¿Qué es un movimiento estético? El intrigante y sensual movimiento esteticista buscó demoler las pomposas, dominantes y ortodoxas costumbres victorianas de Gran Bretaña a mediados del siglo 19. Los estilos de arte estético influyeron en todo, desde la literatura y la música hasta la moda y el diseño de interiores, y fueron más que una tendencia artística. El movimiento estético victoriano tenía como objetivo elevar los gustos, la exploración de la belleza y la autoexpresión por encima de los estándares morales y el cumplimiento opresivo.
Una introducción al movimiento estético
La liberación de la expresión artística y el placer que la estética de 1800 alentó cautivó a sus seguidores, pero también los convirtió en el hazmerreír de los victorianos tradicionales. Sin embargo, el esteticismo allanó el camino para el arte contemporáneo mundial del siglo 20 al abandonar los deberes típicamente instructivos del arte y enfatizar la autoexpresión.
Los pintores estéticos victorianos, desafiando el materialismo de la época y el industrialismo contemporáneo, pusieron énfasis en la mano de obra superior en la producción de todo el arte. Al final, algunos incluso resucitaron procesos preindustriales.
1800 Los artistas estéticos liberaron al arte de su responsabilidad habitual de comunicar una declaración ética o sociopolítica. Más bien, se concentraron en la búsqueda de la belleza a través de los colores, la estructura y la composición. El arte estético se distingue por los patrones geométricos, colores apagados, y formas lineales reducidas, en oposición a la propensión victoriana a la ornamentación elaborada, las formas curvas y los detalles ricos. Los patrones geométricos medievales, las imágenes prerrafaelitas de heroínas pelirrojas ardientes y los temas y la estética japoneses sirvieron como puntos clave de influencia para el movimiento estético.
Sinfonía en blanco, No. 2: La niña blanca (1864) por James Abbott McNeill Whistler; James McNeill Whistler, dominio público, vía Wikimedia Commons
Las raíces del esteticismo
La Gran Exposición de 1851 fue un momento decisivo en las artes visuales británicas. A pesar del hecho de que la exposición presentó avances recientes clave, como la técnica visual de la fotografía, gran parte del arte en exhibición se adhirió al enfoque de diseño preciso y superficial de la era victoriana. Además, la maquinaria del proceso creativo resultó en la deshumanización del estilo, según el reconocido crítico John Ruskin.
Estos motivos formulistas y repetitivos, junto con rigurosas reglas de arte victoriano que valoraban el mensaje ético expresado sobre la excelencia de la pieza, crearon una atmósfera sofocante de la que muchos creadores anhelaban partir.
Inspiración prerrafaelita
Poco después de la Gran Exposición, un grupo de pintores se propuso crear un estilo nuevo y más simple, uno que fue influenciado por arte medieval y los ricos detalles y colores vibrantes del diseño. En la década de 1860, el trabajo de la llamada Hermandad prerrafaelita había adquirido atractivo, debido en parte a las evaluaciones positivas de John Ruskin.
Después de eso, el grupo se separó cuando pintores más jóvenes, como Edward Burne-Jones, se unieron. Dante Gabriel Rossetti para formar un «Culto a la Perfección», que sentó las bases para el esteticismo. Las sensuales imágenes de Rossetti de mujeres poco convencionalmente atractivas con ojos enormes y cabello rojo ardiente envuelto en vestidos sueltos y fluidos desafiaron las ideas preconcebidas victorianas que vinculan a las mujeres no encorsetadas y pelirrojas con la decadencia sensual, y se convirtieron en un tema prominente del movimiento estético.
Lady Lilith (1866) de Dante Gabriel Rossetti; Dante Gabriel Rossetti, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Inspiración japonesa
Las exportaciones de Japón inundaron el mercado británico cuando comenzó a tratar públicamente con naciones extranjeras en 1854. Los temas orgánicos estilizados, las formas circulares y los patrones geométricos que marcaron este nuevo estilo encantaron tanto a los artistas como a los clientes. Su simplicidad y gracia de forma contrastaban sorprendentemente con los estilos victorianos que estaban congestionados y ocupados.
Los consumidores en el Reino Unido comenzaron a reunir pantallas japonesas, ventiladores y cerámicas, así como a colorear sus muebles de negro para parecerse a la laca japonesa.
