Desde el inicio del Modernismo, se han expresado ciertas preguntas sobre la naturaleza y la distinción entre el arte bidimensional y la escultura abstracta. Constantin Brancusi destacó la cuestión fundamental de lo que se suponía que las famosas esculturas abstractas debían transmitir en los primeros años del siglo 20: ¿la representación de un sujeto o su naturaleza esencial? Pablo Picasso demostró en los años siguientes que una estatua o escultura abstracta no necesitaba ser cincelada, esculpida o moldeada: podía ser construida o ensamblada. A continuación, echaremos un vistazo a algunos conocidos artistas de escultura abstracta y sus obras.
La historia del arte escultórico abstracto
La escultura abstracta nació como resultado de la mano dura de la industrialización y de una cantidad cada vez mayor de escultores que se distanciaban de un concepto convencional de escultura. Auguste Rodin, sin un ferviente deseo de desafiar la tradición, fue, en realidad, el fundador de la escultura moderna. Rodin eliminó el duro contorno de la creación 3D tradicional con el fin de hacer lugar para sus esculturas masivas en el siglo 19 contemporáneo que se acerca.
Siguiendo de cerca algunos de los desarrollos vanguardistas más significativos y cruciales y sus invenciones en obras en 2D, se presentó una nueva noción de utilidad del objeto. Tal estudio ayudó en la formación de un vínculo novedoso entre el elemento y el medio ambiente, sin mencionar el desarrollo de un léxico estético único.
La incorporación y el uso de recursos comunes se desviaron de los conceptos y materiales de modelado convencionales como la cerámica, el yeso, la piedra o el metal. Los objetos 3D comenzaron a bailar, moverse y brillar, poniendo en duda su esencia básica, así como la naturaleza de la creación artística.
Los primeros días del arte escultórico abstracto
Tomó algún tiempo para que las esculturas abstractas se abrieran paso. Tuvo que romper las cadenas de generaciones de tradiciones que elogiaban la forma humana ideal en retratos, bustos y esculturas. Las actuaciones tridimensionales comenzaron a adoptar una forma y un propósito distintivos con el desarrollo de Cubismo.
Las esculturas cubistas de Picasso, vistas como otra área de exploración al romper con la idea convencional de modelado, demostraron que estos nuevos elementos también permitían la interacción de formas geométricas, el aplanamiento de sus superficies y la fractura.
La escultura ya no era necesaria para representar nada; en cambio, era libre de simplemente existir y servir como una representación de un único tipo de arte.
Cabeza de mujer (Fernande) escultura de yeso (1909) de Pablo Picasso, ubicada en la Tate Modern de Londres; Wmpearl, CC0, vía Wikimedia Commons
Por un lado, deseaba conectarse con los símbolos espirituales, intelectuales y ceremoniales de las remotas civilizaciones africanas y asiáticas. El otro lado retrató el choque del período de posguerra y las dificultades de cada día. Picasso buscó todo lo que estaba disponible para él en su estudio de París durante la guerra, y comenzó a reunir sus artículos no representativos, y a veces muy provocativos.
Esta fue una forma novedosa de ver y construir la escultura, e inmediatamente se hizo popular. Al igual que las obras de collage de Picasso y Georges Braque, el concepto inicial de cómo puede ser y ser una escultura se le permitió utilizar cualquier material que considerara esencial.
Las influencias significativas que dieron forma a la escultura abstracta
El concepto de que las estatuas abstractas podían hacerse como objetos de ensamblaje y que los artistas escultóricos famosos no tenían que depender del uso convencional del mármol o la madera fue adoptado por los italianos. Futurismo, Dada, expresionismo abstracto, surrealismo y minimalismo.
Cada uno de los movimientos antes mencionados añadió otra característica significativa a la frase cada vez más global Escultura Abstracta.
El cubismo proporcionó una nueva perspectiva sobre los materiales, mientras que el futurismo italiano le dio al arte un nuevo propósito, el de un medio para abrazar el movimiento, el dinamismo y la tecnología. La escultura cinética surgió desde este punto de vista, trayendo consigo una perspectiva única sobre el concepto de masa y su disolución a través de las delicadas influencias de la luz y el movimiento.
