Damien Hirst fue uno de los subversivos más grandes de finales del siglo 20 y una figura polémica en la historia del arte contemporáneo. La obra de arte de Damien Hirst repusió y cautivó a los espectadores. Los críticos de arte tampoco eran grandes admiradores de las pinturas de Damien Hirst, ya que a menudo eran extremadamente repugnantes. Profundicemos en la vida y el arte de este polémico artista.
Biografía de Damien Hirst
| Nacionalidad | Británico |
| Fecha de nacimiento | 7 de junio de 1965 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Bristol, Inglaterra |
¿Exactamente por qué Damien Hirst es famoso? Hirst creó una técnica infalible para captar la atención del público y los críticos desde el comienzo de su trabajo. Los cadáveres en descomposición horrorizaron y atrajeron a los visitantes del museo, que lo percibieron como un desafío. Los críticos también quedaron asombrados, no tanto por la obra como por las cantidades exorbitantes que se le exigían.
Esto dejó a Hirst a la vanguardia del mundo del arte y aumentó el valor de sus obras, lo que continúa obteniendo algunos de los mejores precios de la industria.
Niñez
El controvertido artista Damien Hirst nació en 1965 en Bristol, Inglaterra. Su familia se mudó a Leeds poco después de su nacimiento, donde pasó la mayor parte de su juventud. Fue criado solo por su madre después de que sus padres se divorciaron cuando él tenía 12 años.
Era un adolescente salvaje que fue encarcelado dos veces por robo y no era un buen estudiante, pero mostró potencial en la pintura y finalmente eligió asistir a la universidad.
Imagen fija del artista inglés Damien Hirst del documental de 2010 «The Future of Art» de Erik Niedling e Ingo Niermann; Christian Görmer, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Cuando era adolescente a fines de la década de 1970 y principios de la década de 1980, Hirst se sintió atraído por el punk rock y el entorno social que estaba ganando terreno en la sociedad británica, inclinándose hacia su desafío a las convenciones y el tema agresivo y duro. Era un gran admirador de la banda punk Sex Pistols, a pesar de que su madre supuestamente fundió uno de sus álbumes en un plato de frutas, y se refirió mucho a ellos en su trabajo posterior.
Formación temprana
Desde 1986 hasta 1989, Hirst estudió Arte en la Universidad de Londres, sin embargo, se le negó la primera vez que se matriculó. Se enfrascó en sus estudios y rápidamente saltó a la fama en la comunidad estudiantil de Goldsmiths, participando en varios grupos y organizando eventos dirigidos por estudiantes.
Durante sus vacaciones de verano, trabajó a tiempo parcial en una morgue en Leeds, un encuentro que influyó en las ideas y materiales que finalmente utilizó como artista. Dibujó muestras y cadáveres en ocasiones (un hábito común entre los pintores occidentales), y el trabajo también le proporcionó la experiencia técnica que más tarde emplearía para convertir el material biológico en esculturas.
Fue el principal organizador de un espectáculo colectivo llamado Freeze durante su segundo año en Goldsmiths. El espectáculo sería un momento decisivo en su carrera. Además de su trabajo, la exposición incluyó obras de 16 compañeras de escuela, en particular Sarah Lucas, Fiona Rae y otros jóvenes artistas posmodernistas.
Himno (1999) de Damien Hirst; Jack en Wikipedia, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Llegarían a ser reconocidos como un grupo por su enfoque sin restricciones del arte, utilizando materiales asombrosamente poco ortodoxos y creando nociones que cuestionaban el significado del arte. Freeze se alojó en una instalación de almacén de bajo costo en Docklands de Londres, que entonces era un distrito impopular y fuera del camino. Hirst contactó a una multitud de galerías corporativas al principio, pero había poco entusiasmo en la propuesta.
Uno de los instructores de Hirst, Michael Craig-Martin, convenció a varias figuras importantes de la comunidad artística británica para que visitaran la exposición.
