La fotografía callejera es uno de los géneros fotográficos más complejos e intrigantes. La mejor fotografía callejera aprovecha las psiques colectivas, cubriendo muchos temas, desde momentos de angustia y sufrimiento, una catástrofe mundial, contacto humano regular en nuestra civilización o incluso una instantánea de la existencia cotidiana. Los fotógrafos urbanos capturan momentos que damos por sentados y los elevamos al arte. En este artículo, exploraremos a los famosos fotógrafos callejeros y su dinámica fotografía de retratos callejeros.
Fotógrafos callejeros famosos a lo largo de la historia
La belleza de la vida ordinaria se captura en la fotografía callejera. Los mejores fotógrafos callejeros muestran un cierto nivel de improvisación. Es una forma de mirar el mundo en el que vivimos. Echemos un vistazo más profundo a nuestra lista de los mejores fotógrafos callejeros famosos.
El equipo fotográfico de un fotógrafo callejero; Pedro Ribeiro Simões de Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
André Kertész (1894 – 1985)
| Nacionalidad | Húngaro |
| Fecha de nacimiento | 2 de julio de 1894 |
| Fecha de fallecimiento | 28 de septiembre de 1985 |
| Lugar de nacimiento | Hungría |
André Kertész fue uno de los fotógrafos urbanos de Hungría que saltó a la fama como uno de los pioneros más destacados del medio. «Simplemente paseo, viendo el objeto desde varias perspectivas hasta que las partes de la imagen se organizan en un arreglo que impresiona mi ojo», dijo, enfatizando el impacto emocional por encima de la técnica.
Kertész es bien reconocido por su contribución al fotoperiodismo, en el que utilizó configuraciones altamente dinámicas en sus reconocidos ensayos fotográficos.
Andre Kertész en la Biblioteca Pública de Nueva York, 1982; Arpadi en Wikipedia en inglés, dominio público, vía Wikimedia Commons
Exhibió una notable compasión por los sujetos en su fotografía de retratos callejeros, dejando de lado las ideas preconcebidas políticas o sociales independientemente de a quién fotografiara. Kertész Andor nació el 2 de julio de 1894 en Budapest, Austria-Hungría, en el seno de una familia judía de clase media. A pesar de las expectativas de su familia de que seguiría una carrera comercial, finalmente se mudó a París y se enamoró de su estilo de vida bohemio.
Conoció a Sergei Eisenstein, Piet Mondrian y muchos otros dadaístas a mediados de la década de 1920.
Kertész más tarde se trasladó a América del Norte, donde trabajó para publicaciones como Harper’s Bazaar, Vogue y House & Garden, además de presentar exposiciones individuales en 1946 en el Instituto de Arte de Chicago y nuevamente en 1964 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Circus, Budapest, 19 de mayo de 1920 (1920) de André Kertész; Museo de Arte de Denver, dominio público, vía Wikimedia Commons
Captó imágenes en las aceras de París y Nueva York. Experimentó con ángulos de cámara inusuales y distorsionación. A pesar del hecho de que inspiró a muchos fotógrafos del siglo 20, especialmente Cartier-Bresson, Kertész se sintió infravalorado. Su obra de arte estaba a la vanguardia de la fotografía como forma de arte.
Los críticos de la época tenían dificultades para categorizar la fotografía en general. La fotografía de Kertész, en particular, así como otras tipos de arte visual.
Henri Cartier-Bresson (1908 – 2004)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 22 de agosto de 1908 |
| Fecha de fallecimiento | 3 de agosto de 2004 |
| Lugar de nacimiento | Chanteloup-en-Brie, Francia |
Henri Cartier-Bresson El enfoque documental lírico ha capturado instintivamente eventos cruciales en la existencia humana en todo el mundo. En términos de la disposición visual exacta, sus imágenes dotan a los eventos espontáneos de significado, misterio y comedia, y su trabajo, aunque extremadamente difícil de reproducir, ha impactado a muchos otros fotógrafos.
Sus imágenes pueden describirse en una sola frase: «el momento decisivo», ese momento maravilloso en el que el universo entra en aparente orden y significado y puede ser capturado por un fotógrafo experto.
Una fotografía de Mirra Alfassa, comúnmente conocida como «La Madre», tomada por Henri Cartier-Bresson; Henri Cartier Bresson, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Cartier-Bresson creció en Chanteloup y asistió a Cambridge UniverDe 1928 a 1929. Comenzó a fotografiar en 1931 y compró su primera cámara Leica en 1933. Al año siguiente, asistió a un viaje antropológico a México, y en 1935, aprendió cinematografía con Paul Strand.