Réplica de fuente (1917) de Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Cautivado por este concepto fue Marcel Duchamp, piuno de los mejores radicales movimientos artísticos, dadaísmo, que pronto implementó la utilización del movimiento mecánico en su producción. Antes de esto, introdujo por primera vez su noción de los «readymades», lo que agregó un giro propio a la interpretación de la escultura.
Los objetos cotidianos intervinieron, trayendo consigo tendencias como El arte reciclado y chatarra, así como frases como las cosechadoras, que se utilizaron para caracterizar la combinación de pintura y escultura en el trabajo de Robert Rauschenberg.
«Lo que es cierto no es la forma exterior de las cosas, sino su núcleo. A partir de este principio, nadie puede expresar algo básicamente verdadero imitando su superficie exterior», dijo Brancusi. Sin embargo, como con toda forma creativa, el impulso por el alma se cuela y pide una visión de la vida dentro de los materiales fríos.
Puppy (1992) de Jeff Koons, un ejemplo de escultura moderna; Zarateman, CC0, vía Wikimedia Commons
Trabajar con elementos era un extremo del espectro, y el otro era un lado más suave que se centraba en tratar de comprender cómo la escultura podría ser utilizada como un medio de expresión para diversas realidades de la vida en lugar de un vehículo de duplicación del mundo.
El famoso comentario de Constantin Brancusi caracteriza acertadamente el arte escultórico abstracto que en realidad revolucionó la interacción espacio/objeto y se alejó de los cánones anteriores. Junto con su producción, la producción del aclamado escultor Henry Moore promueve una investigación más profunda de las formas, los procesos y las proporciones.
Ambos enfatizaron el concepto de talla directa, las formas biomórficas surrealistas y la apreciación de los recursos brutos, lo que ayudó a la escultura a ramificarse y formar los dos hilos paralelos de su desarrollo.
Famosos artistas escultóricos de arte abstracto
Famosos artistas de escultura del siglo 20 fueron pioneros en explorar toda la gama de la abstracción 3D. Los artistas de escultura abstracta en esta lista han lanzado una corriente de aire fresco en el espíritu de la escultura del siglo 20, que cambió por completo la trayectoria del arte moderno.
Esto se debe a sus innovaciones disruptivas de forma, métodos de contenido y materiales, procesamiento analítico del entorno y diferentes puntos de vista y perspectivas de lo que es el arte.
Desde la creación de esculturas abstractas de madera hasta el trabajo con materiales menos tradicionales, todos estos artistas han contribuido con algo único al arte de la escultura abstracta. Aquí está nuestra lista de escultores influyentes y sus famosas esculturas abstractas.
Constantin Brâncusi (1876 – 1957)
| Nacionalidad | Rumano |
| Fecha de nacimiento | 19 de febrero de 1876 |
| Fecha de fallecimiento | 16 de marzo de 1957 |
| Lugar de nacimiento | Hobita, Rumanía |
Constantin Brâncusi, un prominente escultor del siglo 20, combinó el modernismo y la trascendencia en sus obras, que exhiben representaciones ideales y arquetípicas de su tema. Sus esculturas visionarias, con sus formas básicas y simplificadas y su aspecto aerodinámico, buscan revelar verdades ocultas.
Afirmó que el artista debería ser capaz de «desenterrar al ser que está dentro de la materia». Dedicó especial atención a sus medios de comunicación mientras era pionero en el método de tallado directo.
Retrato fotográfico de Constantin Brâncusi, tomado por Edward Steichen en 1922; Edward Steichen, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Trabajando principalmente con piedra, mármol, bronce, maderas y metal, refinó sus esculturas finales durante días para obtener la ilusión de «salir del grueso a una realidad impecable y completa». El arte de Brancusi fue fuertemente influenciado por los cuentos, el folclore y las sociedades «primitivas», a pesar de su insistencia en el aspecto representacional de su tema.
El beso (1908)
| Año de producción | 1908 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 237 cm × 234 cm × 54 cm |
| Ubicación actual | Museo Barbara Hepworth |
Brancusi hizo varias variaciones de The Kiss, con cada una reduciendo los contornos geométricos y los elementos escasos y moviendo el trabajo más lejos hacia la abstracción. Su técnica abstracta enfatiza líneas geométricas básicas que armonizan las formas naturales de sus recursos con las referencias simbólicas de la pintura representacional. La forma del bloque inicial de material se conserva aquí. Otra interpretación de The Kiss está adornando una lápida en el cementerio de Montparnasse.
