La Revolución Francesa es, sin duda, uno de los acontecimientos más influyentes de toda la historia social. Durante este período tumultuoso, la pintura se convirtió en una forma de informar y comentar sobre la revolución, al igual que la forma en que usamos las redes sociales hoy en día. Al mismo tiempo, también inspiró a los pintores a buscar nuevos enfoques para su trabajo. La Revolución Francesa no solo cambiaría la sociedad para siempre, sino también el arte.
Famosas pinturas de la Revolución Francesa
La Revolución Francesa se entiende generalmente en tres partes. Durante la primera, la clase común comenzó la revolución asumiendo el poder político en los Estados Generales de 1789. La sociedad francesa bajo el Antiguo Régimen era dispar: los impuestos a los pobres eran altos, la escasez era común y el empleo era escaso.
Los plebeyos estaban hartos de esta experiencia y querían establecer una Francia popular, diseñada pensando en la mayoría.
La segunda fase fue testigo del Reinado del Terror y la fractura de la revolución, que luego concluiría en 1799 con el regreso de Napoleón a Francia y su toma del gobierno. Esta lista viaja a través de la Revolución Francesa examinando las pinturas más famosas de la Revolución Francesa, cada una con una historia que contar.
María Antonieta con la rosa (1783) de Élisabeth Louise Vigée le Brun
| Artista | Élisabeth Louise Vigée le Brun (1755-1842) |
| Fecha pintada | 1783 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 116,8 cm x 88,9 cm |
| Actualmente alojado | Palacio de Versalles, Francia |
| Precio | Nunca se vendió |
Élisabeth Louise Vigée le Brun fue una pintora francesa conocida por sus retratos de María Antonieta, reina de Francia. Le Brun produjo más de 30 retratos realistas para la corte. Después de ganar popularidad en la Académie de Saint-Luc, entabló una relación con la reina y se convirtió en su retratista oficial. Es reconocida como la única pintora de la corte francesa.
Ella provocó controversia al presentar a sus sujetos de retrato con sonrisas, consideradas inaceptables en ese momento.
En 1873 fue comisionada por Antoinette para un retrato, que Le Brun esperaba presentar en el Salón. Inicialmente, Le Brun pintó a la reina con un vestido de muselina. Los organizadores del salón encontraron la pintura insultante, creyendo que la reina nunca debería ser vista con ropa tan común o rural.
María Antonieta con la rosa (1783) de Élisabeth Louise Vigée le Brun; Élisabeth Louise Vigée Le Brun, dominio público, vía Wikimedia Commons
En un mes, Le Brun produjo rápidamente a María Antonieta con la Rosa para asegurar su lugar en el Salón. Esta pieza fue recibida calurosamente por los clientes de élite, ya que Antoinette está representada con un lujoso vestido de seda y exhibe un comportamiento serio. En la versión anterior de la pintura, la reina fue retratada sonriendo. A pesar de tener que complacer las demandas del Salón, Le Brun aún logró exprimir la creatividad.
La reina se presenta casi atrapada detrás del vestido rígido y las perlas, un comentario sobre las limitaciones impuestas a artistas femeninas y sujetos. La pintura de Le Brun es un ejemplo de rococó, popular bajo el Antiguo Régimen y en toda Europa en ese momento. El rococó es un estilo dramático y teatral, inspirado en la naturaleza y a menudo centrado en temas de élite o de la antigüedad.
El fiasco que rodea a la pintura original indica las vastas diferencias sociales en la sociedad francesa de 1700.
El Primer y Segundo Estado consistían en la realeza, el clero y la nobleza. La presentación de Antonieta en esta segunda pintura, como una reina rica fuera de contacto con su pueblo, ya era una opinión prominente entre el Tercer Estado. Estos fueron los plebeyos que más tarde liderarían la Revolución.
