¿Qué es el Art Nouveau? El movimiento Art Nouveau exploró una forma de arte decorativo que prosperó en los Estados Unidos y Europa desde alrededor de 1890. El estilo Art Nouveau, que se aplicó popularmente en el diseño de interiores, la arquitectura, la joyería y los diseños de vidrio, la publicidad y los gráficos, se distingue por el empleo de líneas largas, serpentinas y naturales. El período Art Nouveau se definió por un esfuerzo consciente para desarrollar un diseño único que era distinto del clasicismo mimético que caracterizó la mayoría del diseño y el arte del siglo 19.
Explorando el estilo Art Nouveau
En toda Europa y mucho más allá, los diseños y conceptos Art Nouveau generaron un deseo de artes decorativas, diseño arquitectónico y estilo. Como consecuencia, tiene una serie de alias diferentes, incluyendo Jugendstil y el estilo de Glasgow. Al rechazar la mezcla diversa anteriormente de moda de estilos anteriores, los artistas Art Nouveau aspiraban a modernizar el diseño.
Los patrones Art Nouveau se inspiraron en patrones naturalistas y geométricos y produjeron diseños atractivos que fusionaron formas fluidas y orgánicas que sugieren ramas de plantas y flores.
Placa de estilo Art Nouveau de La plante et ses applications ornementales (1896) de Eugène Grasset; Eugène Grasset, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Como resultado, los contornos lineales tuvieron prioridad sobre los vívidos colores como naranjas, rojos y anaranjados amarillentos. El movimiento Art Nouveau intentó eliminar los sistemas de arte clásicos, como la escultura y la pintura, que son más esenciales que las artes decorativas basadas en la artesanía. Este diseño, que había caído en desgracia mucho antes de la Primera Guerra Mundial, preparó el escenario para art decó renacimiento en la década de 1920. Sin embargo, fue revitalizado en la década de 1960 y hoy en día es visto como un predecesor clave, si no un componente central del modernismo.
Los ejemplos más frecuentes del estilo se pueden observar en la arquitectura Art Nouveau y las pinturas Art Nouveau.
Composición que representa diferentes aspectos del estilo Art Nouveau; Trabajo de composición : asmoth, asmoth en wikipediaAutores de imágenes originales : (de arriba a la izquierda a abajo a la derecha) : Camille Martin (1861 – 1898), subido por SkeJean-Louis VenetGuillaume Baviere, subido por Paris 16GuerinfWolfgang MoroderEugène Samuel Grasset, subido por JustlettersandnumbersMyrabellaSage Ross, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Conceptos importantes
El deseo de los artistas Art Nouveau de romper con las tradiciones históricas del siglo 19 fue una razón principal detrás del modernismo del movimiento Art Nouveau. A pesar del hecho de que la fabricación industrializada se había convertido en un lugar común, las imitaciones de épocas anteriores gradualmente se hicieron más frecuentes en las artes decorativas.
Los practicantes del Art Nouveau querían restaurar la mano de obra sobresaliente, mejorar la artesanía y producir diseños realmente modernos que apelaran al pragmatismo de los productos que estaban creando y produciendo.
Debido a los sistemas académicos que caracterizaron la formación artística desde el siglo 17 hasta el siglo 19, la escultura y la pintura se consideraron preferibles a habilidades como el diseño de interiores y la herrería. Según muchos, esto resultó en desdén por la excelente artesanía. Cuando se trata de arquitectura y diseño de interiores, la arquitectura Art Nouveau intentó desafiar las convenciones mediante la construcción de «obras completas de las artes», en las que todas las partes trabajaron al unísono dentro de un lenguaje estético unificado.
Un interior Art Nouveau, c. 1890-1910; Rijksmuseum, CC0, vía Wikimedia Commons
El período Art Nouveau fue crucial para cerrar la brecha entre las bellas artes y las artes prácticas, pero es incierto si esa brecha alguna vez se ha superado por completo. Varios diseñadores de Art Nouveau consideraron que los diseños anteriores eran excesivamente ornamentales para evitar lo que consideraban un adorno innecesario. Esto los llevó a sentir que el propósito de un objeto, en lugar de al revés, debería afectar su forma.
