El arte contemporáneo es el arte que se hace hoy. Pero este término es más pegajoso que eso porque el significado del término arte contemporáneo no siempre es el mismo que otros movimientos artísticos como hemos visto en la era del arte moderno. El término está marcado por un cambio en la forma en que los artistas ven su creación artística, y podemos ver mucha innovación en términos de los medios que utilizan y las ideas que presentan. En este artículo, desempaquetaremos la idea del arte contemporáneo, analizando algunos de los temas del arte contemporáneo, así como ejemplos de arte contemporáneo.
¿Qué es el arte contemporáneo?
La definición de arte contemporáneo es el arte hecho en la segunda mitad del siglo 20 hasta ahora. Este arte responde a los tiempos modernos en los que vivimos, centrándose en amplios marcos contextuales, desde políticos y culturales, temas de identidad y tecnología avanzada. Los artistas hacen arte basado en conceptos y reaccionan a la vida política y cultural del mundo.
El arte contemporáneo no se trata simplemente del placer estético de mirar una obra de arte, sino que está mucho más centrado en compartir ideas. El arte contemporáneo está marcado por su diversidad de medios y estilos.
Características del Arte Contemporáneo
Aunque la característica más importante del arte contemporáneo es que no hay características definitorias reales del mismo, hay algunas características comunes que son compartidas por el arte contemporáneo en su conjunto. Algunas de estas características incluyen:
- Artistas contemporáneos están involucrados en la innovación con nuevas ideas y nuevas formas de arte, utilizando todo lo que están a su disposición, desde videojuegos hasta ingeniería y cirugía plástica. Los artistas utilizan diversos medios.
- Las obras de arte están hechas con un concepto detrás de ellas, y cada obra de arte tendrá una razón más allá de existir como un objeto puramente estético.
- Algunos artistas contemporáneos trabajan en grupos pero no hay grandes movimientos como los hubo en la era del arte moderno.
- Los médiums son parte del proceso de creación de significado que los artistas inventan para sí mismos.
- También hay un movimiento hacia una visión menos eurocéntrica del arte, y muchos más artistas de diversas partes del mundo son reconocidos y reciben más atención.
¿Es el arte contemporáneo lo mismo que el arte moderno?
Las palabras contemporáneo y moderno son técnicamente sinónimos, pero estas dos fases en el historia del arte son muy diferentes. El significado del arte contemporáneo implica mucho más contexto. El arte contemporáneo se considera posmoderno, lo que significa que vino después del Modernismo.
El arte contemporáneo es diferente de los movimientos de arte moderno como el arte pop o el surrealismo. El arte moderno estuvo marcado por artistas que eran autorreferenciales (hacer arte sobre arte).
Escultura rosa de Isa Genzken, ejemplo de arte contemporáneo; Christoph Müller, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Los artistas crearon movimientos artísticos, con ideas similares y desafíos técnicos que ocuparon los pensamientos de muchos artistas diferentes. En la era del arte contemporáneo, los artistas crean arte que responde a la experiencia única de vivir en el mundo tecnológicamente avanzado en el que nos encontramos, cada historia es única. Los artistas crean obras de arte basadas en sus experiencias únicas. No hay ideas e ideologías generales, y los artistas no crean nuevos «-ismos» como el surrealismo y el fauvismo.
Los artistas modernos crearon obras de arte centrándose en el proceso de creación del arte en sí, como cuando Impresionistas creó obras de arte que responden a la invención de la cámara, inspiradas en la idea de capturar la luz minuto a minuto. Los artistas contemporáneos no todos tienen un medio general que exploren, y cada artista utiliza el medio como una forma de explorar temas e ideas más grandes.
El arte contemporáneo responde a las ideas del mundo moderno de una manera que se adapta a este momento de la historia y el tiempo, con cada artista centrándose en un viaje de toda la vida de creación artística sobre las complejidades de vivir en el mundo a su manera.
