Después de la Edad Oscura griega y reemplazado por la era clásica, el período arcaico griego duró desde alrededor de 800 aC hasta la segunda ocupación persa de Grecia en 480 aC. Los griegos se establecieron en todo el Mediterráneo y el Mar Negro durante el período arcaico en Grecia, hasta Trapezus en el este y Marsella en el oeste, y al final de la era, formaban parte de una red comercial mediterránea. El período arcaico griego comenzó con un gran aumento de la población y cambios profundos que hicieron que el mundo griego fuera completamente irreconocible a finales del siglo 8. El gobierno griego, la economía, las relaciones exteriores, la guerra y el arte griego arcaico cambiaron durante el período arcaico.
Arte griego arcaico
El comienzo del período arcaico en Grecia, en el siglo VII a.C., ve un cambio significativo en el arte del período arcaico. En el siglo VII, un estilo más realista que exhibe una gran influencia de Egipto y el Cercano Oriente reemplaza los patrones geométricos abstractos que fueron populares entre aproximadamente 1050 y 700 a.C.
Una copia de Afrodita Braschi por Praxíteles (siglo 1 aC), ubicada en el Museo Glyptothek en Munich; Glyptothek, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los artistas griegos estaban motivados a participar en métodos tan diversos como la talla de marfil, el corte de gemas, la fabricación de joyas y la metalurgia mediante estaciones comerciales en el Delta del Nilo y el Levante, la colonización griega continua en el este y el oeste, y la interacción con los artesanos orientales, particularmente en Chipre y Creta. Se introdujeron arreglos de palmeta y loto, expediciones de animales y animales híbridos como grifos (parte pájaro, mitad león), esfinges (parte dama, parte león volador) y sirenas.
Las raíces del arte del período arcaico y el arte griego clásico fueron establecidas por pintores griegos que rápidamente asimilaron estilos y temas extranjeros en nuevas representaciones de sus propios cuentos y tradiciones.
Historia del arte del período arcaico
El mundo griego de los siglos VII y VI a.C. estaba formado por una serie de ciudades-estado autónomas conocidas como poleis, que estaban divididas por acantilados y el mar. Los asentamientos griegos abarcaron la costa de Asia Menor y las islas del Egeo, así como el norte de África, Grecia continental, Sicilia y posiblemente España. Los poleis en la costa de Asia Menor y las islas cercanas compitieron en la creación de santuarios con enormes templos de piedra a medida que su riqueza y poder se expandieron.
En el trabajo de poetas prominentes como Safo de Lesbos y Archilochos de Paros, la poesía lírica, el medio literario dominante de la época, alcanzó nuevas alturas. El contacto con ciudades ricas como la Sardis de Lidia, que fue gobernada por el mítico rey Creso en el siglo VI a.C., impactó el arte griego oriental. Esculturas de mármol a gran escala fueron esculpidas por escultores en las islas del Egeo, particularmente en Samos y Naxos.
La joyería fina fue hecha por orfebres en Rodas, mientras que las armaduras y placas fueron hechas por trabajadores del bronce en Creta con magníficos relieves.
Una pintura mural que representa a Hades secuestrando a Perséfone (siglo 4 a.C.), ubicada en la pequeña tumba real macedonia en Vergina, Macedonia; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Corinto, Esparta y Atenas, entre los centros creativos más importantes de Grecia continental, mostraron una variación regional sustancial. Esparta y sus vecinos lakonianos crearon esculturas de marfil excepcionales y bronces inusuales. Los artesanos corintios desarrollaron un estilo de figura silueteada con diseños similares a tapices de temas de plantas y animales en miniatura. Los artistas de jarrones de Atenas, por otro lado, prefirieron representar situaciones legendarias.
A pesar de las diferencias regionales en el dialecto, el idioma griego fue un elemento de unión clave en toda Grecia. Además, las personas de habla griega se reunieron en los importantes santuarios panhelénicos en la Grecia continental, como Delfos y Olimpia para celebraciones y juegos.
