Los Países Bajos han producido algunos de los pintores más influyentes de toda la historia del arte. A partir de la década de 1400, el arte holandés giraría en espiral en varias direcciones, proporcionando innumerables obras maestras en el camino. Si bien una discusión sobre los pintores holandeses más famosos podría extenderse en días, estos son diez artistas que tuvieron un impacto fundamental no solo en el arte holandés, sino en el arte en general.
Pintores y pinturas holandesas famosas
Esta lista toma una amplia perspectiva histórica para que los pintores de todas las épocas del arte holandés puedan ser reconocidos. Algunos pintores puede que conozcas, otros puede que no, pero al final de este artículo, tendrás una comprensión firme de los pintores holandeses famosos, sus movimientos, sus pinturas y los estilos que perfeccionaron. Todos los artistas en esta lista son de ascendencia holandesa, y todos han dejado su huella única en la disciplina de la pintura. Muchos de los artistas también son conocidos por sus obras más allá de la pintura, a menudo involucrando a otros medios también.
Jan van Eyck (c. 1390 – 1441)
Muchos consideran que Jan van Eyck es uno de los primeros pintores holandeses famosos, si no el primero por completo. Fue un maestro del período holandés temprano y desempeñó un papel fundamental en la popularización del arte holandés, tanto en su época como en los siglos siguientes.
Los historiadores estiman que la fecha de nacimiento de van Eyck es anterior a 1390 o 1395 debido a la escasez de información sobre su vida temprana.
Retrato de un hombre (Retrato de un hombre con turbante rojo) (1433) de Jan van Eyck; Jan van Eyck, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus pinturas indican que debe haber recibido una formidable educación en temas naturales y bíblicos. Van Eyck disfrutó de un gran éxito durante su carrera, estableciéndose cómodamente como pintor de la corte real. La paga era buena, y la fama era aún mejor, interactuando diariamente con las élites de su tiempo. Él y otros artistas holandeses como Robert Campin eventualmente cristalizarían como los primitivos flamencos.
Este movimiento fue exclusivo de los Países Bajos y fue el primero en poner al país en el mapa artístico principal.
Van Eyck a veces se confunde como el único inventor de la pintura al óleo. Si bien no creó el medio, se le entiende como su mayor innovador. Perfeccionó el uso del óleo, a diferencia de cualquier artista antes que él. Provocó una revolución que se extendió por toda Europa rápidamente y perduraría mucho después de su muerte en 1441.
El retablo de Gante (1432)
| Año | 1432 |
| Tamaño | 5,2 x 3,75 metros |
| Técnicas | Manipulación de la luz Acristalamiento transparente Pintura religiosa |
| Materiales | Políptico, Óleo sobre tabla |
El Retablo de Gante es posiblemente la obra más famosa de van Eyck. Es un excelente ejemplo de la transición del artista de los primeros estilos góticos a un naturalismo holandés ahora familiar. Es una pieza políptica (multipanel) diseñada para descansar detrás de un altar, un encargo popular en la época. Ofrece una vista de panel abierto y de panel cerrado. El trabajo es un fuerte ejemplo de las habilidades de van Eyck con las primeras pinturas al óleo, particularmente en la forma en que la luz se distribuye desde los cielos sobre el campo de abajo.
También es valioso debido a su naturaleza pública; Van Eyck produjo principalmente obras para clientes privados, por lo que esta pieza, destinada a la exhibición, requería un enfoque único.
El Retablo de Gante (Abierto) (1432) de Jan van Eyck; Jan van Eyck, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Si obtienes una sensación renacentista de esta pieza, no te alarmes. Esta obra ejemplifica el Renacimiento del Norte, que se inspiró en el trabajo del Renacimiento clásico, pero también expresó diferencias importantes. El rigor y la precisión de la pintura renacentista son visibles en esta obra, pero hay características que la distinguen. Lo que en realidad falta es el idealismo común a las piezas renacentistas. Van Eyck, en su enamoramiento con el naturalismo, quería colocar a Dios y a sus seguidores terrenales dentro del mismo marco. El Retablo de Gante está dividido horizontalmente por esta razón exacta.
Lo importante aquí no es el santo ideal, sino más bien su relación con el mundo material. Para van Eyck, los temas mundanos podían tener tanta belleza como los temas religiosos.
Hieronymus Bosch (c. 1450 – 1516)
| Nacionalidad | Holandés |
| Vivienda | Países Bajos |
| Movimientos artísticos asociados | Holanda temprana Renacimiento del Norte Primitivos flamencos |
| Obras de arte más famosas | La crucifixión de Santa Julia (1497) La tentación de San Antonio (1501) El Jardín de las Delicias Terrenales (1510) |
Hieronymus Bosch es un enigma en la historia del arte. Nacido en Hertogenbosch alrededor de 1450, Bosch se convirtió en un maestro de la imaginería religiosa y psicológica, a menudo aprovechando temas de miedo o decadencia humana. Es uno de los pintores más intrincados de Europa, pero también uno de los más oscuros. Representar demonios y paisajes infernales no era una práctica popular en los Países Bajos antes del Bosco.