La toma de la Bastilla (1790) de Jean-Baptiste Lallemand
| Artista | Jean-Baptiste Lallemand (1716-1803) |
| Fecha pintada | 1790 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 80 cm x 104 cm |
| Actualmente alojado | Musée Carnavalet, Francia |
| Precio | Desconocido |
La vida de Jean-Baptiste Lallemand está menos documentada que la de otros pintores de esta lista. Procedente de Dijon, Lallemand pasó gran parte de su carrera temprana como paisajista en Italia. Disfrutando del éxito, fue comisionado por el Papa, y muchas de sus escenas romanas se exhibieron en Francia. Después de su regreso a casa en la década de 1760, Lallemand se convirtió en miembro de la Académie de Saint-Luc, obsirviendo a la revolución a medida que se desarrollaba.
Cuando comenzó en julio de 1789, estaba preparado para proyectar el gran evento en el lienzo.
La toma de la Bastilla fue el punto de quiebre de la Revolución Francesa. En masa, los revolucionarios atacaron los terrenos de la Bastilla, tomando el control de su prisión y armería. Pero esta no era una hazaña que se pudiera medir en términos de habilidad militar o conquista.
Asalto de la Bastilla y arresto del gobernador M. de Launay, 14 de julio de 1789 (1790) por Jean-Baptiste Lallemand; Jean-Baptiste Lallemand, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La presencia física de la Bastilla era un símbolo de poder bajo el Antiguo Régimen, y su colapso significaba que una nueva Francia estaba en ciernes. Para Lallemand, estos no eran los paisajes tranquilos de la campiña italiana. Este era un paisaje de la lucha apasionada por la libertad.
Nótese cómo no hay personajes discernibles en esta escena, y mucho menos un protagonista. Lallemand no estaba interesado en producir una gran narrativa sobre este día, o sobre las personas involucradas en él. En cambio, quería capturar la experiencia desde la perspectiva de la gente, de la que también formaba parte con orgullo. Hay poca organización en la escena, que es precisamente cómo se desarrolló el asedio en la realidad. El artista también se involucra en un poco de realismo aquí.
El evento por sí solo, con su caos y energía crudos, es lo suficientemente importante como para estar solo sin glorificación cosmética o narrativa.
Declaración de los derechos del hombre y del ciudadano (c. 1789) por Jean-Jacques-François le Barbier
| Artista | Jean-Jacques-François le Barbier (1738-1826) |
| Fecha pintada | Hacia 1789 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones | 71 cm x 56 cm |
| Actualmente alojado | Musée Carnavalet, Francia |
| Precio | Desconocido |
Le Barbier fue un artista muy venerado bajo el Antiguo Régimen y durante la Revolución Francesa. Se involucró ampliamente en la escritura, la ilustración y la pintura. Incluido en la Académie Royale en 1785, Le Barbier pronto se convirtió en pintor oficial de la corte de Luis XVI. Campeón de la pintura de historia, Le Barbier también se encuentra entre los que estuvieron en la punta de lanza del movimiento neoclásico en Francia.
Sin embargo, su cercanía con el régimen real no parece haberlo metido en ningún problema, ya que ajustó su tema durante la revolución. Declaración es un ejemplo de este cambio a favor de la revolución y es considerada como su obra más famosa.
La pintura está inspirada en el documento revolucionario clave del mismo nombre, desarrollado por la nueva Asamblea Nacional en 1789.
Declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano (c. 1789) por Jean-Jacques-François le Barbier; Jean-Jacques-François Le Barbier, dominio público, vía Wikimedia Commons
La pintura se comercializó y distribuyó como un cartel en toda Francia, especialmente con la idea de que se colgaran en casas familiares, fue extremadamente popular. Pero el hecho de que fuera una pieza popular y ampliamente reproducida no significa que Le Barbier no convocara su ingenio para ello.
El uso del color por parte del artista es extremadamente fluido, lo que le da una visión agradable y accesible.
