El Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, a menudo conocido como «The Met», alberga una colección de más de dos millones de objetos, lo que lo convierte en el museo de arte más grande de los Estados Unidos y del hemisferio occidental en general. El museo de renombre mundial se encuentra a lo largo de la frontera este de Central Park en el Upper East Side de Manhattan, en 1000 Fifth Avenue. El Museo Metropolitano de Arte abrió oficialmente al público el 20 de febreroésimo, 1872. La colección del museo es increíblemente diversa, incluyendo una amplia variedad de objetos y artefactos de todo el mundo, desde la antigüedad clásica y el Antiguo Egipto hasta pinturas de prácticamente todos los principales artistas europeos a lo largo de la historia. Con esta colección grande y expansiva, puede ser difícil navegar por lo que las obras de arte del Museo Metropolitano de Arte son una visita obligada. Aquí hay una lista de las pinturas más conocidas y famosas en The Met.
10 obras de arte y pinturas imperdibles en el Museo Metropolitano de Arte
Con su amplia gama de obras de arte de una variedad de edades y movimientos, el Museo Metropolitano de Arte puede ser abrumador para un visitante. A continuación se muestra una lista de los aspectos más destacados del Museo Met; con 10 de las obras de arte y pinturas más conocidas y elogiadas en el Museo Metropolitano de Arte.
La fachada de entrada del Museo Metropolitano de Arte (The Met) en el Upper East Side, Manhattan, Nueva York; Hugo Schneider, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Virgen con el Niño entronizados con santos (1504) por Rafael
| Título | Virgen con el Niño entronizados con santos |
| Artista | Rafael Sanzio (1483 – 1520) |
| Medio | Témpera |
| Dimensiones (cm) | 172,4 x 172,4 |
| Fecha de creación | 1504 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
Una pintura del maestro italiano del Alto Renacimiento Rafael, La Virgen con el Niño entronizado con santos, también conocida como el Retablo de Colonna, fue creada entre 1503 y 1505. Como esta pieza de arte Met es el único retablo de Rafael que se puede encontrar en los Estados Unidos, es sin duda un punto culminante del Met Museum.
Alrededor de 1504 a 1505, Rafael creó este retablo para el convento franciscano de San Antonio en Perugia.
Se exhibió en una sección de la catedral designada para monjas, que pueden haber insistido en sus características tradicionales, como el vestido adornado del Niño Jesús. Rafael sólo había comenzado a estudiar obras recientes de Fra Bartolomeo y Leonardo da Vinci en Florencia, mientras que los santos varones fuertes miran hacia el futuro. Las monjas vendieron su retablo en 1678, y cuando J. Pierpont Morgan lo compró a principios del siglo 20, hubo una reacción frenética de la prensa.
María sentada en el trono es un gesto simbólico entre los creyentes de la Iglesia Católica porque es considerada la salvadora del mundo. La Virgen María sentada en un trono es una imagen icónica dentro de la religión católica, que la ve como la salvadora del mundo, siendo la madre de Cristo.
Virgen con el Niño entronizados con santos (1504) de Rafael; Raphael, CC0, vía Wikimedia Commons
Mientras que la bendición se lleva a cabo en la parte cuadrada de la obra de arte, el dosel semicircular retrata el reino piadoso, completo con Dios y dos ángeles, como se ve en la distancia con colinas, una torre y vegetación general. La obra también presenta a San Pedro, Catalina, Lucía, San Pablo, el joven Juan el Bautista y el joven Jesús representado sentado en el trono. Juan el Bautista, que está a los pies de María, está siendo bendecido por Jesús, que está sentado en su regazo. Es probable que la bendición esté siendo leída por los otros cuatro santos que están reunidos alrededor del trono.
En un marco de 172,4 x 172,4 cm, la obra de arte fue creada en madera utilizando óleo y oro.
Tres Predellas componían todo el retablo: The Procession to Calvary (National Gallery, Londres), The Agony in the Garden (Morgan Library, Nueva York) y la Piedad (Isabella Stewart Gardner Museum, Londres). Raphael utilizó su experiencia en arquitectura para aplicar la geometría a esta gran pintura, a pesar de las pinturas más orgánicas y fluidas de la época. Esto se puede ver en el diseño del trono, la brecha entre San Pedro y San Pablo y el fondo, y la pintura de los escalones del trono.
