El movimiento romántico fue una fuerza que dominó Europa a finales de 1800. Fue un movimiento artístico, intelectual y literario cultivado como reacción a los movimientos clasicismo y neoclasicismo que lo precedieron. Una clara ruptura con las tendencias del pensamiento intelectual, la industrialización, la racionalización y la glorificación de la ciencia. El movimiento del Romanticismo estaba cargado emocionalmente y buscaba entretener la imaginación, lo vemos en las pinturas fantásticas e inspiradas que surgieron de este período. En este artículo, exploraremos las 12 pinturas más famosas del Romanticismo.
Romanticismo: Una breve visión general
El romanticismo complació las emociones y la imaginación del artista, permitiendo que estos sentimientos e ideas impregnaran al espectador. Romanticismo fue interpretado de manera diferente por varios románticos con respecto a su música, literatura y arte visual. Los artistas retrataron escenas de amor, belleza, suspenso, horror, ira y adoración que tenían como objetivo proporcionar un escape de la realidad.
El período romántico abarcó desde alrededor de 1790 hasta 1880 y surgió de la insatisfacción con los valores de orden y razón de la Ilustración después de la Revolución Francesa en 1789. Aunque el Romanticismo ha sido detallado como la antítesis del Clasicismo y Neoclasicismo movimientos, estilísticamente había superposiciones entre ellos.
Sin embargo, el romanticismo tenía varias distinciones de sus movimientos anteriores, ya que se caracterizaba por su énfasis en el sentimiento y la pasión en oposición a las convenciones anteriores de racionalidad y desapego.
En artes visuales, Los románticos rindieron homenaje al poder de la naturaleza, honrando su imprevisibilidad y belleza. El potencial de la naturaleza para el desastre fue un tema prominente, junto con la representación de sentimientos dominantes y conmovedores que indujeron empatía. Los románticos glorificaban la emoción y la intuición por encima de la lógica y el intelecto. El arte del romanticismo estaba en sintonía con las hermosas escenas de la naturaleza y lo sublime, incorporando la forma en que los humanos se sienten en la naturaleza.
El peligro y la belleza definieron la estética sublime de la naturaleza.
En oposición al racionalismo, los pintores románticos vistieron sus obras de arte con colores brillantes y pinceladas enérgicas. El arte del romanticismo favoreció las composiciones dinámicas sobre las estáticas. Las pinturas de la era romántica se utilizaron para expresar la individualidad y el instinto en lugar de representar representaciones idealizadas del pasado clásico.
Las 12 pinturas más famosas del romanticismo
Las obras de arte del romanticismo ofrecían un escape fantástico de la realidad de la vida urbana. El romanticismo se centró en los sentimientos y la condición del alma, que a menudo se reflejaba en la naturaleza. Los artistas del período romántico no simplemente pintaban lo que veían en un paisaje, sino que pintaban de la manera en que se sentían a partir del paisaje. Los artistas eran libres de ser creativos, aprovechando la inspiración de sus sueños y su conciencia para ilustrar figuras fantásticas o paisajes problemáticos. Aquí está nuestra selección de las 12 pinturas más famosas del Romanticismo.
La pesadilla (1781) de Henry Fuseli
| Artista | Enrique Fuseli |
| Fecha pintada | 1781 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 101,6 cm x 127 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Detroit Institute of Art, Michigan, Estados Unidos de América |
La obra de arte romántica de Henry Fuseli, The Nightmare, fue la primera de su tipo que hizo de Fuseli una especie de figura de transición, liderando la progresión del arte desde La era de la Razón hasta el arte de la era romántica. La peculiar y macabra obra de arte de Fuseli representa a una mujer aparentemente hechizada en un sueño profundo envuelta en un diván.
La mujer tiene los brazos estirados debajo de ella, con un íncubo parecido a un demonio agachado encima de ella, mirando amenazadoramente al espectador. Parcialmente oculta, vemos una misteriosa yegua con ojos blancos hechizantes y fosas nasales en llamas. En el espantoso retrato de Fuseli, pinta a la mujer de una manera idealizada, que coincide con los principios del neoclasicismo.
Sin embargo, se desvió de esto al usar su pintura para explorar las profundidades más oscuras de la psique humana, mientras que la mayoría estaban ocupadas con la exploración científica del mundo físico.