Mientras una luz visionaria irradia sobre la tableta, Marianne, el símbolo de la Revolución Francesa, desacopla sus cadenas y mira hacia el futuro. A su vez, el ángel en el extremo opuesto de la tabla, bendice la Declaración de los Derechos del Hombre, y en consecuencia, el futuro de Francia.
Los Lictors traen a Bruto los cuerpos de sus hijos (1789) de Jacques-Louis David
| Artista | Jacques-Louis David (1748-1825) |
| Fecha pintada | 1789 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 323 cm x 422 cm |
| Actualmente alojado | El Louvre, Francia |
| Precio | Nunca se vendió |
Es difícil describir la Revolución Francesa sin considerar Jacques-Louis David. Produjo algunas de las pinturas más famosas de la Revolución Francesa. Una figura influyente en la revolución, su trabajo es ineludiblemente político y ofrece una visión incomparable. Parisino, el genio de David se notó temprano, incluso si sus cuidadores inicialmente se resistieron a sus fascinaciones artísticas. Después de formarse en Italia, su regreso a Francia en 1780 estuvo marcado por un período productivo en los años previos a la revolución.
Políticamente, David se asoció con los jacobinos, el principal grupo político detrás de la revolución.
Su líder fue el influyente Maximilien Robespierre. David produjo piezas de propaganda y se vio a sí mismo como un reportero de la revolución. Organizó festivales, obras de teatro y eventos revolucionarios, para deleite de Robespierre. Podemos deducir cómodamente que David se veía a sí mismo como un revolucionario como cualquier otro, solo que su campo de batalla era el lienzo.
Los Lictors traen a Bruto los cuerpos de sus hijos (1789) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La primera contribución de David al arte en la revolución fue sutil, pero resonó profundamente con el movimiento. A pesar de estar entrenado en el estilo rococó antiguo, siempre buscó más animación. Este sueño florecería en forma de neoclasicismo.
Pintura neoclásica se inspiró en las obras clásicas del mundo antiguo, pero buscó superar los estilos dramáticos y distantes del rococó. Basándose en gran medida en los ideales de la Ilustración, estas pinturas eran racionalistas, equilibradas (tanto en geometría como en luz) y, a menudo, llevaban temas políticos, históricos o moralistas.
Esta pintura fue una continuación del tema romano que David comenzó a desarrollar en «El juramento de Horacio» (1784/1785).
El juramento de los Horacios (1784/1785) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La obra representa a Bruto y su familia tras la muerte de sus dos hijos. En una muestra de autosacrificio cívico, Bruto ordenó su muerte para salvar a la República Romana. Este motivo fue relevante en Francia al comienzo de la revolución, y la pieza de David fue inmensamente popular. A pesar de que inicialmente fue rechazado del Salón, la presión de la gente aseguró que se exhibiera.
David comenta sobre la revolución invocando una narrativa moralista de la antigüedad.
Ilustra el choque entre el nuevo y el viejo mundo, entre la monarquía y la república. La pintura es marcadamente neoclásica, haciendo uso de colores fríos y oscuros y distribuyendo la luz con dirección moral. Bruto se sienta solo en la oscuridad mientras su esposa e hijas retroceden ante el horror bajo la luz. Su decisión lo ha aislado y deprimido, pero la presencia de la estatua republicana a la izquierda indica el valor de su sacrificio. Como la mayoría de las obras neoclásicas, las pinceladas son apenas visibles, lo que resulta en una imagen suave y animada.
