¿Quién es Alfred Stieglitz? La importancia de Alfred Stieglitz en el establecimiento del arte contemporáneo en Estados Unidos se deriva tanto de sus esfuerzos como promotor de exposiciones, marchante de arte, editor y editor como de su profesión como fotógrafo. La fotografía de Alfred Stieglitz contribuyó a la aparición de la fotografía de naturaleza muerta contemporánea y estética en Estados Unidos a principios del siglo 20. La obra de arte de Alfred Stieglitz demostró un tremendo dominio técnico de la textura y el tono y se deleitó en el desarrollo de atmósferas, demostrando que la fotografía merecía una posición entre las bellas artes.
Biografía de Alfred Stieglitz
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 1 de enero de 1864 |
| Fecha de fallecimiento | 13 de julio de 1946 |
| Lugar de nacimiento | Hoboken, Nueva Jersey |
Más tarde en la vida, inspirado por Cubismo y otros estilos, se fascinó con la fotografía directa, prefiriendo una mayor nitidez y menos efectos deliciosos. Alfred Stieglitz, que originalmente surgió en la atmósfera de la fotografía pictórica, quiso adquirir protagonismo para su medio logrando resultados finales similares a los vistos en otras grandes artes como la pintura.
Muchos de sus contemporáneos utilizaron retoques meticulosos para producir una sensación de artesanía hecha a mano, mientras que Alfred Stieglitz dependía más de las cualidades compositivas y el control del tono, centrándose con frecuencia en elementos naturales como el vapor y la nieve para lograr características comparables a las de la Impresionistas.
Alfred Stieglitz, 1902; Gertrude Käsebier, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Niñez
Alfred Stieglitz nació poco antes de que terminara la Guerra Civil Estadounidense en Hoboken, Nueva Jersey. Nació de inmigrantes judíos alemanes y la familia Stieglitz partió de la costa este y regresó a Alemania en 1881, con la esperanza de que el sistema educativo alemán empujara al joven Alfred de una manera que los estadounidenses no lo habían hecho.
Al año siguiente, mientras estudiaba en la Technische Hochschule de Berlín, Stieglitz se introdujo en la fotografía por primera vez.
Formación temprana
A pesar de estudiar para convertirse potencialmente en ingeniero mecánico, en 1882 Stieglitz compró su primera cámara y comenzó a fotografiar panoramas del campo rural en Alemania. Con el fin de satisfacer su nueva pasión por la fotografía, el artista autodidacta entrenó, investigó y pensó sobre el medio.
Stieglitz continuó publicando ensayos y fotografías en la revista británica Amateur Photographer durante el resto de esa década. Esto le valió un nombre dentro de los mejores círculos fotográficos de Europa. Tras el fallecimiento de su hermana Flora en 1890, regresó a Estados Unidos para reunirse con su familia. Mientras estuvo allí, dirigió el movimiento pictorialismo, que defendió la legitimidad artística de la fotografía.
Alfred Stieglitz fotografiando en un puente, c. 1905; Fotógrafo anónimo/desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Período de madurez
Stieglitz compró la incipiente Photochrome Engraving Company después de aterrizar en la ciudad de Nueva York. Stieglitz, el autoproclamado rey de la fotografía estadounidense, buscaba el lugar ideal para exhibirlo al público. Stieglitz dedicó toda su carrera a crear la revista Camera Work, que se convirtió en la cara del movimiento foto-secesionista.
Los secesionistas estaban más preocupados por la capacidad técnica y el potencial creativo del fotógrafo que por la imagen en sí.
También fundó las Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión con el estímulo de su compañero y compañero fotógrafo Edward Steichen. Fue la primera exposición de este tipo en combinar pinturas e imágenes en el mismo plano artístico.
Vista de las Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión, Nueva York, 1906; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Período tardío
291, como se llamó la galería, fue un lugar de exhibición para el movimiento creativo de vanguardia. Mostraba la obra de arte de Alfred Stieglitz, así como el trabajo de otros modernistas europeos y estadounidenses. Las obras de arte de los amigos se exhibirían entre las obras de los artistas más reconocidos de Europa, incluyendo Pablo Cézanne, Pablo Picasso y Henri Matisse.