Es un statu abstracto simbólicoe de dos amantes abrazados, un motivo representado en varias obras de arte cargadas de erotismo.
Jean Arp (1886 – 1966)
| Nacionalidad | Alemán-Francés |
| Fecha de nacimiento | 16 de septiembre de 1886 |
| Fecha de fallecimiento | 7 de junio de 1966 |
| Lugar de nacimiento | Estrasburgo, Francia |
El estilo de Jean Arp se identificó con el dadaísmo y la Movimiento surrealista, y fue considerado como un precursor del arte abstracto. Fue más famoso por sus objetos biomórficos que estaban hechos de yeso, bronce y piedra. Sin embargo, también pintó, dibujó, hizo collage y escribió poesía. Aludió a sus estatuas abstractas como abstracción orgánica, ya que se caracterizaban por líneas onduladas.
Su arte estaba profundamente basado en la naturaleza, pero seguía siendo no representacional.
Sus creaciones más abstractas, que incluyen plantas o seres humanos, aluden a aspectos biológicos. Limitó la participación de la mente consciente integrando la coincidencia y la serendipia como componentes importantes de su enfoque creativo.
Es ampliamente considerado uno de los escultores más inventivos del siglo 20. Estos diseños biomórficos influenciados por la naturaleza tuvieron un efecto importante en las siguientes generaciones de artistas abstractos.
Escultura que se perderá en el bosque (1932)
| Año de producción | 1932 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 90 mm × 222 mm × 154 mm |
| Ubicación actual | Tate Modern |
Arp creó un estilo de escultura biomórfica en las décadas de 1920 y 1930 que implicaba un vínculo entre la invención creativa y la creación natural. Las formas en su trabajo recuerdan piedras desgastadas, flores y otras sustancias naturales, como se ve en ‘Escultura para perderse en el bosque’.
Hizo estas esculturas por un método semiautomático de lijar la figura de yeso hasta que estaba contento con la forma.
«Trabajo hasta que una cantidad suficiente de mi vida se ha derramado en su cuerpo», explicó. Para conectar su arte con la naturaleza, colocó esculturas en los bosques cerca de su casa en Meudon, donde pueden ser descubiertas por transeúntes involuntarios.
Naum Gabo (1890 – 1977)
| Nacionalidad | Ruso |
| Fecha de nacimiento | 5 de agosto de 1890 |
| Fecha de fallecimiento | 23 de agosto de 1977 |
| Lugar de nacimiento | Bryansk, Rusia |
Naum Gabo, un escultor ruso, fue un precursor de Arte cinético. Gabo y su hermano, Antoine Pevsner, afirmaron en el Manifiesto Realista de Constructivismo que el arte tenía un valor y un papel fuera del estado y que el concepto geométrico debía ser la base de la escultura.
Fracturó sólidos en líneas interconectadas, planos y formas geométricas mediante el uso de materiales translúcidos para representar volúmenes de espacio vacío.
Fotografía de Naum Gabo sentado en su obra de arte Flower and Bee, tomada en 1957; Herbert Behrens (ANEFO), CC0, vía Wikimedia Commons
Escribió que el espacio y el tiempo son las únicas estructuras en las que se basa la vida, y por lo tanto el arte debe ser producido ya que estos eran sus ingredientes esenciales. Sus creaciones abstractas generalmente estaban hechas de vidrio, metal y plástico.
Su enfoque revolucionario de la escultura y el lenguaje visual fue paralelo a la sociedad y la humanidad.
Construcción en el espacio (1939)
| Año de producción | 1939 |
| Medio | Acetato de celulosa |
| Dimensiones | 220 × 270 × 180 mm |
| Ubicación actual | Tate Modern |
A lo largo del período de estancia de Naum Gabo en Londres, a partir de marzo de 1936 y durante el estallido de la Segunda Guerra Mundial en septiembre de 1939, creó varias obras significativas en plástico, incluida construction in Space. Mientras que las esculturas anteriores de Gabo usaban una variedad de componentes y tonos, estos proyectos fueron elaborados con plásticos transparentes.
