Todos estamos familiarizados con América del Sur y las culturas latinas y sus idiomas. Si vives en Estados Unidos, tendrás experiencia e interacciones de primera mano con las culturas latinas, que son culturalmente diversas y ricas en su patrimonio de arte, música, comida, idiomas y mucho más. Pero, ¿cuánto entendemos realmente sobre las culturas latinoamericanas? Aquí es donde nuestros estudios de historia del arte latino nos dan orientación. En este artículo, discutiremos el arte sudamericano, así como cómo encaja en el colectivo más amplio del arte latinoamericano.
Una breve reseña histórica de América Latina
Cuando hablamos de arte sudamericano, hablamos de una de las muchas ramas que componen el arte latinoamericano. En primer lugar, el término América Latina es un término colectivo, que abarca áreas de América del Sur, América Central, así como países del Caribe. Incluye países donde los idiomas se originan en el idioma latino, por ejemplo, francés, español y portugués.
Si nos fijamos específicamente en América del Sur, incluye países como Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, Guyana, Paraguay, Perú, Surinam, Uruguay, Venezuela y otros.
Mapa político de América del Sur; Fuente alta, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
La historia del arte latino ha estado estrechamente ligada a la historia profundamente arraigada de las Américas. Además, las artes latinas han tenido una base inestable y una recepción por parte de la sociedad y a menudo se pasan por alto y se consideran periféricas o del «otro», y tal vez se entienden principalmente a través de varias perspectivas estereotipadas.
Pero esto ha cambiado a medida que Estados Unidos ha estado abrazando aún más sus raíces latinas, y vemos colecciones de exposiciones y exhibiciones de pintura latinoamericana en todas las instituciones culturales. Hay un mayor foco de atención puesto en el valor inherente al arte latinoamericano, y por lo tanto todas las otras ramas, incluido el arte sudamericano, en el que nos centraremos más en este artículo.
La colonización de las Américas
En primer lugar, ¿a qué nos referimos exactamente cuando hablamos de artes latinas o arte latino? Para esto, necesitamos mirar la historia misma y dónde se originaron estos términos. El término «latinoamericano» supuestamente se usó por primera vez como un medio para distinguir algunas diferencias de las Américas con la gente de América del Norte, también conocida como los «anglosajones».
Se informa que fue utilizado durante 1862 cuando el emperador Napoleón III invadió México.
Aparentemente, los mexicanos y los franceses se dieron cuenta de que sus idiomas no eran muy diferentes entre sí. El período de colonización, que fue de 1492 a 1810, se pensó que era uno de los principales formadores de la cultura latina. América Latina fue conquistada por España y Portugal, así como por el Imperio francés.
Arte Latino
El arte latinoamericano es diverso y no todos pueden ser colocados dentro de las mismas categorizaciones o considerados una forma singular de arte latino. De cada región, encontramos diferentes géneros, modalidades y estilos de arte latino, y todos estos cuentan una historia única y diferente por sí solos. A continuación, vemos varios ejemplos de artistas sudamericanos, de principios de los años 20.ésimo siglo a tiempos más contemporáneos.
Ha habido diferentes estilos o movimientos a través de la historia del arte latino y una de las exposiciones destacadas que vale la pena mencionar ha sido la del Museo de Arte Moderno (MOMA). La exposición comenzó el 6 de junio y duró hasta el 7 de septiembre de 1993, y se llamó latín Artistas Americanos del siglo XX.
Museo de Arte Moderno, Nueva York; Elisa.rolle, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Dio una visión impresionante y significativamente educativa del arte latino, desde principios de 1900 hasta los períodos más contemporáneos. Tenía más de 300 obras de arte en exhibición de artistas de todos los ámbitos de la vida y los medios de comunicación, por ejemplo, pintura, dibujo, escultura y varias instalaciones, así como otras como la fotografía.