Venus y el laúd (1565 – 1570) por Tiziano
| Título | Venus y el laúd |
| Artista | Tiziano Vecelli (1488 – 1576) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 165,1 x 209,6 |
| Fecha de creación | 1565 – 1570 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
Venus y el laúd (1565-1570) fue creado por el artista Tiziano Vecelli, también conocido como Tiziano. El óleo se utilizó para crear esta obra de arte Met sobre lienzo en algún momento entre 1565 y 1570. La obra de arte fue creada de una manera que se asemeja a un retrato, representando a Venus, la diosa romana del amor que recibe una serenata del intérprete de laúd.
Se dice que esta pintura es la culminación del interés del artista en el tema de la diosa desnuda reclinada, que existe en dos versiones. La primera versión, más terminada, se encuentra en Cambridge, mientras que la segunda versión, que permaneció en el estudio de Vecelli como un ricordo, un primer borrador compositivo, se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte.
La estrella de la obra de arte, la diosa del amor, se muestra interrumpiendo su música mientras Cupido la corona con una corona de flores.
Venus y el laúd (1565 – 1570) de Tiziano; Tiziano y taller, dominio público, vía Wikimedia Commons
Ella está siendo admirada por un joven bien vestido que toca el laúd, que es el instrumento tradicional utilizado en los madrigales de amor. Ninfas y sátiros bailan al son de un pastor de fondo. Este divertido tema fue pintado varias veces por Tiziano. Con la excepción del paisaje de fondo completamente pintado del artista, este quedó incompleto. Estas imágenes parecen resaltar principalmente los placeres sensoriales, contrariamente a lo que originalmente se pensó que era su alusión a las discusiones actuales sobre si «ver» o «escuchar» es el método principal para apreciar la belleza.
Todavía hay más dimensión en el trabajo de Tiziano, además de describir la relación única entre el músico y la diosa, también se dirige directamente al espectador.
Está claro que el exuberante desnudo se gira frontalmente para el disfrute del espectador a través de engaños deliberados. Además, la viola da gamba, que se configura como un instrumento repoussoir (un objeto en la pintura bidimensional que crea la sensación de profundidad dirigiendo el ojo del espectador) en la esquina inferior derecha de la imagen y se extiende más allá del marco, esperando a su intérprete, sutilmente nos insta a asistir al concierto y participar plenamente en la percepción admiradora de la belleza.
Aristóteles con un busto de Homero (1653) de Rembrandt
| Título | Aristóteles con un busto de Homero |
| Artista | Rembrandt van Rijn (1606 – 1669) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 143,5 x 136,5 |
| Fecha de creación | 1653 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
Aristóteles con un busto de Homero (1653), también conocido como Aristóteles contemplando un busto de Homero, es una pintura al óleo sobre lienzo de Rembrandt y es sin duda un punto culminante del Museo Met de visita obligada. La obra de arte representa al filósofo griego aristóteles mirando un busto de Homero, un poeta antiguo y el autor ficticio de La Ilíada (siglo 8 aC) y Odisea (siglo 7 aC). Aristóteles se representa con una cadena de oro y mirando una figura tallada de Homero en la pieza de óleo sobre lienzo, que se hizo a pedido para la colección de Don Antonio Ruffo, un noble de Sicilia. Varios coleccionistas lo compraron y vendieron antes de que el Museo Metropolitano de Arte finalmente lo adquiriera.
Numerosos historiadores y estudiosos han ofrecido varias interpretaciones del tema de Rembrandt en respuesta al misterioso tono de la imagen.
Esta pintura captura la contemplación de Rembrandt sobre la naturaleza de la fama. Con la palma de Aristóteles opulentamente vestida descansando pensativamente sobre un busto de Homero, el poeta épico que había alcanzado la inmortalidad literaria con su Ilíada y Odisea siglos antes.
Aristóteles con un busto de Homero (1653) de Rembrandt; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La impresionante representación de Alejandro Magno en el medallón de oro de Aristóteles sugiere que el filósofo está contrastando su propio éxito material con el logro eterno de Homero. La pieza fue creada para el mecenas en un momento en que el estilo distintivo de Rembrandt, con su paleta oscura y capas casi escultóricas de pintura, comenzaba a perder el favor en Ámsterdam, a pesar del hecho de que había llegado a ser visto como la quintaesencia holandesa.
