Henry Moore fue, sin duda, el escultor inglés arquetípico del siglo anterior. Las obras de arte no occidentales influyeron en los primeros ejemplos del arte de Henry Moore, mientras que los famosos reformadores europeos fueron inspiraciones posteriores, y Moore unificó estas facetas a través de un humanismo poderosamente sentido. Las esculturas de Henry Moore con frecuencia volvían a los temas de la madre y el niño y las figuras reclinadas, y también empleaba formas abstractas para hacer comparaciones entre la figura humana y la naturaleza. Mientras que el escultor inglés era mejor conocido por sus estatuas abstractas, los dibujos de Henry Moore de los subterráneos durante la guerra fueron otra parte a menudo olvidada de su producción.
Biografía de Henry Moore
| Nacionalidad | Británico |
| Fecha de nacimiento | 30 de julio de 1898 |
| Fecha de fallecimiento | 31 de agosto de 1986 |
| Lugar de nacimiento | Castleford, Yorkshire, Inglaterra |
La fascinación de Henry Moore por el campo y la vida silvestre ha contribuido a la noción de que tiene fuertes raíces en las tradiciones artísticas británicas, pero su perspectiva suavemente esperanzadora y redentora de la humanidad también le ha ganado la aclamación internacional. La técnica de Moore se basó en el corte directo, y descartó la fase de modelado.
Moore admiraba el compromiso feroz que el corte directo ofrecía con materiales como la piedra y la madera. Hizo hincapié en la necesidad del escultor de «conseguir la forma sólida, por así decirlo, en su mente: se conecta con su centro gravitacional».
Niñez
Henry Moore nació de un padre ingeniero de minas y un ama de casa, y su padre, frecuentemente con problemas económicos, lo instó a recibir una educación y una profesión adecuada. La vehemente aversión del padre de Moore a la excesiva existencia física de la minería produjo dificultades cuando Moore finalmente eligió la escultura como carrera, un trabajo que su padre consideraba trabajo manual.
Moore comenzó a esculpir en madera y arcilla, influenciado por Miguel Ángel, en su institución en Castleford, donde algunos de sus parientes habían estudiado y donde había recibido una beca.
Fotografía del artista Henry Moore, de pie junto a su escultura Modelo de trabajo para óvalo con puntos, tomada en 1975; Allan Warren, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Formación temprana
Moore recibió un ex militar de subvención en 1919, después de un breve período de enseñanza y servicio en la unidad de Rifles del Servicio Civil durante la Primera Guerra Mundial, y asistió a la Escuela de Arte de Leeds, estableciéndose como el primer estudiante de escultura de la academia. Barbara Hepworth lo conoció allí y tuvo un gran impacto en él. Durante su estancia, pasó mucho tiempo en el Museo Británico investigando su colección etnográfica, que influyó en sus piezas representativas monumentales posteriores.
En 1924, pasó seis meses recorriendo Francia e Italia, donde fue influenciado por las obras de Masaccio, Giotto y Miguel Ángel.
la escultura de Henry Moore Mujer reclinada (1930), expuesta en la Galería Nacional de Canadá; Gbuchana en Wikipedia en inglés, CC0, vía Wikimedia Commons
Cuando regresó a París, se unió a las lecciones que se reunían en el Louvre de forma regular. Y fue en París, en el Musée d’Ethnographie, donde se encontró con un modelo de yeso de una escultura azteca de alrededor de 900 a 1000 dC conocida como chacmool, que tendría un efecto significativo en sus estudios iniciales.
El «Chacmool» estimuló su deseo de tallar figuras rectas y solitarias que se concentraran en el volumen y la forma.
Período de madurez
Moore obtuvo un puesto de siete años como tutor en el Royal College of Art de Londres después de terminar su educación. En 1928, obtuvo su primer contrato público del metro de Londres, West Wind. Durante este período, también se casó con la alumna de arte nacida en Kiev Irina Radestsky, y se mudaron al norte de Londres para ingresar a un conjunto de arquitectos, pintores y escritores que incluía a Ben Nicholson, Barbara Hepworth, Gabo y Piet Mondrian. Moore fue nombrado Jefe del Departamento de Escultura de la Escuela de Arte de Chelsea en 1932.
Mariposa grande (1986) de Henry Moore; OTFW, Berlín, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Durante este tiempo, cofundó la Sociedad de los Siete y Cinco con Hepworth, su socio comercial Ben Nicholson y varios otros modernistas abstractos. Iban a París regularmente para ver obras de Braque, Picasso y Giacometti. Moore decidió abandonar su relativamente corta participación en el surrealismo después de su participación como planificador de eventos de la «London International Surrealist Art Show» en 1936 y decidió regresar a su trabajo de representación modernista en 1937.
