El arte neoimpresionista se originó con Georges Seurat y sus colegas, quienes introdujeron un enfoque innovador en la representación del color y la luz en la pintura. Su técnica se fundamentó en avances científicos revolucionarios sobre la «mezcla óptica», que permitía que los experimentos de color en lienzo fueran decodificados por el ojo y el cerebro del espectador.
El impacto matizado del neoimpresionismo
El neoimpresionismo surgió como un movimiento vanguardista en la octava y última exposición impresionista de 1886, donde Georges Seurat, su figura fundadora, presentó su monumental obra «Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte» (1884 – 1886). La estética innovadora de Seurat se estableció como un estándar para el movimiento.
El neoimpresionismo alcanzó su apogeo entre 1885 y 1894, con Paul Signac emergiendo más tarde como la figura principal del movimiento.
¿Qué es el neoimpresionismo?-
El neoimpresionismo se define como un estilo de pintura que surgió en Francia durante la década de 1880, y tiene muchos nombres. Georges Seurat lo llamó cromoluminarialismo, mientras que Paul Signac hizo su propia distinción con su término divisionismo. En algún momento del camino, tenemos Puntillismo e incluso el postimpresionismo.
Uno de los defensores más feroces del movimiento, el crítico Félix Fénéon, acuñó el término «neoimpresionismo», que abarcaba todo lo anterior.
Fotografía de Félix Fénéon (c. 1894 a 1895); Alphonse Bertillon, CC0, vía Wikimedia Commons
El neoimpresionismo llegó a significar el movimiento artístico fundado por un pequeño grupo de artistas, incluido Georges Seurat, quien desarrolló un enfoque conceptual y técnico de la pintura basado en teorías ópticas científicas. Su objetivo era imponer intervenciones experimentales sobre lo que el Impresionistas antes que ellos lo habían hecho y para crear pinturas supremamente luminosas.
Muchos artistas del neoimpresionismo eran una generación más joven que los impresionistas, por lo tanto, habrían estado familiarizados con los impresionistas que todavía estaban activos. En su deseo de representar temas contemporáneos, a menudo al aire libre, y su enfoque en la luz y el color, eran increíblemente similares a los impresionistas.
Pero los artistas del neoimpresionismo querían honrar las tradiciones impresionistas a través de medios científicos. Renunciaron al énfasis de los impresionistas en la pincelada artística y no estaban interesados en utilizar su soltura para lograr imágenes de aspecto espontáneo.
Impression, Sunrise (1872) de Claude Monet, un ejemplo de una obra de arte impresionista; Claude Monet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
A diferencia de los impresionistas que tenían que ver con la luz y los momentos etéreos, los neoimpresionistas querían hacer composiciones lógicas y planificadas previamente para abordar el contexto político de la época que incluía la industrialización y la explotación de las clases trabajadoras.
La pregunta «qué es el neoimpresionismo» puede ser respondida por un concepto técnico central de la definición de neoimpresionismo fue la mezcla visual. El uso de colores contrastantes y una técnica de fragmentación se arraigó en el interés de los neoimpresionistas en la ciencia del color.
Evitaron mezclar color en la paleta a menos que fuera con blanco o un color análogo. En su lugar, colocarían pequeñas áreas de color una al lado de la otra en el lienzo, manipulando la apariencia de los colores adyacentes.
Divisionismo
Charles Blanc’s rueda de colores fue influyente en la conceptualización de la teoría divisionista. Blanc se basó en las teorías del químico Michel Eugène Chevreul y el pintor romántico colorista Eugene Delacroix para plantear la hipótesis de la noción de mélange optique o mezcla óptica.
Según Paul Signac, el divisionismo produciría colores más vibrantes que el proceso tradicional de mezcla de pigmentos.
La rueda de colores de Charles Blanc utilizada en la teoría del divisionismo; Kwamikagami, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
En un libro publicado en 1879 y traducido al francés en 1881, Charles Blanc proporcionó un dibujo de pequeñas estrellas a la derecha y pequeños puntos a la izquierda para ilustrar el proceso de mezcla de colores a través de la percepción en lugar de en la paleta. Se refirió al libro de John Ruskin The Elements of Drawing, que abogaba por una técnica similar y que a los impresionistas les gusta. Claudio Monet und Edgar Degas también había elogiado.
Inspirado en esta ilustración, el arte del divisionismo se caracterizaría por parches de colores individuales que interactuaban ópticamente entre sí.