El La pieza es especialmente interesante desde una perspectiva metatextual, con el espectador admirando la figura de Aristóteles como lo mismo hace con el busto de Homero. La obra hace uso de la técnica del claroscuro, con el rostro de Aristóteles contrastando con el fondo oscuro.
La obra podría interpretarse como una historia de moralidad en la que Aristóteles, el cortesano exitoso y bien vestido, envidia a Homero, el artista ciego pero libre. Otra interpretación es que Aristóteles y Homero representan la ciencia y el arte respectivamente, con la ciencia difiriendo al arte. Pero independientemente de las interpretaciones que se teoricen, esta pintura ha seguido siendo una de las más grandes y misteriosas del mundo, atrapando a los espectadores en su imagen reflexiva, brillante y completamente negra.
La muerte de Sócrates (1787) de Jacques-Louis David
| Título | La muerte de Sócrates |
| Artista | Jacques-Louis David (1748 – 1825) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 129,5 x 196,2 |
| Fecha de creación | 1787 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
La muerte de Sócrates es considerada como una de las grandes obras de Arte neoclásico, un movimiento artístico que ganó prominencia en la década de 1780. Este movimiento era conocido por representar temas de la época clásica, como la ejecución del filósofo griego antiguo Sócrates, como lo cuenta Platón en su libro, Fedón (360 aC).
En esta pieza, se muestran los momentos finales del famoso filósofo. Se dice que Sócrates fue declarado culpable de corromper a los jóvenes y negar a los dioses en la antigua Atenas.
Sócrates tenía dos opciones: renunciar a sus principios o consumir el mortal veneno de la cicuta. Eligió este último y dio su vida en defensa de sus ideas. Sócrates enfrenta su muerte de frente en lugar de huir cuando se presenta la oportunidad y utiliza esta decisión como una lección final para sus estudiantes y seguidores. El Fedón, el cuarto y último diálogo de Platón para describir los últimos días de Sócrates, que también están cubiertos en Eutifrón (399-395 aC), Apología (fecha desconocida) y Crito (399 aC), describe los últimos días del filósofo.
La muerte de Sócrates (1787) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, CC0, vía Wikimedia Commons
La muerte de Sócrates representa al gran filósofo como un anciano estoico vestido de blanco, que está sentado erguido en una cama. Su mano izquierda está haciendo un gesto en el aire mientras su mano derecha se extiende sobre la taza de veneno. Está rodeado de sus devotos seguidores y estudiantes, todos los cuales están visiblemente molestos y angustiados. El joven que le está dando la copa está mirando hacia otro lado y tiene la cara enterrada en la mano. Un segundo hombre agarra el muslo de Sócrates y le ruega que no consuma el veneno.
A los pies de la cama, un segundo anciano está sentado. Esto está destinado a representar a Platón, el alumno más conocido de Sócrates, desplomado y mirando en su regazo. A través del arco en la pared posterior, se pueden ver dos hombres más a la izquierda, mientras que la esposa de Sócrates, Xanthippe, que había sido despedida por su esposo anteriormente, lanza una mirada anhelante a la escena desde el hueco de la escalera en el fondo.
El uso del color de David en esta pintura agrega una gran cantidad de emoción.
La túnica roja oscura del hombre que sostiene la copa de veneno, generalmente vista como ofrecida a Sócrates en lugar de recibirla después de que Sócrates se había tragado su contenido, es el punto focal de la pintura. Los tonos de rojo en los márgenes de la pintura son más tenues y se vuelven más intensos hacia el centro. Sócrates y Platón, las dos únicas figuras serenas, están vestidos de un llamativo blanco azulado. El esquema de color más tenue de esta pintura también puede ser una respuesta a aquellos que criticaron el Juramento de los Horacios de David (1784), llamando a su uso del color «chillón».