Artistas como James Abbott McNeill Whistler comenzaron a incluir estos objetos en sus obras, al tiempo que alteraban sus composiciones para reflejar el estilo original. Christopher Dresser y E.W. Godwin, ambos diseñadores, fueron influenciados de manera similar. Dentro del movimiento estético, nuevos estilos de arte estético como elLa forma anglo-japonesa evolucionó gradualmente.
Diseños de muebles anglo-japoneses por E. W. Godwin, 1877; William Watt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El movimiento Art for Art’s Sake
Los pintores estéticos, al igual que sus antepasados prerrafaelitas, dan un alto valor a la composición visual de una pieza. Sin embargo, a diferencia de la pintura prerrafaelita, que casi siempre tenía algún componente narrativo, los pintores estéticos tendían a evitar cualquier cuento o mensaje discernible.
En cambio, intentaron generar un estado de ánimo, experimentar con la armonía del color o redescubrir los detalles minuciosos que identificaron con la artesanía de alta calidad.
Los pintores estéticos gritaron su eslogan, «arte por el arte», tomado del libro de Theophile Gautier, Mademoiselle de Maupin (1836), y se basaron en una variedad de influencias, incluidas las de Griego antiguo, Arte medieval y japonés.
Una página de una edición de 1897 de Mademoiselle de Maupin de Theophile Gautier (1836); Imágenes de libros de Internet Archive, sin restricciones, a través de Wikimedia Commons
Este concepto contemporáneo de que el arte debe ser juzgado por sus propios méritos en lugar de la importancia o precisión del tema se convirtió en un grito de guerra para los artistas que buscan distanciarse del materialismo victoriano. Cuando Walter Pater defendió la prioridad de la percepción estética del arte por parte del público, se convirtió en uno de los defensores más influyentes del movimiento estético.
Pater afirma que «La emoción poética, el anhelo de belleza, la verdadera pasión por sí misma, contiene la mayor parte de esta sabiduría. Porque el arte se acerca a ti, ofreciéndote nada más que la mejor calidad de tus experiencias a medida que pasan, y solo para el propósito de estos momentos».
Walter Pater, antes de 1914; Elliott & Fry, dominio público, vía Wikimedia Commons
La Galería Grosvenor
Cuando la Galería Grosvenor en Bond Street abrió sus puertas en 1877, dio a los pintores, particularmente a los artistas estéticos, un lugar para mostrar obras que desafiaban los requisitos convencionales de la Royal Academy. Impulsó las carreras de artistas como Albert Moore, James Abbott McNeill Whistler, George Frederic Watts y Edward Burne-Jones, entre otros.
La Galería Grosvenor no solo fue la primera en utilizar iluminación eléctrica, sino que también fue pionera en una nueva forma de exposición (que ahora es la norma para galerías y museos) en la que las pinturas se colocaron con un espaciado adecuado para ayudar a la inmersión del espectador.
La sala de exposiciones estaba flanqueada por otras salas suntuosamente adornadas que seguían las pautas de diseño estético. Fue diseñado para simular una galería de pintura en una casa privada. Fue ridiculizada como la «galería de vegetación» en la ópera cómica Patience (1881) de Gilbert y Sullivan debido a su icónico mármol verde genovés y sus paredes recubiertas de damasco de seda amarillo y verde.
Escaneo de un grabado de la Galería Grosvenor de The Illustrated London News, 1877; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
La condena de Ruskin
John Ruskin elogió la expresión artística de los prerrafaelitas y creía que las pautas de diseño para las artes ornamentales producidas a máquina se habían deteriorado hasta el punto de que se habían vuelto monótonas, carentes de espíritu y artesanía superior. Sin embargo, argumentó a favor del valor social del arte, que estaba en oposición directa a la filosofía del movimiento estético.
El arte, según Ruskin, era algo más que una cuestión de gustos; también era un conducto para la inteligencia, la emoción, la ética y el conocimiento.