Muchas obras de arte de las áreas occidentales y orientales de Grecia fueron dedicadas a estos santuarios. Los pintores griegos se hicieron cada vez más realistas en sus representaciones de la forma humana a lo largo del siglo VI a.C.
Detalle de un jarrón de figura negra (c. 540 a.C.). También se ha utilizado el color blanco, que no se ha desgastado bien, y un rojo-púrpura diferente; Cabinet des Médailles, dominio público, vía Wikimedia Commons
El Kouris masculino y el kore femenino eran los estilos más populares de esculturas independientes a gran escala en este momento. El kouros en el Museo Metropolitano es uno de los especímenes más antiguos de la amable, con influencia egipcia tanto en postura como en dimensiones. Estas enormes esculturas de piedra fueron erigidas más allá de las murallas de la ciudad en templos y cementerios como homenajes a los dioses o marcadores de tumbas. Los nobles atenienses creaban regularmente costosos monumentos funerarios en la ciudad y sus alrededores, particularmente para los familiares que murieron cuando eran jóvenes.
Tales monumentos también tomaron la forma de estelas, que con frecuencia se adornaban en relieve. Durante el período, los santuarios fueron un punto focal de éxito creativo y un almacén clave de obras de arte.
A principios del siglo VI a.C., los dos órdenes principales de la arquitectura griega: el orden dórico y el orden jónico estaban firmemente establecidos. A lo largo del siglo, la arquitectura del santuario se perfeccionó a través de un proceso de experimentación vigorosa, típicamente a través de proyectos de construcción emprendidos por reyes como Polícrates de Samos y Peisistratos de Atenas.
Jinetes del Friso del Partenón (c. 447 – 433 a.C.), bloque VII del friso sur del Partenón; Museo Británico, dominio público, vía Wikimedia Commons
Estas estructuras estaban frecuentemente adornadas con figuras esculpidas en piedra o terracota, pinturas (ahora principalmente destruidas) y molduras intrincadas. Las verdaderas secuencias narrativas en la escultura en relieve se desarrollaron por primera vez a finales del siglo VI a.C., cuando los pintores se interesaron más en representar figuras en movimiento, particularmente la forma humana. Atenas creó los juegos panatenaicos en el año 566 a.C. Se colocaron estatuas de atletas triunfantes en santuarios griegos como dedicatorias, y se adornaron ánforas trofeo con la ocasión en que el olímpico había triunfado.
Durante el siglo VI a.C., la innovación y la invención tomaron numerosas formas.
Tales de Miletos, el científico griego más antiguo registrado, documentó los ciclos naturales y adivinó con precisión un eclipse solar y los solsticios. Pitágoras de Samos fue un matemático poderoso y con visión de futuro que es mejor conocido por el teorema de la geometría que lleva su nombre. Solón, un legislador y poeta de Atenas inició cambios revolucionarios y produjo un sistema escrito de reglas.
Rara gran estatua de terracota arcaica tardía de Zeus y Ganímedes, ubicada en el Museo Arqueológico de Olimpia; Joanbanjo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Mientras tanto, los alfareros de Atenas adquirieron métodos corintios, y en el año 550 a.C., los atenienses, también conocidos como «áticos» por el territorio alrededor de Atenas, la cerámica de figuras negras monopolizó el sector de exportación del Mediterráneo. Los jarrones de Atenas de la segunda mitad del siglo VI a.C. tienen una riqueza de obras de arte que representan ceremonias funerarias, vida cotidiana, simposios, deportes, combate, religión y folclore, entre otras cosas.
Sophilos, Kleitias, Nearchos, Exekias, Lydos y el pintor Amasis se encontraban entre los grandes artistas de jarrones de figuras negras áticas que incursionaron con una variedad de enfoques para superar las limitaciones de la concentración de la pintura de figuras negras en la silueta y los detalles grabados.