Juramento de los Horacios (1784) de Jacques-Louis David, en exhibición en el Museo del Louvre en París, Francia; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Washington cruzando el Delaware (1851) por Emanuel Leutze
| Título | Washington cruzando el Delaware |
| Artista | Emanuel Leutze (1816 – 1868) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 378,5 x 647,7 cm |
| Fecha de creación | 1851 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
Una de las pinturas más famosas del Met, Washington Crossing the Delaware es una pintura histórica creada por el artista germano-estadounidense Emanuel Leutze. La famosa pieza de arte del Met representa el momento en que George Washington cruzó el río Delaware con el ejército continental el 25 y 26 de diciembre del año 1776 durante la Guerra de Independencia de los Estados Unidos. Esta sorprendente acción fue el primer movimiento en un ataque sorpresa exitoso contra las fuerzas de Hesse en la Batalla de Trenton en Nueva Jersey, que fue un momento clave en la guerra.
La primera obra de arte fue creada por Leutze en 1849, justo después del fracaso de la propia revolución alemana.
Finalmente, durante un bombardeo aliado de la Segunda Guerra Mundial, este lienzo original fue destruido en la ciudad alemana de Bremen. En 1850, el artista comenzó a trabajar en la segunda iteración de Washington Crossing the Delaware. En octubre de 1851, una galería en Nueva York acogió la exhibición de esta imagen posterior. El rico empresario Marshall O. Roberts compró la pieza por la entonces asombrosa suma de $ 10,000 dos años después. En 1897, fue entregado al Museo Metropolitano de Arte.
Washington Crossing the Delaware (1851) de Emanuel Leutze; Emanuel Leutze, CC0, vía Wikimedia Commons
El brillo de Washington Crossing the Delaware está en su vasta escala, midiendo 378.5 por 647.7 cm. Este gran tamaño crea una gran experiencia para el espectador, con la composición de la pintura que coincide con el momento significativo de la historia que expresa. Si bien Washington es la figura central de la pieza, Leutze también llenó el bote con varios soldados, incluidos dos oficiales continentales de capa azul y nueve hombres que parecen ser miembros de la milicia.
Este es un conjunto muy diverso de hombres, uno de los cuales es afroamericano, otro lleva un capó de tablero de ajedrez que podría representar a Escocia, y otro usa mocasines, un sombrero y pantalones que se sabe que usan los Nativos americanos. La decisión de Leutze de hacer que el lado estadounidense de la guerra sea tan inclusivo es ciertamente intencional, expresando la causa colonial en la guerra por la independencia de la fuerza opresiva de Gran Bretaña.
Lo que es interesante notar es que Leutze tomó alguna licencia creativa en su trabajo, como las icónicas estrellas y rayas de la bandera estadounidense incluidas en la pintura a pesar de no ser utilizadas hasta septiembre de 1777. El evento también tuvo lugar históricamente por la noche, mientras que el trabajo de Leutze muestra una escena diurna tardía.
La clase de ballet (1874) de Edgar Degas
| Título | La Clase de Ballet |
| Artista | Edgar Degas (1834 – 1917) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 83,5 x 77,2 |
| Fecha de creación | 1874 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
La clase de ballet de Edgar Degas es un ejemplo de Obra impresionista, creado en 1874. La reconocida pieza forma parte de la colección del Museo Metropolitano de Arte, que se exhibe en la Galería 815. Es ampliamente conocida como una de las obras más ambiciosas de Degas relacionadas con el tema de la danza, que representa el escenario ficticio de una clase de danza impartida por el renombrado instructor de ballet Jules Perrot en la antigua Ópera de París, que se había incendiado el año anterior.
El cartel de Guillaume Tell colgado en la pared es un monumento a Jean-Baptiste Faure, el cantante de ópera que había encargado la pieza.
La pieza fue creada junto con The Dance Class (1874), que originalmente se exhibieron en el Museo de Orsay en París. Hay más de 20 figuras en ambas, bailarinas y sus madres, con el instructor de baile como foco principal de cada pieza.
La clase de ballet (1874) de Edgar Degas; Edgar Degas, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El barítono de la ópera Jean-Baptiste Faure encargó la pintura en 1873, con las pinturas de Degas constituyendo una parte considerable de la colección de arte de Faure. La segunda exposición de los impresionistas tuvo lugar en 1876 después de que Degas terminara la pintura para Faure en 1874. La imagen fue aportada a la exposición por el coleccionista de arte. La obra de arte también fue conocida como Examen de danse.
Degas era conocido por su uso del color, y esto se puede ver en «The Ballet Class» en los delicados rosas, blancos y azules que se ven en los bailarines.