Es ampliamente tomado como uno de los pintores más originales y únicos de la historia: mire de cerca una de sus pinturas y comprenderá rápidamente por qué.
Retrato de Hieronymus Bosch (c. 1550) atribuido a Jacques Le Boucq; Atribuido a Jacques Le Boucq, dominio público, vía Wikimedia Commons
Es difícil situar al Bosco en alguno de los principales movimientos artísticos de su tiempo, ya que a menudo se encontraba a caballo entre ellos. Tiene sus raíces en el arte holandés temprano, particularmente en la forma en que trató el paisaje y el gótico visible en sus obras.
Se le considera un primitivo flamenco, pero también a menudo se mueve más allá de esta categoría.
Por ejemplo, su uso de la técnica del impasto, que es un texturizado de la pintura mediante la aplicación de pinceladas gruesas, fue un punto importante de diferencia. Aunque, tampoco se le puede categorizar como renacentista clásico, debido a sus temas de fantasía.
El Jardín de las Delicias Terrenales (c. 1490-1510)
| Año | 1490-1510 |
| Tamaño | 205,5 x 384,9 centímetros |
| Técnicas y estilos | Impasto Pintura narrativa religiosa |
| Materiales | Tríptico, óleo sobre roble |
El Bosco es venerado por sus trípticos. Estas son obras de arte que constan de tres secciones o paneles con un enfoque en el centro. El medio de elección de Bosch fue el óleo sobre madera, preferiblemente de roble. El Jardín de las Delicias Terrenales está destinado a ser leído en secuencia, con el panel izquierdo que retrata el Edén y el panel derecho que retrata El Juicio Final. La sección central, que contiene una colección increíblemente detallada de personajes y objetos, es una imagen de humanidad indulgente y excesiva al borde del colapso.
Las motivaciones e ideas detrás de las obras de Bosch siempre han sido un gran misterio.
El jardín de las delicias terrenales (c. 1490-1510) de Hieronymus Bosch; Tulip Hysteria / Ir a álbumes, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
No hay información confiable de por qué pintó las piezas que hizo. Los estudiosos del arte han deducido con el tiempo que gran parte de su trabajo era irónico, lo que se logró equilibrando la profundidad religiosa y el humanismo. En el sentido de que el Bosco siempre está diciendo algo con sus pinturas, podríamos considerarlo un precursor temprano del arte crítico. Los historiadores han rastreado que su educación en Hertogenbosch, que era una ciudad religiosamente progresista, puede haber contribuido a la profundidad de sus obras religiosas.
Su enfoque es un tratamiento fantástico de la desaparición de la humanidad: el tríptico es una advertencia contra los enemigos sociales y espirituales de la época. Es una pieza pesimista pero entregada casi con humor.
Rembrandt van Rijn (1606 – 1669)
| Nacionalidad | Holandés |
| Vivienda | Países Bajos |
| Movimientos artísticos asociados | Edad de Oro holandesa Barroco |
| Obras de arte más famosas | Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632) Tormenta en el mar de Galilea (1633) La guardia nocturna (1642) |
El artista más preciado de la Edad de Oro holandesa es el incomparable Rembrandt van Rijn. Tenía 17 añosésimo– Artista holandés del siglo de Leiden que encontró trabajo por primera vez en la corte de La Haya. Rembrandt pronto estuvo en la bulliciosa Ámsterdam, el centro cultural de los Países Bajos en ese momento.
Su habilidad fue innegable desde el principio, y rápidamente se convirtió en uno de los maestros más respetados, no solo en su país de origen, sino en toda Europa.
Autorretrato con boina y collar volteado (1659) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su vida personal, por otro lado, nunca fue tan suave como los trazos de su pincel. En medio de todo el éxito, perdió tres hijos pequeños entre 1635 y 1640, y su esposa falleció en 1642. Por En 1660, se había vuelto pobre y fue apoyado gravemente por su único hijo Tito, con rembrandt falleciendo en 1669. A pesar de sus luchas más tarde en la vida, reyes, duques y poetas siempre lo visitaban cuando estaban en Ámsterdam.
El efecto de su contribución (especialmente teniendo en cuenta que nunca abandonó los Países Bajos), no puede ser subestimado. Van Gogh una vez lo llamó mago.