La pesadilla (1781) de Henry Fuseli; Henry Fuseli, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque la mujer está envuelta en luz brillante, Fuseli sugiere que la luz no puede perforar el reino de pesadilla del m.ind. La relación entre la mujer, el íncubo y la yegua no es explícita y, por lo tanto, sigue siendo sugerente, enfatizando las posibilidades aterradoras.
The Nightmare asustó y conmocionó a su audiencia cuando se exhibió en la Royal Academy de Londres. Era diferente a todo lo que el público estaba acostumbrado a ver, ya que el tema no fue tomado de la Biblia o de un momento de la historia, ni fue creado en aras de moralizar al espectador.
La pintura de Fuseli tuvo una influencia de gran alcance y cambió el mundo del arte, además de inspirar a escritores como Edgar Allan Poe y Mary Shelly con su combinación de sexualidad, horror y muerte actuando como elementos cruciales para el género de terror gótico.
Upper Fall of the Reichenbach: Rainbow (1810) por J. M. W. Turner
| Artista | J. M. W. Turner |
| Fecha pintada | 1810 |
| Medio | Acuarela, grafito y realce blanco sobre papel |
| Dimensiones | 27,9 cm x 39,4 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Yale Centre for British Art, Connecticut, Estados Unidos de América |
Joseph Mallord William Turner fue uno de los artistas occidentales pioneros en capturar el ambiente y el estado de ánimo en sus piezas de arte Romanticismo. Turner fue un 19 excepcionalmente influyenteésimo-Pintor paisajista del siglo. Quedó embelesado por las cataratas reichenbach, una cascada del río Aare cerca de Meiringen en Suiza, que presenció durante sus viajes en 1802. Upper Fall of the Reichenbach: Rainbow fue una escena que pintó numerosas veces tanto en Suiza como en su país de origen, Inglaterra.
Turner expresó la noción de lo «sublime» en sus pinturas, un concepto postulado por el filósofo Edmond Burke, donde representó el sentimiento que uno sentía al experimentar la fuerza abrumadora y la grandeza de la naturaleza.
Esto se hace obvio por la magnitud de las montañas en comparación con la figura humana y los animales en la esquina inferior izquierda de la pintura. Las minúsculas figuras indican el sentido de la escala y demuestran su insignificancia mientras están rodeadas por la enormidad de la naturaleza.
Upper Fall of the Reichenbach: Rainbow (1810) de J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Turner pintó hábilmente en finas capas y capas, utilizando una paleta de colores sombríos, donde frotó y raspó la superficie del papel con un paño húmedo para transmitir el rocío disolutorio y atronador de las cascadas contra las enormes rocas. Durante esta parte de su carrera, hubo más de un enfoque en el tono y la forma, fue solo más tarde que el color se volvió más significativo para él.
Turner introdujo el paisaje como un componente igualmente significativo del arte de género, con pinturas de escenas cotidianas de la vida; en ese momento, esta fue una elección revolucionaria. Turner fue celebrado como «el pintor de la luz» debido a su maestría en la representación de colores luminosos y atmósfera.
Su dinamismo e intensidad contrastaban sustancialmente con las escenas topográficas contemporáneas cuidadosamente pintadas.
Tercero de mayo de 1808 (1814) por Francisco Goya
| Artista | Francisco Goya |
| Fecha pintada | 1814 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 268 cm x 347 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Museo Nacional del Prado, Madrid, España |
Considerado uno de los artistas más importantes de España de los 18ésimo y 19ésimo Siglos, Francisco Goya creó obras vívidas y enigmáticas que reflejaban y comentaban la turbulencia histórica contemporánea de España. El famoso arte romántico de Goya, El tercero de mayo de 1808, es posiblemente su pintura más famosa. Representa a las tropas napoleónicas ejecutando públicamente a los españoles como represalia por el levantamiento del día anterior contra los franceses.
La melancólica paleta de Goya intensifica las atrocidades y crea una sensación de oscuridad abrumadora.
El obrero español que está a punto de ser ejecutado es representado de una manera que imita la crucifixión de Cristo. La figura está arrodillada en el suelo con los brazos extendidos y su mano derecha está marcada por estigmas, similares a las marcas hechas en el cuerpo de Cristo durante la crucifixión. Los rostros expresivos y el lenguaje corporal de las figuras transmiten la crueldad y la agitación. Una linterna en el suelo es la única fuente de luz, que divide la escena en la luz, resaltando a las víctimas, y las sombras, consumiendo a los verdugos sin rostro.
