Los autorretratos de Rembrandt fueron un componente significativo de su producción. Estas pinturas de Rembrandt sumaban alrededor de un centenar de autorretratos. Pero, ¿por qué Rembrandt hizo tantos autorretratos, y cuáles son las obras más notables?
Autorretratos de Rembrandt
Los autorretratos de Rembrandt constan de más de 40 pinturas, 31 grabados y alrededor de siete bocetos. Esta era una gran cantidad para cualquier artista en ese momento, y representaba alrededor del 10% de su trabajo tanto en pinturas como en grabados. Por ejemplo, Rubens, a pesar de su prolífica producción, solo pintó siete autorretratos. Pero, ¿quién era Rembrandt? Comencemos por echar un breve vistazo al artista.
¿Quién era Rembrandt van Rijn?
| Nacionalidad | Holandés |
| Fecha de nacimiento | 15 de julio de 1697 |
| Fecha de fallecimiento | 4 de octubre de 1669 |
| Lugar de nacimiento | Leiden, República Holandesa |
La vida y el arte de Rembrandt fueron alimentados por un riguroso estudio psicológico de las personas, las cosas y su entorno, así como por una genuina devoción cristiana. Fue un artista increíble desde una edad temprana, convirtiéndose en un maestro de todo tipo de retratos, escenarios históricos, religiosos y míticos, así como vistas básicas, atractivas pero dramáticas. Desarrolló su mensaje utilizando una variedad de materiales y enfoques con extraordinaria sensibilidad e inmediatez.
Retrato de Rembrandt Boceto (1656) de Rembrandt van Rijn; Museos de Bellas Artes de San Francisco, dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus métodos para estructurar, colorear y sombras siempre estaban evolucionando, lo que resultó en los aspectos más intensamente afectados pero más naturales de la vida humana. Su asombroso control de la iluminación y la textura para expresar el rango emocional corre un hilo conductor a lo largo de todas sus obras maestras, solidificando su lugar como uno de los maestros más finos e inventivos del arte.
Estas características se pueden ver en sus enormes y ambiciosas pinturas históricas tempranas, así como en su manera posterior más personal y brillante.
Rembrandt era famoso por su excepcional capacidad para mostrar no solo seres humanos increíblemente realistas y de la vida real, sino también profundos sentimientos humanos, fallas y moral. Pensaba que las emociones humanas eran más esenciales que cualquier otro componente de la vida, y tenía la intención de expresar los sentimientos y sensaciones de sus sujetos incluso mientras los pintaba desde la perspectiva de la historia, la fe o la cultura.
La guardia de la noche (1642) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, ver página para licencia, vía Wikimedia Commons
El desarrollo de Rembrandt del método de grabado de una tecnología de reproducción comparativamente reciente a una forma de arte real fue uno de sus logros más significativos. Su estatus como el mejor grabador en la historia del formato perdura hasta el día de hoy. Aunque pocas de sus obras de arte fueron exportadas desde la República Holandesa durante su mandato, sus impresiones se distribuyeron ampliamente por toda Europa. Los vastos autorretratos de Rembrandt son significativos porque contribuyen a una historia visual única del pintor. Se estudió a sí mismo desprovisto de vanidad y con una franqueza sensible, ya sea que se retratara a sí mismo vestido o como una persona común.
El retrato se puso de moda durante el Siglo de Oro holandés.
Los miembros de la nueva clase de comerciantes disfrutaron encargando semejanzas inventivas de sí mismos para exhibirlas en sus residencias, y las empresas y otras instituciones calificadas también obtendrían representaciones grupales como resultado de las nuevas rutas marítimas que dan conciencia de las sociedades exóticas y las entidades extranjeras. Rembrandt fue un brillante retratista de su época, famoso por su capacidad para capturar las características particulares y las peculiaridades temperamentales de sus sujetos.