El juramento de la cancha de tenis (1790-1792) por Jacques-Louis David
| Artista | Jacques-Louis David (1748-1825) |
| Fecha pintada | 1790-1792 |
| Medio | Óleo sobre lienzo, lápiz, bistre |
| Dimensiones | 400 cm x 654 cm |
| Actualmente alojado | Palacio de Versalles, Francia |
| Precio | 24.000 francos franceses (1835) |
El juramento de la cancha de tenis es una obra de arte inacabada de la Revolución Francesa de Jacques-Louis David, en la que trabajó entre 1790 y 1794. Inicialmente un grabado producido para el Salón de 1791, la pintura tuvo problemas financieros y políticos en los años siguientes. David quería representar la toma del Juramento de la Cancha de Tenis por parte de los miembros del Tercer Estado en 1789, que tuvo lugar en la cancha de tenis real después de que al grupo se le impidió la entrada a la cámara.
David quería retratar este evento trascendental para el nuevo gobierno en estilo neoclásico, con la esperanza de que el primer grabado financiara la producción de una pintura completa. Pero con seis metros y medio de largo y cuatro metros de alto, prácticamente a tamaño real, la pintura siempre estuvo destinada a enfrentar desafíos.
Si bien la mayoría de los personajes están desnudos, se ven focos de brillo. El alto nivel de detalle en los rostros de los personajes, donde se pueden notar pinceladas mínimas, se logra mediante el empleo de una técnica de lavado. David, que tenía un profundo respeto por el evento, sintió que era su deber retratar con precisión a cada asistente como una figura reconocible.
El juramento de la cancha de tenis (1790-1792) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Al pintar la historia reciente en un estilo histórico clásico, David infundió importancia a la toma del juramento y esperaba que su público apreciara el evento. Vientos simbólicos de revolución soplan sobre un grupo unificado y diverso de revolucionarios, mientras que el vasto espacio sobre ellos apunta a una relación con Dios.
La financiación no fue el único problema para esta pintura de la libertad francesa.
El ambiente político en 1973 había cambiado desde el Juramento de la Cancha de Tenis. La Nacional Ael desmontaje que había sido establecido por el Juramento ahora estaba fragmentado. Muchos de los revolucionarios representados en esta pintura fueron, en 1793, vistos como enemigos o traidores. El estado incompleto de esta pintura revela la fragmentación gradual de la revolución.
La muerte de Marat (1793) de Jacques-Louis David
| Artista | Jacques-Louis David (1748-1825) |
| Fecha pintada | 1793 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 165 cm x 128 cm |
| Actualmente alojado | Museos Reales de Bellas Artes, Bélgica |
| Precio | Nunca se vendió |
Una de las pinturas más famosas de la Revolución Francesa de Jacques-Louis David, La muerte de Marat simbolizó un giro oscuro en la revolución. A medida que la lucha entre los Girondins y los Montañeses de Robespierre se hizo más agresiva, Jean-Paul Marat fue asesinado en julio de 1793. Marat era conocido por transmitir el mensaje revolucionario en panfletos y publicaciones. Su asesino lo acusó de su participación en el Reinado del Terror, del cual de hecho era culpable.
El Reinado del Terror fue un período que fue testigo de la ejecución de más de 15.000 personas.
A partir de la purga de prisioneros en septiembre de 1792, la muerte de Marat empeoró el clima político, y las cosas rápidamente se volvieron más espantosas. Cualquier persona que fuera considerada contrarrevolucionaria podía ser detenida y ejecutada sin un juicio. Combinado con la escasez de alimentos y la inflación, las personas rápidamente se volvieron unas contra otras, y el terror se salió de control.
La muerte de Marat (1793) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Con un fervor emocional y realista, David retrata al apuñalado Marat como un mártir religioso. La luz se distribuye a través del cuerpo de Marat en un resplandor sagrado, común en Pinturas cristianas de mártires o escenas de sacrificio. El uso intensivo del contraste se asemeja al de Caravaggio. David vio aquí una oportunidad para conectar la divinidad (generalmente asociada con la monarquía) con la revolución, empoderándola así. También tenga en cuenta cómo el baño de Marat no tiene decoración, lo que probablemente no era el caso en realidad.
Al relegar el fondo a un abismo oscuro, más enfoque se centra en el mártir, Marat, mientras toma sus últimos suspiros.