Tercero de mayo de 1808 (1814) de Francisco Goya; Francisco de Goya, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Goya creó famosas pinturas del Romanticismo que rompieron decisivamente con el pasado. La pintura fue revolucionaria, con su presentación poco heroica, sus pigmentos granulares y mates, y la planitud de su perspectiva.
Junto con el retrato de Goya de una ocasión contemporánea que fue experimentada por la gente común, esto desafió las normas académicas que preferían escenas neoclásicas atemporales.
Goya tenía como objetivo presenciar y conmemorar la oposición española al ejército de Napoleón. Influyó en generaciones de artistas que lo siguieron. La pintura revolucionaria de Goya, El tercero de mayo de 1808, jugó un papel fundamental en el surgimiento del realismo y sus representaciones honestas de la vida cotidiana, en influir en las representaciones de Picasso de los horrores de la guerra y en alentar el examen del surrealismo del contenido onírico.
Vagabundo sobre el mar de niebla (c. 1818) por Caspar David Friedrich
| Artista | Caspar David Friedrich |
| Fecha pintada | c. 1818 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 95 cm x 75 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, Alemania |
El artista del período romántico alemán Caspar David Friedrich pintó una de las obras de arte más icónicas de la era romántica, Wanderer above the Sea of Fog, en 1818. La obra de arte de Friedrich representa a un explorador, un joven, desde atrás encaramado en un afloramiento escarpado mientras mira más allá de un denso mar de niebla. Vagabundo sobre el mar de niebla no cuenta una historia; es el retrato de Friedrich de un estado emocional, uno que representa ideas de itinerancia e infinito, de la imperfección de las emociones y el alma.
La obra maestra de Friedrich presentó al hombre contra un telón de fondo misterioso y misterioso, demostrando su poder disminuido en la vasta magnitud de la vida.
Vagabundo sobre el mar de niebla (c. 1818) de Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Friedrich utilizó hábilmente el espacio para ilustrar la minúscula posición del hombre en la naturaleza, una figura solitaria en medio del inmenso paisaje. El paisaje se compone de compuestos de puntos de referencia alrededor de Alemania Oriental de las montañas de arenisca del Elba. El vagabundo parece estar contemplando el mundo que existe ante él.
La figura del hombre ocupa una posición central en la pintura, lo que puede sugerir que tiene el mando sobre el mundo antes que él. Sin embargo, a medida que la niebla se mezcla sutilmente en el horizonte, nos damos cuenta de la escala del paisaje que se extiende infinitamente ante él. Vemos que el mundo sigue siendo fundamentalmente desconocido. La impresionante pintura de Friedrich elevó la pintura de paisajes.
Esta obra de arte del Romanticismo es representativa del Romanticismo alemán, que se había desarrollado de manera ligeramente diferente de sus contrapartes italianas y francesas.
La balsa de la Medusa (1818 – 1819) de Théodore Géricault
| Artista | Théodore Géricault |
| Fecha pintada | 1818 – 1819 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 490 cm x 716 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Musée du Louvre, París, Francia |
El famoso arte romántico de Théodore Géricault, La balsa de Medusa, representó el naufragio que tuvo lugar en 1816 cuando cientos de soldados de la Marina Real Francesa fueron enviados a colonizar Senegal. El barco comenzó a hundirse después de golpear un banco de arena y los que sobrevivieron construyeron una balsa de emergencia para llegar a la costa, pero se perdieron rápidamente en el mar.
Géricault pasó meses investigando el evento, hablando y dibujando sobrevivientes, estudiando cadáveres y llamó a amigos para modelar, incluido el famoso Eugène Delacroix.
El significado emocional de la obra maestra de Géricault está impreso en el espectador. Géricault fusionó la realidad y el arte para retratar deliberadamente una pieza de confrontación artística y política. La decisión de Géricault de representar a un hombre negro en la cúspide de la composición fue increíblemente controvertida, ya que expresaba sus sentimientos abolicionistas.
La balsa de la Medusa (1818-1819) de Théodore Géricault; Théodore Géricault, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Un espectáculo intenso es creado por su uso de la luz y la sombra, junto con su formación diagonal que divide el marco con los cuerpos contorsionados en la esquina inferior izquierda, llevando los ojos del espectador a lo largo de la horrible escena hasta el pináculo figure agitando un paño, emitiendo un signo de esperanza. A lo largo de la diagonal desde la vela hasta la esquina inferior derecha, vemos un cuerpo parcialmente envuelto, deslizándose hacia el mar.