La creación posterior del método de la figura roja, que permitió más opciones de boceto y finalmente suplantó a la figura negra, se fecha tradicionalmente alrededor del año 530 a.C. y se acredita al estudio del alfarero Andokides.
Lo más destacado del arte durante el período arcaico en Grecia
- Festivales y juegos reunieron a las diversas y variadas civilizaciones griegas, y fueron sometidos al arte de otras partes del imperio.
- La «Sonrisa Arcaica» apareció con frecuencia en esculturas y figuras esculpidas y estaba destinado a dar al artículo una sensación de vida y bienestar.
- Los escultores comenzaron a preocuparse más por el tamaño y anatomía realista de la forma humana.
- Con énfasis en la armonía, los arquitectos buscaron mejorar el equilibrio y la proporción de sus estructuras.
Interior de una copa ática de figuras rojas (c. 450 a.C.), ubicada en el Cabinet des Médailles de París; Cabinet des Médailles, dominio público, vía Wikimedia Commons
- El estilo orientalizante, la primera desviación del estilo geométrico del pasado, fue influenciada por influencias orientales. Esta adopción cultural no se limitó a las artes, sino que también incluyó el mito, la teología y la palabra escrita.
- Un pie izquierdo hacia adelante o increíblemente detallado, el cabello similar a un casco también se puede usar para identificar estatuas arcaicas.
- Mientras pensamos que los edificios y esculturas griegas son ordinarios. YoEn su condición actual de mármol blanco, estas estatuas y templos eran de colores vibrantes en su día. La joyería de metal también se utilizó para embellecer varias esculturas.
Cerámica griega arcaica y escultura arcaica
El período arcaico está marcado por una tendencia hacia enfoques figurativos y realistas en el artes visuales. Fue durante este tiempo que la escultura monumental fue traída a Grecia, y Cerámica griega Los estilos vieron transformaciones significativas, desde los patrones repetitivos del período geométrico tardío hasta los primeros jarrones de figuras rojas.
Pero, ¿cuáles son los dos tipos principales de arte del período arcaico? Tanto la escultura griega antigua como la cerámica griega antigua tuvieron notables influencias orientalizantes a principios de la era arcaica.
Escultura griega arcaica
Escultura griega consistía principalmente en modestas piezas de bronce, especialmente de caballos, al comienzo de la era arcaica. También se hicieron estatuas humanas de bronce, y tanto los caballos como los humanos se pueden ver en santuarios sagrados. Las miniaturas de caballos fueron cada vez menos frecuentes hacia finales del siglo VII, desapareciendo finalmente «casi totalmente» en el año 700 aC.
La escultura griega exhibió una considerable influencia oriental en el siglo VII, con animales mitológicos como grifos y sirenas cada vez más prominentes. La escultura griega comenzó a retratar explícitamente a los dioses alrededor del siglo VII aC, una tradición que previamente había sido abandonada después del final del período micénico.
El período arcaico en Grecia vio el comienzo de la escultura humana de tamaño natural en piedra dura. Las dimensiones del Kouros de Nueva York se adhieren estrechamente a las regulaciones egipcias que rigen la proporción de formas humanas, que fue influenciada en parte por la antigua escultura de piedra egipcia.
La escultura en relieve del altar helenístico de Pérgamo; Claus Ableiter, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Estas esculturas se conocen principalmente en Grecia como dedicatorias de iglesias y marcadores de tumbas, pero los mismos métodos también podrían haberse empleado para crear representaciones de culto. El kore y el kouros, esculturas frontales de tamaño natural de una mujer u hombre joven, establecidas en las Cícladas a mediados del siglo VII aC, son los tipos más conocidos de escultura arcaica. La Dedicación de Nikandre, que se ofreció a Artemisa en su santuario en Delos alrededor del año 650 aC, fue probablemente el primer kore hecho, y kouroi siguió poco después.