Rembrandt puede ser considerado uno de los artistas más versátiles de todos los tiempos. No solo fue pintor, sino también profesor y coleccionista de arte. Pintó en varios campos, trabajando como pintor de retratos, narrativa y paisajes holandeses. La historia y la religión eran algunos de sus temas favoritos, pero fue su capacidad para capturar la emoción a través de los detalles lo que permitió que sus relatos visuales de historias bíblicas e históricas fueran tan impresionantes.
La guardia nocturna (1642)
| Año | 1642 |
| Tamaño | 3,63 x 4,37 metros |
| Técnicas y estilos | Tenebrismo (uso de luz y sombra) Simbolismo Impasto acristalado Pintura de género |
| Materiales | Óleo sobre lienzo |
The Night Watch, una obra de carrera tardía, es una exposición en mecánica de luz y claroscuros creativos. Es una de las pinturas holandesas más famosas. En esta pintura masiva, Rembrandt captura el movimiento de una manera ricamente descriptiva pero controlada. Cuando se combina con el trabajo de luces y sombras, parece que el grupo (el capitán Banninck Cocq y su milicia) se está lanzando desde el patio y hacia el espectador.
Cada detalle se calcula en La Guardia de la Noche: la luz que nos guía cuidadosamente a los temas de la pintura; la mujer con el pollo en el cinturón, que representa el emblema de los soldados; el uso del amarillo para el atuendo del teniente Ruytenburch, simbolizando la victoria.
La obra de arte está relacionada con los sentimientos de orgullo nacional en los Países Bajos en ese momento.
La guardia de la noche (1642) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La Guardia de la Noche fue recortada después de la producción para encajar en una exhibición en el Ayuntamiento de Ámsterdam (gracias a Dios ya no hacemos esto hoy). El título común no es su nombre original, y la escena ni siquiera está ambientada por la noche.
Debido a la acumulación de residuos en los tonos oscuros de la pintura, los historiadores creyeron erróneamente que era una escena nocturna, solo para mostrar la verdadera profundidad de la pintura como una escena diurna salpicada de sombra.
Judith Leyster (1609 – 1660)
| Nacionalidad | Holandés |
| Vivienda | Países Bajos |
| Movimientos artísticos asociados | Edad de Oro holandesa Barroco |
| Obras de arte más famosas | Autorretrato de Judith Leyster (1630) La Proposición (1631) Un niño y una niña con un gato y una anguila (1635) |
Judith Leyster fue pionera 17ésimo– Artista holandés del siglo de Oro. Es conocida por su innovador estilo de retrato, uno de los primeros en tratar a los sujetos como relajados y abiertos. Ella perfeccionó esto en su trabajo en escenas domésticas, particularmente involucrando a mujeres. En este sentido, puede haber precedido a Vermeer. También tiró del movimiento barroco holandés, a menudo replicando sus alegres escenas de entretenimiento pero con su propio sabor. Esto permitió la estabilidad financiera, ya que tales escenas alegres se hicieron populares entre los clientes durante el período de éxito económico holandés.
Su habilidad se notó temprano cuando todavía vivía en Haarlem cuando era niña.
Autorretrato (c. 1650) de Judith Leyster; Judith Leyster, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Cuando ella y su familia se mudaron a Utrecht en 1620, fue influenciada por los Caravaggisti locales de la zona. Esto le permitió desarrollar sus contrastes de luces y sombras, ya que su popularidad solo aumentó. Su trabajo se caracteriza por trazos amplios y deliciosos que dan como resultado una sensación jovial que irradia el lienzo. Después de su muerte, su popularidad disminuyó y muchas de sus obras fueron atribuidas a su esposo, Jan Molenaer, u otro artista holandés. Frans Hals. Solo hasta que el Louvre descubrió por error la firma de Leyster debajo de la de Hals en The Merry Trio (1629), el aprecio moderno por el artista realmente comenzó a despegar.
En muchos sentidos, sus pinturas se opusieron al tipo de suposiciones de sesgo masculino que estaban involucradas en esta confusión.
Autorretrato de Judith Leyster (c. 1630)
| Año | c. 1630 |
| Tamaño | 74,6 x 65,1 centímetros |
| Técnicas & Estilos | Efecto Droste Cercanía Pintura de retratos |
| Materiales | Óleo sobre lienzo |
Autorretrato de Judith Leyster es una obra maestra en múltiples niveles. Leyster presentó este trabajo como parte de su solicitud al Gremio de San Lucas, en el que fue aceptada como miembro. Se cree que fue la primera mujer en obtener la membresía. Compuso la pieza de una manera que anunciaba tanto sus habilidades como su temperamento, y cada característica de la pintura funciona prácticamente hacia este objetivo.