Ejemplos de obras de arte contemporáneas
Ahora veremos algunas de las obras de arte contemporáneas modernas más famosas hechas hasta la fecha, describiendo cómo estos artistas innovan y crean nuevas obras de arte emocionantes. Estas obras de arte son simplemente un vistazo a las diversas ideas con las que trabajan los artistas, pero dan una idea del increíble trabajo que se está haciendo y las ideas emocionantes e importantes con las que los artistas trabajan.Día de la verdad.
Pieza cortada (1964) de Yoko Ono
| Título de la obra | Pieza cortada |
| Artista | Yoko Ono |
| Año | 1964 |
| Medio | Performancetrabajo |
| Dónde se hizo | Nueva York, Estados Unidos |
Cut Piece (1964) es un ejemplo temprano del arte contemporáneo. Es una obra de arte de performance. En la década de 1960, artistas como Yoko Ono se hicieron conocidos por organizar eventos llamados Happenings, en los que el artista dio a los espectadores y participantes de arte el poder de hacer arte ellos mismos o tener una mano en la creación de arte.
La mayoría de estos eventos fueron solo momentáneos y solo existirían más tarde en fotografías, o en una obra de arte final que tendría menos significado sin el contexto de la actuación.
Fotografía de la artista Yoko Ono en 2011; Earl McGehee – www.ejmnet.com, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Cut Piece es uno de estos eventos, en el que la artista le pidió a la gente que cortara piezas de su ropa mientras se sentaba inmóvil. A medida que el artista se expuso cada vez más, la audiencia se volvió más tranquila y más conmocionada, recordó el artista. Esta obra de arte provocativa también puso a la artista en varios niveles de peligro, ya que confió en la audiencia de que solo le cortarían la ropa y no usarían sus tijeras para otros fines.
Infinity Mirror Room (1965) de Yayoi Kusama
| Título de la obra | Habitación Infinity Mirror |
| Artista | Yayoi Kusama |
| Año | 1965 |
| Medio | Ilustraciones de instalación |
| Dónde se hizo | Nueva York, Estados Unidos |
Infinity Mirror Rooms (1965) de Kusama, de las cuales hay muchas variaciones diferentes, se consideran obras de arte de instalación. Usando espejos, la artista transformó la intensa repetición de sus primeras pinturas en un espacio tridimensional y una experiencia perceptiva. Hay al menos veinte infinity mirror rooms distintas en el mundo. Estas salas crean visiones caleidoscópicas con aspectos multimedia, todo lo cual crea una extraña ilusión de que la sala es infinita, y los miembros de la audiencia también son infinitos.
Un Habitación Infinity instalación de Yayoi Kusama; Pablo Trincado de Santiago de Chile, Chile, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
La primera de estas habitaciones, Infinity Mirror Room: Phalli’s Field, muestra una habitación llena de cientos de formas fálicas de lunares que cubren cada superficie de la habitación. El trabajo intensivo en mano de obra hizo que el artista considerara otras formas de crear el efecto de estar completamente rodeado por estos objetos largos y redondeados. La artista es famosa por su vinculación con el lunar y con los círculos, afirmando que crear círculos la consoló sin cesar.
Esta obra de arte también hizo que los miembros de la audiencia fueran el tema de la obra, y la existencia del cuerpo en el espacio lo altera y le da más significado.
Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson
Spiral Jetty (1970) es un ejemplo de una obra de arte de la Tierra Contemporánea. Esta obra de arte fue construida en el Gran Lago Salado en Utah y consistió en rocas de barro, sal y basalto que se construyeron en una espiral de 1500 pies de largo que se doblaba en sentido contrario a las agujas del reloj.
Esta espiral se podía ver desde arriba dependiendo del nivel del agua del lago. Esto significó que la tierra misma cambió el significado de la obra de arte, ya que a veces no existía o estaba oculta, y en otras ocasiones la tierra nos permitió echarle un vistazo.
Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, ubicado en Rozel Point en el Gran Lago Salado, Utah, Estados Unidos; Escultura: Robert Smithson 1938-1973Imagen:Soren.harward en en.wikipedia, dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta obra de arte es una de las obras de arte más famosas de land. Los artistas de la tierra suelen utilizar la tierra misma como medio, haciendo un trabajo que se inspira y existe en la tierra, sin ser perjudicial para la tierra. Éste tipo de arte También era bastante infame por no poder vender: nadie podía comprar un pedazo del lago, y esta descomercialización en el mercado del arte también fue un nuevo aspecto del arte contemporáneo moderno que lo hizo diferente del modernismo.
Ritmo 0 (1974) de Marina Abramović
| Título de la obra | Ritmo 0 |
| Artista | Marina Abramović |
| Año | 1974 |
| Medio | Performance |
| Dónde se hizo | Nueva York, Estados Unidos |
En una obra de arte similar de años de diferencia, Marina Abramović creó el Ritmo 0 (1974) performance. El artista entregó a los miembros del público 72 objetos con los que podían hacer lo que sintieran que querían. Estos objetos incluían tijeras, una rosa, zapatos, una silla, cuerdas de cuero, un bisturí, una pistola, una pluma, una bala y un poco de pastel de chocolate, entre otros.
El artista se quedó quieto durante las seis horas de la actuación, mientras que los miembros del público se volvieron cada vez más violentos. Un miembro de la audiencia abrió el cuello del artista, mientras que otro sostuvo el arma en la cabeza del artista.
La audiencia terminó en una pelea sobre hasta dónde estaban dispuestos a llegar ciertos miembros del público con sus actos violentos. Al final de la actuación, todos los que habían participado huyeron para evitar confrontar en lo que habían participado. Esta obra de arte se convirtió en un ejemplo impactante de la naturaleza humana, así como de lo lejos que el arte podría extenderse más allá de ser una pintura tradicional en una pared.
La cena (1974) de Judy Chicago
| Título de la obra | La cena |
| Artista | Judy Chicago |
| Año | 1974 |
| Medio | Arte feminista, Arte de instalación |
| Dónde se hizo | Nueva York, Estados Unidos |
La famosa obra de arte de Judy Chicago fue una gran obra de arte de instalación. El medio de instalación se refiere a una obra de arte en la que los miembros de la audiencia pueden estar completamente inmersos, una obra de arte en la que puede entrar. Esta gran instalación incluía múltiples mesas colocadas en forma triangular.
La obra de arte tiene cientos de componentes, pero «The Dinner Party» (1974) establece un banquete imaginario donde el artista invitó a 39 mujeres de la historia a «tener un asiento en la mesa» literal y figurativamente.
Hay lugares para mujeres de la historia y la mitología, desde Sacajawea, Susan B. Anthony y Emily Dickinson, hasta la Diosa Primordial. Estos escenarios de lugares representan principalmente imágenes estilizadas de la anatomía femenina, como las vulvas. Esta obra de arte creó un gran impacto con la exhibición descarada de la anatomía femenina y el volumen de todos los cientos de partes que componen la obra.
Esta obra de arte ha llegado a ser conocida como una de las piezas más importantes del arte feminista en la historia y está en exhibición permanente en el Museo de Brooklyn en los Estados Unidos de América.
Alma, Silueta en Fuego (1975) de Ana Mendieta
| Título de la obra | Alma, Silueta en Fuego |
| Artista | Ana Mendieta |
| Año | 1975 |
| Medio | Fotografía, Land Art y Body Art |
| Dónde se hizo | Estados Unidos |
Ana Mendieta era una artista de la Tierra y también se llamaba a sí misma una artista del cuerpo que usaba la fotografía para capturar su trabajo. En la era contemporánea, los artistas también comenzaron a usar medios digitales y fotográficos para crear y mostrar sus ideas, y el uso del video se ha convertido en algo común.