Después de las exhibiciones en el almacén de Freeze y Hirst, Saatchi se inspiró para vender la mayor parte de su considerable inventario de arte moderno estadounidense e invirtió en la próxima ola de artistas británicos. Exploró obras de exhibiciones estudiantiles y ubicaciones de galerías experimentales, lo que resultó en una secuencia de espectáculos titulada Young British Artists que se realizó a lo largo de la década de 1990.
Período de madurez
Saatchi se convirtió en el benefactor de Hirst en 1991, ofreciéndose a apoyar lo que el artista deseaba. El plan de los dos hombres pronto dio sus frutos. Hirst recibió atención y elogios en todo el mundo después de la exposición inaugural de Saatchi Young British Artists en 1992.
Su primer saatchi-fundLa pieza era una gran pieza de instalación llamada «La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo», que presentaba un tiburón tigre momificado en una gran pantalla de vidrio. Hirst fue nominado para el Premio Turner, que se otorga a pintores británicos emergentes menores de 50 años.
Si bien no ganó, sí obtuvo el premio en 1995. Casi al instante, se distinguió como una personalidad polémica y provocadora en el mundo del arte contemporáneo. Sus obras de arte de cadáveres momificados y animales son sus obras más famosas y polémicas.
Fotografía de la obra de Hirst con la paradoja del amor (Surrender or Autonomy, Separateness as a Precondition for Connection) (2007) a la izquierda y 2-Amino-5-Bromobenzotrifluoride (2011) a la derecha, ubicada en la Sala Damien Hirst en el Museo Arken de Arte Moderno, Dinamarca; Jonathan Deamer, CC BY 4.0, vía Wikimedia Commons
Por ejemplo, en 1995, los reguladores de salud pública de Nueva York prohibieron Two Fucking and Two Watching, un trabajo que involucra a una vaca y un toro en descomposición, citando «náuseas entre los asistentes». Continuó trabajando en creaciones sorprendentes y duras, provocando respuestas intensas de amor-odio de la comunidad artística.
Se inspiró en su tiempo en la morgue, y también identificó a Francis Bacon como una gran influencia. Bacon es un pintor británico conocido por sus imágenes intransigentes, a menudo grotescas, de tortura, miseria y deformidades. Bacon, por su parte, vio la exposición y se volvió poético al respecto en una carta a un amigo. Llegaría a ser uno de los defensores más fervientes de Hirst. A finales de la década de 1990, Hirst se había establecido como una presencia importante en el arte y la cultura británica.
Filmó el video musical de «Country House» de Blur, y desarrolló y produjo una película más corta con el comediante Eddie Izzard. Su elevada posición en el arte británico moderno fue solidificada por la exposición Sensation en la Royal Academy de Londres en 1997, que los comentaristas han considerado desde entonces como la admisión formal de los YBA en el establecimiento.
Trabajo actual
Varios de los jóvenes artistas británicos se convirtieron en superestrellas populares por derecho propio a partir de finales de la década de 1990, conocidos por su bravuconería, maldición y mentalidad de rock ‘n’ roll. Hirst, el Sid Vicious del grupo, era conocido por sus borracheras de drogas y su conducta extravagante, incluida la visita a un director desnudo.
Hirst se dio cuenta de que la celebridad y el escándalo estaban inextricablemente vinculados para él, y actuó el personaje admirablemente. Cuando la conexión comercial de Hirst con Saatchi terminó en 2003, provocó aún más controversia.
Hirst estaba insatisfecho con la forma en que Saatchi exhibía sus obras en su nueva galería y estaba especialmente indignado de que un Mini Cooper adornado a la manera de uno de sus lienzos puntuales se mostrara como una obra de arte seria. Retiró todas sus pinturas de la exposición, lo que llevó a Saatchi a cancelar una gran exposición de Hirst en la Tate Modern. El artista terminó sus lazos con su patrocinador de mucho tiempo, comprando varias piezas tempranas por una gran tarifa e informando a los reporteros británicos: «No soy el mono de Charles Saatchi, solo percibe obras de arte con su dinero».