Degas presenta la habitación en tonos neutros; no hay toques de color audaces, y la composición es visualmente agradable. Las paredes parecen ser de un verde terroso, mientras que el piso es de un marrón terroso. Los instrumentos en primer plano y el marco de madera del espejo son de color marrón más oscuro, mientras que los trajes blancos de las bailarinas parecen gobernar la escena, con los pocos tonos de rosa y azul que provienen de sus cintas. A pesar de representar una escena casi realista, de un escenario cotidiano, el uso del color, la forma y la composición de Degas crea una rica experiencia sensorial para el espectador.
Retrato de Madame X (1883 – 1884) por John Singer Sargent
| Título | Retrato de Madame X |
| Artista | John Singer Sargent (1856 – 1925) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 235 x 110 |
| Fecha de creación | 1883 – 1884 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
Una de las pinturas más famosas del encuentro, la pintura de John Singer Sargent de Virginie Amélie Avegno Gautreau, una joven socialité y esposa del financiero francés Pierre Gautreau, se ha conocido infamemente como Madame X o Retrato de Madame X. Madame X fue pintada a petición de Sargent en lugar de como un encargo. Es un examen del conflicto. Una mujer es representada por Sargent posando con una prenda de satén negro con correas joya, un atuendo que revela y oculta. El retrato se distingue por el tono de piel pálido del sujeto en contraste con los tonos oscuros del fondo y el vestido.
Sargent experimentó un breve revés en Francia como resultado del escándalo que rodeó la controvertida recepción de la pintura en el Salón de París en 1884, pero es posible que allanara el camino para su éxito posterior en Gran Bretaña y Estados Unidos. La modelo era una inmigrante estadounidense que se estableció en Francia y se casó con un banquero francés. Saltó a la fama en la alta sociedad parisina por su belleza y sus supuestas relaciones extramatrimoniales. Se interesó mucho en su apariencia y usó polvo de lavanda.
Se refería a ella como una «belleza profesional», una expresión utilizada en el idioma inglés para describir a una mujer que usa sus talentos individuales para escalar en la sociedad.
Retrato de Madame X (1883 – 1884) por John Singer Sargent; Museo Metropolitano de Arte, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los artistas se sintieron atraídos por ella debido a su belleza inusual; según el pintor estadounidense Edward Simmons, «no podía dejar de perseguirla como lo hace un ciervo». Sargent estaba igualmente asombrado y creía que un retrato de Gautreau atraería mucho interés en el Salón de París que se acercaba y estimularía la demanda de encargos de retratos.
La respuesta a la pintura de la población en general fue tan fuerte que Sargent abandonó el país, y la reputación de su modelo de alta sociedad se dañó permanentemente.
Una de las correas del vestido se vio inicialmente colgando seductoramente del tema de la fotografía de Sargent, que ahora parece un detalle sin importancia. La escena artística parisina estaba horrorizada no solo por el atuendo expositivo del sujeto, sino también por su misterioso tono de piel. Gautreau puede haber estado consumiendo arsénico para aclarar su tez como otras mujeres elegantes de su tiempo (aunque Davis cree que es más probable que usara polvo de arroz) Sin embargo, es poco probable que la lascivia de la imagen fuera lo que conmocionó a la sociedad parisina. Peor aún, la obra de arte fue considerada hortera.
Autorretrato con sombrero de paja (1887) de Vincent Van Gogh
| Título | Autorretrato con sombrero de paja |
| Artista | Vicente Van Gogh (1853 – 1890) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 41 x 32 |
| Fecha de creación | 1887 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
Vincent Willem van Gogh es uno de los artistas más conocidos de su época. Fue un pintor postimpresionista holandés que, después de su muerte, saltó a la fama y tuvo un impacto significativo en la historia del arte occidental. Produjo alrededor de 2.100 piezas de arte en un período de diez años, incluidas unas 860 pinturas al óleo, la mayoría de las cuales se produjeron en los últimos dos años de su vida.
Estas obras, que van desde paisajes hasta bodegones, retratos y autorretratos, se distinguen por su uso de colores vibrantes y pinceladas dramáticas, espontáneas y expresivas, que ayudaron a sentar las bases para Arte moderno.