Primero, su propia posición corporal con su brazo colgado sobre la silla indica una confianza tranquila en el artista. Ella usa sus mejores ropas para indicar riqueza y éxito, pero es poco probable que use estas prendas cuando realmente pinta, especialmente con óleos. A nivel personal, está mirando al espectador casi como lo haría un amigo, con los labios a punto de soltar una palabra.
Esta estrecha intimidad entre el público y el artista era novedosa.
Autorretrato de Judith Leyster (c. 1630) de Judith Leyster; Judith Leyster, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Pero también hay intimidad entre la artista y su propio arte; el personaje que está pintando dentro de la escena pertenece a una pintura posterior suya, The Merry Trio (1629). Al colocar una pintura dentro de una pintura, Leyster muestra su versatilidad tanto para el género como para el retrato. La práctica común dictaba que las figuras femeninas ocupaban la derecha de la escena, pero Leyster se coloca a la izquierda, y un hombre, a la derecha.
Esta es una muestra de poder y una demanda de respeto de sus contemporáneos: fue una pintora profesional de la Edad de Oro tanto como cualquier pintor masculino de la época, y ella lo sabía.
El Trío Alegre (c. 1629-1631) por Judith Leyster; Judith Leyster, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Johannes Vermeer (1632 – 1675)
| Nacionalidad | Holandés |
| Vivienda | Países Bajos |
| Movimientos artísticos asociados | Edad de Oro holandesa Barroco |
| Obras de arte más famosas | La lechera (1658) La Procuradora (1656) La chica de un pendiente de perlas (1665) |
Nacido en Delft en 1632, Johannes Vermeer tenía 17 años.ésimoPintor holandés del Siglo de Oro conocido por su dominio de la luz, las escenas domésticas y los temas femeninos. Vermeer, a quien muchos se referían como «La Esfinge de Delft», era un amante de los colores profundos e hizo uso de pigmentos exóticos que eran raros para la época, que iban desde el lapislázuli y el ocre hasta el bermellón y el negro hueso.
Sus pinturas tienen una calidad atemporal, a menudo de tamaño pequeño pero muy detallada.
Vermeer tenía mucho que hacer además de pintar. Tampoco recibió nunca ninguna arte formal formación, posiblemente autodidacta. A los 20 años, heredó la posada y el negocio de arte de su padre, y a lo largo de los años, tuvo 15 hijos. Esta es la razón por la que la obra de Vermeer es bastante pequeña, consta de menos de 50 pinturas. También era joven en la Edad de Oro, lo que significó que vivió para ver el Rampjaar de 1672, durante el cual los Países Bajos cayeron en la guerra, la peste y la agitación económica. Después de estos eventos, el patrocinio para el arte disminuyó, y Vermeer luchó por mantener a su familia y negocio. Murió en 1675 por, según la descripción de su esposa, el estrés de la carga financiera.
El único supuesto retrato de Johannes Vermeer, de la pintura del artista de 1656 La Procuradora; Johannes Vermeer, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Vermeer mezcló varias influencias en la producción de su obra. Los estímulos visuales siempre significaron más que significado, al menos en el primer encuentro con la pintura. El realismo de sus pinturas tenía la intención de llamar la atención del espectador, y esto lo logró.
Este realismo es tan fotográfico que algunos historiadores sugieren que Vermeer hizo uso de una cámara oscura.
Esta afirmación está respaldada por la opinión de que la distribución de la luz de Vermeer es demasiado perfecta, y que la visión humana no podría procesar la luz de una manera tan absoluta. La pintura principal involucrada en esta controversia es La lección de música (c. 1665). Echa un vistazo y juzga por ti mismo: ¿brillantez o manipulación? De cualquier manera, la habilidad del artista permanece sin duda.
Dama en el Virginal con un caballero, «La lección de música» (c. 1665) por Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Public dominio, vía Wikimedia Commons
La lechera (1658)
| Año | 1658 |
| Tamaño | 45,5 x 41 centímetros |
| Técnicas y estilos | Realismo Pintura de género Pontile Ilusionismo Pintura alla prima Texturizado (vía impasto y trazos amplios) |
| Materiales | Óleo sobre lienzo |
Mientras Chica con un pendiente de perlas generalmente se toma como la pieza más famosa de Vermeer, The Milkmaid habla más cerca de su enfoque central y la conquista de escenas domésticas. Es una de las pinturas holandesas más famosas. Es un excelente ejemplo de la preferencia de Vermeer por la vida cotidiana y el realismo extenso.
Mientras que las sirvientas a menudo se representaban sexualmente en este momento en el arte holandés, Vermeer es un caso atípico en su enfoque digno y serio.