En realidad, esta era una mentalidad abierta que afectaría a los futuros movimientos modernistas, particularmente a la Bauhaus.
Aspectos clave del movimiento Art Nouveau
Alrededor de 1880, el estilo Art Nouveau surgió como una reacción a los motivos y composiciones desordenadas de las obras de arte de la era victoriana. La segunda influencia fue el movimiento Arts and Crafts de Inglaterra, que fue una reacción contra el arte ornamental de la era victoriana, similar a los patrones Art Nouveau. UnComo consecuencia, muchos artistas europeos de la década de 1880, como Émile Gallé, Gustav Klimt y James Abbott McNeill Whistler, quedaron cautivados por las obras de arte japonesas, en particular.
IZQUIERDA: Retrato de Emile Gallé (c. 1890) por Victor Prouvé; Dguendel, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons | MEDIO: Gustav Klimt en abrigo de pintor azul (1913) de Egon Schiele; Egon Schiele, Dominio público, vía Wikimedia Commons | DERECHA: Una sinfonía (1878) de Vanity Fair; Museo Metropolitano de Arte, CC0, vía Wikimedia Commons
Los diseños florales y globulares, así como la curvatura de «latigazo cervical», eran comunes en los grabados japoneses, que finalmente se vincularon con los diseños Art Nouveau. Es difícil saber qué obra o obra de arte lanzó oficialmente el Art Nouveau.
Mientras que algunos argumentan que las líneas rítmicas y fluidas de Vincent van Gogh y los fondos floridos marcan el comienzo del período Art Nouveau, otros argumentan que las litografías de Lautrec ornamentadas por Henri de Toulouse demuestran la culminación del estilo.
Exhibiciones
Las pinturas y la arquitectura Art Nouveau fueron las más prominentes en las exhibiciones internacionales durante su apogeo. La Exposición Tervueren en Bruselas, la Exposición Universal de París de 1889 y la Exposición Internacional de Nancy de 1909 la exhibieron significativamente (donde el diseño Art Nouveau se utilizó principalmente para demostrar el potencial de la mano de obra con maderas exóticas del Congo Belga).
Cada una de estas exposiciones se centró en las artes decorativas y la arquitectura, y finalmente el Art Nouveau fue en realidad la tendencia de elección para casi todos los arquitectos y países exhibidos, sin que otros estilos compitieran por la posición o las ventas.
Cartel de la Exposición Internacional de Turín de 1911; Paolocuccu, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
L’Art Nouveau, fundada en 1895 por Siegfried Bing, un comerciante alemán que también era admirador de Arte japonés, se convirtió en un importante proveedor de las artes decorativas y muebles del estilo. La fama de la tienda se extendió por Europa y los Estados Unidos, y se convirtió en un nombre familiar. Art Nouveau ha sido llamado una multitud de títulos debido a su amplia popularidad en Europa Occidental y Central. En los países de habla alemana, fue apodado Jugendstil cuando una revista de Munich llamada Jugend lo popularizó.
El nombre «Sezessionsstil» fue acuñado en Viena, hogar de artistas como Otto Wagner, Gustav Klimt y Josef Hoffmann, todos miembros del Estilo de Secesión.
Retrato de grupo de los miembros de la Secesión de Viena en la 14ª exposición en 1902, con (de izquierda a derecha) Anton Nowak, Gustav Klimt (en la silla), Koloman Moser (antes de Klimt con sombrero) Adolf Böhm, Maximilian Lenz (reclinado), Ernst Stöhr (con sombrero), Wilhelm List, Emil Orlik (sentado), Maximilian Kurzweil (con gorra), Leopold Stolba, Carl Moll (reclinado), Rudolf Bacher; Moritz Nähr, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Conceptos de diseño Art Nouveau
El gran atractivo del período Art Nouveau a finales del siglo 19 se puede atribuir en parte al uso de formas de arte gráfico fácilmente reproducibles por muchos artistas. Durante la era Jugendstil, los medios impresos como portadas de libros y portadas de catálogos de exhibiciones, anuncios de revistas, talones de boletos y vallas publicitarias estaban de moda en Alemania.