Damien Hirst en su exposición, Damien Hirst: Las pinturas completas 1986-2011, que tuvo lugar en 2012 en la Galería Gagosian de la ciudad de Nueva York; Andrew Russeth de Nueva York, Nueva York, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Hirst ha tenido pocos problemas para encontrar clientes y espectadores para su trabajo después de separarse de Saatchi. Si bien apreciaba la importancia intrínseca del espectáculo público, fue lo suficientemente astuto como para ver que el uso del shock provocativo como técnica no era viable, y aunque su trabajo sigue siendo extremadamente polémico, se ajusta y reinventa para satisfacer las necesidades de las audiencias que lo obligan a tomar un riesgo.
Hoy en día, Hirst no muestra indicios de holgura en este punto.
Ha sido un destacado participante en la cocina del Reino Unido, apoyando y construyendo una selección de restaurantes, muchos de los cuales han sido más rentables que otros. También fundó Other Criteria, una tienda que vende productos de colección baratos de edición limitada.
Legado
Para Hirst, el conflicto y la prosperidad están inextricablemente vinculados, lo que plantea preocupaciones sobre la conexión entre el arte y la riqueza que son difíciles de responder en el corto plazo. Hirst, un hombre de negocios inteligente, se ha convertido en una imagen de marca. Puede vender cualquier cosa a prácticamente cualquier persona. Para aquellos que no quieren vivir con un tiburón muerto, tiene «pinturas puntuales», que son simples lienzos abstractos basados en los patrones moleculares de la medicina regulada.cationes. Los consumidores pueden comprar réplicas del infame cráneo con incrustaciones de diamantes en una variedad de presupuestos y dimensiones.
También ha desarrollado su propia línea de skateboard. La trayectoria de Hirst está estrechamente relacionada con la de la estrella del arte contemporáneo Jeff Koons, quien lo ha mencionado como una inspiración, en su enfoque despiadadamente ambicioso y descaradamente comercial del arte.
For the Love of God (2007) de Damien Hirst, que está hecho de un molde de platino de un cráneo humano del siglo XVIII incrustado con 8.601 diamantes impecables; Aaron Weber, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
La influencia de Hirst en la obra de Sarah Lucas, Cindy Sherman, y Tracey Emin también ha sido destacada. Hirst, sin duda uno de los artistas más reconocidos de su tiempo, ayudó a establecer las circunstancias para la formación de Tate Contemporary en 2000, que desde entonces se ha convertido en el museo de arte moderno más visitado del mundo.
Los críticos también han criticado la descarada intención de Hirst de capitalizar su talento y su dependencia de la asistencia en la creación de su trabajo, en particular sus «pinturas puntuales».
Él es abierto sobre el hecho de que no creó la mayor parte de estas obras de arte, diciéndole a un entrevistador: «Rachel Howard fue la mejor persona que jamás haya creado lugares para mí. Es un genio. Esto es simplemente genial. La obra de arte de Rachel es la más bonita que puedes obtener de mí». Sus técnicas y temas son polémicos, sin embargo, la influencia del ingenio de Hirst como pintor, curador y empresario seguramente se sentirá durante muchos años en el mundo del arte.
Obras de arte de Damien Hirst
El método de Hirst, tan polémico como es, está sólidamente fundado en materiales históricos y presentes. Su énfasis en la muerte se remonta a memento mori motivos en el bodegón europeo. En el empleo de sustancias biológicas, se une a otros creadores de finales del siglo 20 como Robert Rauschenberg, que utilizó criaturas taxidermizadas, Carolee Schneemann, que se cubrió de carne, y Joseph Beuys, que construyó Fat Chair, así como otras creaciones de grasa.
Hirst se distingue de sus contemporáneos históricos y actuales por mostrar cuerpos completos como espectáculos visuales. Hirst es un artista fantástico. No tienes que ser un experto en arte para disfrutar de la emoción de ver un tiburón muerto de cerca.