Esta composición, junto con el cielo majestuoso y tempestuoso, es ilustrativa de las piezas de arte del Romanticismo y sus representaciones de lo sublime.
La pintura de Géricault generó una gran controversia y escándalo cuando se exhibió por primera vez en París. En su mayor parte, la pintura conmovió al público espectador, sin embargo, muchos fueron repelidos por la elección del tema de Géricault. Se enfrentó a críticas con respecto a su alejamiento del clasicismo, ya que ignoraba la representación de la «belleza ideal», con su representación del realismo. Cuando Géricault expuso su obra en Londres tuvo una recepción considerablemente más positiva, y ganó aclamación por introducir una nueva dirección para el arte francés.
El Hay Wain (1821) de John Constable
| Artista | Juan Constable |
| Fecha pintada | 1821 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 130,2 cm x 185,4 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | National Gallery, Londres, Reino Unido |
Juan Constable fue un artista inglés del período romántico dedicado a las obras de arte del paisaje pastoral. El Hay Wain es posiblemente su mayor obra y su habilidad única para dar vida a los paisajes naturales le valió una gran aclamación. El Hay Wain representa una escena simple de agricultores ingleses atendiendo su trabajo en esta majestuosa pintura. Demuestra la brillantez de Constable, ya que puede capturar en una pintura cómo la atmósfera fugaz dicta cómo vemos los paisajes.
En esta pintura, el hombre no se limita a observar la naturaleza desde lejos; Constable lo retrata como una parte intrincada de la naturaleza, al igual que los pájaros y los árboles, no separados de ella.
El Hay Wain (1821) de John Constable; John Constable, dominio público, vía Wikimedia Commons
Las figuras están dibujadas a escala con el entorno, lo que sugiere los esfuerzos de Constable para expresar la unidad con la naturaleza en su pintura. El Hay Wain ha sido reconocido como una de las obras de arte más excepcionales de la era romántica que representan un paisaje, además de ser una de las obras más veneradas por un artista inglés.
Cuando se exhibió por primera vez, la obra maestra de Constable se consideró provocativa e impertinente, ya que la gran pintura aparentemente usaba las mismas técnicas, utilizando pequeñas pinceladas, como los impresionistas.
Según la multitud de Londres, esto era escandaloso, mientras que los franceses adoraban esta forma de pintar, empleada por artistas como Géricault. Cuando The Hay Wain se exhibió en París causó bastante sensación. Le valió a Constable una medalla de oro del rey Carlos X de Francia, por el impacto de su obra de arte en el Salón de París.
Épisode des Journées de Septembre 1830 (1830) por Marie-Adélaïde Kindt
| Artista | Marie-Adélaïde Kindt |
| Fecha pintada | 1830 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | Desconocido |
| Dónde se encuentra actualmente | Ayuntamiento de Bruselas, Bélgica |
Desafortunadamente, se sabe muy poco sobre las contribuciones artísticas de las mujeres durante el movimiento del Romanticismo. Este parece ser un tema constante a lo largo de la historia del arte: a menudo ignoradas y raramente entendidas, las mujeres que se han dedicado a las artes visuales han tenido que perseverar.
Una de esas mujeres es Marie-Adélaïde Kindt, una pintora belga que fue una artista destacada durante las décadas de 1820 y 1840. Kindt fue una de las pocas artistas femeninas que provenían de su familia.
Antoine Cardon, un grabador, entrenó a Kindt en el arte del dibujo. Luego recibió formación neoclásica cuando estudiaba pintura con François-Joseph Navez, pero el trabajo que produjo tomó la influencia del romanticismo.
Épisode des Journées de Septembre 1830 (1830) por Marie-Adélaïde Kindt; Adèle Kindt, dominio público, vía Wikimedia Commons
El trabajo de Kindt comprendió muchas escenas históricas, siendo su pieza más influyente Épisode des Journées de Septembre 1830, que fue un retrato de la Revolución belga que tuvo lugar el mismo año. Su obra maestra ahora se encuentra en el Museo de la Ciudad de Bruselas.