Sin embargo, este nuevo crecimiento no solo se limitó al mundo de habla alemana.
En su breve carrera, Aubrey Beardsley, un artista británico conocido por mezclar lo erótico y lo macabro en su trabajo, creó una serie de carteles con líneas fluidas y rítmicas. Debido a su arte, fue uno de los individuos más divisivos en el Art Nouveau. Las obras altamente embellecidas de Beardsley muestran que las impresiones Art Nouveau y Japonismo tienen mucho en común.
Grotescos de Aubrey Beardsley. Grabados facsímiles de platino de Frederick H. Evans de los 12 dibujos originales de la colección de Beardsley con un frontispicio de retrato; Frederick H. Evans, CC0, vía Wikimedia Commons
Se utilizaron nuevos procesos cromolitográficos para promover nuevas tecnologías como luces eléctricas y teléfonos, así como lugares de vida nocturna como tabernas y restaurantes, e incluso actuaciones en solitario, todo lo cual transmitió la emoción y la energía de la vida moderna. Como resultado, el cartel se elevó rápidamente de una forma banal de publicidad a una obra de arte. Cualquier estudio genuino del Art Nouveau debe incluir la arquitectura y su enorme impacto en la cultura europea.
El Art Nouveau floreció arquitectónicamente en grandes ciudades como Bruselas y París, como well como ciudades más pequeñas como Darmstadt, y localidades de Europa del Este como Praga, Riga y Budapest.
Arquitectura Art Nouveau
Se puede encontrar en cualquier cosa, desde modestas viviendas en hilera hasta grandes estructuras institucionales y comerciales en la actualidad. El Art Nouveau se produjo en una amplia gama de estilos arquitectónicos, en particular. Muchas estructuras hacen un uso considerable de terracota y azulejos coloridos. Alexandre Bigot, por ejemplo, se hizo famoso a finales del siglo 19 por sus decoraciones de terracota para los exteriores y chimeneas de mansiones y complejos de apartamentos en París.
Céramic Hôtel es un edificio en el 34 de la avenida Wagram en el distrito 8 de París, Francia. Construido en 1904 por el arquitecto Jules Lavirotte y decorado por Alexandre Bigot con una fachada de cerámica en estilo Art Nouveau; Moonik, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Los edificios de hierro están conectados por paneles de vidrio en muchos otros Edificios Art Nouveau, especialmente en Bélgica y Francia. En muchas regiones de Europa, la arquitectura Art Nouveau era popular, utilizando materiales locales como la piedra caliza amarilla junto con adornos de madera. En muchos casos, se utilizaron revestimientos escultóricos de estuco blanco, particularmente en pabellones de exposiciones Art Nouveau.
La Bolsa de Chicago y el Edificio Wainwright son dos de los edificios de Louis Sullivan que se consideran entre los mejores ejemplos de arquitectura Art Nouveau en América del Norte.
IZQUIERDA: Antiguo edificio de la Bolsa de Chicago, 1893-1894; Adler & Sullivan (1881-1895), Dominio público, vía Wikimedia Commons | DERECHA: Edificio Wainwright, después de 1933; Dominio público, enlace
Diseño de Interiores
El diseño Art Nouveau, al igual que las tradiciones de Arts and Crafts antes, se preocupaba tanto por el diseño interior como por el exterior. Los interiores Art Nouveau se esforzaron por crear un ambiente coherente que aprovechara al máximo cada centímetro cuadrado. En este contexto, se hizo mucho hincapié en el diseño de muebles, particularmente en la fabricación de madera tallada a mano con curvas afiladas e irregulares, que normalmente era realizada por artesanos, pero ocasionalmente por máquinas.