Su momento de cambio de carrera llegó a través de la compra de Mother and Child a un comprador privado, cuya demostración pública de la famosa obra provocó dos años de manifestaciones masivas y escándalos en su vecindario extremadamente conservador de Hempstead.
Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, Moore se vio obligado a dejar su puesto de profesor y recibir una comisión como ilustrador de guerra. Durante este período, los dibujos de Henry Moore representaban a londinenses escondiéndose de los bombardeos en las plataformas del metro. Describió que estaba aturdido por la vista de los humanos extendidos junto con la plataforma, que parecían casi capullos o criaturas dormidas. La casa de Moore fue destruida en 1940, por lo que él y su familia se mudaron a una granja cerca de Perry Green, Reino Unido, donde trabajó y vivió durante el resto de su ajetreada carrera.
Período tardío
Moore visitó los Estados Unidos por primera vez en 1946 para ver su exposición en el Museo de Nueva York. Arte Moderno. Al mismo tiempo, el nacimiento de su hija, María, y la pérdida de su madre modificaron su trabajo generalmente de una sola figura para representar su nueva estructura familiar, y se involucró en el tema de la madre y el niño. Las esculturas de Henry Moore, sin embargo, se volvieron cada vez más abstractas.
Moore se intrigó por el concepto de hacer agujeros en la forma anteriormente integrada de sus esculturas, y jugar con la yuxtaposición del espacio positivo vs negativo.
Grupo Familiar (1950) de Henry Moore, ubicada en la Barclay School de Hertfordshire en el Reino Unido; Henry Moore, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
En 1950, produjo Family Group, su primer bronce a gran escala, que fue solicitado por una escuela en Stevenage. Los proyectos públicos de Moore tuvieron una gran demanda a lo largo de la década de 1950. Los precios de sus obras se dispararon y su reputación como escultor internacional creció. Moore reclutó aprendices y asistentes para su estudio mientras recibía encargos más grandes y exigentes, como la Figura Reclinada de la UNESCO, una decisión que, aunque práctica, obtuvo la condena de ciertos puristas del mundo del arte.
En la década de 1970, las obras de arte de Henry Moore se mostraban en más de 40 exposiciones al año, y era uno de los creativos vivos más exitosos y rentables del planeta.
La Fundación Henry Moore, que hoy supervisa su casa como museo y galería, fue creada a finales de esa década para fomentar la preservación y exposición de sus obras públicas. Muchos premios fueron derramados sobre él, en particular un título de caballero (que rechazó).
Legado
Moore se vinculó con la escultura contemporánea en Inglaterra, Estados Unidos y en todo el mundo a lo largo de su vida, exponiendo a un gran público a formas modernas como el primitivismo y el surrealismo. De hecho, está casi asociado con las numerosas organizaciones globales cuyas esculturas públicas más grandes, expresando su misión humanitaria, se encuentran al aire libre.
Su fama ha disminuido después de su muerte, debido en parte a su copiosa producción en sus últimos años y en parte a una aversión por su cálido y a menudo empalagoso humanismo.
Figura reclinada (1957 – 1958) de Henry More, ubicada en Yorkshire Sculpture Park en el Reino Unido; David Sands / Figura reclinada en Yorkshire Sculpture Park
Sin embargo, tuvo una influencia significativa en la generación que lo siguió, influyendo en personas tan dispares como Eduardo Paolozzi, William Turnbull y, ya que una vez fueron empleados en su taller, Phillip King y Anthony Caro.
Obras de arte de Henry Moore
Las pinturas de Henry Moore de los subterráneos de la Segunda Guerra Mundial fueron influenciadas por sus experiencias personales de ver la devastación de primera mano de los efectos de la guerra. Sin embargo, son las esculturas de Henry Moore las que han recibido la mayor aclamación del público. El escultor inglés prefería la talla directa. Su devoción a la talla directa estaba vinculada a su convicción en el principio de «verdad a los materiales». La idea era que el escultor debía honrar las cualidades inherentes de sustancias como la madera y la piedra, permitiéndoles mostrarse en la escultura completa.
Moore pensaba que el material tiene su propia energía, «una vida fuerte propia», y que su misión era mostrarlo.
Moore se inspiró tanto en el enfoque constructivista como en un degre mucho más grande.e, el surrealismo a lo largo de la década de 1930, su década más prolífica y aventurera. Aprendió el valor de la forma abstracta desde el principio, y gran parte de su preocupación por agregar profundidad psicológica y humana a su escultura provino de este último. El surrealismo, por otro lado, influyó en su estilo maduro.