Las contribuciones artísticas de Kindt fueron alentadas por artistas notables como Jacques-Louis David. Continuó pintando a lo largo de su vida, pero su trabajo posterior fue menos ambicioso ya que asumió más retratos de romanticismo y pinturas de género, ajustando su estilo para satisfacer el gusto del público.
Kindt no pudo revivir el éxito de su carrera anterior, pero su legado sigue vivo con las obras de arte que dejó atrás.
La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugène Delacroix
| Artista | Eugène Delacroix |
| Fecha pintada | 1830 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 260 cm x 325 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Musée du Louvre, París, Francia |
Eugène Delacroix es considerado el pintor más representativo del romanticismo francés. La obra maestra de Delacroix, Liberty Leading the People, conmemora una escena de la Revolución de Julio en 1830 donde el abdicado rey Carlos X fue derrocado. La pintura se completó el mismo año en que ocurrió el evento. No debe confundirse como una representación de la Revolución Francesa de 1789. El triunfo de Delacroix representa la libertad, la revolución y la victoria del pueblo.
Esta cautivadora pieza es una de las obras de arte más conocidas de la era romántica.
Delacroix pintó una alegoría de la revolución en lugar de representar una escena real. Lady Liberty se representa liderando el grupo unificado de personas contra el opresor como un acto de patriotismo. La clase social no era importante, como se puede ver por la mezcla de personas, el mensaje era la unidad. Aunque la figura con el pecho desnudo recuerda al ideal clásico griego, con su vestido cubierto sobre su marco, Delacroix la representa con el pelo en la axila para sugerir que en realidad es real y no simplemente un ideal.
La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La libertad se representa con una gorra frigia, símbolo de la libertad y la búsqueda de la libertad, sosteniendo una bayoneta e levantando la bandera tricolor mientras alienta al grupo rebelde en su camino hacia la victoria. Cada detalle en la pintura de Delacroix tiene un significado político y lo fusiona con emociones feroces.
La turbulenta escena resalta la muerte, el sufrimiento y el heroísmo, que son temas arquetípicos del famoso arte romántico.
La libertad guiando al pueblo fue una distinguida obra de arte del Romanticismo con un legado que inspiró obras notables como Liberty Enlightening the World (1886), más comúnmente conocida como la Estatua de la Libertad de Frédéric Auguste Bartholdi. La pintura de Delacroix ha sido acreditada por inspirar la novela de 1862 Les Misérables de Victor Hugo. Hasta el día de hoy, Liberty Leading the People continúa manteniendo su peso, apareciendo en la portada del álbum de 2008 para Viva la Vida de Coldplay.
El cáliz del titán (1833) de Thomas Cole
| Artista | Tomás Cole |
| Fecha pintada | 1833 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 49,2 cm x 41 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos de América |
La obra de arte del Romanticismo de Thomas Cole, El cáliz del titán, sirve como el pináculo de sus fantasías románticas. El cáliz del titán imita las otras famosas pinturas del romanticismo de Cole, con su representación de un paisaje italiano y su ilustración de temas relacionados con la grandeza del tiempo pasado y el significado y el poder de la naturaleza para la invasión. El cáliz del titán es posiblemente la pintura más enigmática de Cole de sus obras alegóricas de paisaje. El Museo Metropolitano de Arte ha expresado que esta magnífica pintura «desafía la explicación completa».
La pintura de Cole se considera una «imagen dentro de una imagen», ya que existen dos paisajes dentro de la pintura. El pie de la copa se encuentra en un terreno tradicional, sin embargo, existe un mundo completamente diferente a lo largo de su borde.
El cáliz del titán (1833) de Thomas Cole; Thomas Cole, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La exuberante vegetación corre a lo largo del borde, con dos pequeños edificios que rompen la vegetación, uno es un palacio italiano y el otro un templo griego. Un vasto cuerpo de agua llena la copa hasta el borde, y está salpicado de veleros. El agua se derrama sobre el suelo de abajo marcado por otra civilización.
Las ruinas clásicas que se encuentran en el borde del cáliz y los veleros que vadean el agua se han relacionado con la mitología griega y nórdica.
Como se encuentran muy lejos de la civilización de abajo, se ha interpretado como una disociación del presente. Otra teoría relaciona la civilización autónoma con un microcosmos del mundo humano en medio del cuerpo dominante de la naturaleza. El tallo de la copa une entonces el pasado y el presente. El cáliz del titán es reconocido como una obra de arte única.