Una exposición en la galería presentó a los artistas y sus obras to notables escritores y ponentes sobre arte contemporáneo.
Stieglitz se centró en su serie Equivalente entre 1922 y 1935. Stieglitz fotografió nubes con su cámara apuntando al cielo, anticipando que las imágenes abstractas expresarían su objetivo artístico. Las fotos, recortadas apretadamente, son exploraciones en composición y forma.
Equivalente (1925) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, CC0, vía Wikimedia Commons
Stieglitz y O’Keeffe
La obra de arte de Georgia O’Keeffe fue vista por primera vez por Alfred Stieglitz en 1916. Colgó su obra de arte en los pasillos de su galería sin su consentimiento o conocimiento. Cuando ella se quejó, él simplemente dijo: «No tienes idea de lo que has hecho en estas imágenes». Esto marcaría el inicio de su relación. La pareja se casó en 1924, aunque su relación personal comenzó poco después de conocerse.
Stieglitz utilizó su condición de cónyuge, galerista y partidario del modernismo para establecer a O’Keeffe como la pintora arquetípica de la época.
Comenzó a trabajar en la conocida serie Georgia O’Keeffe – A Portrait en 1917. En total, 45 de las 329 imágenes muestran a O’Keeffe desnudo. Stieglitz recortó su cuerpo en varias de las imágenes, dejando solo un torso desnudo o partes del cuerpo erotizadas. Esta serie marcó el debut público de O’Keeffe. Su trabajo, las imágenes de su marido de ella y su afirmación de que ella era la artista de las mujeres la impulsaron a la fama. Mientras O’Keeffe estaba en el extranjero en uno de sus largos viajes al suroeste, Alfred Stieglitz murió después de una convulsión en el verano de 1946.
Georgia O’Keeffe (1920) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Legado
Alfred Stieglitz fue el líder del movimiento pictorialista en los Estados Unidos, que impulsó la legitimidad estética de la fotografía. Fotógrafos como Edward Weston y Ansel Adams no se habrían convertido en nombres familiares si no los hubiera influenciado. Sus trabajos personales establecieron el movimiento pictorialista más grande y sirvieron como un fuerte modelo estético para sus colegas, muchos de los cuales aparecieron en la revista Camera Work.
Antes de su trabajo, las fotos se consideraban únicamente como documentos históricos.
Portada de la obra de cámara de Alfred Stieglitz, nº 2, abril de 1903; Alfred Stieglitz, editor; Edward Steichen, diseñador, dominio público, vía Wikimedia Commons
Con la Galería 291, Stieglitz estableció por sí solo el medio y expuso el modernismo europeo y estadounidense. En la galería, Auguste Rodin, Pablo Picasso, Henri Matisse y Paul Cézanne hicieron sus estrenos estadounidenses. Estableció la carrera de su esposa, Georgia O’Keeffe y la aclamó, tal vez injustamente, como la mejor artista femenina del siglo XX. Proporcionó las bases para la actual explosión de cámaras digitales.
Si bien prácticamente todo el mundo hoy en día es un fotógrafo aficionado, pocos lo eran antes del cambio de siglo, y Alfred Stieglitz era uno de esos pocos.
Logros
Los primeros ejemplos de la fotografía de Alfred Stieglitz con frecuencia yuxtaponen representaciones de procesos naturales delicados y fugaces con símbolos derivados de la industrialización estadounidense. Estaba preocupado pero cautivado por el desarrollo del poder estadounidense, y quería mitigar su aparente crueldad ocultándolo en la naturaleza.
Su trabajo posterior representa el colapso de la fotografía pictórica y el advenimiento de un nuevo enfoque que afirmaba el valor de la fotografía como revelador de las realidades modernas. Destaca una era más mecánica de la vida moderna en Estados Unidos mediante el uso de patrones más geométricos, impactos de enfoque nítido y gran contraste.