Al colocar colores separados en el lienzo, se produjo un nuevo color. Este color mezclado solo estaba presente en el ojo del espectador cuando veía la pintura a distancia. De esta manera, los divisionistas creían que estaban logrando la máxima luminosidad según la ciencia.
Puntillismo
La técnica neoimpresionista se puede resumir como el uso de un toque dividido, pero hay varias formas de lograrlo. Mientras que el puntillismo era la técnica más común, Paul Signac señaló que el puntillismo no era más que uno de los muchos métodos que podían explorarse en el neoimpresionismo. Para Signac, los puntos no eran suficientes sin la técnica del contraste de color.
Las técnicas clave del neoimpresionismo se basaron en la «ley del contraste simultáneo» del químico francés Michel-Eugene Chevreul, que establece que cuando los ojos ven dos colores opuestos simultáneamente, estos colores aparecen lo más diferentes posible en la composición óptica y en el tono.
la rueda de colores de Michel Eugène Chevreul; Michel Chevreul, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Así, el arte del divisionismo era una estética que incorporaba esta teoría, mientras que el puntillismo era una técnica para ejecutarla. En el caso del puntillismo, la técnica era una aplicación de pequeños puntos o puntos que, vistos colectivamente, permitirían a los ojos del espectador completar la composición.
El puntillismo estaba más preocupado por la forma y la composición.
Como no se limitaba al punto, el divisionismo ofrecía una imagen dinámica, mientras que el puntillismo podía transmitir una mirada tranquila y estática. Georges Seurat explicó una vez que a través del puntillismo, quería emular el efecto de un friso griego.
Los padres fundadores del arte neoimpresionista
El neoimpresionismo, y sus muchos seguidores, trabajaron arduamente para establecer un enfoque nuevo y científico de la pintura que esencialmente renunciara al estilo que otros impresionistas admiraban mucho. A continuación, echaremos un vistazo a dos de las figuras más importantes del movimiento artístico neoimpresionista, junto con algunas de sus notables contribuciones.
Georges Seurat (1859 – 1891)
Georges Seurat recibió formación académica, pero solo por un año. Encontró que el arte académico era restrictivo, por lo que se unió al ejército. Su carrera militar fue aún más breve, pero lo expuso a los impresionistas. Pintores como Claude Monet y Lucien Pissarro, con sus coloristas orgánicos y temas modernos, fueron una gran inspiración para el joven pintor.
A partir de entonces, trabajaría en varios estilos diferentes, pero es por su pionero del neoimpresionismo que se haría más conocido.
Fotografía de Georges Seurat (1888); Fotógrafo no identificado, dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque sus fuentes eran algo contradictorias, Georges Seurat abrazó las teorías de Michel-Eugene Chevrelle, que los neoimpresionistas conocían a través del historiador del arte Charles Blanc. Utilizó estas teorías para establecer lo que llamó cromoluminarismo alrededor de 1884.
Seurat y sus compañeros neoimpresionistas experimentaron incansablemente para ir más allá de los límites del impresionismo. A diferencia de los impresionistas, Seurat pintó principalmente en su estudio, aunque produjo cientos de bocetos en Plein air que superan en número a sus pinturas terminadas.
Su pintura final El circo (1890-1891) sigue inconcluso. Es una visión convincente de su habilidad e intención.
El circo (1891) de Georges Seurat; Georges Seurat, dominio público, vía Wikimedia Commons
El equilibrio de las armonías azules y amarillas y el dinamismo de la forma evocan movimiento y energía en los parámetros estáticos de su exigente estilo. Él codificó el comentario social en este trabajo. Imaginando figuras de clase alta en los asientos de la primera fila y figuras de clase trabajadora en las hemorragias nasales de arriba.
La repentina muerte de Seurat en 1891 asestó un golpe devastador a la causa neoimpresionista. Seurat tenía poco más de 30 años y la causa de la muerte fue una infección desconocida. A pesar de su corta carrera, su obra y legado demuestran que fue un artista prolífico y visionario.
Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884 – 1886)
| Nombre | Una tarde de domingo en el Istierra de La Grande Jatte |
| Año | 1884 – 1886 |
| Tamaño | 2,08 m x 3,08 m |
| Medio | Óleo |
Una de las obras de arte fundadoras del movimiento fue realizada por Georges Seurat. Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-86) debutó en la 8ª y última exposición impresionista en 1886. La pintura era grande para los estándares impresionistas. Lanzó al artista de 26 años al centro de atención y podría decirse que es el más significativo históricamente de esa exposición.