Une exécution capitale, la place de la Révolution (c. 1793) por Pierre-Antoine Demachy
| Artista | Pierre-Antoine Demachy (1723-1807) |
| Fecha pintada | c. 1793 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 37 cm x 53,5 cm |
| Actualmente alojado | Musée Carnavalet, Francia |
| Precio | Sin revelar (1961) |
Pierre-Antoine Demachy fue un artista respetado antes y durante la Revolución Francesa. Su enfoque principal eran las ruinas antiguas, y fue certificado como pintor de arquitectura por la Académie Royale ya en 1755. También fue un célebre educador de arte, tanto en la Académie como en el Louvre.
Durante la revolución, Demachy contribuyó al cuerpo del arte de la Revolución Francesa. Aunque pocas en número, estas pinturas son particularmente poderosas. Una de estas pinturas es Une execution capitale. Está en La Place de la Concorde, entonces llamada Place de la Revolution, una plaza pública de París que fue testigo de algunos de los eventos más significativos de la revolución.
Esta pintura es probablemente de los primeros días del Reinado del Terror.
Une exécution capitale, la place de la Révolution (c. 1793) by Pierre-Antoine Demachy; Pierre-Antoine Demachy, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta escena representa la ejecución de un contrarrevolucionario y la multitud jubilosa que rodea la guillotina. Solo unos meses antes, Luis XVI fue ejecutado en esta plaza, y Antonieta sufrió el mismo destino un año después. Simbólicamente, allá por 1770, los novios celebraron su boda en esta plaza. Esa noche, un espectáculo de fuegos artificiales salió mal, y hasta 3000 miembros de la audiencia pública fueron asesinados.
La presentación del entorno construido anuncia la habilidad central de Demachy como pintor arquitectónico, pero también enfatiza los elementos simbólicos.
Estos incluyen la fuerza aislada de la estatua de Marianne, la ropa revolucionaria del público (incluidas las gorras frigias) y la distribución explícita de la luz sobre la guillotina, que se encuentra poderosamente en el centro de la pintura. La plaza sería testigo de miles de ejecuciones en los años siguientes.
Retrato de un revolucionario (1794) de Jean-François Sablet
| Artista | Jean-François Sablet (1745-1819) |
| Fecha pintada | 1794 |
| Medio | Panel de óleo sobre madera |
| Dimensiones | 64,5 cm x 54,9 cm |
| Actualmente alojado | Galería Nacional de Victoria, Australia |
| Precio | Sin revelar (2010) |
Jean-François Sablet nació en una familia artística de Morges, Suiza. Después de mudarse a París, él y su hermano se unieron a la Academia y estudiaron con el mismo maestro que Jacques-Louis David – Joseph-Marie Vien. Sus primeros trabajos consistieron en retratos y escenas de género con un uso calculado del color y el movimiento.
Él y su hermano eran neoclasicistas alternativos, todavía en línea con el movimiento, pero conocidos por mezclar influencias holandesas en su trabajo.
A pesar de sus creencias revolucionarias, Sablet pasó la revolución temprana en Roma, probablemente en busca de oportunidades económicas. Pero en 1793, el creciente terror en casa provocó reacciones represivas de los gobiernos vecinos, y él, junto con otros artistas, fue expulsado de regreso a Francia. A partir de entonces, aplicó sus habilidades de retrato al arte en revolución, produciendo esta famosa obra de arte de la Revolución Francesa.
Retrato de un revolucionario (1794) de Jean-François Sablet; Galería Nacional de Victoria, dominio público, vía Wikimedia Commons
El Reinado del Terror preocupó a muchos revolucionarios fieles en toda Francia. Su movimiento se estaba convirtiendo en una muestra de paranoia, traición y sangre. En Retrato de un revolucionario, Sablet representa a un oficial del gobierno local, como lo indica la bufanda republicana en la mesa a la derecha.