«Alma, Silueta en Fuego» (1975) es solo una obra de arte en una serie en la que la artista utilizó su propia silueta, camuflada en entornos naturales.
Hizo comparaciones entre la figura femenina y el paisaje, y en esta obra específica, la artista señaló la violencia experimentada por las mujeres y sus cuerpos, así como por la tierra. Estas obras de arte están a lo largo de un tema feminista, pero también se pueden ver como Arte ambiental centrados en la tierra y nuestro tratamiento de nuestros recursos naturales. Cuando se le preguntó sobre su propio trabajo, la artista declaró: «A través de mis esculturas de tierra / cuerpo, me convierto en uno con la tierra … Me convierto en una extensión de la naturaleza y la naturaleza se convierte en una extensión de mi cuerpo».
Self (1991) de Marc Quinn
| Título de la obra | Propio |
| Artista | Marc Quinn |
| Año | 1991 |
| Medio | Sangre, acero inoxidable, Perspex y equipos de refrigeración |
| Dónde se hizo | Londres, Reino Unido |
Self es un autorretrato realizado por el artista Marc Quinn en 1991. El artista utilizó sus propios materiales corporales para crear esta escultura: su propia sangre. El artista se echó la cabeza con diez pintas de su propia sangre recolectadas durante unos meses. Esta obra de arte se realizó durante un tiempo en el que el artista luchó con la dependencia, y esto se relaciona con la forma en que la escultura necesita electricidad para mantener su forma.
La materialidad de la obra de arte también es muy significativa aquí, haciendo del autorretrato el material más cercano a su propio cuerpo que el artista podría, utilizando partes de su cuerpo real.
De esta manera, el artista experimentó con nuevos materiales de una manera que lo hizo más significativo. Este es un gran ejemplo de arte contemporáneo que utiliza el medio de manera significativa. Esto no es simplemente otro busto de una cabeza hecha con cualquier material, el medio se convierte en parte del mensaje.
Dejando caer una urna de la dinastía Han (1995) de Ai Weiwei
| Título de la obra | Dejando caer una urna de la dinastía Han |
| Artista | Ai Weiwei |
| Año | 1995 |
| Medio | Obra de performance |
| Dónde se hizo | China |
En 1995, el artista y activista chino creó este ejemplo provocador de arte contemporáneo. El artista usó lo que llamó un «ready-made cultural»,una urna de 2000 años de antigüedad de la dinastía Han. Como sugiere el título, la obra de arte en sí consistía en que el artista dejaba caer y destruir una pieza importante de la historia china. Cuando se le preguntó sobre la obra de arte, el artista, conocido por sus controvertidas obras de arte que critican al gobierno chino, citó a su líder Mao Zedong: «La única forma de construir un nuevo mundo es destruyendo el viejo».
Habiendo pagado cientos de miles de dólares por la urna, destruirla no solo fue una pérdida para la cultura, sino también para el propio artista. Algunos dicen que esta obra de arte incluso no fue ética de crear. También hay cierto debate sobre si el artista usó una pieza real de la antigüedad o una falsificación, pero su silencio sobre el asunto sigue siendo escandaloso para su audiencia.
En esta obra de arte, se puede ver que el artista utilizó la idea del ready-made, inspirado en Marcel Duchamp’s uso de ready-mades. Estos son objetos encontrados y se utilizan en la vida cotidiana que se reutilizan para crear obras de arte. En este sentido, referirse a una parte tan potente de la historia china como un ready-made es indignante en sí mismo. La destrucción de la misma es solo un aspecto de lo que hace que esta obra de arte sea tan poderosa.
Al dejar caer la urna, el artista también está dejando de lado los valores culturales con la esperanza de crear un futuro mejor.