John Ruskin, 1879; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Ruskin emitió una dura evaluación de las pinturas cuando la Galería Grosvenor debutó en 1877. Ruskin declaró: «He presenciado, y entendido, gran parte de la impertinencia cockney antes de ahora; pero nunca imaginó a un coxcomb que quisiera doscientas guineas por arrojar una olla de color en la cara de la ciudadanía» en respuesta a lo que él creía que era material inútil torpemente fabricado. Al año siguiente, Whistler presentó una demanda por difamación contra Ruskin, y aunque el triunfo del artista resultó en una miseria en daños, fue desastroso para la reputación crítica de Ruskin, que nunca se recuperó por completo.
Ruskin, que había ayudado a numerosos pre-RaphaeLos artistas ligeros avanzan en sus carreras en la década de 1850, de repente se encontraron fuera de sintonía con el floreciente movimiento de arte moderno.
Estilos y conceptos de arte estético
El arte, según el Movimiento Estético, no debe limitarse a la escultura, la pintura o la arquitectura, sino que debe ser común en todas las esferas de la vida. El esteticismo abarcaba no solo las artes «altas», sino también la cerámica, la orfebrería, la ropa, el mobiliario y el diseño de interiores. Muchos estetas, incluido Oscar Wilde, asumieron identidades públicas que les permitieron vivir según los ideales estéticos.
Una pintura de Dante Gabriel Rossetti leyendo pruebas de Sonetos y baladas a Theodore Watts-Dunton en el salón de 16 Cheyne Walk, Londres, por Henry Treffry Dunn, 1882; National Portrait Gallery, dominio público, vía Wikimedia Commons
Pintura
El esteticismo tuvo su aparición inicial en obras de arte, inspiradas en los sensuales retratos femeninos de Rossetti. La ideología y sus principios se extendieron a otros sectores gracias a este medio. Los pintores fueron posiblemente los más calificados de todos los creativos estéticos para lograr el propósito del movimiento de hacer arte por el bien del arte.
Esto se debe a que, a diferencia de las artes ornamentales y el estilo, las pinturas pueden divorciarse fácilmente de sus usos prácticos.
Como resultado, artistas como Whistler, Moore y Leighton fueron libres de centrarse solo en producir composiciones atractivas y agradables a la vista. Los artistas estéticos pueden emplear pinturas al óleo para experimentar con la armonía del color y la variación tonal, ya que el medio permite alteraciones tonales sutiles. Muchos de estos pintores, especialmente Whistler, incluyeron elementos y estética japonesa en sus obras.
Capricho en púrpura y oro: la pantalla dorada (1864) de James Abbott McNeill Whistler; James McNeill Whistler, dominio público, vía Wikimedia Commons
Música
Parece que no hubo músicos expresamente estéticos, a pesar del hecho de que varios músicos victorianos, especialmente Eduard Hanslick, abogaron por el formalismo y el desapego de la música de cualquier necesidad de representar algo fuera de sí misma. Sin embargo, para muchos artistas estéticos, la forma fue una fuente importante de inspiración. «Todas las artes apuntan al estado de la música», dijo memorablemente Walter Pater en la década de 1870.
Los pintores estéticos tomaron esto en serio, creyendo que la música creaba un tipo ideal de arte que las pinturas podrían imitar. Este método implicaba eliminar la información narrativa en favor de producir una impresión o evocación a través de la «armonía» del color y la composición.
Pintores como Frederick Leighton y James McNeill Whistler incluso nombraron sus obras con estilos musicales. Whistler describió cómo el arte y la música están vinculados, así como el deber del artista como creador: «Los ingredientes de todas las imágenes, en color y forma, se encuentran en la naturaleza, al igual que las notas de toda la música se encuentran en el piano. Pero el pintor nace para elegir, elegir y organizar estos materiales con la ciencia para que el resultado final sea hermoso, al igual que un músico recoge notas y hace acordes hasta que crea una armonía exquisita a partir del caos».
Sinfonía en color carne y rosa: Retrato de la señora Frances Leyland (1871-1874) de James Abbott McNeill Whistler; James McNeill Whistler, dominio público, vía Wikimedia Commons
Arquitectura
Los estudios y residencias de Aesthetes, que fueron planeados y construidos bajo su supervisión, se desviaron del enfoque académico tradicional al combinar puntos de referencia aparentemente incongruentes para producir un esquema estructural original. La casa de Frederic Leighton, por ejemplo, incluía referencias al Lejano Oriente, oriente Medio y el Renacimiento italiano.