Al individuo no se le da un nombre, pero la profundidad psicológica todavía impregna la pintura.
Los ojos del revolucionario están llenos de desilusión, después de años de humilde servicio público, y su rostro curtido habla por muchos de sus camaradas en ese momento. La intimidad personal que Sablet desarrolló como joven artista, al pintar retratos de élite, llega a un crescendo aquí. El sujeto es probablemente Daniel Kervegan, alcalde de Nantes.
María Antonieta siendo llevada a su ejecución (1794) por William Hamilton
| Artista | William Hamilton (1751-1801) |
| Fecha pintada | 1794 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 152 cm x 197 cm |
| Actualmente alojado | Museo de la Revolución Francesa, Francia |
| Precio | Desconocido |
La única pintura en esta lista no compuesta por un artista francés es María Antonieta siendo llevada a su Ejecución. William Hamilton fue un pintor de Inglaterra conocido por sus escenas shakesperianas. Fue miembro de la Royal Academy en Inglaterra y también pintó eventos contemporáneos, como la pieza presentada aquí. La pintura es neoclásica, vacilante hacia cualquier grandeza y dominada por una paleta melancólica y oscura.
Hamilton produjo la pieza muy tarde en su carrera, lo que puede ser la razón por la que es sorprendentemente neutral. Quería representar las realidades increíblemente difíciles de la Revolución Francesa durante este período, desde todos los lados.
María Antonieta siendo llevada a su ejecución (1794) por William Hamilton; William Hamilton, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Hamilton no ofrece ninguna idea de su propia opinión sobre la revolución, ya que a pesar de la apariencia casi angelical de Antoinette, la multitud y los guardias tampoco aparecen como antagonistas claros. Es probable que Hamilton hubiera aprovechado al máximo esta oportunidad de contraste si hubiera tenido la intención de presentar el evento con algún sentimiento político específico.
Aunque no es tan famosa como algunos otros pintores ingleses, esta obra de arte de la revolución todavía se anuncia como una de las pinturas más famosas de la Revolución Francesa. El Reinado del Terror sólo terminaría con la ejecución del propio Robespierre en 1794.
Napoleón en el paso de San Bernardo / Napoleón cruzando los Alpes (1802) por Jacques-Louis David
| Artista | Jacques-Louis David (1748-1825) |
| Fecha pintada | 1802 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 259 cm x 221 cm |
| Actualmente alojado | Château de Malmaison, Francia |
| Precio | Nunca se vendió |
Todo mientras el terror se desarrollaba en suelo francés, el estado de Francia todavía estaba involucrado en la guerra en toda Europa y el norte de África. Fue durante estas campañas que un joven y carismático general, Napoleón B.onaparte, saltó a la fama. Al dar un golpe de Estado a su regreso a Francia en 1799, la astucia política de Napoleón le permitió establecer un nuevo gobierno en lugar de la fracturada dirección revolucionaria.
El pueblo francés se había cansado de la inestabilidad política de la última década, y lo último que tenía en mente era otra revolución. Con tanta sangre ya derramada, Napoleón parecía atractivo para el público francés. Si bien sostuvo que Francia seguía siendo una república, su gobierno autoritario era, de alguna manera, similar al Antiguo Régimen.
En 1804, Napoleón se había proclamado emperador de Francia, y la revolución había cerrado el círculo.
Napoleón cruzando los Alpes (1802) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En los últimos años de la revolución, Napoleón y David desarrollaron una relación, y poco después del golpe, David recibió el encargo de celebrar el ascenso de Napoleón en el lienzo. Posiblemente el retrato más famoso de Napoleón, David retrata valientemente una de sus exitosas campañas militares. Utilizando la base de lienzo blanco como fuente de luz, la escena altamente detallada es majestuosa y revive el idealismo del rococó: Napoleón realmente atravesó los Alpes en una mula. David continúa con este tema en La coronación de Napoleón (1807).