A través de esto, fue capaz de lograr un nuevo nivel de pureza conceptual. Construction in Space fue la primera pieza compuesta completamente de planos translúcidos, y existió como una exquisita respuesta formal al problema que Gabo se propuso 20 años antes de mostrar el interior dinámico de los objetos.
Henry Moore (1898 – 1986)
| Nacionalidad | Inglés |
| Fecha de nacimiento | 30 de julio de 1898 |
| Fecha de fallecimiento | 31 de agosto de 1986 |
| Lugar de nacimiento | Castleford, Reino Unido |
Enrique Moore, ampliamente considerado como el fundador de la escultura británica contemporánea, fue recordado principalmente por sus gigantescas esculturas de bronce semi-abstractas que se pueden encontrar en todo el mundo como piezas de arte públicas. Su estilo fue influenciado por el precolombino, el clásico y el estilo. Arte africano, así como el surrealismo.
Moore también fue muy influenciado por modernistas de renombre como Arp, Picasso, Brancusi y Giacometti.
Fotografía de Henry Moore en su estudio en Inglaterra, tomada en 1973; Allan Warren, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
La madre y el niño, así como la figura reclinada, eran temas comunes en su trabajo. Quedó cautivado con el paisaje y la naturaleza, por lo que utilizó formas abstractas para dibujar similitudes entre el cuerpo humano y el mundo.
Utilizando la técnica de tallado directo, se concentró principalmente en materiales como la madera y la piedra.
Tres figuras de pie (1947)
| Año de producción | 1947 |
| Medio | Piedra |
| Dimensiones | 2,1 millones |
| Ubicación actual | Parque Battersea |
La estatua abstracta consiste en tres damas de pie vestidas con ropa fluida, dos de las cuales están más juntas y están siendo vistas por la tercera. Cada uno contiene rasgos faciales básicos como aberturas de ojos. Las figuras de Moore surgieron de una serie de bocetos influenciados por sus experiencias de individuos en refugios antiaéreos subterráneos durante la Segunda Guerra Mundial.
Puede estar inspirado en el dibujo de Moore de 1948 de los Tres Destinos, que es similar a las Tres Gracias. En 1968, Moore comentó que su escultura era «como si las tres damas estuvieran esperando allí, anticipando que algo caería del cielo».
Three Standing Figures (1947) de Henry Moore, ubicada en Battersea Park en Londres; Yair Haklai, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Louise Nevelson (1899 – 1988)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 13 de septiembre de 1899 |
| Fecha de fallecimiento | 17 de abril de 1988 |
| Lugar de nacimiento | Pereiaslav, Ucrania |
El trabajo de Louise Nevelson estuvo conectado con diferentes estilos como el cubismo, el expresionismo abstracto y el surrealismo, y es más reconocida por sus esculturas abstractas de madera del tamaño de una habitación. Sus enormes ensamblajes utilizaron un método motivado por la noción de los readymades, en el que utilizó artefactos de madera abandonados obtenidos de vertederos de desechos urbanos.
Estos artefactos de madera fueron cuidadosamente colocados para crear narrativas novedosas después de ser elegidos a propósito por su capacidad evocadora de llamar a la memoria las formas de la ciudad, la naturaleza y los cuerpos celestes.
Fotografía de Louise Nevelson, tomada por Lynn Gilbert en 1976; Lynn Gilbert, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Estas esculturas, en su mayoría monocromáticas y negras, con incursiones ocasionales en el oro y el blanco, expresaban su historia personal de desplazamiento y autoinvención. Durante sus últimos años, experimentó con materiales comerciales como aluminio, plexiglás y acero.
Marea Real 1 (1960)
| Año de producción | 1932 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 90 mm × 222 mm × 154 mm |
| Ubicación actual | Tate Modern |
El oro brillante que se extiende desde el suelo hasta el techo le da a Royal Tide I la apariencia de un lujoso retablo dorado, como si las abstracciones de la escultura estuvieran alquímicamente encantadas en su metamorfosis de la casta cotidiana al artículo de arte.