Autorretrato (1886) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Obras de alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz es a menudo considerado como el individuo más influyente en la historia de las artes visuales estadounidenses. Eso no quiere decir que fuera el mayor creativo que Estados Unidos haya generado jamás. En cambio, tuvo un mayor efecto en el arte estadounidense que cualquier otro individuo ha tenido a través de sus múltiples roles: como fotógrafo, como creador y defensor de fotógrafos y creadores en otros medios, y como editor, partidario y coleccionista.
Creía que prefería que su fotografía fuera directa, sin manipulación y libre de todo. trucos; una impresión que no parece otra cosa que una fotografía, que existe a través de sus propios rasgos intrínsecos y que muestra su propia alma a través de la fotografía estética de naturaleza muerta.
Invierno, Quinta Avenida (1892)
| Fecha de finalización | 1892 |
| Medio | Fotograbado |
| Dimensiones | 30 cm x 20 cm |
| Ubicación actual | El Instituto de Artes de Minneapolis |
Alfred Stieglitz capturó Winter, Fifth Avenue en blanco y negro en 1893. El disparo fue tomado en Nueva York cerca de la intersección de la calle 35 y la 5ta Avenida. Fue una de las primeras fotografías que Stieglitz realizó después de regresar de Europa con una cámara de mano más práctica. Esta toma fue el resultado de una espera de tres horas en una tormenta de nieve, según Stieglitz: «Para obtener fotos por medio de la cámara de mano, es importante elegir su sujeto, independientemente de las figuras, y considerar cuidadosamente las líneas y la iluminación».
Después de decidirse por ellos, Stieglitz explica que uno debe vigilar los números que pasan y esperar el momento en que todo esté en equilibrio; es entonces cuando tu ojo está satisfecho.
Invierno, Quinta Avenida (1892) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto a menudo implica horas de espera paciente. Esta fotografía, Winter, Fifth Avenue, es el producto de una parada de tres horas durante una fuerte tormenta de nieve el 22 de febrero de 1893, esperando el momento adecuado. En la imagen se ve a un carruaje viajando a través de una escena metropolitana nevada. El impacto del desenfoque de la nieve le da a la imagen una sensación impresionista.
Más tarde, el autor fechó incorrectamente la fotografía como tomada el 22 de febrero de 1892, aunque solo podría haber sido tomada al año siguiente, en 1893, según los informes meteorológicos de ambos días.
La terminal (1893)
| Fecha de finalización | 1893 |
| Medio | Fotograbado |
| Dimensiones | 30 cm x 20 cm |
| Ubicación actual | El Museo de Arte Moderno, Nueva York |
Alfred Stieglitz fotografió La Terminal en blanco y negro en 1893. La toma fue tomada en Nueva York con una cámara compacta de 4 × 5, que era una herramienta más viable para documentar la vida urbana que la cámara de visión 8 x 10, que solo se podía usar con un trípode.
Esta es una de las fotografías tomadas por Alfred Stieglitz utilizando este medio, como parte de su esfuerzo por elevar la fotografía al nivel del arte.
Los orígenes de esta imagen fueron relatados por Alfred Stieglitz de la siguiente manera: «De 1893 a 1895, recorrí con frecuencia las calles del centro de Nueva York, a lo largo del East River, con mi cámara de mano. Un día, me descubrí fuera de la antigua oficina de correos. Hacía mucho frío. La tierra estaba cubierta de nieve. Un conductor con un traje de goma estaba manguerando sus caballos de automóvil sobrecalentados».
La terminal (1893) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En pleno invierno, un arroyo caliente se eleva de los caballos en esta fotografía. Una cámara más pequeña le dio más movilidad, así como la capacidad de capturar momentos fugaces en el tiempo. El vapor le da a la toma la apariencia de una pintura en lugar de una fotografía de apuntar y disparar.