No tuvo mucho éxito comercial, y a la edad de 37 años, mientras sufría de aguda melancolía e indigencia, se quitó la vida. Autorretrato con sombrero de paja (1887) es parte de una colección de autorretratos de Van Gogh, que consiste en sus propios retratos y retratos de él pintados por otros artistas.
Autorretrato con sombrero de paja (1887) de Vincent Van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Una parte significativa del cuerpo de trabajo de Van Gogh como pintor estaba compuesto por estos numerosos autorretratos. Autorretratos de Van Gogh más likely representa su rostro tal como apareció en el espejo, que usó para reproducir su rostro, lo que significa que su lado derecho en la imagen es en realidad su lado izquierdo en la vida real.
Una vez declaró: «Compré a propósito un espejo lo suficientemente bueno como para trabajar conmigo mismo, a falta de un modelo».
Autorretrato con sombrero de paja demuestra el conocimiento del artista de las técnicas neoimpresionistas y la teoría del color, que son aspectos de su trabajo que continúan siendo elogiados y estudiados hoy en día. Esta pieza también da pistas sobre el deterioro de la salud del artista. Un hombre que está bajo tensión emocional y física es sugerido por el perfil de tres cuartos, las sombras oscuras y la mandíbula apretada. Un ojo azul y otro verde proyectan una mirada inquietante que simultáneamente pide nuestra ayuda y nos aleja. Como corresponde a su autoimagen como artista de un hombre trabajador, Van Gogh está vestido con el sombrero de paja amarillo y el abrigo de trabajo de un trabajador campesino. Este trabajo es sin duda una visita obligada en el Met.
El estanque del nenúfar (1899) de Claude Monet
| Título | El estanque de nenúfares |
| Artista | Claude Monet (1840 – 1926) |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 92,7 x 73,7 |
| Fecha de creación | 1899 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
El estanque de nenúfares (1899), también conocido como Puente Japonés, es una de las 250 pinturas al óleo del artista impresionista Claude Monet que representan el jardín de flores del artista en esta casa de Giverny, expresando una curaduría artística de la flora en el estilo impresionista.
Monet solo pintó tres obras que representan su estanque de nenúfares.
El estanque de nenúfares es impresionante en su disposición del puente, el sauce llorón y los árboles de fondo, todos los cuales sufrieron numerosos cambios hasta 1910. El estanque está lleno de plantas y nenúfares, creando una rica escena de color. La obra se compone de breves pinceladas, que Monet usaba con frecuencia a medida que crecía.
El estanque del nenúfar (1899) de Claude Monet; Claude Monet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En una carta, Monet explicó que había plantado los nenúfares solo por diversión; nunca había tenido la intención de pintarlos, pero tan pronto como echaron raíces, casi sirvieron como su única fuente de inspiración. Escribió; «Vi, de repente, que mi estanque se había encantado … Desde entonces, no he tenido otro modelo».
Muchos críticos notaron la deuda de Monet con el arte japonés cuando exhibió estas pinturas en la Galería durand-Ruel en 1890.
El recinto verde impenetrable de la pintura de la National Gallery, que se hace más revelador por la colocación del arco superior del puente justo debajo del borde superior, recuerda al Hortus conclusus (jardín cerrado) de obras medievales, al tiempo que evoca un espacio contemplativo onírico que es consistente con la literatura simbolista, particularmente poemas como Le Nénuphar blanc de Stéphane Mallarmé.
Este resultado fue señalado por Gustave Geffroy en su evaluación de la exposición, describiendo el trabajo como «[a] minúscula piscina donde florecen algunas misteriosas corolas» y «una piscina tranquila, inmóvil, rígida y profunda como un espejo, sobre la que florecen nenúfares blancos, una piscina rodeada de vegetación suave y colgante que se refleja en ella».
Autumn Rhythm (Número 30) (1950) de Jackson Pollock
| Título | Ritmo de otoño (Número 30) |
| Artista | Jackson Pollock (1912 – 1956) |
| Medio | Pintura de esmalte sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 266,7 x 525,8 |
| Fecha de creación | 1950 |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
Autumn Rhythm (Número 30) (1950), del artista estadounidense Jackson Pollock, es una pintura expresionista abstracta de 1950 en la colección del Museo Metropolitano de Arte. Pollock fue un jugador clave en el Movimiento artístico expresionista abstracto, ganando notoriedad por su «técnica de goteo», que empleó para pintar sus lienzos desde todos los lados rociando o vertiendo pintura líquida para el hogar sobre una superficie horizontal.