El movimientos artísticos De esta exposición se cubrieron, a saber, el Modernismo Temprano, el Expresionismo y la Pintura de Paisajes, la Pintura Mexicana y el Realismo Social, el Surrealismo y la Abstracción Lírica, la Abstracción Geométrica y el Arte Cinético, la Nueva Figuración, el Arte Pop y el Ensamblaje, y la Pintura y Escultura Recientes.
Todos estos movimientos juegan un papel clave en la conformación de las artes latinas y su diversidad.
El muralismo también ha sido una de las formas primarias y más comunes de arte latino. Especially Muralismo mexicano, que comenzó alrededor de la década de 1920. Los propósitos eran enfrentar y unificar a México, esto fue después de la Revolución Mexicana. Los murales tenían un significado sociopolítico. Los principales artistas asociados con este movimiento fueron, a saber, José Clemente Orozco, Diego Rivera, y David Alfaro Siqueiros.
Mujeres indias, de la serie Los Teules (1947) de José Clemente Orozco; Museo Nacional de Arte, dominio público, vía Wikimedia Commons
Surrealismo también fue un movimiento artístico influyente, y una de las artistas famosas que conocemos hoy en día es Frida Kahlo, fue considerada una surrealista y realista mágica. Pintó imágenes que transmitían el dolor que experimentó como mujer, así como también les daba permiso a otras mujeres para expresarse. Ella ha sido una figura destacada en la historia del arte latino y vale la pena mencionarla también.
Para proporcionar un ejemplo de pintura latinoamericana, algunas de las obras de arte de Kahlo incluyen su famoso Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos (1932), Las dos Fridas (1939), Autorretrato con collar de espinas y colibrí (1940), y Ciervo herido (1946).
Arte Sudamericano
A continuación veremos el arte sudamericano, específicamente, veremos ejemplos precolombinos, que fueron antes de la década de 1500 y después de la década de 1500 cuando Colón colonizó las Américas. El arte andino incluye principalmente el arte sudamericano precolombino.
Algunos ejemplos precolombinos
Se caracterizó por su amplia gama de modalidades, incluyendo textiles, cerámica, así como land art. Había una estrecha conexión entre la naturaleza y el arte y los dos estaban interconectados, en otras palabras, el arte también era funcional. Algunos ejemplos incluyen The Paracas Textile (100 a 300 C.E.), que es de Perú a lo largo de la costa sur.
Se creía que era un envoltorio de cabeza para los enterrados. Representa a varias figuras, que se cree que son chamanes, sosteniendo cabezas cortadas. También tienen alas, que se cree que los llevan a otro mundo, ¿posiblemente a la otra vida?
El Textil de Paracas, 100-300 E.C.; Cultura Nasca, Perú, Sin restricciones, vía Wikimedia Commons
Otros ejemplos de arte sudamericano incluyen el magnífico land art llamado las Líneas de Nazca o Geoglifos del Desierto de Nazca, especialmente la formación llamada Colibrí (c. 4ésimo siglo a.C.). Aunque había muchas otras formaciones en forma de animales como arañas, monos y mamíferos marinos como las orcas.
Hummingbird está en Perú en la costa sur tiene 300 pies de largo y está construido con diversos materiales como la piedra. Se cree que fue hecho por grupos de personas. El significado de estas estructuras masivas todavía se debate. Algunos creen que eran para deidades porque solo se pueden ver en su totalidad desde arriba, una vista aérea.
Geoglifo colibrí aéreo en el desierto de Nazca, Perú; Diego Delso, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Otros significados podrían apuntar a estas estructuras utilizadas para que las personas las caminen, como las peregrinaciones, y utilizaron estas estructuras para celebraciones más colectivas y reuniones basadas en rituales. Sin embargo, otras ideas sugieren que las estructuras estaban destinadas a fines agrícolas y la fertilidad de los cultivos. Otras formaciones relacionadas con el agua podrían haber sido para que los cultivos crecieran.
Además, estas formaciones también apuntaban hacia las zonas montañosas donde residían los dioses, según la mitología. Una vez más, estas estructuras podrían haber sido para venerar deidades.