La serie 99 (2014) de Aïda Muluneh
| Título de la obra | La serie 99 |
| Artista | Aïda Muluneh |
| Año | 2014 |
| Medio | Fotografía |
| Dónde se hizo | Etiopía |
Aïda Muluneh es una artista contemporánea que también utiliza la fotografía. Sus retratos en The 99 Series (2014) consideran el África poscolonial. Utiliza el retrato, principalmente de mujeres de su ciudad natal de Addis Abeba, de una manera que desafía el retrato tradicional. La serie 99 incluye mujeres vestidas con prendas teatrales, con caras pintadas.
La artista utiliza estos retratos y su fotografía para abordar los roles e identidad de género de las mujeres en Etiopía. Las fotos de esta serie son tranquilas, usando simbólicamente el blanco y el rojo.
El artista se refiere a la cara blanca como una máscara, que encapsula la forma en que se altera la representación para obtener ventajas políticas. La mayoría de las manos en estas fotos son rojas, lo que se refiere a que están manchadas de sangre. Estas manos intentan controlar el retrato, cubriendo los rostros de las mujeres, refiriéndose a la oscura historia del colonialismo y la forma en que esto ha impactado a las naciones africanas.
En última instancia, esta serie analiza cómo es para Muluneh ser una mujer africana, siempre considerada una forastera dondequiera que iba.
De esta manera, su propia historia personal se vuelve universalmente aplicable a muchas mujeres en todo el mundo y da una idea a otras que no entienden cómo es. Esta historia es descrita por el artista como «una historia que cada uno de nosotros lleva, de pérdida, de opresores, de víctimas, de desconexión, de pertenencia, de anhelo de ver el paraíso en el oscuro abismo de la eternidad».
Chica con globo (Shredded Painting) (2018) de Banksy
| Título de la obra | Chica con globo (Pintura triturada) |
| Artista | Banksy |
| Año | 2018 |
| Medio | Arte sobre lienzo con trituradora en marco |
| Dónde se hizo | Londres, Reino Unido |
Banksy, conocido por su arte callejero, fue noticia en 2018 cuando tuvo una obra de arte en subasta en Sotheby’s en Londres. Tan pronto como se vendió la obra de arte y el subastador golpeó su mazo, la obra de arte comenzó a sonar y la obra de arte fue triturada por su marco.
El artista había puesto secretamente una trituradora dentro del marco. Tan pronto como se vendió, una de sus obras de arte más famosas fue destruida instantáneamente.
En una publicación de Instagram, el artista dijo más tarde: «El impulso de destruir también es un impulso creativo». Banksy es famoso por sus poderosas y simplistas obras de arte de graffiti y las obras de arte trituradas en forma de broma muestran que el humor también es una parte importante del arte contemporáneo moderno.
Aquí has aprendido sobre las diferentes características del arte contemporáneo, y has visto algunos ejemplos de las obras de arte inspiradoras y emocionantes creadas en los últimos 60 años. Los ejemplos de arte contemporáneo aquí muestran cuán diferente y diversa puede ser la creación artística, y nos permite echar un vistazo a las historias y las vidas que viven otras personas de todo el mundo. Desde el land art hasta el performance y las instalaciones, los artistas están creando cosas nuevas e impresionantes todos los días para que puedan transmitir un mensaje: ¡nuestro único trabajo es escuchar y entender!
Preguntas Frecuentes
¿Cuál es la definición de arte contemporáneo?
El arte contemporáneo es el arte que se hace hoy en día, basado en vivir la vida en el mundo tecnológicamente avanzado y todas sus historias políticas y culturales.
¿Es el arte contemporáneo lo mismo que el arte moderno?
El arte contemporáneo y el arte moderno no son lo mismo, incluso si las dos palabras son sinónimos. El arte moderno describe el período de tiempo en la creación de arte antes de que surgiera el arte contemporáneo.
¿Cuáles son algunas características del arte contemporáneo?
El arte contemporáneo es diverso en estilos y técnicas, y la característica más importante es que cada artista hace un trabajo a su manera sobre un aspecto de la vida en el mundo de hoy.