Retrato de una dama con un perro faldero (c. 1665) por Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar del hecho de que los escenarios ilustrados de las Escrituras y las obras históricas a gran escala estaban fuera de favor, Rembrandt se mantuvo comprometido con la forma, impulsado por un fuerte compromiso religioso y compasión por la situación humana. Debido a su interpretación comprensiva de estas tradiciones milenarias, ha sido apodado uno de los grandes profetas de la civilización. Con su creciente manipulación de la pintura, Rembrandt trascendería el ingenio de Tiziano y Velázquez, convirtiéndolo en un tema en el arrango de la obra como sus temas.
Las diferencias de pincelada entre libre y áspero, así como la modificación de la textura mediante raspado o con un cuchillo de paleta, contribuirían significativamente a un estilo distintivo completamente nuevo que afectaría a futuros grupos.
Autorretratos Pinturas de Rembrandt
Los autorretratos sirven como un diario pictórico de la vida del artista a lo largo de 40 años. Fueron creados a un ritmo bastante consistente a lo largo de su carrera, aunque hay una transición progresiva de los grabados, que fueron más populares hasta la década de 1630, a los lienzos, que se hicieron más comunes después de eso. Hay, sin embargo, un paréntesis en las obras entre 1645 y 1652.
Los últimos tres grabados se hicieron entre 1648 y 1658, y todavía estaba produciendo retratos en 1669, el año en que falleció a la edad de 63 años. Los autorretratos de Rembrandt se contaban anteriormente en alrededor de 90 piezas, pero ahora se establece que hizo que sus aprendices replicaran sus propios autorretratos como un componente de su entrenamiento. Los estudios modernos, particularmente el Proyecto de Investigación Rembrandt, han reducido el número de firmas a más de 40 pinturas, algunos bocetos y treinta y un grabados, que contienen muchas de las obras más impresionantes del grupo.
Autorretrato con sombrero y dos cadenas (c. 1642) por Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los grabados son generalmente piezas informales, a menudo divertidas, estudios de gestos faciales exagerados o retratos en lo que equivalía a un vestido elegante; en algunos de ellos, los atuendos son de hace un siglo o más. En otros, se está burlando de sí mismo. Sus pinturas al óleo lo siguen desde un joven inseguro hasta el elegante e inmensamente exitoso retratista de la década de 1630 y los retratos angustiados pero tremendamente convincentes de su vejez. Pintan una imagen maravillosamente precisa del tipo, su apariencia y su personalidad, como lo indica su rostro bellamente desgastado.
Según Kenneth Clark, Rembrandt es «el único pintor, con la potencial excepción de Van Gogh, que ha hecho del autorretrato un medio primario de autoexpresión creativa, y es incuestionablemente el que ha convertido el autorretrato. [to be] autobiográfico».
Si bien la interpretación convencional es que estas imágenes retratan un viaje privado y contemplativo, también fueron creadas para satisfacer una demanda de autorretratos de grandes pintores. Los coleccionistas parecen haber comprado tanto lienzos como grabados, y aunque algunos grabados son extremadamente raros, otros se produjeron en grandes cantidades para la época.
Autorretrato con sombrero suave y capa bordada (1631) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
No había autorretratos en el famoso catálogo de 1656, y solo algunas de las obras sobrevivieron en la finca después de su muerte. Los autorretratos de Rembrandt fueron hechos por el artista mirándose al espejo a sí mismo, y las obras de arte y los bocetos invierten así sus verdaderas características. El método de impresión en los grabados genera una imagen invertida, por lo que las impresiones retratan a Rembrandt en la misma posición en la que miraba a sus compañeros.
Esta es una de las razones por las que las manos se eliminan con frecuencia o «simplemente se retratan superficialmente» en las obras de arte; si se retratan desde el espejo, estarían en el lado «incorrecto».
Las alusiones a enormes espejos aparecen en diferentes lugares a partir de la década de 1650, y los retratos posteriores incluyen algunos que lo retratan con una longitud mayor que antes; alrededor de 80 cm era la altura más alta para una pieza de vidrio de espejo teóricamente concebible durante la época de Rembrandt. Uno pudo haber sido comprado alrededor de 1652 y posteriormente vendido cuando se declaró en bancarrota en 1656. En 1658, instruyó a su hijo Tito para que organizara la llegada de otro, que se había averiado en el camino a su casa.