La lechera (1658) de Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, todavía hay matices románticos, visibles en detalles sutiles como el grabado de Cupido en el ladrillo detrás del pie del sujeto. Tales nichos son un testimonio de la naturaleza meticulosa del estilo de Vermeer. The Milkmaid es a menudo considerada como el principal escaparate de color del artista.
Su tratamiento de la luz que entra en la habitación por la izquierda es de una habilidad excepcional, fresca y suave pero también vital en la iluminación del sujeto.
Antón Mauve (1838 – 1888)
| Nacionalidad | Holandés |
| Vivienda | Países Bajos |
| Movimientos artísticos asociados | La Escuela de La Haya Realismo |
| Obras de arte más famosas | Paseo matutino en la playa (1876) El regreso del rebaño (1887) Paisaje con ganado (1888) |
Podría decirse que el principal defensor de la Escuela de La Haya, Anton Mauve nació en Zaandam en 1838. Fue un pintor paisajista holandés con direcciones realistas. Los campesinos y sus animales eran sus temas favoritos. Al crecer en Haarlem, fue entrenado en el realismo formal.
Pero la verdadera innovación de Mauve solo se reveló después de que su colega cercano, Isaac Israels, le sugiriera que abandonara su estilo estricto para una visión más relajada. A partir de esto se desarrolló la Escuela de La Haya.
Autorretrato (siglo 19) por Anton Mauve; Anton Mauve, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su doctrina era priorizar el sentimiento sobre el color para capturar con precisión los estados de ánimo de los momentos. La naturaleza debía ser pintada como se percibía. A veces llamada la Escuela Gris, Mauve y sus colegas hicieron un uso intrincado de grises, verdes y azules claros para retratar la intensidad del estado de ánimo de un momento dado.
Mauve estaba comprometido con el realismo pero con una libertad poética de mano, de alguna manera logrando mantener el equilibrio.
El regreso del rebaño, Laren (c. 1887)
| Año | c. 1887 |
| Tamaño | 100,2 x 161,3 centímetros |
| Técnicas y estilos | Realismo Convergencia Transmisión del estado de ánimo Pintura de paisajes |
| Materiales | Óleo sobre lienzo |
El retorno del rebaño es una obra de Mauve en las alturas de su oficio. Su visión relajada y suelta del realismo fue un éxito internacional. Los temas de ovejas y pastores son sus musas en esta etapa. A veces comparaba el golpeteo de los pies de oveja con los sonidos de Beethoven.
El regreso del rebaño, Laren (c. 1887) de Anton Mauve; Anton Mauve, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La escena tiene un efecto refrescante, perfeccionado por el uso mágico del gris por parte de Mauve. Pinturas como El retorno del rebaño, Laren se convirtieron en una especialidad del artista, y el mercado de arte estadounidense solía clasificar el valor de las obras de Mauve en función de si las ovejas estaban siendo pastoreadas hacia o lejos del espectador.
En línea con sus propios objetivos para la pintura, hay un estado de ánimo imperdible que se experimenta al ver su trabajo: te obliga a sentir.
George Hendrik Breitner (1857 – 1923)
| Nacionalidad | Holandés |
| Vivienda | Países Bajos |
| Movimientos artísticos asociados | Amsterdam Impresionismo |
| Obras de arte más famosas | Dos sirvientes en un puente de Ámsterdam por la noche (1890) Meisje in de witte kimono (1894) El Singelbrug cerca de la Paleisstraat en Ámsterdam (1897) |
George Hendrik Breitner nació in 1857 en Rotterdam. Está estrechamente asociado con el movimiento impresionista de Ámsterdam y es elogiado como un experto en el paisaje urbano, basado en las escenas que capturó. Tomando lecciones en La Haya, August Allebe tuvo un papel fundamental en su desarrollo como maestro que fomentó la libertad de pensamiento artística.
Él y otro joven impresionista holandés, Vincent van Gogh, pasaban días vagando por la ciudad, pintando temas de la clase trabajadora.
Autorretrato con pince-nez (c. 1882) por George Hendrik Breitner; George Hendrik Breitner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque todavía dedicados al realismo, lo que Breitner y otros impresionistas encontraron inspirador fueron las impresiones que la ciudad dejó en ellos. Debido a que estos momentos fueron fugaces, trabajó rápidamente y a menudo en plein air, utilizando trazos incompletos y nerviosos para capturar instantáneas de la vida cotidiana.
De hecho, muchas de sus pinturas fueron cortadas de manera poco convencional, al igual que una fotografía.
En sus últimos años, profundizaría en ese medio. El impresionismo de Ámsterdam difiere significativamente del francés, aunque Breitner fue influenciado durante una estancia anterior en París. También compuso retratos como Girl in a White Kimono (1894). Al igual que Rembrandt, sus desnudos fueron a veces criticados por su realismo y rechazo del estándar de belleza común.