Dado que cubrió el lienzo completo y pintó con todo su cuerpo, con frecuencia en una forma de danza frenética, también se conocía como pintura general y pintura de acción.
Los críticos de este tipo extremo de abstracción estaban divididos: algunos elogiaron la espontaneidad de la producción, mientras que otros se burlaron de los resultados aleatorios. Autumn Rhythm (Número 30) es un ejemplo distinguido del estilo de pintura vertida característico de Pollock y a menudo se encuentra a menudo considerada una de sus obras más notables.
Autumn Rhythm fue una de una colección de pinturas que Pollock exhibió originalmente en la Galería Betty Parsons en noviembre y diciembre de 1951, y fue creada en el otoño de 1950 en el estudio de Pollock en Springs, Nueva York. Al igual que las pinturas anteriores que creó durante este período de su carrera, la técnica de Pollock consistía en verter pintura de latas o utilizar palos, pinceles muy cargados y otras herramientas para controlar una corriente de pintura mientras goteaba y la arrojaba sobre el lienzo. Una de las obras más grandes de Pollock es Autumn Rhythm, que tiene 17 pies de ancho por 8 pies de alto.
A pesar de su método innovador, el trabajo a gran escala de Pollock fue influenciado por el muralismo de la década de 1930, particularmente el trabajo de David Alfaro Siqueiros y Thomas Hart Benton, con quienes había colaborado. Esta enorme pintura de Pollock fue comprada por el Met Museum en 1957, un año después del fallecimiento prematuro del artista, lo que demuestra cuán rápido su innovación de la pintura fue adoptada por la escena del arte moderno.
El Museo Metropolitano de Arte es sin duda el hogar de una amplia colección de obras de arte, y puede ser difícil para los visitantes averiguar qué obras son imperdibles. Esta lista proporciona una lista de los aspectos más destacados del Museo Met de algunas de las mejores pinturas del museo, así como sus historias e historias de fondo para proporcionar una mayor comprensión y una experiencia de visualización más rica.
Preguntas Frecuentes
¿Qué pinturas son imperdibles en The Met?
El Museo Metropolitano de Arte alberga una amplia y diversa colección de obras de arte. Cuando se trata de la colección de pinturas, algunas visitas obligadas incluyen Madonna y el Niño entronizados con santos (1504) de Rafael, Venus y el laúd (1565-1570) de Tiziano, Aristóteles con un busto de Homero (1653) de Rembrandt, La muerte de Sócrates (1787) de Jacques-Louis David, Washington Crossing the Delaware (1851) de Emmanuel Leutze, The Dance Class (1874) de Edgar Degas, Retrato de Madame X (1883-1884) de John Singer Sargent, Autorretrato con sombrero de paja (1887) de Vincent Van Gogh, Water Lily Pond (1899) de Claude Monet y Autumn Rhythm (Número 30) (1950) de Jackson Pollock.
¿Cuáles son los ejemplos de obras de arte del Museo Metropolitano de Arte?
Algunas de las obras de arte más famosas en el Met incluyen The Harvesters (1565) de Pieter Bruegel el Viejo, Vista de Toledo (fecha desconocida) de El Greco, Mujeres jóvenes con jarra de agua (1662) de Johannes Vermeer, Manuel Osorio Manrique de Zúñiga (1787-88) de Goya, Navegación (1874) de Édouard Manet, e Interior holandés (III) (1928) de Joan Miró.
¿Qué obras de arte famosas hay en el Met?
Es posible que se pregunte qué obras de arte famosas son The Met, aunque para responder a esta pregunta se requeriría un artículo completo propio. Sin embargo, algunas de las obras de arte más famosas en el Met incluyen La muerte de Sócrates (1787) de Jacques-Louis David, Washington Cruzando el Delaware (1851) de Emmanuel Leutze, Perseo con la cabeza de Medusa (1545) de Benvenuto Cellini, Venus Itálica (1802) de Antonio Canova, y Ugolino y sus hijos (1865-1867) de Jean-Baptiste Carpeaux.