Los productores de muebles fabricaron camas, sillas y mesas de comedor, aparadores y candelabros. Las curvas fluidas de los patrones, que se utilizaron como paneles de pared y molduras de corona, se inspiraron en el grano natural de la madera.
Salon Modern-Style, Art Nouveau, Café Riche (París), c. 1900; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los diseñadores franceses más conocidos del Art Nouveau fueron Emile Gallé, Eugène Vallin, Tony Selmersheim y Louis Majorelle. Las líneas de latigazo cervical y las formas restringidas y más angulares fueron utilizadas por los artistas belgas Henry van de Velde y Gustave Serrurier-Bovy, quienes se inspiraron en el estilo Arts and Crafts.
Los italianos Augustino Lauro y Alberto Bugatti estuvieron entre los invitados más conocidos de la nación.
Majorelle, que producía en varios medios, era infame por ser difícil de categorizar. Desarrolló y fabricó sus propias piezas de mobiliario, por ejemplo, antes de abrir una fundición de herrería y producir accesorios de metal para la cristalería de los hermanos Daum.
La marquesa a la entrada de la Villa Majorelle. La herrería fue diseñada y fabricada por la empresa Nancy de Louis Majorelle. En la foto, el dosel de vidrio está sostenido por delicadas ramas de olmo hechas de hierro forjado, y en el fondo, la tubería descendente de agua de lluvia está sostenida por soportes de hierro que imitan las plantas del río; Jean-Pierre Dalbéra de París, Francia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Pinturas Art Nouveau
El Art Nouveau es uno de los únicos estilos cuyo trabajo se puede encontrar en casi cualquier medio visual o material. Los artistas famosos asociados con el Art Nouveau incluyen a Gustav Klim y Victor Prouvé, un diseñador gráfico francés que se especializó en diseño, gráficos y trabajo arquitectónico.
Las obras de arte de la época son difíciles de encontrar debido a la escasez de artistas Art Nouveau como Klimt y Prouvé, que fue arquitecto y artista.
Los artistas art nouveau pueden haber hecho más que en cualquier otro momento de la historia para cerrar la brecha entre las artes ornamentales y aplicadas, que anteriormente habían sido vistas como representaciones más significativas y puras de talento creativo y experiencia. Sin embargo, si ese abismo se ha cerrado o no es discutible.
Boceto para el Hôtel de Ville en París: Les Fleurs. L’Ambroisie. Les fruits (entre 1892 y 1893) de Victor Prouvé; Victor Prouvé, dominio público, vía Wikimedia Commons
Joyería y Cristalería
La inclinación del Art Nouveau por el lujo fue utilizada por algunos de los fabricantes de vidrio más conocidos de la historia. Emile Gallé, Jacques Gruber y los hermanos Daum eran famosos por su vidrio Art Nouveau, que se empleaba en una amplia gama de productos utilitarios a lo largo de sus profesiones. Estas compañías hicieron su reputación en el diseño de jarrones y el vidrio de arte, respectivamente, al ser pioneras en formas novedosas en piezas grabadas al ácido con patrones sinuosamente curvos y moldeados que parecían fluir entre colores translúcidos con facilidad.
Además, los pintores de vidrio como los hermanos Daum lo utilizaron para hacer productos prácticos como sombras, jarrones y decoraciones de escritorio.
Un jarrón de los hermanos Daum, «Jarrón de vidrio Cameo, verde oscuro sobre tierra teñida de rosa, flores y brotes de amapola», 1979; Museo de Auckland, CC BY 4.0, vía Wikimedia Commons
Jacques Gruber y Tiffany, quienes se habían entrenado con los hermanos Daum, eran maestros de los paneles luminantes a gran escala con vitrales que reflejaban el esplendor de la naturaleza. Louis Comfort Tiffany, René Lalique y Marcel Wolfers se encontraban entre los joyeros notables de la época.