La coronación de Napoleón (1807) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta pintura marcó un cambio incisivo en el arte de la Revolución Francesa. Al igual que bajo el Antiguo Régimen, el tema del arte estaba menos preocupado por las experiencias de la gente y más aún por las glorias del imperio. El Salón había vuelto a su forma original, como una plataforma para los mecenas de la élite y la propaganda gobernante.
Pero el neoclasicismo napoleónico también era diferente del practicado en el período del arte de la revolución. Implicaba más movimiento y acción, prefería orientaciones diagonales y retomaba un estilo barroco algo dejado atrás.
Este fue el nacimiento del romanticismo francés.
Demolición del Chateau Meudon (1806) por Hubert Robert
| Artista | Hubert Robert (1733-1808) |
| Fecha pintada | 1806 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 113,3 x 146 cm |
| Actualmente alojado | J. Paul Getty Museum, Estados Unidos |
| Precio | 111.600 € (Tasación – 2016) |
Hubert Robert fue otro precursor del movimiento romántico. Robert disfrutó de una educación burguesa en París y agudizó su habilidad artística temprana en Roma. Allí se encaprichó de las ruinas, convirtiéndose en su sujeto central, y se ganó el apodo de «Roberto de las Ruinas». Debido a su postura apolítica, Robert fue encarcelado durante un año bajo el régimen revolucionario y escapó por poco de la ejecución. A pesar de esto, todavía contribuyó con varias obras de arte de la Revolución Francesa.
No todas las escenas revolucionarias tenían que ser de pueblo, como ya hemos visto con el poder simbólico de la Bastilla. Demolición del Chateau Meudon representa una escena de la revolución que tuvo lugar más de diez años antes de la composición. Chateau Meudon fue la residencia real del Antiguo Régimen, y fue saqueado durante la revolución.
En 1803, el edificio había sido completamente demolido, pero esto no impidió que Robert capturara su significado simbólico.
Demolición del Chateau Meudon (1806) por Hubert Robert; Getty Center, dominio público, vía Wikimedia Commons
Robert estaba bien versado en la pintura de caprichos de su tiempo en Roma. Capricci es un estilo de pintura arquitectónica que combina realidad y ficción para un efecto emotivo. En esta escena, el artista integra rasgos del paisaje que ya no existen para capturar un momento atrapado en el tiempo.
Presenta el castillo con un tamaño inmenso y una luz brillante para indicar su importancia anterior, proyectando una sombra sobre los diversos personajes involucrados en su demolición. El posicionamiento central del castillo establece un eje claro para la pintura, que es una técnica neoclásica, pero su evocación del sentimiento (al recordar un momento perdido a través de la ficción) es de sabor romántico.
A pesar del regreso a un gobierno autoritario, estaba claro que algo había cambiado en la fibra del arte francés. Los artistas todavía apelaban a los poderes de la época, pero el arte en la revolución había inculcado una creatividad e independencia que no estaban dispuestos a abandonar.
La pieza de Robert, una crónica semi-ficticia de la Revolución, estrenada bajo un gobierno monárquico, sugiere que los artistas seguían buscando nuevos horizontes El antagonismo entre la precisión neoclasicista y la libertad de Romanticismo caracterizó gran parte de principios de 1800.
La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugène Delacroix
| Artista | Eugène Delacroix (1798-1863) |
| Fecha pintada | 1830 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 260 cm x 325 cm |
| Actualmente alojado | El Louvre, Francia |
| Precio | 3000 francos franceses (1831) |
La pintura de la libertad francesa de Eugene Delacroix es una de las más famosas de la Revolución Francesa. El único problema es que no representa una escena de la Revolución Francesa original en absoluto. En Liberty Leading the People, Delacroix se inspiró más directamente en la Revolución de Julio de 1830, pero esto no significa que no exista una relación. La pintura es considerada como una de las mejores obras en el estilo romántico, una perfección de las primeras exploraciones románticas de David, Robert y otros artistas después del final de la revolución.