Cabe destacar que se refirió a Royal Tide I y obras comparables como su «período barroco», conectando así su escultura abstracta moderna con las obras lujosas y opulentas de la era barroca del siglo 16.
A diferencia de sus otras obras de formación libre, Nevelson colocó los diversos componentes de Royal Tide I dentro de una matriz de cajas de madera de tamaño uniforme e impuso un orden cohesivo en toda la obra.
Barbara Hepworth (1903 – 1975)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 13 de septiembre de 1899 |
| Fecha de fallecimiento | 17 de abril de 1988 |
| Lugar de nacimiento | Pereiaslav, Ucrania |
Barbara Hepworth fue una precursora de la escultura abstracta, identificándose como una escultora de renombre mundial en una época en que las escultoras femeninas eran poco comunes. Es bien conocida por sus obras biomórficas talladas en piedra, que fueron inspiradas por su temprano amor con las estructuras y materiales orgánicos.
Integró una amplia variedad de elementos físicos con una conciencia excepcional de sus atributos, utilizando un lenguaje y conceptos esculpidos sofisticados y multifacéticos.
Ella reflejó el vínculo entre la dimensión y el espacio investigando la ausencia, así como la presencia en la escultura. Sus piezas abstractas con frecuencia presentan vacíos internos vacíos que perturban las texturas de la superficie lisa.
Dos formas (1969)
| Año de producción | 1969 |
| Medio | Bronce |
| Dimensiones | 237 cm × 234 cm × 54 cm |
| Ubicación actual | Museo Barbara Hepworth |
Esta obra de arte escultórica abstracta es ampliamente considerada como una de las piezas más reconocibles en el Reino Unido. La escultura fue construida apenas seis años antes de la muerte de Hepworth en un incendio en su taller en St Ives en 1975.
Consiste en dos semicírculos verticales de bronce que crean un círculo roto de unos dos metros de ancho, cada uno perforado por un enorme agujero. Ambas piezas están soldadas a una base de bronce.
Dos formas (1969) de Barbara Hepworth; Talmoryair, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Morris Singer eligió los tres componentes en Londres, y todos están vacíos. En 1966, después de que le diagnosticaron cáncer, Hepworth creó la obra de arte. «Puedes pasar por el Círculo Dividido, no deberías tener que hacerlo físicamente para sentirlo», dijo, queriendo que la fisicalidad del espectador se involucre con su obra de arte.
Anthony Caro (1924 – 2013)
| Nacionalidad | Inglés |
| Fecha de nacimiento | 8 de marzo de 1924 |
| Fecha de fallecimiento | 23 octubre 2013 |
| Lugar de nacimiento | New Maiden, Reino Unido |
Anthony Caro, una figura importante en la escultura moderna durante casi medio siglo, investigó todas las capacidades de la abstracción 3D. Produjo enormes creaciones que eran grandiosas tanto en forma como en tamaño, utilizando una gama de materiales que iban desde la madera hasta las cuerdas.
A pesar de que parte de su trabajo se adhiere a una geometría precisa y lógica, sus esculturas distintivas transmiten movimiento lírico, aparente ingravidez, espontaneidad y serendipia.
Sus esculturas abstractas de metal se presentaron sin zócalos, rectas en el suelo, empujando los límites. La eliminación del pedestal fue un movimiento dramático en ese momento, alterando la interacción entre el arte y el observador.
Temprano una mañana (1962)
| Año de producción | 1962 |
| Medio | Metal |
| Dimensiones | 2,9 m x 6,2 m x 3,35 m |
| Ubicación actual | Galería Tate |
En la década de 1950, Caro trabajó como aprendiz de Henry Moore, pero la obra de arte de David Smith lo alentó a alejarse del arte semifigurativo de Moore y hacia piezas más abstractas creadas a partir de piezas de metal industrial.
Temprano una mañana fue creado en la casa de Caro, pero el trabajo masivo no se pudo observar completamente en la pequeña habitación, por lo que Caro y un amigo lo desmontaron a altas horas de la noche y lo reconstruyeron al aire libre.
El primer aspecto apropiado de Caro de la escultura, temprano a la mañana siguiente, inspiró el apodo. Inicialmente se pintó de verde para unir las diferentes piezas en una sola pieza. Caro no estaba satisfecho con el resultado, por lo que su esposa Sheila propuso colorearlo de rojo.