En 1936 y 1939, trabajó como asistente de Jean Renoir, y en 1937, dirigió su propio documental, «La Retour», o «El regreso».
En 1940, se alistó en la sección de cine y fotografía del ejército francés y fue capturado por los alemanes al año siguiente. Se liberó después de tres años en prisión y comenzó a trabajar para la clandestinidad francesa.
En 1943, completó una secuencia de retratos de pintores como Pierre Bonnard, Henri Matisse y Georges Braque.
Cartier-Bresson filmó la captura y liberación de Francia en 1944 y 1945. Cofundó la agencia Magnum con David Seymour, Robert Capa y George Rodger en 1947, y pasó los siguientes 20 años explorando el mundo.
la primera Leica de Henri Cartier-Bresson (modelo Leica I); Les Hotels Paris Rive Gauche – AlainB, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Robert Doisneau (1912 – 1994)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 14 de abril de 1912 |
| Fecha de fallecimiento | 1 de abril de 1994 |
| Lugar de nacimiento | Gentilly, Francia |
La fotografía de Robert Doisneau se centró en capturar escenas callejeras genuinas. Prefería las extrañas yuxtaposiciones de la vida y los momentos hermosos. Doisneau, un tímido caballero, comenzó fotografiando rasgos de la propia calle. Luego disparó a los jóvenes antes de pasar a los adultos. Este fotógrafo urbano nació en Gentilly, un suburbio de París, en 1922. Después de una infancia poco notable detrás de las paredes de un hogar tradicional de clase media, Robert tenía 15 años cuando se matriculó en la Escuela de Arte Estienne en París y comenzó a desarrollar etiquetas de cajas de medicamentos.
En 1931, trabajó como técnico de cámara en los estudios de André Vigneau, donde descubrió canales artísticos que lo inspirarían.
el fotógrafo francés Robert Doisneau, fotografiado por Bracha L. Ettinger en su estudio de Montrouge, 1992; Bracha L. Ettinger, CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons
Los cuatro años que pasó fotografiando para el departamento de publicidad de Renault, donde fue despedido por llegar constantemente tarde, lo llevaron al atractivo trabajo de fotógrafo independiente. La Segunda Guerra Mundial estalló poco después, poniendo fin a sus planes.
Más tarde, en medio de la euforia parisina de la posguerra, atesoró las imágenes que se encontrarían con tremendo éxito, viajando firmemente donde «no hay nada que ver», seleccionando lugares sigilosos; pequeñas alegrías iluminadas por los reflejos de los rayos del sol sobre el asfalto de la ciudad.
Falleció en abril de 1994, dejando atrás 450,000 imágenes que cuentan una historia divertida de su vida con un ojo compasivo y vigilante que no debe ocultar la profundidad de sus ideas, su actitud desdeñosa hacia la autoridad y el poder, y su mente constantemente librepensadora.
Saúl Leiter (1923 – 2013)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 3 de diciembre de 1923 |
| Fecha de fallecimiento | 26 noviembre 2013 |
| Lugar de nacimiento | Pittsburgh, Pensilvania |
Cuando era joven en Pittsburgh, el artista estadounidense Saul Leiter quedó fascinado por la fotografía y la pintura. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1946, su vívida imaginación y atención constante a la práctica artística lo impulsaron a convertirse en uno de los fotógrafos callejeros más famosos de mediados del siglo 20.
Fue un estudioso de toda la vida del arte de todo tipo debido a una curiosidad natural instintiva, y mantuvo su espíritu de descubrimiento e improvisación a lo largo de su larga carrera, tanto en sus fotografías de moda como en sus obras personales.
Saul Leiter en Nueva York, 2008; Pierre Belhassen, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
A finales de la década de 1940, Leiter comenzó a experimentar con la fotografía en color en Nueva York, utilizando materiales como Kodachrome. Early Color, su libro debut, fue publicado en 2006 y presentaba composiciones radicalmente creativas y un dominio pionero del color que transformó para siempre los anales de la fotografía.