The Arch (1963 – 1969) de Henry Moore, ubicado en el Kunst en Schwäbisch Hall; Chandravathanaa, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Esto alimentó su pasión por las formas biomórficas al tiempo que implicaba cómo la figura humana puede ser desmontada en pedazos y reducida a los fundamentos. La fascinación de Moore por las obras de arte no occidentales le dio a la mayoría de sus primeros trabajos una apariencia frontal, pero a medida que crecía, se preocupó más por el uso de tres dimensiones. Esto lo inspiró a incorporar «agujeros» en su escultura para que la cosa parezca emerger de un núcleo faltante. Las formas de Moore fueron influenciadas tanto por el cuerpo humano como por el entorno natural.
Con frecuencia tomaba prestadas ideas de cosas como guijarros, conchas y huesos, y la forma en que las invocaba en su escultura instaba al observador a ver el entorno natural como una obra de arte continuamente diferente, constantemente generada por fenómenos naturales.
El arte de Moore representa a la humanidad como una tremenda fuerza natural al hacer referencia tanto al entorno natural como al cuerpo humano al mismo tiempo.
Figura reclinada (1929)
| Fecha de finalización | 1929 |
| Medio | Piedra marrón de Horton |
| Dimensiones | 47,7 cm |
| Ubicación actual | Leeds Ciudad de Arte |
La figura inicial de Moore en piedra marrón de Hornton se inspiró en gran medida en una obra de arte azteca, el personaje de Chacmool, del que vio un elenco en un museo de París. Moore consideró que la figura de Chacmool era la pieza más influyente en su carrera temprana debido a su «quietud y atención, un sentido de preparación y la presencia total de ella, con las piernas cayendo como columnas».
La figura reclinada de Moore, de la que se enteró parcialmente a través del libro de Roger Fry, demuestra la influencia de la cultura no occidental en sus estudios iniciales. Las primeras interpretaciones de Moore de la figura reclinada, un tema que se volvería significativo para su enfoque maduro, también se incluyen en esta pintura.
Figura reclinada (1982) de Henry Moore, ubicada en el Kunst en Schwäbisch Hall; Chandravathanaa, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Composición de cuatro piezas: Figura reclinada (1934)
| Fecha de finalización | 1934 |
| Medio | Alabastro de Cumberland |
| Dimensiones | 270 mm x 520 mm x 280 mm |
| Ubicación actual | Colección de la Tate |
La composición de cuatro piezas demuestra la influencia significativa que el surrealismo tuvo en el escultor inglés a principios de la década de 1930, reemplazando su enfoque anterior en el arte no occidental. La pintura puede haber sido inspirada por Mujer con su garganta cortada (1932) por Alberto Giacometti, ya que esto le habría dado a Moore el concepto de fracturar el cuerpo y dispersarlo sobre su base.
La pintura de Moore está grabada con líneas finas, un método que utilizó con frecuencia en la década de 1930.
Vértebras (Escultura de tres piezas) de Henry Moore, ubicada en el Museo de Israel en Jerusalén; Talmoryair, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Puede haber obtenido este concepto de Joan Miró, pero también podría haber venido de los trabajos del colega de Moore, Ben Nicholson. En este sentido, la obra de Henry Moore revela cómo se fusionó aparentemente oponiéndose a corrientes como el surrealismo y el constructivismo.
Cesta de pájaro (1939)
| Fecha de finalización | 1939 |
| Medio | Lignum vitae y String |
| Dimensiones | 37 cm x 41 cm x 23 cm |
| Ubicación actual | Fundación Henry Moore |
Se ha especulado que esta escultura fue influenciada por el arte no occidental, a saber, los tambores de fricción fabricados en la isla oceánica de Nueva Irlanda. También muestra cómo Moore fusionó componentes de Constructivismo así como el surrealismo en la década de 1930, ya que la forma biomórfica de las esculturas definitivamente se origina en la primera, mientras que la regularidad de las cuerdas puede provenir de la otra.
La preocupación de Moore por las formas abiertas y cerradas también es evidente en la pieza.
Escultura de tres piezasre: Vértebras (1968 – 1969) de Henry Moore; Chandravathanaa, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Estaba interesado en las formas en que era factible detectar consistencias entre la masa de un artículo y el espacio que lo rodea, posiblemente la forma en que el área alrededor de la Canasta de Pájaros lo agarra en lugar de al revés. A pesar de que podemos ver a través de las cuerdas hasta el grueso duro del cuerpo de la escultura, las cuerdas ayudan a acentuar el espacio alrededor de la figura.