Entre el arte sudamericano se encuentran grandes estructuras arquitectónicas, por ejemplo, la ciudadela Inca llamada Machu Picchu (c. 1450 a 1540). Fue construido para el emperador Pachacuti Inka Yupanqui que se quedaría allí durante una época selecta del año.
Machu Picchu; Pedro Szekely en https://www.flickr.com/photos/pedrosz/, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Esta fue construida como una casa de montaña, por así decirlo, con secciones superiores e inferiores, todas con sus propias funciones. Fue capaz de acomodar no solo al Emperador Inka y su familia, sino también a otras viviendas, almacenes, áreas para asistentes, varias áreas religiosas, áreas adosadas y más.
La estructura estaba hecha de piedras colocadas al lado de la otra, y estas también eran paredes de piedra seca pulida.
Según los informes, las piedras se hicieron al ser construidas individualmente para encajar junto a la otra. Las piedras que se pulieron parecían casi como mosaicos, tel suyo estaba en las paredes exteriores, y sin duda habría añadido un atractivo estético.
Hay tres estructuras religiosas principales en Machu Picchu, a saber, el Templo del Sol, que también se conoce como el Observatorio. Esta estructura fue construida para rastrear constelaciones y solsticios, más específicamente el solsticio de junio.
Machu Picchu, Templo del Sol; Unukorno, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
La piedra intihuatana es otra estructura religiosa, que significa «poste de enganche del sol». Se hizo para trazar el camino del sol a través del cielo durante todo el año y durante el solsticio de invierno se alinea con el sol. La cultura Inka construyó numerosas piedras como esta para rastrear el sol.
Machu Picchu solo estuvo en uso activo durante unos 80 años y luego fue abandonado debido a las invasiones y conquistas españolas que amenazaron el sustento de permanecer allí. Ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1983.
También ha sido considerada como una de las Nuevas Maravillas del Mundo desde 2007.
Arte sudamericano colombino y postcolombino
Es importante señalar que la historia latinoamericana es compleja y diversa, y esto implica cómo se produjo el arte también. Hay un gran número de diferentes tipos de arte creado bajo cientos de circunstancias diferentes. Por lo tanto, veremos algunos ejemplos de arte colonial, post-independencia y contemporáneo sudamericano.
Arte Colonial
Durante el período colonial en América del Sur, cuando Cristóbal Colón fundó las Américas en 1492, había nuevos sistemas complejos y estructuras de poder en juego. No fue solo Cristóbal Colón quien fundó las Américas, sino que los portugueses también se encontraron con Brasil durante la década de 1500.
Este fue el navegante portugués Pedro Alvares Cabral quien sin querer encontró Brasil mientras intentaba emprender la misma ruta que el portugués Vasco da Gama, quien navegó de Portugal a la India en 1498 para crear rutas comerciales entre los diferentes continentes, a saber, Europa y Asia.
Detalle de la pintura Vaz de Caminha lee al Comandante Cabral, Fray Henrique y al Maestro João la carta que será enviada al Rey Dom Manuel I (1900). Representa a Pedro Álvares Cabral, líder de la expedición portuguesa que descubrió la tierra que más tarde se conocería como Brasil en 1500; Francisco Aurélio de Figueiredo e Melo (1854–1916), dominio público, vía Wikimedia Commons
Uno de los principales atractivos en Brasil fue el cultivo de caña de azúcar; los holandeses también intentaron colonizar Brasil, que fue durante las décadas de 1630 a 1650. Hubo varios artistas holandeses que recibieron el encargo de documentar el entorno natural de Brasil, así como la cultura brasileña. Uno de estos artistas incluyó a un artista conocido durante este tiempo fue Albert Eckhout (c. 1610 a 1665) que creó el arte sudamericano pero desde la perspectiva europea.
De las obras de arte de Eckhout es su serie de ocho figuras que son representativas de las diferentes culturas que presenció mientras pintaba en Brasil. Las figuras consisten en cuatro hombres y cuatro mujeres, cada uno de pie en una pose que recuerda a los estándares europeos sobre cómo se hacía el arte.