Cuando Seurat comenzó la pintura en 1884, había utilizado pequeñas pinceladas de colores alternos. Al volver a visitar la pintura en el invierno de 1885-1886, la reelaboró siguiendo su nueva forma rebelde de impresionismo inspirada en la teoría óptica. No fue hasta que estuvo cerca de terminar A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte en 1886 que Seurat ideó la técnica del punto puntillista, que originalmente llamó cromoluminarismo.
El puntillismo fue la clave para corregir el gran lienzo sin tener que volver a pintarlo. Seurat yuxtapone repetidamente puntos en miniatura en colores contrastantes que armonizan el lienzo dándole un tono luminoso. Visitó el parque repetidamente para capturar meticulosamente la luz del paisaje. Durante estos viajes, completó numerosos dibujos y bocetos antes de regresar a la pintura. Sus bocetos demuestran lo devoto que era al cromoluminismo. Pasó dos años trabajando en esta pintura.
Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884 – 1886) de Georges Seurat; Georges Seurat, dominio público, vía Wikimedia Commons
El escenario de esta pieza es la isla de La Grande Jatte situada justo al oeste de París. El parque había sido una zona industrial durante muchos años. Sin embargo, cuando Seurat comenzó esta pintura en la primavera de 1884, se había convertido en un punto de acceso rústico fuera de la ciudad, donde los parisinos ricos se retiraban en las tardes soleadas.
Los azules, verdes, amarillos y rojos se aplican más o menos sin mezclar. En lugar de mezclar, cada color se coloca por separado en relación con el siguiente. El agua tiene multitud de puntos en plomo blanco, verde esmeralda, y el azul ultramarino que Seurat colocó uno sobre el otro para construir capas que se combinan en el ojo para producir el efecto deseado.
La composición general de reflujos oscuros y claros hace alarde de las cualidades luminosas del estilo neoimpresionista.
Detalle de A Domingo por la tarde en la Isla de La Grande Jatte (1884 – 1886) de Georges Seurat; Georges Seurat, dominio público, vía Wikimedia Commons
Como fue el caso de la primera gran obra de Seurat, Bathers in Asnières (1884), nos mostró una visión del complejo mundo social de la época. Es interesante que en Bathers in Asnières, los relajantes trabajadores de París se bañan a plena luz del sol, mientras que casi todas las figuras de La Grande Jatte están protegidas por la sombra de los árboles y las sombrillas.
A pesar de que la isla de La Grande Jatte está abierta para todas las personas en París, la mayoría de las personas en la imagen están bien para hacerlo. Las 48 figuras incluyen caballeros vestidos de manera dandiza, damas con galas de moda, parejas acomodadas y sus hijos presentables, incluso un trompetista que da una serenata a dos soldados de pie para llamar la atención.
Hacia el centro de la pintura hay una joven vestida de rojo que parece ser la única figura en movimiento.
Detalle de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884 – 1886) de Georges Seurat; Georges Seurat, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Seurat ataca astutamente la moralidad de la clase con dos de las figuras femeninas que transmiten signos de prostitución, un pasatiempo favorito para los ricos de la época. Hay una mujer pescando y otra sacando a pasear a su mono mascota.
La mujer que extiende su caña de pescar sobre el agua a la izquierda podría ser un indicio de su pesca para los clientes. La mujer con el mono mascota traiciona un poco de juego de palabras. La palabra francesa singesse, que significa mono hembra es también la jerga para la prostituta.
La tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte de Seurat, leída en conjunto con Bañistas en Asnières, es una visión interesante de cómo era la vida en París entonces. Los bañistas nos mostraban a la clase obrera mientras La Grande Jatte representaba el mundo de los ricos al otro lado del río. Este trabajo utilizó técnicas científicas para exponer las disparidades entre las diferentes partes de la sociedad en la rápida modernización de París de la día.
Bañistas en Asnières (1884) de Georges Seurat; Georges Seurat, dominio público, vía Wikimedia Commons
Una vez más, como en Bañistas, hay una cualidad estática en la pintura, excepto que en La Grande Jatte Seurat la mejoró para hablar del sentido de rigidez social en la clase alta. La escena puede parecer ocupada al principio, pero el puntillismo de Seurat resalta el aislamiento de sus sujetos. Está representando a la burguesía como desconectada del resto de la sociedad y de los demás. La calidad congelada de las figuras produjo un elemento de ironía atemporal.
La Grande Jatte lanzó correctamente la carrera de Seurat. Pero después de su muerte en 1891, la pintura rara vez se vio durante casi tres décadas.
Afortunadamente, en 1924, fue comprado y luego prestado al Instituto de Arte de Chicago, donde permanece hasta el día de hoy. La Grande Jatte se ha convertido en una de las obras maestras modernistas más memorables, y ha sido completamente referenciada en el arte y la cultura pop por igual.