Los huéspedes ingresan al «Arab Hall», una cámara abovedada artísticamente adornada que integra muchas características diversas de diseño de Oriente Medio, en lugar de un salón de té británico estándar.
La sala interior de la casa y el estudio de Sir Frederic Leighton en 1882; Anónimo, dominio público, vía Wikimedia Commons
Al mismo tiempo, Whistler creó la icónica Peacock Room, que fue influenciada por una caja de laca japonesa. Los artistas industriales fueron frecuentemente llamados a colaborar en estas viviendas inusuales.
La elegancia de la estructura como representación de su gente multifacética superó la lealtad a cualquier forma para los diseñadores estéticos.
The Peacock Room at 49 Prince’s Gate, Londres, c. 1890; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Diseño
Los diseñadores fueron reconocidos e incluso reconocidos por su excepcional artesanía por primera vez durante el movimiento estético. Los diseñadores rara vez fueron reconocidos antes del esteticismo. Sin embargo, el diseño como profesión ganó respetabilidad como forma de arte, debido en parte a William Morris. Edward Godwin, Christopher Dresser y William Morris se encontraban entre los diseñadores famosos de la época. La orfebrería, las telas, los muebles y la cerámica con formas geométricas, temas florales, vegetales y zoomorfos estilizados influenciados por la Edad Media y la estética japonesa fueron desarrollados por estos artesanos.
Estos diseños estaban destinados a proporcionar una alternativa a la inquietud de los objetos victorianos típicos, con líneas limpias y pureza de forma.
Tejido estampado de madreselva diseñado por William Morris en 1876; William Morris, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Algunos diseñadores, como Morris, comenzaron sus propias etiquetas. Otros, como Christopher Dresser y Walter Crane, trabajaron con minoristas y fabricantes para hacer cosas para la clase media. Los negocios estéticos que suministran tales cosas florecieron debido al concepto de Oscar Wilde de «la casa encantadora», que decía que el interior de una sala de estar debería ser lo más atractivo posible para proporcionar un ambiente inspirador para sus residentes.
Arthur Liberty’s Liberty of London, que se estableció en 1875 y llevaba telas de Japón y Oriente Medio, así como productos de consumo de estilo estético particularmente desarrollados, fue el más famoso de ellos.
El interior de los grandes almacenes Liberty en Londres; Gryffindor, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Moda
En la década de 1890, las tiendas de estética comenzaron a vender bienes de consumo para satisfacer el deseo del público de vestirse como un esteta. Para algunos, esto significaba entrar en el personaje. Las mujeres abandonaron los corsés restrictivos y los materiales pesados en favor de prendas más «bohemias» libres y desestructuradas cubiertas con delicados bordados de flores, emulando la elegante belleza representada en las obras prerrafaelitas de Rossetti. La henna también se usaba para cambiar el color del cabello de ciertas personas.
Los hombres se pusieron el papel del extravagante dandy, eligiendo abrigos de terciopelo, corbatas fluidas y pantalones, inspirados en el llamativo pavo real macho. El arquetípico dandy, dramaturgo y autor Oscar Wilde se convirtió en el emblema de celebridad más famoso del grupo. Wilde fue objeto de burlas por su gusto por vestir, al igual que muchos otros hombres estéticos.
Cuando asistió a la inauguración de la Galería Grosvenor con un atuendo colorido diseñado para parecer un violonchelo, dibujó muchas críticas.
Literatura
La belleza de la forma reemplazó la entrega de una declaración social o ética en la escritura estética, como lo hizo en las artes visuales. Los poetas estéticos, especialmente Algernon Charles Swinburne y Oscar Wilde, fueron influenciados por los ensayos de Walter Pater de finales de la década de 1860 para producir poemas sensuales y prosa que estaban entrelazados con pistas en lugar de afirmaciones inequívocas.
Los compañeros victorianos, como los editores de la revista «Punch», ridiculizaron y satirizaron la poesía estética y los autores.
«Diseño para un cartel teatral estético» de la edición del 7 de mayo de 1881 de Puñetazo. Gilbert y Sullivan Paciencia y F. C. Burnand’s El Coronel acababa de estrenarse, y era un tema candente; E.L.S., Dominio público, vía Wikimedia Commons
Desarrollos posteriores
Si bien el esteticismo era popular entre muchas personas, a menudo se burlaba de él. Gilbert y Sullivan compusieron Patience, una ópera humorística que se burlaba de los estetas y sus aspiraciones, en 1881, y George du Maurier creó una famosa caricatura que representa a una sofisticada pareja «estética» preocupada por estar a la altura del precedente de su hermosa tetera.