Como algunas fuentes sugieren que cada persona posó con el propósito de representar a un grupo étnico y no tanto como un retrato individual, una mezcla de ciencia y arte, así como un enfoque casi estereotipado de otras culturas, lo que abre el debate sobre el concepto de «Otro» y cómo se ha representado en el arte, especialmente por los europeos.
Tapuya Woman (1641) de Albert Eckhout; Nationalmuseet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En las ocho pinturas, vemos las parejas masculina y femenina de los Tapuyas, a saber, la Mujer Tapuya (1641) y el Hombre Tapuya (1641). Luego está la pareja africana, a saber, la mujer africana (1641) y el hombre africano (1641). La pareja brasileña, llamada de manera similar, la mujer brasileña (1641) y el hombre brasileño (1641). Por último, la mujer mameluca (1641) y el hombre mulato (1641).
Cada figura está pintada con objetos culturalmente característicos a su alrededor, incluidos los paisajes y entornos en el fondo.
Por ejemplo, vemos a la mujer de la tribu Tapuya cargando extremidades cortadas, lo que alude a ellos como caníbales y una de las tribus que lucharon contra los europeos. La tribu brasileña se representa como más «civilizada» con el paisaje de fondo que parece más estructurado en comparación con el entorno selvático de los Tapuyas. Además, los brasileños están vestidos con un coágulo blanco limpio.hs cubriendo sus genitales, mientras que los Tapuyas aparecen completamente desnudos, sus genitales escasamente cubiertos de follaje improvisado.
Hombre brasileño (1641) de Albert Eckhout; Albert Eckhout, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La pareja africana es representada como figuras fuertes, aludiendo a la noción de que los africanos son fuertes y utilizados como esclavos por esta razón. Vemos objetos interculturales en la pintura de la mujer, a saber, la joyería y la pipa, que se origina en Europa, la canasta y el sombrero se originan en África, y el paisaje con figuras en la distancia es brasileño. La figura masculina está representada probablemente en el norte de África y rodeada de artículos que se comercializaron durante ese tiempo, a saber, el colmillo de marfil en el suelo en primer plano inferior derecho y la palmera datilera justo detrás de la figura.
Hombre africano (1641) de Albert Eckhout; Albert Eckhout, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Por último, la Mujer Mameluca (1641) y el Hombre Mulato (1641) sugieren personas mestizas. La mujer comparte ascendencia indígena y europea y el hombre comparte ascendencia europea y africana. Las posturas para cada uno son diferentes y sugieren su origen étnico. La mujer lleva una larga túnica blanca o se viste con su pierna izquierda (nuestra derecha) ligeramente expuesta para indicar su sexualidad y deseabilidad como concubina. El hombre es representado como de pie en guardia con el fondo que representa un campo de caña de azúcar. Lleva ropa que recuerda a las culturas europeas y de otras culturas, un poco de estos dos mundos, por así decirlo.
Mameluca Woman (1641) de Albert Eckhout; Albert Eckhout, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Después de la independencia
Si nos fijamos en un ejemplo del período posterior a la independencia de América del Sur y América Latina, que fue alrededor de la última parte del 18.ésimo siglo y principios 19ésimo Siglo encontramos muchos ejemplos de arte que representaban la idea de independencia y las batallas relacionadas con ella; el arte representaba figuras heroicas y la noción de liberación.
Algunos de los géneros artísticos prominentes incluyen el retrato y la pintura de historia.
Pedro José Figueroa (1770 – 1838) fue un pintor colombiano especializado en retratos. Sin embargo, el linaje de Figueroa incluyó a otros artistas que también pintaron retratos y miniaturas. Lo interesante de la pintura de Figueroa fue su enfoque en figuras que se consideraron importantes en términos de liberación y destreza militar.