A pesar de la idea de que su accesibilidad lo haría más fácilmente disponible, lo fabricaron todo, desde anillos y colgantes hasta collares y alfileres, garantizando que el Art Nouveau se mantendría asociado con el lujo.
Identidad corporativa y minorista
Las compras crecían para atraer a una clientela más grande al mismo tiempo que el Art Nouveau ganaba popularidad. Fue ampliamente exhibido a finales del siglo 19 en La Samaritaine, y Wertheim’s. Hubo algunas grandes empresas de diseño que defendieron el estilo, como la Boutique L’Art Nouveau de Siegfried Bing en París, que siguió siendo un bastión del movimiento hasta 1905, solo unos años después del fallecimiento de Bing.
La boutique L’Art Nouveau de Siegfried Bing, Hôtel Bing, en París. Situado 22 rue de Provence, esquina rue Chauchat, construido en 1895 por Louis Bonnier y destruido en 1922; Édouard Pourchet (1848-1907), Dominio público, vía Wikimedia Commons
No solo su negocio vendía interiores y muebles Art Nouveau, sino que también lo hacían otros en toda la ciudad. Liberty & Co. fue el principal distribuidor italiano y británico del movimiento, y en consecuencia, la marca de Liberty se asoció estrechamente con el movimiento.
Numerosos diseñadores Art Nouveau saltaron a la fama después de trabajar exclusivamente para estos establecimientos.
Diseñadores como Peter Behrens diseñaron de todo, desde hervidores hasta ilustraciones de libros, muebles de pabellón de exhibición, utensilios de cocina y muebles, convirtiéndose finalmente en el primer diseñador industrial cuando AEG lo contrató para supervisar todo el trabajo de diseño en 1907.
Foto interior histórica del Museo Folkwang (Osthaus) en Hagen, Hochstrasse 75. Sala de conferencias con bóveda abovedada, banco semicircular y estante con exhibiciones. Estilo Art Nouveau diseñado por el arquitecto Peter Behrens en 1905; Deutsches Dokumentationszentrum für Kunstgeschichte – Bildarchiv Foto Marburg, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Después del período Art Nouveau
En la última media década del siglo 19, como en los primeros diez años del siglo 20, arquitectos, artistas y diseñadores cambiaron su postura y perspectiva pública sobre el estilo Art Nouveau. Algunos diseñadores pensaron que «la forma debe seguir a la función», pero otros fueron muy lejos con el embellecimiento, y el estilo fue criticado por ser demasiado excesivo. A medida que el período continuó, un número creciente de críticos afirmó que en lugar de rejuvenecer el diseño, el nuevo estilo simplemente reemplazó al anterior con algo que parecía ser nuevo.
Incluso con los nuevos procesos de producción en masa, el alto grado de experiencia exigido por la mayoría de los diseños Art Nouveau aseguró que nunca sería tan accesible para la población en general como sus partidarios esperaban.
Placa con muebles Art Nouveau, de un diccionario francés, c. 1905; Henri Faucher-Gudin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Debido a las laxas restricciones internacionales de derechos de autor, varios artistas de Darmstadt no pudieron ganar dinero con sus obras. La relación entre el movimiento Art Nouveau y las exposiciones estaba condenada desde el principio. Para empezar, la mayor parte de los edificios de la feria solo estaban destinados a ser transitorios y se eliminaron rápidamente después de la la celebración había terminado.
Aunque bien intencionadas, las exposiciones en sí mismas sirvieron para fomentar la rivalidad y la competencia entre los países debido al carácter naturalmente comparativo de las exposiciones, en lugar de promover la educación, la cooperación intercultural y la paz.