Debido a que no había una idea única y unificadora para vincular a los participantes del movimiento, varios artistas fueron de maneras separadas.
Por ejemplo, el socialista William Morris se lamentó de «predicar el evangelio al lujo de los ricos» y trabajó para hacer que su trabajo fuera accesible a todo el público, no solo a los aristócratas progresistas. Morris se convirtió en un gran defensor del grupo Arts and Crafts a medida que sus puntos de vista ganaron fuerza.
Muebles y tapices de pared de William Morris expuestos en la William Morris Gallery de Londres; Shani Evenstein (שני אבנשטיין), CC0, vía Wikimedia Commons
En el Reino Unido, su compromiso llevó a los diseñadores a resucitar los métodos preindustriales para separar su trabajo del de los productos hechos a máquina. El Movimiento Bauhaus resolvió lo que Morris nunca pudo hacer en Alemania, donde el desdén por las máquinas modernas no estaba tan extendido. Fusionaron la artesanía y la estética del diseño con la tecnología contemporánea para producir en masa diseños de alta calidad para productos para el hogar, especialmente muebles.
Otros estetas, como Aubrey Beardsley y Oscar Wilde, fueron más lejos para sacudir a la civilización victoriana de su letargo.
Sus esfuerzos culminaron en el estilo decadente, que rápidamente perdió el favor ya que se vinculó con la depravación y la desviación sexual, gracias en parte a la condena y encarcelamiento de Oscar Wilde por «conducta lasciva» con los hombres. A pesar de que el movimiento del esteticismo sufrió como resultado de la percepción popular de la participación de Wilde, la idea contemporánea de «arte por el arte» estableció la posición del movimiento en historia del arte.
Una fotografía de Oscar Wilde; c. 1882; Martin van Meytes, dominio público, vía Wikimedia Commons
La noción de que el arte tiene su propio valor inherente lo liberó de la necesidad de tener un significado moral o histórico. Para los pintores contemporáneos, este repudio a los cuentos históricos o míticos se volvió crucial. Se consideró que el artista debía tener plena autonomía de expresión, tanto en términos de temática como de representación artística.
El movimiento expresionista abstracto de mediados del siglo 20 resultó en esta noción de sí mismo junto con el deseo de descubrir el lado técnico del arte y persiste en ser una base de pensamiento imaginativo para muchos artistas modernos en el siglo 21.
Ejemplos famosos de esteticismo
Los estetas, como se conoció a los partidarios del movimiento, aumentaron el arte y la cohesión de muchos sectores de la sociedad. Afirmaban que la vida debía imitar al arte y no al revés. Estos reformadores introdujeron nuevos conceptos que influirían en el mundo del diseño para el siglo siguiente.
La Ghirlandata (1873) de Dante Gabriel Rossetti
| Fecha de finalización | 1873 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 124 cm x 85 cm |
| Ubicación | Guildhall Art Gallery, Londres |
La Ghirlandata es a menudo considerada como el «epítome de la belleza y el amor». A diferencia de las primeras obras prerrafaelitas de Rossetti, esta imagen tiene un ablandamiento de la línea que ha sido considerado como la fase sensual del artista, una forma que tiene más conexión con los artistas del movimiento estético.
La composición de la imagen es equilibrada y casi simétrica.
La Ghirlandata (1873) de Dante Gabriel Rossetti; Dante Gabriel Rossetti, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Una mujer rasguea cuidadosamente un arpa en el centro, su forma oculta por cortinas ondulantes y capas de vegetación floreciente. Las delicadas características de la mujer se reflejan en los rostros de dos rostros celestiales sobre ella.
El esquema de color es vívido y armonioso, con el verde de su vestido mezclándose con la flora, permitiendo que los tonos corporales cálidos complementarios y las trenzas ardientes del cabello se destaquen.