Si el neoclasicismo se trataba de lograr la perfección de la forma, el romanticismo se trataba de celebrar la imperfección y la creencia de que la naturaleza nunca podría ser completamente contenida, descrita o representada. El romanticismo estaba preocupado por transmitir la intensidad de la emoción y el sentimiento como el artista lo considerara oportuno.
Este estilo estaba arraigado en la libertad de expresión y el rechazo de las restricciones, y se convirtió en una influencia vital en el movimiento impresionista.
El romanticismo proporcionó espacio creativo para los artistas. La inclusión de Delacroix de un símbolo metafórico «vivo», la dama de la libertad, es un buen ejemplo. Desorganizado pero controlado, la ráfaga de movimiento y personajes es otra característica típica de este estilo.
La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Al personificar el concepto de libertad, a la pintura se le da una dimensión emocional: los líderes mueren, pero las ideas siguen vivas. Ella marcha sobre los cadáveres, un símbolo colectivo de todos los que habían perecido en la búsqueda de la libertad. Está rodeada de revolucionarios de diferentes clases sociales, que es la forma en que Delacroix enfatiza la unidad que es esencial para construir una nueva nación.
Lo que sigue siendo más importante en la recuperación de la obra maestra de Delacroix es la forma en que vemos la revolución que aún respira a través de ella.
A pesar de que la obra se origina en un punto diferente de la historia francesa, el poder del pueblo y la demanda de libertad se expresa con tanta emoción como aquellos que marcharon con orgullo sobre la Bastilla 40 años antes. A nivel práctico, el Romanticismo de Delacroix se debe en gran medida a la libertad artística de su período, una libertad que nunca se pudo disfrutar sin los cambios sociales iniciados por la Revolución Francesa.
La pintura francesa y la Revolución Francesa estaban ligadas a una complicada relación. La Revolución brindó la oportunidad de alejarse de los estilos rígidos y elitistas del Antiguo Régimen, pero también desestabilizó el contexto social, obligando a los pintores a mantenerse alerta y cambiar rápidamente de tema o tono. También fue el comienzo de la independencia artística en Francia.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué abarca la pintura de la Revolución Francesa?
Las pinturas de la Revolución Francesa son pinturas compuestas en los años previos a la Revolución, durante los años de la revolución física (desde la Bastilla hasta el Terror), o al final de la Revolución. Muchos pintores también han representado el período revolucionario años después de su conclusión. Estos también se incluyen como famosas pinturas de la Revolución Francesa. Y aunque la mayoría de estas pinturas son de manos francesas, los artistas extranjeros también se han expresado retratando la Revolución Francesa.
¿Cómo cambió la pintura durante la revolución?
Antes de la Revolución Francesa, el estilo de pintura dominante era el rococó. Por lo general, centrado en elementos grandiosos y naturales, el arte en revolución vio a los artistas experimentar con nuevos estilos, con el neoclasicismo convirtiéndose rápidamente en el más popular. El regreso de Napoleón significó el regreso de un enfoque de élite e idealista, pero este período también fue testigo de los inicios del Romanticismo.
¿Por qué son importantes las pinturas de la Revolución Francesa? al arte en su conjunto?
Las pinturas de la Revolución Francesa son importantes porque revelan el intenso vínculo entre el arte y la sociedad. El cambio del neoclasicismo al romanticismo al final de la revolución simbolizó un conflicto más amplio entre las creencias filosóficas. El neoclasicismo se basaba en la racionalidad de la Ilustración y se esforzaba por la perfección. El romanticismo, inspirado en los ideales de libertad de la Revolución, se centró en la libertad artística y de expresión. La Revolución Francesa debe ser vista como un evento importante en la larga lucha por la independencia artística.