Una de esas figuras que Figueroa pintó a menudo fue el venezolano Simón Bolívar. Fue una de las principales figuras políticas y militares que liberaron no solo a Venezuela, sino a otros países sudamericanos como Perú, Ecuador, Colombia, Bolivia y Panamá de la conquista del Imperio español durante la década de 1800. Es conocido con el nombre de El Libertador y Libertador de América.
Retrato de Simón Bolívar (c. 1810) de Pedro José Figueroa; Museo Nacional de Colombia, dominio público, vía Wikimedia Commons
Ejemplos de pinturas incluyen el óleo sobre lienzo de Figueroa Bolívar y la Alegoría de América (1819) y Simón Bolívar: Libertador de Colombia (c. 1820). La figura heroica se representa en una pose frontal con una postura corporal que parece rígida y erguida. En ambas pinturas de arriba lleva su uniforme militar aparentemente orgulloso con estrellas doradas, charreteras, hebillas de cinturón y su espada contra su cadera izquierda (nuestra derecha).
También notaremos palabras como parte de la pintura, que se utilizaron con frecuencia en las obras de arte coloniales para enfatizar la importancia de la figura. Además, en Bolívar y la Alegoría de América, vemos a El Libertador de pie junto a la figura más pequeña de una mujer, con su brazo derecho alrededor de sus hombros. Ella sostiene un arco en su mano izquierda con un conjunto de flechas colgadas en su espalda. Ella parece desproporcionada en tamaño en comparación con él.
Si nos fijamos en la pintura de historia, que fue un género importante durante este tiempo, representa escenas de batallas y eventos importantes.
José María Espinosa fue un artista colombiano que representó varios momentos históricos de la Batalla del Río Palo. Sin embargo, las fuentes también señalan que su pintura Batalla del río Palo (c. 1850) es más una pintura de género paisaje debido al enfoque del artista en el medio ambiente y no tanto la batalla o las figuras pertinentes a él.
Batalla del río Palo (c. 1850) de José María Espinosa; José María Espinosa Prieto, Dominio público, vía Wikimedia Commones
Independientemente del género de Spinosa, esta pintura está hábilmente compuesta y representa un vasto paisaje con un sol brumoso en la lejanía, humo ondulante cerca del lado izquierdo en el término medio, y dos soldados que aparecen en profunda discusión entre sí mientras montan sus caballos galopantes hacia el lado derecho donde vemos a un grupo de más soldados a horcajadas sobre sus caballos. Hay un sentido de urgencia en esta escena y una belleza irónica del entorno que rodea la batalla.
Arte y artistas sudamericanos contemporáneos
A continuación discutimos artistas desde principios de 1900 hasta los tiempos más contemporáneos, ya que el arte sudamericano se ha desarrollado exponencialmente en tantas modalidades y medios. Si bien hay cientos de talentosos artistas sudamericanos, le instamos a que los explore más allá de los artistas que mencionamos a continuación.
La brasileña Tarsila do Amaral (1886 a 1973) fue una de las pioneras del arte latinoamericano durante el modernismo.
Retrato de Tarsila do Amaral, c. 1925; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Tenía múltiples talentos como traductora, pintora y dibujante. Formó parte del grupo de modernismo brasileño llamado Grupo dos Cinco que significa «Grupo de los Cinco», cuyos artistas exploraron el significado de ser brasileño y tocaron ideologías pertinentes en torno a la identidad, y allanaron el camino para el modernismo en Brasil.
Además, Amaral también fue influenciada por el arte surrealista y después de un período en París, regresó a Brasil, donde comenzó a producir un nuevo estilo de arte. Su famosa pintura al óleo sobre lienzo Abaporu (1928) fue hecha como regalo para su esposo Oswald de Andrade. Después de esta pintura, escribió el Manifiesto Antropofagítico, que también se convirtió en el movimiento llamado Movimiento Antropofágico.
Este manifiesto y movimiento buscaba «tragarse» los estilos europeos. Su objetivo era inspirar a los artistas brasileños a dejar de lado la necesidad de emular el arte europeo y abrazar sus identidades brasileñas.