Autorretrato (Viena) (1652)
| Año terminado | 1652 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 112 cm x 81 cm |
| Ubicación actual | Kunsthistorisches Museum, Viena |
Su composición varía de sus autorretratos pasados en que representa al pintor en una postura frontal recta, con las manos en las caderas y un aire de seguridad en sí mismo. Fue creado el año en que comenzaron sus problemas financieros, y se aparta de la lujosa vestimenta que se había puesto en autorretratos anteriores. Según los historiadores del arte, es «una de las más majestuosas y melancólicas de estas imágenes posteriores»..»
Una capa marrón, muy probablemente de uso laboral informal, se ataba con una faja y se usaba sobre un doblete negro con un cuello hacia arriba entre la ropa pintada libremente. Una pintura de alrededor de 1650 representa a Rembrandt en una actitud y vestimenta similares, con una anotación, aunque no de la mano del creador, afirmando que eran la ropa de taller del artista.
En el boceto, Rembrandt lleva un sombrero de copa, sin embargo, en la pintura, luce una boina negra derivada de los retratos de pintores del siglo 16.
Autorretrato con atuendo de estudio, de cuerpo entero (c. 1655) por Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Después de una pausa de siete años en la que no creó autorretratos, sino que se centró en paisajes y temas personales del hogar, el Autorretrato de Viena comenzó un período prolífico en el que Rembrandt completó un promedio de un autorretrato cada año hasta su fallecimiento en 1669. Contrariamente a la creencia común, estas obras de arte fueron creadas expresamente para entusiastas que coleccionaron autorretratos de grandes pintores, según Ernst van de Wetering.
Otra capa inferior de pintura aparece en algunas partes de la sombra, especialmente en el área por las cuencas de los ojos y también detrás del bigote, como lo hace en otros retratos y autorretratos posteriores de Rembrandt. El examen microscópico revela que esta no es la capa base de color, que tiene un tono gris comparable, sino más bien una capa inferior distinta de pintura.
Autorretrato grande (Viena) (1652) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Este imprimatur local, que se empleó en la preparación de ciertas partes de la pintura, también fue utilizado por Vermeer, y su función es desconocida. Se ha reconocido un parecido sorprendente con un autorretrato de alrededor de 1655, que también se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena. La pieza posterior coincide con la posición frontal, la iluminación y el vestido casual de la pintura más grande, mientras que la cara del artista parece más antigua.
Autorretrato con boina y collar volteado (1659)
| Año terminado | 1659 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 84 cm x 66 cm |
| Ubicación actual | Galería Nacional de Arte |
Autorretrato con boina y collar volteado (1659) es una obra al óleo sobre lienzo. Es uno de los casi 40 autorretratos de Rembrandt. Se ha descrito como un autorretrato delicado y sombrío, una obra en la que se pueden observar «las tensiones y presiones de una vida que consiste en logros creativos y fracasos emocionales y financieros». Una vez fue adquirido por Andrew W. Mellon y desde 1937 ha estado en exhibición en la Galería Nacional de Arte.
Descripción: __________
Rembrandt está recostado bajo un abrigo de piel pintado audazmente, con las manos cruzadas en su regazo, en este Autorretrato. La luz de la parte superior derecha resalta toda la cara, adelgazando la forma de la mejilla y permitiendo la representación de imperfecciones en el pómulo y los lóbulos de las orejas. La pintura está hecha en un silenciado paleta de marrón y gris, complementado por un objeto rojo que puede ser el respaldo de su silla, y otro parche rojo en la esquina inferior izquierda de la pintura podría ser un mantel.
El rostro del creador, que es el más deslumbrante, está rodeado por una enorme boina y un cuello alto que oculta sus mejillas.
Autorretrato con boina y collar volteado (1659) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La carne de la cara está moldeada con pigmentos densos y táctiles y coloreada en colores ricos y variados, aludiendo al envejecimiento corporal del artista, así como a las ramificaciones mentales de las experiencias de vida. Rembrandt originalmente se retrató a sí mismo vistiendo una gorra de tonos claros antes de cambiar a la boina negra; debido a que el tocado inicial era de un tipo que el pintor solo incluiría en autorretratos donde se le ve en el caballete, es factible que apuntara a que esta obra de arte se refiriera directamente a su oficio.