A pesar de su defensa ocasional del empleo del color en la fotografía de bellas artes, Leiter se negó a explicar o justificar sus propias obras. Leiter declaró: «Ni siquiera tengo una filosofía, tengo una cámara». Las extensas obras en blanco y negro de Leiter, muchas de las cuales imprimió él mismo, exhiben untécnica compositiva resiva, cambiando con frecuencia el enfoque de la vanguardia al fondo y experimentando con las interacciones de sombra y reflejo.
Estas fotos, al igual que las tomas en color de Leiter, atraen la curiosidad y la emoción de las escenas comunes. Aunque Leiter es más conocido por su fotografía, describe la pintura como su primer amor.
Diane Arbus (1923 – 1971)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 14 de marzo de 1923 |
| Fecha de fallecimiento | 26 de julio de 1971 |
| Lugar de nacimiento | Manhattan, Estado de Nueva York |
El estilo de Arbus se describe como «Un retrato frontal en forma cuadrada, recto y sin complicaciones. Su uso innovador del flash durante el día separó a las personas del fondo, lo que se sumó al carácter onírico de las imágenes».
Sus técnicas incluyeron desarrollar un contacto personal cercano con su sujeto y volver a fotografiar algunos de ellos a lo largo del tiempo.
A pesar de ser publicado con frecuencia y recibir cierta apreciación estética, Arbus encontró difícil mantenerse a sí misma a través de su trabajo. «No hubo demanda para coleccionar imágenes como obras de arte durante su vida, y sus impresiones generalmente se vendían por $ 100 o menos». Sus cartas muestran que el dinero era una fuente constante de estrés y preocupación para ella.
Una foto de Diane Arbus después de una fotografía de Roz Kelly, a finales de la década de 1960; Fduriez, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Se ha argumentado que la fotografía de Arbus tuvo tal impacto en otros fotógrafos que es difícil recordar lo única que era. Ella ha sido descrita como una figura fundamental en la fotografía contemporánea y ha tenido un impacto en tres generaciones de fotógrafos, y es considerada en gran medida como una de las artistas más importantes del siglo 20. Disparó a su gente en un entorno familiar, como sus hogares, calles, lugares de trabajo y parques. Es conocida por empujar los límites de la materia aceptable y romper las reglas sobre la distancia adecuada entre los fotógrafos y los sujetos.
Ella fue capaz de lograr una notable profundidad psicológica en su trabajo al abrazar en lugar de objetivar a sus sujetos.
Robert Frank (1924 – 2019)
| Nacionalidad | Suizo |
| Fecha de nacimiento | 9 de noviembre de 1924 |
| Fecha de fallecimiento | 9 septiembre 2019 |
| Lugar de nacimiento | Zúrich, Suiza |
Robert Frank comenzó a estudiar fotografía en 1941 y trabajó para firmas profesionales de fotografía y diseño gráfico en Ginebra, Zúrich y Basilea durante los siguientes seis años. Viajó a Estados Unidos en 1947, cuando fue contratado por Alexey Brodovitch para tomar fotografías de moda para Harper’s Bazaar. Aunque algunas revistas elogiaron el uso poco convencional de Frank de la Leica de 35 mm para el trabajo de diseño, detestaba los confines de las revistas de moda y se fue unos meses más tarde. Entre 1950 y 1955, trabajó como fotógrafo independiente para Look, LIFE, Charm, Vogue y otras revistas.
También obtuvo el apoyo de notables artistas de Nueva York como Walker Evans, Franz Kline, Willem de Kooning y Edward Steichen, quien se convirtió en un poderoso campeón estadounidense de la fotografía de Frank.
Evans le recomendó que buscara una beca Guggenheim, lo que le permitió viajar por todo el país en 1955 y 1956, fotografiando para su libro más exitoso, The Americans, que se publicó en 1957. Después de su estreno en los Estados Unidos en 1959, pasó una cantidad cada vez mayor de tiempo creando películas que ejemplificaban el cine de vanguardia de la época.
Desde 1970, Frank ha dividido su tiempo entre Nueva Escocia y Nueva York, produciendo imágenes fijas y videos. The Americans fue uno de los libros más innovadores de la historia fotográfica, y su lanzamiento en los Estados Unidos encendió el debate.
La mayoría de los estadounidenses que lo vieron en ese momento se sorprendieron por la representación cáustica de Frank de la sociedad estadounidense y su actitud casual hacia la fotografía tradicional.