Si miramos a Abaporu, representa a un hombre desnudo sentado en un parche de hierba verde, hay un cactus verde a la derecha y un sol amarillo brillante que brilla en el cielo azul de arriba. El cielo constituye dos tercios del color de fondo con la hierba alrededor de un tercio. Esta pintura suena bastante simple; sin embargo, la figura del hombre se representa de manera única. Su brazo y pierna son desproporcionadamente grandes en primer plano y cuando miramos hacia su cabeza es minúscula en tamaño como si lo estuviéramos viendo a través de un tipo especial de telescopio.
Amaral ha descrito su figura como una «monstruosa figura solitaria». Otros ejemplos de Tarsila do Amaral incluyen Antropofagia (1929), que representa otra figura agrandada característica, desnuda, sentada en medio de un paisaje natural de follaje y grandes cactus con un sol de fondo abrasador.
A Negra (1923) representa una figura femenina desnuda sentada con las piernas cruzadas con un fondo geométrico de bandas horizontales y diagonales azul oscuro, verde y rojo. Aquí también vemos el aspecto voluptuoso de la figura, su pecho derecho (nuestro izquierdo) cuelga ligeramente sobre su antebrazo derecho (nuestro izquierdo) con el codo apoyado sobre su rodilla derecha (nuestra izquierda).
Su cabeza es desproporcionadamente más pequeña que su cuerpo y sus ojos son muy pequeños en comparación con sus labios llenos y más grandes. Estos son solo algunos ejemplos del estilo único de Amaral, un estilo que sin duda infundió con su identidad y cultura brasileñas.
Desde mediados de la década de 1900, el colombiano Fernando Botero (1932 hasta la actualidad) se convirtió en un artista muy conocido, incluso tuvo un estilo nombrado, que era «Boterismo».
Fernando Botero, 1958; Dantelectrico, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Podemos identificar fácilmente este estilo por sus figuras ampliadas, o como se les llamaba «gordas», y desproporcionadas. A menudo los representa como muy relajados y descansando con un elemento de humor y como se ha descrito la sátira, sin embargo, también hay matices políticos y sociales en sus composiciones.
Aunque ha viajado internacionalmente y estudiado desde el Estilo de arte renacentista, también estudiando pintura al fresco. Botero se ha llamado a sí mismo el «artista más colombiano vivo» porque no parece interesado en suscribirse a las «tendencias» artísticas que prevalecen en todo el mundo.
Algunas de sus obras de arte incluyen Dancing in Colombia (1980), que representa una escena de café con siete grandes músicos mirando, sin comprender, directamente a nosotros, los espectadores. Parecen estar tocando sus instrumentos, peroomehow parecen estar paralizados. Frente al músico hay una pareja adulta bailando y divirtiéndose en la pista de baile. La pareja está representada considerablemente más pequeña en tamaño y en comparación con los músicos parecen fuera de proporción y casi infantiles, lo que hace que la pintura sea aún más única y misteriosa. Notaremos varios cogollos de cigarrillos y comida tirada en el suelo y parte de una máquina de discos a la izquierda.
¿Qué comunica Botero a través de esta pintura?
Algunas fuentes sugieren que este café podría indicar indirectamente más de lo que vemos, por ejemplo, ¿quién sería el tipo de clientes que frecuentarían un café como este y qué pasaría arriba si hubiera habitaciones para alquilar? Aunque Botero llena la composición con sus figuras completas, deja espacio para que imaginemos qué más podría estar sucediendo más allá de la pista de baile.
También encontraremos figuras de Botero más allá del lienzo como numerosas esculturas en todo el mundo. Estos van desde mujeres voluptuosas, por ejemplo, Broadgate Venus (1989), soldados como Man on Horse (1992), animales como Cat (1990) y un caballo llamado Caballo con bridas (2009).
https://www.youtube.com/watch?v=VcuU7ce6QQs
Eduardo Kobra (1975 hasta la actualidad) es un joven artista sudamericano de São Paulo en Brasil. Es un artista callejero que comenzó a pintar a la temprana edad de 12 años. Ha creado miles de murales en todo el mundo. Llama la atención sobre las figuras sociales y políticas al acercarlas a todos los miembros de la sociedad a través de sus murales en edificios. Los ejemplos incluyen Ethnic Groups (2016), que fue uno de sus murales más grandes para los Juegos Olímpicos, y Mother Teresa & Gandhi (2018).