Sol LeWitt (1928 – 2007)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 9 de septiembre de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | 8 de abril de 2007 |
| Lugar de nacimiento | Connecticut, Estados Unidos |
Sol LeWitt, pionera en ambos Minimalismo y Arte filosófico, fue más conocido por sus esculturas abstractas geométricas, aunque también creó dibujos murales, construcciones, pinturas y obras conceptuales.
Estableciendo un estilo de arte radical único en la década de 1960, LeWitt consideró que la parte más significativa de la obra es la idea o el concepto.
Empleó diseños simples aplicados a sus propias fórmulas aproximando ecuaciones matemáticas, enfatizando conceptos y procesos, y reduciendo la creación artística a su esencia. A menudo daba instrucciones vagas a sus aprendices o ayudantes para hacer la obra de arte que había previsto anteriormente.
Esto se debió a que LeWitt creía que el producto final no debería ser completamente controlado por el artista, que cuestionaba las nociones centrales sobre el arte.
Pirámide de cuatro lados (1999)
| Año de producción | 1999 |
| Medio | Bloques de hormigón y mortero |
| Dimensiones | 458 cm x 1012 cm x 970 cm |
| Ubicación actual | Jardín de Esculturas de la Galería Nacional de Arte, Washington D.C. |
Sol LeWitt estuvo a la vanguardia del arte conceptual y minimalista durante más de cinco décadas, comenzando a principios de la década de 1960. Las estructuras (un nombre que favoreció sobre las esculturas) de Sol LeWitt a menudo están hechas de formas modulares y cuasi arquitectónicas.
Al igual que con muchas de sus obras, LeWitt ideó un plan y una serie de pasos a seguir por otros para el Pirámide de cuatro lados.
Pirámide de cuatro lados (1999) de Sol LeWitt, ubicada en el Jardín de Esculturas de la Galería Nacional de Arte en Washington D.C.; David de Washington, DC, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Un grupo de canteros e ingenieros trabajaron con el artista para construir la pirámide de cuatro lados en este lugar. La pirámide escalonada, que LeWitt usó originalmente en la década de 1960, se refiere a la abolición en 1961 de las reglas de retroceso de principios del siglo 20 para los edificios de la ciudad de Nueva York. La estructura geométrica de la pirámide de cuatro lados también se relaciona con los antiguos zigurats mesopotámicos.
Eso concluye nuestra mirada a la historia y los famosos artistas de escultura de la escultura abstracta. Hemos visto algunos de los mejores ejemplos de esculturas abstractas famosas y los increíbles escultores que las crearon. Desde esculturas abstractas de madera hasta estatuas abstractas de metal masivo, estos ejemplos de arte escultórico abstracto probaron los límites de lo que la escultura podría representar.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte escultórico abstracto?
La escultura abstracta surgió como resultado del fuerte toque de la industrialización y un número cada vez mayor de escultores que se distanciaban de una comprensión tradicional de la escultura. Sin un fuerte deseo de desafiar la tradición, Auguste Rodin es a menudo considerado como el padre de la escultura contemporánea. Rodin eliminó los contornos ásperos de la producción 3D tradicional para hacer espacio para sus gigantescas esculturas en el próximo siglo 19 moderno.
¿Qué influyó en el arte de la escultura abstracta?
La idea de que las estatuas abstractas podían hacerse como objetos de ensamblaje, y que los artistas escultóricos famosos no tenían que depender del uso tradicional del mármol o la madera, fue adoptada por el dadaísmo, el expresionismo abstracto, el surrealismo y el minimalismo. Cada uno de los movimientos antes mencionados añadió otra característica significativa a la frase cada vez más global de la escultura abstracta. El cubismo le dio al arte una nueva perspectiva sobre los materiales, pero el futurismo italiano le dio al arte un nuevo propósito como vehículo para abrazar el movimiento, la energía y la tecnología. La escultura cinética evolucionó desde este punto de vista, trayendo consigo una visión completamente distinta de la noción de masa y su descomposición a través de las fuerzas sutiles de la luz y el movimiento.