Vivian Maier (1926 – 2009)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 1 de febrero de 1926 |
| Fecha de fallecimiento | 21 abril 2009 |
| Lugar de nacimiento | Nueva York, Estado de Nueva York |
Se podía confiar en Vivian para que defendiera con vehemencia su propia perspectiva altamente liberal a todos los que escucharon o no. Vivian, que no era muy materialista, vendría a construir una colección de casilleros de almacenamiento llenos hasta el borde con artefactos descubiertos, publicaciones de arte, recortes de noticias, videos caseros y chucherías.
La narrativa de esta niñera, que ahora ha sorprendido al mundo con su fotografía y, por casualidad, captó algunos de los Las maravillas y excentricidades más fascinantes de la América urbana en la última mitad del siglo 20, parece estar más allá de la imaginación.
Retrato de Vivian Maier, fotógrafa; Aureliamoz, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Vivian se mudó a través de Europa y América del Norte antes de regresar a la ciudad de Nueva York en 1951. Se había dedicado a la fotografía solo dos años antes, y había recorrido las calles de Nueva York, perfeccionando sus habilidades creativas. En 1956, Vivian se había ido a Chicago, donde serviría como cuidadora por el resto de su vida. En su tiempo libre, Vivian tomaba imágenes que ocultaba cuidadosamente de miradas indiscretas.
Maier dejó un corpus de trabajo que consta de más de 100,000 negativos después de tomar fotografías a lo largo de la década de 1990.
El amor de Vivian por la documentación también incluyó una serie de videos documentales caseros y archivos de sonido. El enorme corpus de trabajo de Maier se encontraría en 2007 en un negocio local de subastas de segunda mano en el lado noroeste de Chicago. En última instancia, tendría una influencia en todo el mundo e impactaría la vida de la persona que promovió sus obras y las presentó a la atención del público, John Maloof.
Garry Winogrand (1928 – 1984)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 14 de enero de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | 19 de marzo de 1984 |
| Lugar de nacimiento | Bronx, Estado de Nueva York |
Garry Winogrand creció en la ciudad de Nueva York y quedó fascinado con la fotografía mientras trabajaba como meteorólogo en el ejército. Estudió arte en el City College y la Universidad de Columbia, donde también aprendió a desarrollar e imprimir su trabajo. Comenzó a estudiar con Alexey Brodovitch en 1951. Después de eso, fue empleado por empresas de fotografía comercial, freelance para publicaciones periódicas y realizó trabajos personales.
Durante su vida, las imágenes de Winogrand se exhibieron con frecuencia, incluso en la Casa George Eastman y el Museo de Arte Moderno.
Exposición de Gary Winogrand en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, 2013; Frank Schulenburg, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Como documentalista de «paisaje social», se le asoció con frecuencia con fotógrafos urbanos como Lee Friedlander y Danny Lyon. Winogrand recibió tres becas Guggenheim para crear «retratos fotográficos de la sociedad estadounidense», investigar «la influencia de la televisión en los sucesos» y fotografiar California. Dio conferencias de fotografía en Cooper Union en Nueva York, la Escuela de Artes Visuales y el Instituto de Arte de Chicago, entre otros lugares, y produjo siete libros ilustrados.
Las imágenes de Garry Winogrand son observaciones refinadas y aleatorias de la vida cotidiana que muestran su habilidad con la cámara de 35 milímetros.
Le gustaban los juegos de palabras visuales y las exposiciones sesgadas; declaró que fotografió «para ver cómo aparece el mundo en las fotos». A pesar de su actitud juguetona, su claridad formal y su respeto absurdo por el mundo visual fueron grandes avances que resuenan en el trabajo de muchos fotógrafos modernos.
Elliott Erwitt (1928 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 26 de julio de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | París, Francia |
Elliott Erwitt nació en París en 1928 en una familia rusa y pasó su juventud en Milán antes de mudarse a los Estados Unidos a través de Francia en 1939. Se interesó en la fotografía cuando era joven en Hollywood y fue empleado en un cuarto oscuro comercial antes de incursionar en la fotografía en Los Angeles City College. En 1948, se mudó a Nueva York y comenzó a tomar estudios de cine en la New School for Social Research a cambio de un empleo de limpieza.
En 1949, Erwitt viajó por Italia y Francia con su fiel cámara Rolleiflex.