Estos son atractivos no solo para los expertos de la industria del arte, sino también para muchos visitantes de museos por primera vez, presentándoles los problemas del arte moderno de una manera atractiva y directa. Ya sea que te guste o lo desprecies, Hirst fue un precursor en la predicción de los requisitos del mercado del arte moderno. Se puede argumentar, como algunos lo han hecho, que este es un tipo de arte en sí mismo.
Con cabeza muerta (1991)
| Fecha de finalización | 1991 |
| Medio | Foto en blanco y negro |
| Dimensiones | 76 cm x 57 cm |
| Ubicación actual | Tate, Reino Unido |
Con una amplia sonrisa en su rostro, el artista posa junto a una cabeza decapitada en una morgue. Hirst eligió y amplió la toma para una de sus primeras exposiciones individuales en 1991, a pesar de que fue tomada algunos años antes. Declaró sobre las fotos: «Quería mostrar a mis amigos, pero no podía llevar a todos a la morgue en Leeds. Estoy muerto de miedo. Estoy sonriendo, pero espero que los ojos se abran y las palabras salgan: «¡Argh!» Esta obra temprana es brutal, sarcástica y aterradora, expresando los sentimientos mixtos de disgusto y atracción que muchas personas tienen cuando se les presenta la realidad física de la muerte.
En este sentido, el trabajo de Hirst rinde homenaje a los Gabinetes de Curiosidades del siglo 17 (especímenes del mundo natural, incluidas las partes de cadáveres, puestos para exposición pública), al tiempo que reconoce la atracción atemporal de temas biológicos desagradables, incluso repugnantes.
Dentro y fuera del amor (1991)
| Fecha de finalización | 1991 |
| Medio | Instalación |
| Dimensiones | 152 cm x 152 cm |
| Ubicación actual | Centro de Arte Británico de Yale |
La primera exposición individual de Hirst, realizada en Londres en 1991, amplió su reputación ya bien establecida de utilizar animales reales en su trabajo. El artista puso pupas en lienzos blancos, tras lo cual emergieron en mariposas, comieron tazones de frutas, se unieron y perecieron.
Cuando se le preguntó de qué se trataba el proyecto, dijo: «amor y realidad, aspiraciones, ambiciones, simbolismo, muerte y vida», así como «la forma en que el símbolo vive aparte de lo real. O las mariposas que permanecen hermosas mucho después de haber muerto». Confesó que fue «un ricosas lúpulas que hacer cuando todo es arte al final».
El año anterior, Hirst había mostrado A Thousand Years (1990), una caja de vidrio con larvas que se daban un festín con la cabeza de una vaca sangrienta, lo que llamó la atención de Charles Saatchi, quien luego se convirtió en su apoyo financiero más crucial. Si bien A Thousand Years cimentó el nombre de Hirst, él y su financista pueden haber sentido que la audiencia aún no estaba lista para tal pieza. Hirst volvió a la idea de las mariposas en una exposición de 2012 en la Tate Modern.
Dos cámaras sin ventanas fueron cargadas con mariposas vivas transportadas diariamente por un especialista en mariposas del Museo de Historia Natural de Londres y barridas por los empleados del museo mientras morían. Mientras que algunos espectadores estaban molestos porque las mariposas no estaban en su entorno nativo, y los defensores de los derechos de los animales estaban indignados, otros dieron la bienvenida a la oportunidad de reflexionar sobre la fragilidad de la vida. «Hay una tremenda conmoción en ellos, ya que su vida es muy breve y son sensibles y delicados», dijo un observador.
La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive (1991)
| Fecha de finalización | 1991 |
| Medio | Tiburón tigre en formaldehído |
| Dimensiones | 152 cm x 152 cm |
| Ubicación actual | Centro de Arte Británico de Yale |
Esta es la pieza que cimentó el lugar de Hirst en el mundo del arte. Esta instalación, que presenta un tiburón tigre de 14 pies retenido en formaldehído, es similar a la variante del mundo del arte de la película tiburón de 1975 en que prospera en la fuerte reacción del espectador, una descarga de adrenalina espeluznante que uno sufre en presencia de una gran película de terror, entendiendo que uno está firmemente excluido del peligro.