Chica en un kimono blanco (1894) de George Hendrik Breitner; George Hendrik Breitner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El Singelbrug cerca de la Paleisstraat en Ámsterdam (1897)
| Año | 1897 |
| Tamaño | 100 x 152 centímetros |
| Técnicas y estilos | Pintura de género urbano Basado en impresiones Realismo En plein air |
| Materiales | Óleo sobre lienzo |
Breitner quería ser un pintor histórico, pero uno que pinta la historia de su propio tiempo. El Singelbrug ejemplifica sus habilidades y estilos más centrales. Los sujetos son personas comunes que se dedican a sus actividades diarias, en este caso caminando por la nieve en el camino a sus diversos asuntos. Pero aún más importante es la forma en que Breitner crea el mundo de la ciudad alrededor de sus sujetos, en la medida en que el entorno urbano se siente vivo.
La sensación de instantánea de su trabajo también es visible, ya que la imagen sale como un momento congelado en el tiempo.
El Singelbrug cerca de la Paleisstraat en Ámsterdam (1897) de George Hendrik Breitner; George Hendrik Breitner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Inicialmente pintó a una chica de clase trabajadora en el centro de la pieza, pero debido a que le costaba vender, cambió el personaje. Todavía hay ejemplos de sujetos de la clase trabajadora, como la chica en la barandilla del puente a la derecha.
Su estilo a veces se llamaba «inacabado», pero Breitner llevaba esta descripción con orgullo.
Si bien Breitner puede no ser tan conocido como algunos de los pintores de esta lista, su impacto no debe pasarse por alto. Es profundamente amado y respetado por los mecenas holandeses de todas las generaciones. Debido a su elaborado uso de grises en las escenas de la ciudad, los lugareños de Ámsterdam a menudo se refieren al clima sombrío y lluvioso como Breitnerweer (breitner-clima). También recibió numerosos premios después de su muerte de sociedades fotográficas que utilizaron sus pinturas para comprender mejor su propio medio.
Vincent van Gogh (1853 – 1890)
El artista holandés más famoso de todos los tiempos necesita poca presentación. Nacido en 1853, van Gogh fue criado en un hogar profundamente religioso y de clase alta. Viajando por Europa a través de una amplia gama de trabajos, van Gogh finalmente se dedicó al arte por sugerencia de su querido hermano Theo. Sin formación y exploratorio, van Gogh estudió primero en Bruselas y luego fue guiado por su primo político Anton Mauve, aunque esta relación no floreció.
Muy por detrás de sus contemporáneos, pasó los años siguientes pintando todo lo que pudo, donde pudo.
Autorretrato con sombrero de fieltro gris (1887) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su arte lo llevó de Amberes a París a Arles, comiendo poco y fumando mucho en el camino. Estaba realmente atrapado por el arte, pero esta pasión eventualmente resultaría en un colapso mental en 1888, durante el cual se cortó la oreja izquierda. El legendario impresionista holandés seguiría pintando unTras este incidente. Algunas de sus obras más conmovedoras se originan en su tiempo en el Asilo st. Paul, después de este evento.
Su inspiración fue infinita, y aunque llevaba consigo su estilo individual, estaba influenciado por todos los lugares en los que vivía.
La noche estrellada (1889)
| Año | 1889 |
| Tamaño | 73,7 x 92,1 centímetros |
| Técnicas y estilos | Impasto Concéntricos Pintura de paisaje abstracto Uso a todo color |
| Materiales | Óleo sobre lienzo |
Van Gogh es más conocido por su impacto en arte moderno, su pincelada dramática y llamativa, y su absoluta singularidad. Es difícil categorizarlo en un movimiento específico, pero muchos lo llaman post-expresionista. Creó más de 2000 pinturas durante su corto tiempo como pintor. Estos iban desde estilos de paisaje holandeses hasta retratos.
Siempre fue ferviente en su creencia de que un uso exhaustivo del color podría capturar con precisión las emociones.
La noche estrellada (1889) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La noche estrellada captura la vista desde la habitación de Van Gogh en el Asilo St. Peters y fue pintada medio año después de su primera avería. La pieza ha sido objeto de un debate interminable, aunque se sabe que Van Gogh estaba espiritualmente fascinado con el cielo nocturno en este período de su vida. En la moda clásica de Van Gogh, el color se utiliza al máximo, produciendo un efecto psicológico. Su representación del ciprés puede ser un presagio temprano de su muerte, mientras que el pueblo imaginario en la distancia habla de su aislamiento. A pesar de los flujos energéticos que impulsan la pintura, el orden persiste.
Sin embargo, su brillantez puede haber tenido algunas consecuencias no deseadas, ya que algunos estudiosos conectan esta pintura con su segundo desglose. Su imaginación se derramó maravillosamente en «La noche estrellada», pero ¿a qué costo?