Elementos atmosféricos como estos fueron cruciales para Stieglitz porque proporcionaron una forma de conectar la imagen entre sí al tiempo que demostraban el tipo de capacidad técnica y los efectos suntuosos que el público apreciaba en la pintura.
La dirección (1907)
| Fecha de finalización | 1907 |
| Medio | Fotograbado |
| Dimensiones | 30 cm x 20 cm |
| Ubicación actual | El Museo de Arte Moderno, Nueva York |
The Steerage retrata a los pasajeros que abordan un barco lleno con destino a Bremen desde Nueva York. Intentaron emigrar a los Estados Unidos, pero se vieron obligados a regresar a casa. Si bien numerosas de las primeras fotografías de Stieglitz revelan un interés en los motivos de la clase trabajadora, o, al menos, en las imágenes del trabajo laboral e industrial, se acercó a estos individuos con la compasión distante del patricio.
La imagen era significativamente más esencial para Stieglitz como un ejercicio de forma y línea.
The Steerage (1907) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Lo consideró su primer disparo «modernista», el que significó su alejamiento de los ricos. tonalidad de su anterior período pictórico, y desde entonces ha sido reconocido como un hito para el inicio de la fotografía modernista. Esto se debió en parte a la defensa personal de Stieglitz de la misma. En 1911, lo puso en una edición especial de su revista Camera Work dedicada a su nuevo trabajo.
Las fotografías fueron acompañadas por un diseño cubista de Picasso, y a Stieglitz le gustaba contar cómo Picasso complementó esta fotografía por transformar su tema tradicional en una deslumbrante representación en forma de collage de varios lugares.
Desde la ventana trasera en 291 (1915)
| Fecha de finalización | 1915 |
| Medio | Fotograbado |
| Dimensiones | 30 cm x 20 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Alfred Stieglitz fotografió desde la ventana trasera en 291 en blanco y negro en 1915. La fotografía fue capturada por la noche desde una ventana trasera de su galería de Nueva York, 291. Es una de las numerosas fotos que tomó desde esa ventana ese mismo año, incluida una durante una tormenta de nieve. La fotografía nocturna retrata un paisaje urbano de Nueva York. Varias fuentes de iluminación artificial ayudan a iluminar la oscuridad gobernante.
El edificio de fondo es 105 Madison Avenue, que se encuentra en la esquina sureste de Madison Avenue y 30th Street, mientras que la estructura más pequeña con los anuncios es 112 Madison Avenue.
Desde la ventana trasera en 291 (1915) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Stieglitz parece haberse inspirado en una reciente exposición de los artistas cubistas Georges Braque y Pablo Picasso en la Galería 291, que aclararía su fascinación por las líneas y formas matemáticas, pero también por fotógrafos del siglo XIX como David Octavius Hill.
«He hecho bastante fotografía recientemente», escribió a R. Child Bailey. Es muy honesto. Retratos. Edificios desde mi ventana trasera en 291, toda una secuencia de ellos, con algunas vistas e interiores arrojados en buena medida. Todo está vinculado. No estoy al tanto de nada más que de la escritura de Hill que considero tan directa e intensamente honesta».
La imagen también tiene una sensación de pictorialismo, aunque es más en la forma de fotografía recta.
Georgia O’Keeffe – Torso (1918)
| Fecha de finalización | 1918 |
| Medio | Fotograbado |
| Dimensiones | 30 cm x 20 cm |
| Ubicación actual | El Museo de Arte Moderno, Nueva York |
Stieglitz recortó el cuerpo de O’Keeffe, llenando el marco con solo su torso desnudo. Es parte de una serie más amplia de fotografías de O’Keeffe, y es una mirada íntima a la dama que fue musa de Stieglitz durante los últimos años de su vida. Trató a O’Keeffe como si fuera un paisaje; se insta al observador a notar líneas orgánicas que fluyen en lugar de desnudez, una composición bellamente calculada. Como resultado, se despersonaliza y se reduce a sus partes físicas constituyentes: es senos, cabello y brazos.
La inspiración soñada de Stieglitz había llegado en la forma de Georgia O’Keeffe.