Tanto la escultura como el espectáculo fueron patrocinados por Charles Saatchi, quien fue denunciado rotundamente por puristas de la industria del arte desde Londres hasta Nueva York mientras era aclamado por multitudes listas para algo nuevo.
Hirst afirmó que las vitrinas «originalmente surgieron de un temor de que todo en la vida fuera tan delicado», y que quería «crear una escultura donde la vulnerabilidad estuviera contenida y existiera en su propio reino». Aunque algunos críticos lo ridiculizaron como un «tiburón en escabeche», se convirtió en un símbolo del arte británico de la década de 1990.
El tiburón fue sustituido en 2006 debido a la degradación del ejemplar anterior.
Abulón acetona en polvo (1991)
| Fecha de finalización | 1991 |
| Medio | Pintura sobre lienzo |
| Dimensiones | 53 cm x 53 cm |
| Ubicación actual | Damien Hirst y Science Ltd |
Damien Hirst ha estado creando las llamadas «pinturas puntuales», también conocidas como The Pharmaceutical Paintings, desde 1988. Aparte de sus esculturas de animales, esta serie es su obra más famosa e icónica. Nadie sabe cuántos hay, aunque las estimaciones ponen el número en miles.
Si bien el artista creó los primeros, las pinturas posteriores todavía están siendo realizadas por asistentes bajo su supervisión, lo que plantea preocupaciones sobre su valor. El efecto alegre de estas obras puede parecer al principio contradecir la obsesión de Hirst con la mortalidad.
De hecho, son bastante consistentes con él. Las composiciones de puntos de Hirst replican la estructura molecular de un narcótico intoxicante, tal vez peligroso, que solo se puede obtener con el permiso de un médico. Como resultado, estas obras de arte son una crítica divertida y mordaz de un sector farmacéutico multimillonario que distribuye medicamentos como caramelos.
También rinden homenaje a los coloristas anteriores que Hirst admira, como Gerhard Richter y Mark Rothko.
Según Hirst, «Siempre he sido un colorista, simplemente moviendo el color por sí solo. Así que de ahí es de donde vinieron las pinturas puntuales: construir esa estructura para hacer esos colores sin hacer nada. Recibí lo que deseaba de repente. Era simplemente un medio para capturar el deleite del color».
Farmacia (1992)
| Fecha de finalización | 1992 |
| Medio | Varios objetos farmacéuticos |
| Dimensiones | 53 cm x 53 cm |
| Ubicación actual | Damien Hirst y Science Ltd |
Esta obra, que se vio por primera vez en la Galería Cohen en 1992 y ahora se exhibe permanentemente en la Tate Modern, es una copia realista de una farmacia. El arte es similar a las pinturas puntuales, que llevan el nombre de medicamentos, pero el impacto es muy diferente.
Hirst se inspiró para crear esta pieza después de entrar en una farmacia y maravillarse de su capacidad para «provocar una noción de confianza». El artista es perfectamente consciente de que la farmacia falsa interrumpe la sensación habitual de confianza en este lugar familiar, creando un tipo de flotación libre. desasosiego.
Con todos los adornos pero sin empleados, la habitación parece potencialmente amenazante. Este impacto se intensificó con la inclusión de una dimensión en la pantalla original en 1992. Los insectos pudieron ingresar al espacio a través de agujeros cortados en las paredes y alimentarse de panal distribuido por toda el área. El insecto-cuter los sorprendió mientras volaban hacia la luz.
Su presentación fue un símbolo de la certeza de la muerte, la conclusión inevitable a la que todos debemos llegar en algún momento, y el eventual fracaso de los intentos de la medicina moderna de evitarla.