Piet Mondrian (1872 – 1944)
Ninguna discusión sobre los artistas holandeses más famosos puede estar completa sin un guiño al innovador Piet Mondrian. Al crecer como hijo de un maestro, se interesó por la filosofía a una edad temprana. Su formación inicial como pintor paisajista holandés en Ámsterdam fue influenciada por la Escuela de La Haya. Pero pronto en su carrera, sus paisajes comenzaron a estar dominados por un enfoque en las formas geométricas, y durante este período, coqueteó con el cubismo.
En busca de las verdades básicas detrás de la naturaleza y la realidad, (junto con Theo van Doesburg) desarrolló De Stijl, un grupo que suscribió la teoría de Neoplasticismo.
Piet Mondrian. Foto de De Stijl, vol. 5, nr. 12 (diciembre de 1922): p. 179; Anónimo (fotógrafo), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Para Mondrian, la naturaleza siempre funcionó perfectamente, funcionó con «regularidad plástica», y Mondrian quería llegar al corazón de esto experimentando con la línea y el color. Creía en la unidad de la naturaleza, la sociedad y el arte, una utopía visual. Sus pinturas buscan comprometerse con las fuerzas subyacentes de la naturaleza en lugar de sus apariencias engañosas y elusivas. Composición II (1929) es un ejemplo de su enfoque despojado y antiindividual.
Pasó el resto de su carrera desarrollando su teoría, nunca mirando hacia la inspiración, sino más bien hacia el proceso a largo plazo de acercarse a las verdades fundamentales de la naturaleza.
Broadway Boogie Woogie (1943)
| Año | 1943 |
| Tamaño | 127 x 127 centímetros |
| Técnicas y estilos | Equivalencia Pontile Cadencia Pintura no representativa |
| Materiales | Tríptico, Óleo sobre roble |
Broadway Boogie Woogie es considerado una de las principales piezas de arte moderno. Hace un uso elaborado de la técnica de equivalencia, un método de equilibrio de todos los elementos en una pintura para evitar que un elemento domine sobre otro. Basándose en su trabajo anterior, es capaz de lograr una profundidad fascinante con su uso de grises.
La pieza representa una explosión de sus ideas anteriores, con una afluencia de colores, rectángulos y cuadrados.
Broadway Boogie Woogie (1943) de Piet Mondrian; Piet Mondrian, dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto está relacionado con el renacimiento personal que experimentó mientras vivía en Nueva York, más tarde en la vida. UnlikEn su trabajo anterior, admite sutilmente que la naturaleza todavía se puede encontrar en la representación, aunque solo sea en rastros. En este caso, la cuadrícula de calles de la ciudad de Nueva York y los populares sonidos de jazz de la época son los puntos de referencia para este experimento clásico en la exploración geométrica.
Willem De Kooning (1904 – 1997)
| Nacionalidad | Holandés-Americano |
| Vivienda | Países Bajos Estados Unidos |
| Movimientos artísticos asociados | Expresionismo abstracto |
| Obras de arte más famosas | Mujer I (1952) Mujer III (1953) Intercambio (1955) |
Nacido en Rotterdam en 1904, Willem de Kooning fue un artista holandés que pasó a disfrutar de una fuerte carrera internacional. Sus talentos fueron visibles desde su juventud, ya en práctica a los 12 años. Su educación formal en Holanda fue completa, ya que los estudiantes de las escuelas de arte holandesas aprenderían artes finas y aplicadas.
Esta versatilidad le serviría bien en su carrera posterior.
Siguiendo sus sueños de convertirse en un artista comercial, De Kooning se coló a bordo de un barco con destino a los Estados Unidos. Para cuando adquirió algo de documentación y se dirigió a Nueva York, fue recibido por una ciudad estimulante, llena de diferentes nacionalidades e inspiraciones.
El artista Willem de Kooning en su estudio, 1961; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
En su carrera, De Kooning siempre estuvo tentado a encontrar un nuevo terreno, nunca quiso repetirse. Muchos han conectado esto con su experiencia como inmigrante. Su hábito eventualmente encontraría un hogar en Expresionismo abstracto. Este movimiento buscó romper con todas las formas de arte comunes de la época, incluyendo el cubismo y el surrealismo.
Fue una idea rebelde y adoptó el método de la composición subconsciente, una práctica en la que los artistas permiten que su psique deambule libremente sobre el lienzo.
Este arte era político precisamente porque era apolítico: estos artistas querían liberarse del valor que siempre estaba implícito en el arte, ya sea monetario, religioso o político. El arte no es el objeto final, sino la lucha y las acciones involucradas en la creación de ese objeto. Después de una carrera extremadamente exitosa, De Kooning lucharía contra el Alzheimer en la vida posterior, falleciendo en 1997.