Tanto las personas como las divinidades estaban representadas por kouroi y korai. Se dice que algunos kouroi, como el Coloso de los naxianos de alrededor del año 600 aC, representan a Apolo, mientras que el Phrasikleia Kore estaba destinado a parecerse a una mujer joven cuya tumba se suponía inicialmente identificar. El kouroi ático se hizo más realista y naturalista durante el siglo VI. Este patrón, sin embargo, no se presenta en ninguna otra parte de Grecia.
El género comenzó a desvanecerse en popularidad a finales del siglo VI cuando los aristócratas que encargaron kouroi perdieron poder, y en 480, los kouroi ya no se producían.
Cerámica griega arcaica
La cerámica griega arcaica representa un porcentaje significativo del registro arqueológico de la antigua Grecia, y como hay tanto de ella, ha tenido una influencia proporcionalmente grande en nuestra comprensión de la civilización griega. Los fragmentos de antiguos jarrones griegos que fueron abandonados o enterrados en el primer milenio antes de Cristo siguen siendo el mejor recurso para aprender la forma tradicional de vida y la cosmovisión de los griegos.
Varias ollas griegas se hicieron en el país para uso diario y culinario, mientras que la cerámica superior del Ática fue comprada por otras civilizaciones mediterráneas, especialmente los etruscos de Italia.
Hubo varias variantes regionales, sobre todo los antiguos estilos de cerámica griega del sur de Italia. En estos lugares, se utilizaron muchos tipos y formas de jarrones griegos antiguos. Algunos se utilizaron como marcadores de entierro, otros como regalos de tumbas, y otros, como figuras de terracota posteriores, parecen haber sido vistos parcialmente como objetos de arte. Algunos eran jarrones griegos extremadamente hermosos destinados al consumo aristocrático y al ornamento de la casa tanto como al almacenamiento u otras funciones, como el krater, que se usaba típicamente para diluir el vino.
Cerámica que representa a Heracles, Atenea y un lado de figura negra de un ánfora del vientre por el pintor Andokides (c. 520 – 510 a.C.), ubicado en la Staatliche Antikensammlungen en Munich; Staatliche Antikensammlungen, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La introducción de la pintura de jarrones resultó en un aumento de la decoración en el arte cerámico griego.. Las obras de arte basadas en la geometría en patrones de jarrones griegos se desarrollaron en Grecia al mismo tiempo que el período orientalizante a fines de la Edad Oscura y principios del período arcaico. Inicialmente, los patrones de cerámica griega antigua de figuras negras se produjeron en la Grecia arcaica y clásica, pero se desarrollaron otras variaciones, como las vasijas de figuras rojas y el método del suelo blanco. West Slope Ware fue representativo de la última era helenística, que vio la extinción de la pintura de jarrones.
El renacimiento del entusiasmo en el arte griego comenzó bastante tiempo después de la restauración de los estudios clásicos durante el Renacimiento, y fue revitalizado en la década de 1630 por los intelectuales en Roma que rodeaban a Nicolas Poussin.
A pesar de que se establecieron pequeñas colecciones de jarrones recuperados de antiguos cementerios en Italia en los siglos 15 y 16, se clasificaron como etruscos. Aunque Lorenzo de Medici probablemente adquirió numerosos jarrones áticos directamente de Grecia, la conexión entre ellos y los desenterrados en el centro de Italia se reconoció mucho más tarde.
La mayor parte de los primeros estudios sobre barcos griegos se realizó en forma de producir libros de las imágenes que mostraban; sin embargo, ni los folios de D’Hancarville ni los de Tischbein documentan los formularios ni intentan identificar una fecha, lo que los hace poco confiables como registros arqueológicos. A lo largo del siglo 19, las actividades de investigación académica genuina hicieron un progreso constante.
Los nombres que asignamos a los diseños de jarrones griegos dependen en gran medida de la tradición más que de la precisión histórica; algunos están etiquetados con sus títulos originales, mientras que otros son el resultado de los intentos inútiles de los primeros arqueólogos de vincular el elemento físico con un término reconocido de la literatura griega.