Madre e hijo (1993)
| Fecha de finalización | 1993 |
| Medio | Vaca y ternero, formaldehído |
| Dimensiones | 208 cm x 322 cm x 109 cm |
| Ubicación actual | Tate, Reino Unido |
Esta obra de arte basada en el piso se compone de cuatro recipientes de vidrio, cada uno de los cuales contiene la mitad de una vaca y un ternero. Los marcos de madera blanca de cada tanque hacen eco de las formas claras y limpias de la escultura minimalista clásica. Sus contenidos, en cambio, no serían ni elegantes ni minimalistas. Cada animal está colgado sobre el fondo del tanque, sus patas delanteras cuelgan de la mano, aumentando la sensación de muerte. La lengua del ternero sale de su boca.
Los tanques están dispuestos en parejas, con el ternero frente a la madre, con suficiente espacio entre cada pareja para que un invitado camine directamente por el interior de cada animal, como si a través de un pasillo, el impacto es inquietante, por decir lo menos, transformando un motivo sagrado en el arte, el de la madre y el niño, en un horrible, autopsia espantosa y literal. Esta fue la primera exposición internacional de Hirst, que se mostró en la Bienal de Venecia.
La influencia del amigo y patrocinador clave de Hirst, Francis Bacon, se ve en la elección del tema y la atención implacable a los detalles espeluznantes, examinando los órganos internos pálidos y detallados y el sistema esquelético de cada lado. La pintura se remonta a otro motivo consagrado en el arte occidental, el del memento mori, una clase de cuadros dedicados a informar al público de la realidad de la muerte. El arte de Hirst posee ambas características.
Si bien los cuerpos son un símbolo de muerte, están flotando en un líquido que los hace ingrávidos. Cuando se ve desde un lado, la segmentación es invisible, y la madre y el bebé parecen subir de perfil uno al lado del otro.
El efecto de la escultura, como con todas las instalaciones de Hirst, se basa en la posición de la audiencia en la sala y la capacidad de deambular por ella.
Aubade, Corona de Gloria (2006)
| Fecha de finalización | 2006 |
| Medio | Mariposas sobre lienzo |
| Dimensiones | 244 cm x 294 cm |
| Ubicación actual | Lienzo gagosiano |
Los insectos alados han jugado un papel importante en la obra de arte de Damien Hirst desde el principio. Ha pasado la última década centrándose en las mariposas, tanto como símbolos como materiales reales. Esta pintura es del tamaño y las proporciones de una enorme vidriera y está formada por cientos de mariposas de hermosos colores.
La figura se extiende físicamente hacia los cielos, sugiriendo imágenes religiosas.
Las mariposas, históricamente un símbolo de la resurrección de Cristo, adquieren un significado más amplio en la obra de Hirst, donde representan la ascensión, un motivo también evidente en las instalaciones de animales, en las que los cuerpos aparecen suspendidos en el aire. Los cadáveres preservados de Hirst nos hacen más conscientes de la fugacidad de la vida y el potencial de cualquier cosa más allá de ella.
Al enfatizar la belleza, la pieza difiere de la presentación abiertamente brutal de las primeras obras más polémicas de Hirst, al tiempo que conserva muchos de sus procesos y conceptos esenciales.
Preguntas Frecuentes
¿Por qué damien Hirst es famoso?
La técnica de Hirst, por problemática que sea, está firmemente arraigada en las fuentes históricas y contemporáneas. Su énfasis en la muerte recuerda a los elementos memento mori vistos en el bodegón europeo. Se une a muchos otros innovadores del siglo 20 en el uso de ingredientes biológicos.
¿Qué arte hace Damien Hirst?
Sus obras, en su mayor parte, se han centrado en dos tipos. Las pinturas puntuales son una disposición de puntos de color con títulos que se relacionan con sustancias medicinales. Las pinturas Spin de Hirst, por otro lado, están formadas por la fuerza centrífuga, en la que coloca sus lienzos sobre un hilandero y vierte pintura sobre ellos mientras giran. También crea arte a partir de componentes orgánicos y biológicos.