Mujer I (1952)
| Año | 1952 |
| Tamaño | 192,72 x 150 centímetros |
| Técnicas y estilos | Exploración subconsciente Espontaneidad Pintura de acción |
| Materiales | Óleo y pintura metalizada sobre lienzo |
De Kooning se sintió atraído por las capacidades espontáneas y subconscientes del pintor. Las pinceladas deben ser variadas e inconsistentes, la pintura puede salpicarse o dispersarse. Pintar solo para pintar es precisamente lo que De Kooning encontró tan especial. Su Mujer I es un excelente ejemplo de esto.
Mujer I era originalmente un lienzo desgastado sentado en la esquina del estudio de De Kooning. Un amigo suyo preguntó una vez al respecto, y el artista lo describió como una imagen con varias adiciones espontáneas y repintes a lo largo del tiempo.
Durante más de dos años, De Kooning había pintado sobre esta figura de una mujer cientos de veces, probando nuevos ángulos mientras cubría salpicaduras anteriores de creatividad subconsciente.
pintura
Esto hizo que la pieza fuera imposible de replicar y la dotó de una cierta fisicalidad: las múltiples capas de pinceladas permiten que la Mujer I salga de la superficie de la pintura y entre en el mundo tridimensional. De acuerdo con su crítica del valor incrustado en el arte, algunos han relacionado a la Mujer I con el ideal femenino hipersexualizado de los años 50 y 60 en Estados Unidos.
Claramente, la pintura holandesa es un campo diverso que ha tomado muchas formas diferentes a lo largo de los siglos. Comenzando con los primitivos flamencos, van Eyck y Bosch fueron algunos de los primeros en dar una indicación de los talentos artísticos que estaban disponibles en los Países Bajos. Los maestros holandeses de la Edad de Oro, Rembrandt, Leyster y Vermeer son una adición imperdible a cualquier lista de artistas holandeses famosos. La historia gris que siguió a este período se reflejó en los grises de Mauve y Breitner, como artistas impresionistas de la Escuela de La Haya y Ámsterdam, respectivamente. Mondrian y De Kooning ofrecen una visión de la pintura holandesa abstracta y moderna, que buscó rechazar los estilos comunes de su tiempo y superar la comprensión básica del arte. Hay cientos de pintores holandeses increíbles que no pudieron hacer esta lista, pero también merecen reconocimiento: lo único que te queda por hacer es explorar.
Preguntas Frecuentes
¿Quiénes son los pintores holandeses?
Cuando hablamos de artistas y pintores holandeses, nos referimos a personas que provienen de los Países Bajos, un país del noroeste de Europa rodeado por Alemania y Bélgica. Con Francia también cerca, no es una sorpresa que muchos de los pintores de esta lista pasaran algunos años trabajando en estos países europeos vecinos. Los Países Bajos son el anfitrión de hermosas escenas naturales, inspirando a muchos artistas locales a componer impresionantes pinturas de paisajes a lo largo de los años.
¿Qué hace que las pinturas holandesas sean únicas?
Los pintores holandeses del pasado fueron fuertemente influenciados por las tendencias más amplias que fueron populares en Europa durante el tiempo que vivieron. Esta influencia, que varió desde la Renacimiento italiano para el expresionismo francés y más allá, es visible en muchas de las pinturas de esta lista. Y, sin embargo, hay una cierta especialidad en el arte holandés, un sabor que no parece haber sido capturado en ningún otro lugar. Usando estas influencias como fondo, los pintores holandeses pudieron agregar un giro único a su trabajo, invitando a los clientes a disfrutar de estos estilos familiares desde una nueva perspectiva diferente pero hermosa. En resumen, la pintura holandesa puede ser valorada por la forma en que proporcionó una nueva forma de involucrar al arte europeo convencional.
¿Quiénes son algunos pintores holandeses famosos hoy en día?
Esta lista pasó por la historia para encontrar a los pintores holandeses más famosos, pero esto no significa que el arte de los Países Bajos no vaya a ser fuerte en la actualidad. Los artistas holandeses de hoy en día se dedican a varios géneros y medios, muchos de los cuales continúan con la tradición abstracta introducida por primera vez por De Kooning. Sin embargo, está claro que estos artistas contemporáneos han aprendido sin cesar de sus antepasados artísticos. La alta calidad y la naturaleza única del arte holandés permanecen intactas hoy en día. Algunos pintores progresistas y notables de la escena holandesa contemporánea son Isabella Werkhoven, Marlene Dumas, Marc Mulders, Evi Vingerling y Frederique Jonker, entre muchos otros.