Composición
La postura es evocadora de numerosas piezas anteriores de Rembrandt, en particular un grabado titulado Autorretrato apoyado en un alféizar de piedra (1639). Este trabajo anterior ha sido visto como una referencia al Retrato de Baldassare Castiglione de Rafael. Las manos dobladas y el brazo izquierdo cubierto de tela negra son reminiscente del cuadro de Rafael. La postura del cuerpo y la cabeza, que es rara entre los autorretratos de Rembrandt, también evoca la obra de Rafael.
Al representarse a sí mismo, Rembrandt generalmente utilizó la configuración más cómoda para un artista diestro, colocando el espejo hacia la izquierda del caballete para que su visión no fuera obstruida por su mano y brazo de pintura, con la mitad izquierda de la cara fuertemente enfatizada.
Autorretrato apoyado en un alféizar de piedra (1639) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Hay varios autorretratos frontales, pero este es uno de los dos únicos en los que está inclinado hacia el lado izquierdo, mostrando más de su mitad derecha de la cara. Se ha creído que la variación del ángulo era una desviación intencionada de la secuencia de autorretratos en la que estaba trabajando en ese momento. La pintura data del mismo período de tiempo que la pintura más completa y de nombre similar en la Galería Nacional de Escocia de Edimburgo. El atuendo y la forma física de la cara apuntan a un período cercano a 1659. El mismo atuendo aparece en una versión en miniatura e incompleta.
Proceso
Aunque este autorretrato es menos pulido que muchos de los otros autorretratos de Rembrandt, la intensidad vívida de las pinceladas, particularmente en la cara, ha llamado la atención. La modificación del color parece ser autónoma de las formas mencionadas en varios casos. Según el erudito de Rembrandt Ernst van de Wetering, «la pintura parece que podría haber sido añadida con un pincel de afeitar».
Aunque la autoría de la obra de arte ha sido cuestionada debido a su libertad de implementación, es probable que Rembrandt decidiera dejar la pintura en una etapa transitoria de progreso, ya que las radiografías X han divulgado que otras pinturas de su mano han implementado densamente pasajes que luego se trabajaron con detalles de pintura más delgados y refinados.
La impresión perceptible de la forma plástica en la cara de la pintura es el producto de la vitalidad táctil de la pincelada, no de un valor meticuloso y cambios de color.
Detalle del autorretrato con boina y collar volteado (1659) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar de la vivacidad irregular de la superficie de la obra de arte, no hay equilibrio en la percepción de la calidad ambiental, ya que algunos pasajes están pintados para parecer más claros en el enfoque, mientras que otros lo son menos; ese es a menudo el resultado de la fluctuación entre las áreas de abrigos densamente empalados y las que consisten en pinceladas poco claras. El relieve de la pintura genera reflejos de luz que imitan la sensación táctil de la carne.
Trazos de pintura gruesa de tonos cálidos se acumulan para simular regiones de luz reflejadas en la frente, la frente y la mejilla. Las superposiciones de pintura inferior gris-verde alrededor de las sienes, alrededor de los surcos del ojo derecho y la solapa de la nariz son adyacentes a estas regiones. Se aplican una serie de esmaltes translúcidos al globo ocular derecho, seguidos de una pequeña gota de pigmentos de plomo blanco para los reflejos.
La ceja se produce por una sucesión desigual de trazos; el pliegue sobre el párpado superior está representado por un solo trazo; la carne sobre la cara está esculpida con un pincel redondo, y las arrugas en la esquina interior se indican con un trazo de pintura húmeda empujado sobre una pintura inferior seca. Un elemento áspero, muy probablemente un mango de pincel, se utilizó para resaltar una arruga debajo del ojo, así como para raspar en la pintura húmeda de los pelos, generando rizos afilados en los que retroceden los tramos más grandes de cabello.
Algunos de los colegas de Rembrandt consideraban la técnica de la variabilidad superficial como una forma de ilusionismo o perceptibilidad.