Casco (1940)
| Fecha de finalización | 1940 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 31 cm x 24 cm x 15 cm |
| Ubicación actual | Fundación Henry Moore |
Esta es la primera escultura de Moore en utilizar el concepto de formas interiores y exteriores. No volvió a la noción hasta finales de la década de 1940, pero se volvió esencial para él, ofreciendo otra forma de expresar la yuxtaposición entre lo suave y lo duro que sus obras indican con frecuencia.
Esta pintura puede haber sido influenciada por una representación de herramientas griegas antiguas.
Pieza de oveja (1971 – 1972) de Henry Moore, ubicada en Suiza; Roland zh, sube el 12. März 2009, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, Moore ha declarado que también podría haber sido influenciado por su fascinación por la armadura o por una declaración hecha por el artista y autor Wyndham Lewis sobre cortar en una langosta y descubrir que es suave dentro de su cáscara dura.
Perspectiva del refugio tubular (1941)
| Fecha de finalización | 1941 |
| Medio | Lápiz, Tinta, Cera, Acuarela |
| Dimensiones | 48 cm x 43 cm |
| Ubicación actual | Tate, Reino Unido |
A Moore se le pidió que fuera un artista de guerra autorizado antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial, pero fue rechazado porque sentía que su estilo no era apropiado para el papel. Sin embargo, él y su esposa tuvieron que encontrar seguridad en los andenes de la estación de metro de Belsize Park después de un severo asalto aéreo mientras regresaban de cenar con colegas una noche durante la guerra, y se sorprendió por lo que vio. «Era como una ciudad masiva en el núcleo de la tierra. Cuando lo vi por primera vez, noté cientos de figuritas colgadas a lo largo de la plataforma».
Cuando regresó a su estudio, esbozó las figuras de memoria, y pasó a crear tres cuadernos de bocetos llenos de dibujos de Henry Moore. Las obras más grandes de Moore, incluyendo «Tube Shelter Perspective», fueron finalmente adquiridas por el Comité de Artistas de Guerra y entregadas a exposiciones en toda Inglaterra para ayudar a promover la confianza.
Óvalo con puntos (1968 – 1970) de Henry Moore, ubicada en la Fundación Henry Moore en el Reino Unido; Jynto, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Figura reclinada (1958)
| Fecha de finalización | 1958 |
| Medio | Mármol travertino |
| Dimensiones | 4,9 m x 2,4 m |
| Ubicación actual | Sede de la UNESCO, París |
La primera asignación internacional significativa de Moore para el arte público fue crear una escultura para la sede de la UNESCO en París. Más adelante en su carrera, se identificaría con esfuerzos similares. También lo impulsó a crear su escultura más grande hasta el momento, una figura de 16 pies de largo.
Moore fue inicialmente comisionado por la UNESCO para hacer una escultura de bronce, pero creía que el material oscuro habría considerado el trabajo inútil contra el telón de fondo de vidrio del edificio.
La pieza de la UNESCO, creada por Henry Moore, fue trasladada en 1963 para permitir el trabajo de construcción; UNESCO / Dominique Roger, CC BY-SA 3.0 IGO, vía Wikimedia Commons
En su lugar, utilizó mármol travertino, el mismo material que el techo de la estructura. Esta escultura, que pesa 39 toneladas y está formada por cuatro losas distintas de material, es un monumento a su flexibilidad. Se ha comparado con una Atenea moderna, la deidad griega del conocimiento.
Preguntas Frecuentes
¿Quién fue Henry Moore?
Henry Moore es ampliamente considerado como el escultor inglés más importante del siglo 20. Sus bronces fundidos, que son monumentales, abstractos y figurativos, infieren formas animales y humanas a través de contornos naturales y conexiones rectilíneas que se doblan con gracia. La carrera de Moore comenzó con su investigación de la tendencia entonces actual de Arte primitivo, que trajo la inspiración de formas de arte no occidentales a un enfoque modernista. Moore viajó ampliamente por Europa, conociendo a artistas de la vanguardia como Georges Braque y con simbolismo religioso. La influencia de Moore ya se consideraba clásica después de la Segunda Guerra Mundial, y el artista fue el foco de gran curiosidad y apreciación, incluida una gran retrospectiva de 1946.
¿Por qué el arte de Henry Moore era único?
Henry Moore fue influenciado no solo por las formas de las cosas naturales, sino también por el medio ambiente mismo. Cuando era niño, se inspiró en los elementos dramáticos del paisaje de Yorkshire cerca de donde residía. Henry Moore no solo se inspiró en la naturaleza., pero también creó muchas de sus obras para lugares al aire libre. Creía que los elementos naturales de la zona resaltarán cómo se perciben sus obras de arte. El boceto fue utilizado por Henry Moore para descubrir cómo traducir las formas de los elementos que lo influyeron en las formas inusuales y maravillosas de sus increíbles obras.