El fotógrafo y cineasta de Magnum Elliott Erwitt en el WestLicht, el centro de la fotografía en Viena, 2012; Alfred Weidinger, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Se alistó para el servicio militar en 1951 y realizó numerosas responsabilidades fotográficas mientras trabajaba en una unidad del Cuerpo de Señales del Ejército en Francia y Alemania. Erwitt luego conoció a Robert Capa, Edward Steichen y Roy Stryker en Nueva York. Stryker primero contrató a Erwitt para trabajar para la Standard Oil Firm, donde estaba desarrollando una colección fotográfica para la compañía y luego lo contrató para participar en un proyecto que narraba Pittsburgh.
En 1953, Erwitt se unió a Magnum Photos y comenzó a trabajar como un fotógrafo independiente para reconocidos gigantes de revistas ilustradas durante esa época dorada. Todavía está disponible para la contratación y trabaja para una variedad de organizaciones comerciales y periodísticas. Erwitt fue el director de Magnum durante tres años a finales de la década de 1960. Posteriormente cambió al cine, produciendo muchos documentales importantes en la década de 1970, así como 18 películas de comedia para HBO en la década de 1980.
Erwitt se hizo famoso por su humor benéfico y una sensibilidad humanista que recuerda el espíritu de Magnum.
Fan Ho (1931 – 2016)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 1 de febrero de 1926 |
| Fecha de fallecimiento | 21 abril 2009 |
| Lugar de nacimiento | Nueva York, Estado de Nueva York |
La carrera fotográfica de Fan Ho comenzó a la edad de 14 años cuando su padre le dio su primera cámara Kodak Brownie. En 1949, ganó su primer premio en Shanghai, durante el primer año de su carrera. Después de mudarse a Hong Kong con sus padres y continuar persiguiendo su amor por la fotografía, compró el Rolleiflex a la edad de 18 años y lo usó para grabar todo su notable trabajo.
Fan Ho esperaba ansiosamente «el momento decisivo», que a menudo era un choque de lo inesperado, frente a un fondo muy hábilmente elaborado de arquitectura geométrica, patrones y textura.
Con frecuencia usaba efectos de retroiluminación o una mezcla de humo y luz para crear drama y estado de ánimo. Sus lugares favoritos para estar al atardecer eran las calles, las calles y los mercados, o la vida en el mar. Su afición por los residentes comunes de Hong Kong es lo que hace que su arte sea tan increíblemente humano: comerciantes, vendedores ambulantes que venden verduras y frutas, niños que juegan en las calles o hacen sus tareas escolares, e individuos que cruzan la calle.
Nunca planeó establecer un registro histórico de las estructuras y monumentos de la ciudad; en cambio, trató de capturar el carácter de Hong Kong, su lucha y su tenacidad.
Fan Ho fue más productivo en su adolescencia y 20 años, produciendo su obra más significativa antes de los 28 años. Su esfuerzo no fue pasado por alto en ese momento. En su día, compitió en salones y ganó alrededor de 300 medallas y títulos locales e internacionales. Su habilidad también fue reconocida por el negocio del cine, donde comenzó como actor antes de hacer la transición a la dirección de cine hasta su retiro a la edad de 65 años.
Hoy hemos explorado a los fotógrafos callejeros más famosos, conocidos por crear la mejor fotografía callejera de las últimas décadas. Podemos agradecer a estos prominentes fotógrafos urbanos por exponer al público a la fotografía de retratos callejeros vitales que les da una nueva perspectiva del mundo que ven todos los días. Esperamos que tal vez te inspire a tomar tu propia cámara y capturar el mundo desde tu punto de vista personal.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es la fotografía de retratos callejeros?
La fotografía de retratos callejeros incluye la cara del sujeto. Está casi definitivamente escenificado, y será fotografiado en la calle. Tiene una sensación real al respecto. No estás trayendo un modelo, y nunca sabes si la persona a la que te acercas te dará permiso para fotografiarlo. Uno podría controlar varios aspectos de la foto después de que se le haya otorgado permiso. Los mejores fotógrafos callejeros pueden dirigir a su sujeto para que se pare frente a un fondo intrigante, incline su rostro más hacia una fuente de luz o administre su expresión facial.
¿Cualquiera puede hacer fotografía callejera?
Si tienes una cámara o un teléfono, entonces estás en camino de crear tu propia fotografía de retratos callejeros. Los mejores fotógrafos callejeros no solo se preocupan por su equipo. Nuevos fotógrafos urbanos surgen todos los días, y cada uno ofrece una narrativa única basada en sus antecedentes, ubicación y visión del mundo. ¡Comienza ahora y un día podrías estar entre los famosos fotógrafos callejeros!
