, la construcción, la literatura y la tecnología. Sobre todo, se cree que es el mejor escultor de toda la historia. Miguel Ángel fue conocido como «el Divino» durante toda su vida.
¿De qué medios estaban hechas las esculturas famosas?
Escultores famosos a lo largo de la historia han esculpido piedra, metal, madera y otros materiales en formas extraordinarias mediante la manipulación de objetos en tres dimensiones. Desde los albores de los tiempos, la escultura artística ha sido un medio vital para comprender la sociedad y la cultura, ya sea en forma de famosas estatuas de arte de figuras de renombre o representaciones metafóricas de conceptos morales.