Paul Signac (1863 – 1935)
Pablo Signac conoció a Seurat en el evento fundacional de la Societe des Artistes Independants en el verano de 1884. Habiendo visto ya el trabajo de Seurat en el Salón Independiente de 1884, Paul Signac se convirtió rápidamente al enfoque neoimpresionista.
Como era cuatro años mayor que Signac, Seurat pudo impartir sus conocimientos. Siendo de una familia de clase media-alta, Signac tenía los medios y el tiempo para ayudar a Seurat en su misión de desarrollar los métodos neoimpresionistas. A diferencia del solitario Seurat, Signac era extrovertido y extremadamente bien conectado.
Fue Paul Signac quien dio a conocer las ideas neoimpresionistas de Seurat. Es por eso que Paul Signac es considerado una de las figuras fundadoras del neoimpresionismo.
Fotografía de retrato de Paul Signac (1924); Henri Manuel, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus personajes eran tan compatibles que Signac seguiría siendo el camarada creativo más cercano de Seurat hasta su prematura muerte. Después de la muerte de Seurat en 1891, Paul Signac intervino como el principal teórico del neoimpresionismo. Bajo el liderazgo de Signac, el movimiento se volvió más franco sobre su crítica del mundo moderno y su conexión con el anarquismo pasó a primer plano.
La continua defensa de Signac del neoimpresionismo fue vital para la supervivencia del movimiento.
Guió a la próxima generación de pintores, incluso trabajando con Henri Matisse durante el verano de 1904 cuando pintaba su propia obra puntillista Luxe, calme et volupté (1904). Pero después de mudarse a Saint-Tropez en su vejez, el movimiento disminuyó. Paul Signac continuaría pintando en el estilo divisionista hasta que murió en la década de 1930.
De Eugène Delacroix al neoimpresionismo (1899)
El libro de Paul Signac D’Eugène Delacroix au Néo-Impressionnisme (1899) o «De Eugène Delacroix al neoimpresionismo», acuñó el término «divisionismo» y es ampliamente considerado como el manifiesto neoimpresionista. Fue publicado en 1899 y aunque eso ya fue cinco años después del apogeo del movimiento, muchos artistas lo leyeron y fueron influenciados por la estética.
El libro era una defensa del neoimpresionismo, que todavía era muy criticado en ese momento. Signac utilizó el libro para trazar conexiones con el gran colorista Delacroix en un esfuerzo por validar la estética neoimpresionista.
Delacroix y Signac reprendieron simultáneamente la pincelada y elogiaron el toque. Para entender el neoimpresionismo entonces, había que distinguir entre el tacto y la pincelada. El tacto era la mínima intervención en la superficie de un lienzo con el pincel. Este era el objetivo de Delacroix.
Opus 217. Contra el esmalte de un fondo rítmico con ritmos y ángulos, tonos y tintes, Retrato de M. Félix Fénéon en 1890 (1890) de Paul Signac; Paul Signac, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La pincelada en contraste con el movimiento requerido por el tacto. Aunque no requería mucho esfuerzo físico, la mano necesitaba hacer un gesto. Evidentemente, la pincelada fue un gesto demasiado subjetivo para Delacroix. La idea era que las pinceladas quitaran el foco del espectador de la pintura y lo dirigieran hacia la mano del pintor. Prestando atención a las enseñanzas de Delacroix, Signac escribió que: «Los pintores neoimpresionistas se negaron a dejarse seducir por el encanto de la pincelada».
Si bien el libro comienza con la tendencia de la crítica de Signac y Delacroix a la pincelada y la admiración del tacto, suEn las secciones ter se hace hincapié en las disparidades. Signac visualiza una transición de Delacroix a los impresionistas y luego a los neoimpresionistas.
Delacroix había escrito: «El tacto es un medio entre otros para representar el pensamiento en la pintura. El color es otro medio para producir el mismo efecto. Por lo tanto, se podría hacer una analogía entre el color y el tacto». Signac usó esto para argumentar que antes del neoimpresionismo el toque estaba motivado. Debido a la artificialidad del toque dividido de los neoimpresionistas, el toque se había separado de la narrativa de la pintura. La eliminación completa de los medios del contenido alentó a los pintores a abrazar las posibilidades de pintar por el bien de la pintura, lo que eventualmente conduciría a la pintura abstracta.