El Art Nouveau fue considerado un candidato para el título de «estilo nacional» en varias naciones, incluidas Bélgica y Francia, hasta que las acusaciones de sus raíces extranjeras o connotaciones políticas subversivas volvieron el sentimiento popular en su contra. En 1910, el Art Nouveau casi había desaparecido del paisaje del diseño de Europa, con solo unas pocas excepciones notables donde tenía un devoto seguimiento local.
La Feria Mundial de 1904, St. Louis, Missouri: stand de diseño de interiores alemán que muestra una habitación de estilo Art Nouveau amueblada para una artista femenina; Ver página para el autor, CC BY 4.0, a través de Wikimedia Commons
La muerte del Art Nouveau
A principios de 1903, diseñadores como Josef Hoffmann, Peter Behrens y Koloman Moser en Austria y Alemania comenzaron a alejarse del Art Nouveau en favor de un estilo más escaso y estrictamente geométrico. En el mismo año, un grupo de diseñadores anteriormente vinculados con la Secesión de Viena formaron la Wiener Werkstätte, cuya inclinación por las formas agudamente angulares y rectilíneas recordaba un estilo más preciso, de inspiración industrial, desprovisto de conexiones abiertas con la naturaleza.
Tanto el nombramiento de Behrens como diseñador jefe de AEG, estableciéndolo como el primer diseñador industrial del planeta, como el establecimiento de la Werkbund alemana en 1907, enfatizaron este marco conceptual de las características del diseño hechas a máquina.
Este estilo inspirado en la máquina se convertiría en la estética que ahora llamamos Art Deco después de la Primera Guerra Mundial.
Un conjunto de muebles Art Nouveau para una exposición internacional, 1925; René Crevel, CC0, vía Wikimedia Commons
Influencias
A pesar de su breve existencia, el Art Nouveau tuvo una influencia considerable en los diseñadores gráficos desde la década de 1960 hasta la década de 1970 que buscaban romper con el diseño crudo, frío y más minimalista que anteriormente había dominado la industria.
El Art Nouveau influyó en artistas como Peter Max para producir obras que retratan el mundo creativo innovador, efímero y fluido de principios del siglo 20 en su experiencia sensorial onírica y psicodélica.
El Art Nouveau fue reconocido como un paso importante hacia el modernismo en la arquitectura y el arte desde el principio. Ahora se ve como un reflejo de la manera, la atmósfera y el pensamiento intelectual de un tiempo histórico específico centrado alrededor de 1900.
Se convirtió en el medio visual que caracterizó el deseo de la era moderna de un estilo verdaderamente actual durante un período de tiempo limitado.
Ejemplos de arquitectura Art Nouveau y pinturas Art Nouveau
Hasta ahora, hemos cubierto los conceptos clave del estilo Art Nouveau, así como la historia del movimiento Art nouveau. Ahora veremos algunos ejemplos distintivos de pinturas y arquitectura Art Nouveau. Podemos ver cómo estos diseños Art Nouveau han influido en todas las formas de arte.
Diseño de portada para wren’s City Churches (1883) por Arthur Heygate Mackmurdo
| Fecha de finalización | 1883 |
| Medio | Xilografía sobre papel |
| Dimensiones | 29 cm x 23 cm |
| Ubicación actual | Múltiples impresiones disponibles |
El Art Nouveau fue influenciado por el movimiento inglés Arts and Crafts, particularmente la xilografía Arthur Heygate Mackmurdo. Dos factores se prestan a esta afiliación: el carácter artesanal de la obra de arte, que identifica una xilografía, y el uso de Mackmurdo del espacio negativo y positivo, que es simple.
Las formas abstracto-naturalistas de Arthur Heygate Mackmurdo, así como sus características curvas de latigazo cervical, ejemplifican la ilusión visual de movimiento y vitalidad que definiría el Art Nouveau en los próximos años.