Tetera (c. 1879) por Christopher Dresser
| Fecha de finalización | c. 1879 |
| Medio | Plata y ébano |
| Dimensiones | 12 cm x 22 cm x 13 cm |
| Ubicación | Victoria and Albert Museum, Londres |
Las formas angulares y las líneas limpias de esta pintura contrastan con el estilo victoriano típico, que los estetas criticaron como quisquilloso y enrevesado. Dresser fue uno de los primeros en reconocer la necesidad de un diseño industrial para productos para el hogar, y que se podía hacer de una manera elegante y hermosa. La orfebrería del artista, en particular, es considerada como un predecesor significativo de los diseños contemporáneos de la Bauhaus.
Dresser es descrito por el Victoria and Albert Museum como «un ingeniero industrial antes de que se fundara la profesión, un hombre que descubrió nuevas técnicas de creación para la fabricación que pocos de sus colegas podrían haber imaginado».
Tetera (c. 1879) por Christopher Dresser, manufacturojo por James Dixon & Sons, Sheffield, Inglaterra. En exhibición en el Museo de Bellas Artes de Montreal, Montreal, Canadá; Daderot, dominio público, vía Wikimedia Commons
Leyendo en voz alta (1884) de Albert Joseph Moore
| Fecha de finalización | 1884 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 56 cm x 46 cm |
| Ubicación | Kelvingrove Art Gallery, Glasgow |
Las pinturas de Albert Joseph Moore generalmente retratan a las damas en el ocio, vestidas con vestidos de estilo clásico ricamente drapeados. Dos damas descansan en un sofá lujosamente cubierto en esta pintura, escuchando atentamente a otra dama reclinada leyendo un libro. El ambiente es de cansancio y ocio, con las mujeres ambientadas en un entorno semi-exótico que se adhiere a los ideales victorianos de seguridad y decencia. La escena carece de ímpetu dramático, por lo tanto, el efecto de aplanamiento y composición horizontal es principalmente ornamental.
De hecho, Moore generalmente titulaba sus pinturas después de que se completaron, lo que indica su deseo de retratar escenarios que eran en gran parte ornamentales en lugar de narrativos.
El estudio de Albert Joseph Moore para Leer en voz alta (c. década de 1880); Albert Joseph Moore, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Arte clásico La inspiración para la imagen de Moore, sin embargo, no es una reproducción de ninguna fuente antigua en particular. El artista simplemente tomó lo que necesitaba para crear una imagen agradable. En este sentido, su clasicismo es borrado por el esteticismo. Sin preocuparse por la verdad histórica o la historia dramática, el artista se concentró en el equilibrio tonal y el impacto estético, al igual que su conocido Whistler.
Moore estaba muy preocupado por representar cortinas. La abundancia de tela en esta imagen demuestra su dominio de los sutiles cambios de tono, movimiento y textura. Moore estableció un nombre para tales imágenes clásicas, lo que ayudó a establecer este tema dentro de la pintura estética y arrojó luz sobre la proclividad del grupo a inspirarse dondequiera que un pintor viera algo visualmente agradable.
El movimiento estético prosperó en Inglaterra desde la década de 1870 hasta la década de 1880, y fue influyente tanto en las artes prácticas como artísticas. Albert Moore, James Abbott McNeill Whistler y algunas piezas de Frederic y Lord Leighton son ejemplos de ello en pinturas. La cultura japonesa tuvo un impacto significativo, particularmente en Whistler y el diseño visual.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué es un movimiento estético?
El esteticismo era una filosofía artística europea de finales del siglo 19 que sostenía que el arte existía únicamente por el placer de su atractivo y que no necesita tener ninguna función política, educativa o de otro tipo. El movimiento surgió en respuesta a las teorías sociales utilitaristas prevalentes, así como a lo que se pensaba que era la dureza y la vacuidad de la era industrial. Sus raíces intelectuales se establecieron en el siglo 18.
¿Cuál fue el mensaje detrás del esteticismo?
Cuando el movimiento estético afirmó que el arte estaba libre de significado moral o narrativo, presentó una amenaza para el público victoriano. En una época en la que se esperaba que el arte transmitiera una historia, la noción de que una simple expresión de emoción o algo simplemente atractivo para mirar podía considerarse arte era novedosa. Los ideales del movimiento estético, por otro lado, representan un trampolín esencial en el camino hacia el arte moderno en su afirmación de que una obra de arte puede estar separada de la narrativa.