Krater geométrico medio del período ático (c. 800 – 775 a.C.), ubicado en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York; Museo Metropolitano de Arte, CC BY 2.5, vía Wikimedia Commons
Para comprender mejor la relación entre forma y función, la cerámica griega arcaica se divide en cuatro categorías clave, cada una de las cuales se muestra a continuación con ejemplos de tipos populares: frascos de almacenamiento, recipientes de mezcla y recipientes griegos para aceites y fragancias.
Aparte de sus aplicaciones utilitarias, ciertos tipos de jarrones se asociaron con rituales, mientras que otros estaban conectados con los deportes y la arena. Aunque no se conocen todos sus usos, los investigadores hacen conjeturas razonables sobre qué papel habría desempeñado un componente cuando hay incertidumbre.
Algunos, por ejemplo, son puramente ceremoniales. Algunos de los contenedores fueron diseñados para ser utilizados como marcadores de tumbas. Los machos se distinguían por cráteres, mientras que las hembras se distinguían por ánforas. Esto les permitió sobrevivir, y es por esta razón que se celebrarán ciertos cortejos fúnebres.
Heracles y Atenea. Tondo de un kylix ático de figura roja que representa a Heracles y Atenea (480 – 470 a.C.), de Vulci. Situado en la Staatliche Antikensammlungen de Múnich; Staatliche Antikensammlungen, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El aceite utilizado como regalo funerario fue descubierto en lekythoi de tierra blanca que parecía estar preparado particularmente para ese propósito. Ha habido un mercado global para la cerámica griega arcaica desde el siglo 8 aC, que Corinto y Atenas controlaron hasta el final del siglo 4 aC. El alcance de este comercio puede determinarse trazando los mapas de posición de estos buques fuera de Grecia, aunque esto no tiene en cuenta los regalos o la inmigración.
El descubrimiento del panatenaico en los enterramientos etruscos sólo podía explicarse por la presencia de un mercado de segunda mano. Los artículos del sur de Italia comenzaron a dominar el mercado de exportación del Mediterráneo occidental a medida que el poder político de Atenas disminuyó durante el período helenístico.
Eso concluye la mirada de hoy al arte del período arcaico en Grecia. Las dos formas de arte más prominentes del arte del período arcaico fueron la escultura arcaica y la cerámica. La escultura y la cerámica adornada florecieron a lo largo del período arcaico en Grecia, especialmente jarrones en estilos rojo y negro. Las influencias del Cercano Oriente y Egipto tuvieron un papel importante en la transición de los estándares geométricos a un estilo más realista que contenía animales, seres legendarios y características botánicas.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué era el arte griego arcaico?
El período arcaico griego duró desde aproximadamente 800 aC hasta la segunda colonización persa de Grecia en 480 a.C., siguiendo la Edad Oscura griega y siendo sucedido por la era clásica. Durante el período arcaico en Grecia, los griegos se establecieron en todo el Mediterráneo y el Mar Negro, tan al este como Trapezus y al oeste como Marsella, y al final de la era, formaban parte de una red de comercio mediterránea. La era arcaica griega comenzó con un aumento significativo de la población y transformaciones drásticas que hicieron que el mundo griego fuera irreconocible a finales del siglo VIII. Durante el período arcaico, la administración griega, la economía, las relaciones exteriores, la guerra y el arte griego arcaico evolucionaron.
¿Cuáles son exactamente los dos tipos principales de arte del período arcaico?
En las artes visuales, el período arcaico se distingue por un movimiento hacia métodos figurativos y realistas. Durante este período, la escultura monumental se introdujo en Grecia, y los estilos de cerámica griega evolucionaron significativamente, desde los patrones repetitivos del período geométrico tardío hasta los primeros jarrones de figuras rojas. Pero, ¿cuáles son los dos estilos principales de arte del período arcaico? A principios de la era arcaica, tanto la escultura griega antigua como la cerámica griega antigua exhibieron notables influencias orientalizantes.