Crítica y contradicción
El amigo y crítico de arte de Seurat, Félix Fénéon, popularizó el término neoimpresionismo. Lo había utilizado para describir el trabajo presentado por Georges Seurat en la 8ª y última exposición impresionista en 1886. El término triunfó sobre los otros términos para el estilo, como puntillismo, divisionismo y cromolumminarismo. La defensa de Fénéon atrajo a más artistas a pintar en el estilo, incluido Camille Pissaro, quien se destacó en el neoimpresionismo.
Durante su vida, Seurat había atraído más atención de los críticos que Signac, cuyo trabajo a menudo se mencionaba solo en relación con el de su amigo. La muerte de Seurat se correspondió con el declive del neoimpresionismo. La rigidez inherente del estilo de pintura hizo que muchos pintores que habían experimentado con él finalmente lo abandonaran e incluso lo criticaran.
Antibes. Petit Port de Bacon (1917) de Paul Signac; Paul Signac, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque habían afirmado que su estilo se basaba en principios científicos, los críticos vieron evidencia de que los neoimpresionistas habían malinterpretado las teorías ópticas. En última instancia, los neoimpresionistas no lograron una mezcla óptica convincente y no pudieron probar que sus métodos aseguraran una mayor luminosidad, ya que esa era una premisa subjetiva.
La ciencia estipuló que la luminosidad mejorada era posible bajo la condición de luz de color, no puntos de color pintado. Los neoimpresionistas intentaban intensificar la luminosidad de dos pigmentos lisos adyacentes mientras preservaban su individualidad. En realidad, la luminosidad resultante no es superior a la media de sus luminosidades separadas.
Los críticos menos perspicaces simplemente criticaron al puntillismo por su fracaso en el naturalismo. Por supuesto, la realidad no aparece como puntos multicolores. Estos críticos arremetieron contra el concepto central del tacto de los neoimpresionistas. Para apreciar plenamente lo que se estaba representando, querían que el toque fuera transparente.
Todo está iluminado
A principios de siglo, el neoimpresionismo había sido reemplazado por movimientos más nuevos como el cubismo, que adoptó la separación del color en su propia organización espacial, y Fauvismo, que tomó prestado el uso evocador del color, liberándolo de los métodos científicos restringidos del neoimpresionismo. Estos estilos eran mucho más fáciles de practicar y entender.
Les Pins (1897 – 1899) de Henri-Edmond Cross; Henri-Edmond Cross, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Además de Signac, otros artistas que experimentaron con técnicas neoimpresionistas incluyeron a Lucien Pissarro y su padre, Camille Pissarro, junto con Albert Dubois Pillet, Maximillian Luce y Henri Edmund Cross. La influencia neoimpresionista se remonta incluso a las obras de Vincent van Gogh, Henri Matisse, Piet Mondrian, Robert Delaney y Pablo Picasso.
El neoimpresionismo también sentó un precedente para la integración del arte y la política. En el siglo 20, las ideologías en competencia buscaron lenguajes visuales que reflejaran sus valores. Los artistas desde Picasso y su asociación con el comunismo hasta la conexión de los futuristas italianos con el fascismo ya no rehuirían usar su arte para arrojar luz sobre sus creencias políticas.
Preguntas Frecuentes
¿Cuál es la diferencia entre el neoimpresionismo, el divisionismo y el puntillismo?
El divisionismo y el puntillismo son subestilos dentro del neoimpresionismo. El puntillismo se define específicamente como el uso de puntos de pintura y no se centra necesariamente en la separación.ción de colores. El divisionismo, por otro lado, se desarrolló específicamente como una técnica de mezcla óptica de colores.
¿Es el neoimpresionismo lo mismo que el postimpresionismo?
La respuesta a esta pregunta es sí y no. Si bien los términos a menudo se confunden, no es cierto que sean uno y el mismo. El neoimpresionismo es un submovimiento del postimpresionismo. En esencia, están relacionados pero no son completamente iguales.
¿Qué es visualmente el neoimpresionismo?
A menudo hay puntos minúsculos, parches o puntos de color puro que se aplican en todo el lienzo, que constituyen la imagen. Estos colores a menudo se colocan por separado en contraste entre sí, lo que permite que la mezcla de colores tenga lugar en el cerebro del espectador al mirar la obra de arte.
¿Eran los neoimpresionistas anarquistas?
Aunque es poco probable que lancen bombas, muchos neoimpresionistas abrazaron el ideal anarquista de una sociedad armoniosa basada en la autonomía individual. A los ojos de pintores como Signac y críticos como Feneon, el neoimpresionismo se convirtió en una analogía visual para los objetivos políticos de los anarquistas.