La novena ola (1850) de Ivan Aivazovsky
| Artista | Iván Aivazovsky |
| Fecha pintada | 1850 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 221 cm x 332 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | El Museo Estatal Ruso, Palacio Mikhailovsky, Rusia |
Ivan Aivazovsky fue un artista del período romántico ruso-armenio que se especializó en arte marino. Su triunfo La Novena Ola es reconocido como uno de los paisajes marinos más excepcionales del arte del Romanticismo. La pintura representa olas masivas que barren un océano volátil. Los restos flotan en primer plano de la pintura.
Esta pintura obtiene su título y tema de un viejo cuento de marineros, una creencia tradicional que se mantuvo durante siglos antes de la década de 1800, donde se decía que la novena ola era la más enorme y destructiva.
Las figuras se aferran a los escombros de la nave, ante la muerte intentan salvarse. Se sugiere que los restos forman la forma de una cruz, lo que indica un trasfondo religioso en el trabajo de Aivazovsky. Esta obra sirve como una alegoría, según el cristianismo, para la salvación del pecado.
La novena ola (1850) de Ivan Aivazovsky; Museo Ruso, dominio público, vía Wikimedia Commons
La paleta de la pintura utiliza tonos cálidos, disminuyendo la ferocidad del mar y transmitiendo un sentido de esperanza y una oportunidad de supervivencia. Aivazovsky demuestra magistralmente la belleza y la devastación de la naturaleza.
El talento de Aivazovsky le valió la aclamación internacional, lo que lo llevó a ser uno de los pocos pintores rusos en lograr tal éxito durante su vida.
Hasta el día de hoy, sigue siendo uno de los artistas marinos más distinguidos, hablando del impacto de sus hazañas artísticas. Antón Chéjov, un famoso escritor ruso, una vez describió algo como «digno del pincel de Aivazovsky», que luego se convirtió en la frase estándar a la que se hace referencia cuando se describe cualquier cosa que fuera abrumadoramente hermosa.
El beso (1859) de Francesco Hayez
| Artista | Francesco Hayez |
| Fecha pintada | 1859 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 110 cm x 88 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Pinacoteca di Brera, Milán, Italia |
Francesco Hayez fue un famoso artista del período romántico italiano y su pintura, El beso, es considerada su obra más conocida. Alfonso Maria Visconti di Saliceto encargó la pintura, donándola más tarde a la Pinacoteca di Brera. El beso representa a un hombre y una mujer abrazados en un beso apasionado, envueltos el uno en el otro, sus rostros permanecen ocultos.
Las figuras representan a una pareja de la Edad Media como sugiere su vestimenta. Sin embargo, siguen siendo irreconocibles, ya que Hayez quería que el enfoque permaneciera en el acto de su abrazo.
The Kiss muestra la increíble habilidad de Hayez mientras ejecutaba su pintura con detalles tan finos. Hayez fusionó escenas de excepcional belleza con relatos políticos. El mensaje subyacente que Hayez imparte al espectador es el de una unión nacional, ya que la pintura era representativa de Risorgimento, la «Unificación italiana».
El beso (1859) de Francesco Hayez; Francesco Hayez, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Hayez pretendía rendir homenaje a los franceses porque estaban aliados a Italia, de ahí la gama cromática de la pintura con el rojo de las medias del hombre, y el blanco y azul del vestido de la mujer, aludiendo a la bandera francesa.
Esta pintura es una obra maestra simbólica que ha llegado a representar el romanticismo italiano.
Hayez es considerado como el artista de la era romántica más famoso de Italia, con contribuciones artísticas que se extienden desde magníficos retratos del romanticismo hasta pinturas históricas monumentales. Su influencia tuvo un impacto instrumental en las generaciones de artistas que siguieron en Italia. The Kiss disfrutó de su popularidad desde la primera vez que se exhibió y en adelante. Luchino Visconti, un director italiano, se inspiró en The Kiss para una escena en su producción de 1954, Senso.