Leo Chiachio (1969 hasta la actualidad) y Daniel Giannone (1964) trastocan los estereotipos de género inherentes a la artesanía y el arte textil. Como pareja gay, ambos de Argentina, crean mosaicos bordados a mano y textiles que exploran varios estereotipos e ideas sociales tradicionales y modernas.
Han realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales de sus obras y también se han formado como pintores.
El dúo artístico describe sus obras como «pintura hecha con hilos» y se centra en temas relacionados con la familia y la diversidad inherente a las estructuras familiares. Veremos este tema recurrente que representa a la pareja y su perro en algunos ejemplos como Nacimiento (2010), La Familia en la Fontana di Trevi (2011), Piolin Boogie Woogie (2012) y Calaverita (2014) entre muchos otros.
Celebrando América Latina
América Latina ha resistido las pruebas del tiempo considerando que ha pasado por numerosas conquistas y batallas coloniales. La esencia del poder, la independencia y la liberación se encuentra en el corazón del arte latinoamericano, ya sea desde principios del 19.ésimo, 20ésimo, o 21c siglos. Es una cultura ahora llena de diversidad y la alegría de expresar la identidad nacional y el orgullo. Además, América Latina ha sido percibida de manera estereotipada durante años, y los artistas han estado entre los que abordan estos estereotipos e ideologías, poniendo las piezas culturales correctas de nuevo en su lugar.
Este artículo exploró una faceta del arte latinoamericano, visto desde el punto de vista del arte sudamericano. Lo miramos brevemente desde la época precolombina cuando el arte no estaba ensuciado por la sangre metafórica de las batallas del dominio colonial de las potencias europeas. Luego observamos algunos ejemplos de arte colonial y cuán diferentes eran sus motivos en comparación con las obras de arte posteriores a la Independencia de la era moderna. Todo lo anterior nos ha demostrado que no solo el arte sudamericano, sino las artes latinas, en general, son complejas y diversas y dignas de ser exhibidas y celebradas en todo su esplendor, aunque no siempre sea entendidas por el resto del mundo.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte sudamericano?
El arte sudamericano es parte del arte latinoamericano. América Latina es un término colectivo que incluye las áreas de América del Sur, América Central, así como los países del Caribe. Los idiomas de los países comparten los mismos orígenes del idioma latino, por ejemplo, francés, español y portugués. América del Sur comprende Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, Guyana, Paraguay, Perú, Surinam, Uruguay, Venezuela y otras áreas.
¿Qué edad tiene el arte sudamericano?
El arte sudamericano se remonta a la antigüedad a las culturas andinas, por ejemplo, que construyeron sitios famosos como Machu Picchu. Tiene una rica historia precolombina y colonial y obras de arte que exploran estas características sociales y políticas.períodos cal. El período posterior a la Independencia expresa un tipo diferente de arte sudamericano, lleno de libertad y libertad, veremos la amplia variedad en cientos de obras de arte modernas y contemporáneas sudamericanas y latinas. Por lo tanto, la línea de tiempo para el arte sudamericano se remonta muy atrás y se está expandiendo constantemente hacia el presente y el futuro.
¿Qué influyó en el arte latinoamericano?
El arte latinoamericano es diverso con diferentes géneros, modalidades y estilos. Ha sido influenciado por muchas otras culturas, por ejemplo, Francia, portugués, español y holandés. Los artistas modernos y contemporáneos también han sido influenciados por estilos europeos como el Renacimiento, por ejemplo, sin embargo, algunos artistas aún mantienen y permanecen arraigados en la identidad nacional y la cultura latina.