Sin embargo, los contrastes drásticos en la aplicación de pintura entre la cara y los tramos de cortinas y telón de fondo son notables para un autorretrato tardío. La impresión general es de una obra terminada, una que retrata el tema como empañado por la experiencia pero, en última instancia, firme en dignidad.
Autorretrato con boina y collar volteado (1659) de Rembrandt van Rijn en el Rijksmuseum, Ámsterdam, 2015; Txllxt TxllxT, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Condición y procedencia
El soporte original es un lienzo de hilo fino que ha sido forrado, con plomo blanco puesto en la parte posterior del forro. La imagen se divide entre dos terrenos, uno de color marrón rojizo profundo y otro gris delgado. La figura fue creada originalmente con pintura marrón que se dejó visible en numerosos puntos y desde entonces ha sido unBraded.
Las manos y la cara están en buenas condiciones; La devastación sustancial en la figura y el telón de fondo se ha ocultado con pintura negra, parte de la cual se borró durante una restauración de 1992. Se sabe que la obra de arte existe desde 1767, cuando fue poseída por el 4º Conde de Cardigan y transmitida a su hija, Lady Elizabeth. Fue poseído por John Charles, hasta 1929, cuando fue adquirido por Andrew W. Mellon, quien finalmente lo cedió al A.W. Mellon Educational and Charitable Trust.
Y con esto concluye nuestra mirada a algunos ejemplos de autorretratos de Rembrandt. Los autorretratos de Rembrandt incluyen alrededor de 40 pinturas, 31 grabados y quizás siete dibujos. Esta era una suma sustancial para cualquier artista en ese momento, representando alrededor del 10% de su trabajo tanto en pinturas como en grabados. Rubens, por ejemplo, a pesar de su prolífica productividad, solo creó siete autorretratos.
Preguntas Frecuentes
¿Por qué Rembrandt hizo tantos autorretratos?
Los grabados son en su mayoría casuales, generalmente estudios divertidos de movimientos faciales exagerados o retratos en lo que equivalía a un vestido elegante; las prendas en algunos de ellos datan de hace un siglo o más. En muchos otros, se está burlando de sí mismo. Sus pinturas al óleo muestran su progresión de un joven incierto al pintor elegante y altamente exitoso de la década de 1630 a las imágenes sombrías pero increíblemente interesantes de su vejez. Representan una representación maravillosamente precisa del tipo, su apariencia y su carácter, como se ve a través de su rostro bellamente desgastado.
¿Qué es el Museo Rembrandt?
El Museo Rembrandt es un museo de arte y residencia históricamente importante ubicada en Ámsterdam, Países Bajos. Entre 1639 y 1656, Rembrandt residió y trabajó en el hogar. El interior del siglo 17 ha sido restaurado. La colección incluye pinturas de Rembrandt, así como pinturas de sus contemporáneos. En 2014, el museo tuvo 237.383 visitantes. La casa se encuentra en Jodenbreestraat de Ámsterdam, no lejos del ayuntamiento, donde Rembrandt residió y pintó durante muchos años. El artista compró la propiedad en 1639 y vivió y trabajó allí hasta 1656, cuando se declaró en bancarrota y todas sus pertenencias se pusieron a la venta. La lista de subastas permitió volver a ensamblar todos sus artículos, que ahora se exhiben en la casa. Después de eso, ninguna de sus pertenencias fue encontrada en la residencia.
¿Quién era Rembrandt?
La vida y el arte de Rembrandt fueron alimentados por un análisis psicológico en profundidad de las personas, los objetos y su entorno, así como por un compromiso religioso genuino. Fue un artista fenomenal desde una edad temprana, convirtiéndose en un maestro del retrato, situaciones históricas, religiosas y mitológicas, así como panoramas simples, atractivos pero dramáticos. Construyó su mensaje con gran sensibilidad e inmediatez, empleando una variedad de materiales y metodologías. Sus enfoques de la forma, el color y las sombras siempre fueron alterados, culminando en las partes más conmovedoras pero más naturales de la existencia humana. Su increíble uso de la iluminación y la textura para retratar el rango emocional atraviesa todas sus obras, estableciéndolo firmemente como uno de los mejores y más imaginativos artistas del arte.