Kaaterskill Creek (c. 1870) por Susie M. Barstow
| Artista | Susie M. Barstow |
| Fecha pintada | c. 1870 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | Desconocido |
| Dónde se encuentra actualmente | Colección privada |
Susie M. Barstow fue miembro de la Escuela del Río Hudson, que fue un movimiento artístico estadounidense de mediados del siglo 19 que fue incorporado por una clase de pintores paisajistas.Las composiciones visuales fueron fuertemente influenciadas por el Romanticismo. El valle del río Hudson fue representado regularmente por los artistas, así como sus alrededores, que incluían las montañas Catskill. Barstow era conocida por sus paisajes luminosos, como su majestuosa pintura de Kaaterskill Creek.
Los paisajes de Barstow estaban impregnados de luz, emanando serenidad y la belleza de la naturaleza.
Kaaterskill Creek (c. 1870) por Susie M. Barstow; Susie M. Barstow, dominio público, vía Wikimedia Commons
Su trabajo fue exhibido en la Academia Nacional de Diseño, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y la Asociación de Arte de Brooklyn, por nombrar algunos. Durante su tiempo, las mujeres no tuvieron las mismas oportunidades de exhibir sus obras, lo que llevó a que varias de sus obras pasaran desapercibidas hasta que los historiadores del arte revisaron las contribuciones de las mujeres artistas de la Escuela del Río Hudson.
El título de un artista aficionado era igualmente accesible para mujeres y hombres, sin embargo, cualquier título que indicara el de un artista profesional generalmente estaba reservado para hombres y mucho menos disponible para mujeres.
Tomando nota de artistas increíbles como Barstow, debemos tener cuidado de no dar por sentados los registros de su trabajo. La falta de información accesible con respecto a las mujeres artistas nos hará creer que Barstow fue la excepción, en lugar de simplemente reconocer que su trabajo fue excepcional, al igual que el trabajo de sus contemporáneas femeninas. Especialmente aquellos que, debido a su género, se enfrentaron a muchas barreras que impidieron que sus logros obtuvieran lo que merecían.
Estas famosas pinturas del Romanticismo que seleccionamos para nuestra lista son ejemplos verdaderamente magníficos de las obras de arte imaginativas y enérgicas que los artistas contribuyeron al movimiento. Su influencia se mantiene hasta el día de hoy, ya que dieron forma a los movimientos que siguieron y a las generaciones de artistas que los sucedieron. Si tiene curiosidad por aprender más sobre la historia del arte, navegue a través de nuestro sitio web, donde seguramente encontrará más artículos para despertar su interés.
Lea también nuestra historia web de pinturas de romanticismo.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el romanticismo?
El movimiento romántico dominó Europa a finales del 18ésimo siglo. Fue un movimiento artístico, intelectual y literario cultivado como reacción a los movimientos clasicismo y neoclasicismo que lo precedieron. Una clara ruptura con las tendencias del pensamiento intelectual, la industrialización, la racionalización y la glorificación de la ciencia. El movimiento del Romanticismo estaba cargado emocionalmente y buscaba entretener la imaginación, lo vemos en las pinturas fantásticas e inspiradas que surgieron de este período.
¿Cuáles son las características del arte romántico?
El romanticismo complació las emociones y la imaginación del artista, permitiendo que estos sentimientos e ideas impregnaran al espectador. Las pinturas de la época romántica destacaban lo individual, lo personal, lo subjetivo, lo imaginativo, lo emocional, lo trascendental, lo visionario y lo sublime.
¿Cómo se muestra el romanticismo en el arte?
En los retratos del Romanticismo y las piezas de arte del Romanticismo, los artistas retrataron escenas de amor, belleza, suspenso, horror, ira y adoración que tenían como objetivo proporcionar un escape de la realidad. Las pinturas de la época romántica rindieron homenaje al poder de la naturaleza, honrando su imprevisibilidad y belleza. El potencial de la naturaleza para el desastre se mostró prominentemente en el arte, junto con la representación de sentimientos dominantes y conmovedores que indujeron empatía. Los románticos glorificaban la emoción y la intuición por encima de la lógica y el intelecto. El arte del romanticismo estaba en sintonía con las bellas escenas de la naturaleza o lo sublime, incorporando la forma en que los humanos se sienten en la naturaleza. El peligro y la belleza definieron la estética sublime de la naturaleza. Los retratos de romanticismo y las piezas de arte de romanticismo exhibieron colores brillantes y pinceladas enérgicas. El famoso arte romántico favoreció las composiciones dinámicas sobre las estáticas. Las pinturas de la era romántica se utilizaron para expresar la individualidad y el instinto en lugar de representar representaciones idealizadas del pasado clásico.