Georgia O’Keeffe – Torso (1918) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Entre 1918 y 1925, cuando estaba en su momento más prolífico, fotografió a O’Keeffe compulsivamente. Durante este tiempo, creó alrededor de 350 imágenes montadas de O’Keeffe que representaban una amplia variedad de su personalidad, emociones y belleza. Fotografió varios primeros planos de su cuerpo, particularmente sus manos, ya sea sola o muy cerca de su cabello o cara.
Roxanna Robinson, biógrafa de O’Keeffe, afirma que su «personalidad fue vital para estas imágenes; era esto, tanto como su físico, lo que Stieglitz estaba capturando».
Equivalente (1925 – 1934)
| Fecha de finalización | 1925-1934 |
| Medio | Gelatina Silver Print |
| Dimensiones | 34 cm x 27 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno de San Francisco |
El equivalente de Alfred Stieglitz es una colección de imágenes de nubes que tomó entre 1925 y 1934. Son ampliamente consideradas como las primeras imágenes destinadas a liberar al sujeto de la interpretación literal, y como tales, se encuentran entre las primeras piezas de arte fotográficas verdaderamente abstractas. Tomó más de 200 fotografías tituladas Equivalente, todas las cuales representan nubes en el cielo.
La gran mayoría de ellos representan simplemente el cielo, sin horizonte, edificios u otras cosas en el marco, aunque algunos incorporan árboles o colinas. En un conjunto de 1927, los álamos se muestran fuertemente en primer plano. Casi todas las imágenes se reproducen en tonos extremadamente oscuros, por lo que el cielo es frecuentemente negro o prácticamente negro.
En todas las impresiones, excepto en un puñado de ellas, la yuxtaposición entre el cielo y las nubes relativamente más ligeras es dramática.
Equivalente (1926) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, CC0, vía Wikimedia Commons
Algunas fotografías presentan al sol como un elemento separado o como una fuente brillante detrás de las nubes. Equivalents, una multiserie de Alfred Stieglitz, integró dos partes cruciales de su fotografía: la mecánica y la estética. Era un virtuoso en ambos, pero con Equivalents, pudo llevar sus habilidades a un nuevo nivel.
Desde el verano de 1887, cuando decidió capturar sus primeras tomas de nubes sobre el lago de Como en Italia, Stieglitz había estado fascinado por los peculiares problemas de captura de nubes. Hasta la década de 1920, la mayoría de las emulsiones fotográficas eran ortocromáticas, lo que significa que eran sensibles a la luz principalmente en el extremo azul del espectro.
Esto hizo que fotografiar nubes fuera especialmente desafiante ya que, sin el uso de filtros especiales, el cielo parecía increíblemente brillante y las nubes se perdían contra él.
Equivalente, Set C2 No. 5 (1929) de Alfred Stieglitz; Alfred Stieglitz, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Preguntas Frecuentes
¿Quién es Alfred Stieglitz?
La contribución de Alfred Stieglitz al desarrollo del arte moderno en Estados Unidos se origina tanto en su trabajo como promotor de exposiciones, marchante de arte, editor y editor como en su trabajo como fotógrafo. La fotografía de Alfred Stieglitz ayudó al establecimiento de la fotografía moderna en América del Norte a principios del siglo 20. Alfred Stieglitz’El trabajo ejemplificó un extraordinario dominio técnico de la textura y el tono, así como la alegría de establecer atmósferas, demostrando que la fotografía merecía ser considerada bellas artes.
¿Qué tenía de especial la fotografía de Alfred Stieglitz?
Alfred Stieglitz es a menudo considerado la figura más significativa en la historia de las artes visuales estadounidenses. Con sus numerosas actividades como fotógrafo, editor, patrocinador y coleccionista, tuvo una mayor influencia en el arte estadounidense que nadie. Afirmó que favorecía la fotografía directa, no manipulada y sin trucos; una impresión que no parece ser otra cosa que una imagen, que vive a través de sus propios rasgos fundamentales y revela su propio espíritu.