Portada de Iglesias de la ciudad de Wren (1883) de Mackmurdo, un grabado de The Hobby Horse (Inglaterra), publicado por G. Allen con xilografía, tipografía, mezzotinta sobre acero; Arthur Heygate Mackmurdo, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El tema aparente del libro está oculto por la concentración en imágenes florales y vegetales en la portada, lo que subraya el aspecto deliberadamente decorativo del libro e implica que el esfuerzo de Arthur Heygate Mackmurdo es exploratorio.más que una instancia completamente formada del estilo Art Nouveau.
La xilografía es mucho más valiosa que el texto, que es un relato disperso de la arquitectura de la iglesia de Londres.
Moulin Rouge: La Goulue (1891) by Henri de Toulouse-Lautrec
| Fecha de finalización | 1891 |
| Medio | Litografía |
| Dimensiones | 170 cm x 118 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte de Filadelfia |
Toulouse-Lautrec, uno de los diseñadores gráficos más destacados del Art Nouveau, elevó la cartelera de un artículo de basura comercial a la creación de bellas artes en la década de 1890, la misma década que vio el surgimiento de revistas creativas completamente comprometidas con este medio. A pesar de que la palabra «Art Nouveau» no se introdujo hasta después de la muerte de Lautrec en 1901, los diseñadores gráficos que colaboraron con él reconocieron su propia inventiva.
Este diseño toma el estilo y la naturaleza salvaje de la prenda de un bailarín francés y lo reduce a unas pocas líneas rítmicas básicas, lo que implica movimiento y espacio.
Moulin Rouge: La Gouloue (1891) cartel de Henri de Toulouse-Lautrec; Henri de Toulouse-Lautrec, CC0, vía Wikimedia Commons
El aplanamiento de las formas a los contornos básicos con relleno de color plano refleja la afinidad del Art Nouveau con las impresiones japonesas, así como la iluminación en tales clubes nocturnos, que naturalmente harían que los detalles de la superficie de las personas y otras cosas sean oscuros. Del mismo modo, el nombre del cabaret, escrito en letras rojas, indica la intensidad palpitante de las actuaciones, en las que bailarines como La Goulue tomaron el centro del escenario.
La falda del pavo real (1892) de Aubrey Beardsley
| Fecha de finalización | 1892 |
| Medio | Ilustración a tinta |
| Dimensiones | 17 cm x 12 cm |
| Ubicación actual | Reproducir impresión de valla publicitaria |
Esta obra de arte fue hecha como una imagen para el drama salomé de Oscar Wilde de 1892, que se basó en la historia bíblica de Salomé ordenando que la cabeza de Juan el Bautista fuera decapitada y colocada en una bandeja. Varios otros pintores Art Nouveau, como Victor Prouvé, se inspiraron en Salomé. En comparación con algunas de las otras obras más sensuales y francamente desagradables de Beardsley, Salomé es un asunto de modales suaves.
Varios de los artistas influenciados por el Art Nouveau enfatizan la línea, y comúnmente abstraen sus figuras para obtener las curvas fluidas inspiradas en el Art Nouveau.
La falda del pavo real (1892) ilustración de Aubrey Beardsley para la obra de Oscar Wilde Salomé (1892); Aubrey Beardsley, Dominio público, vía Wikimedia Commons
También puede servir como un ejemplo de cómo el uso apasionado del vocabulario formal del estilo puede conducir a la crítica. El trabajo de Beardsley demuestra la influencia de los grabados japoneses en el Art Nouveau a través de su representación aplanada de la forma. Esta imagen también puede ser vista como una representación de lo moderno. Movimiento estético, demostrando cómo el Art Nouveau se inspiró en muchas épocas y géneros históricos.
El Museo de Artes Aplicadas de Budapest (1896) por Ödön Lechner
| Arquitecto | Ödön Lechner |
| Fecha de finalización | 1896 |
| Función | Museo |
| Ubicación | Budapest |
El Museo de Artes Aplicadas de Budapest, diseñado por Ödön Lechner, demuestra cómo la rama «nacional» húngara del Art Nouveau, llamada la Secesión húngara debido a su ubicación en Viena, fue más una fusión de formas anteriores que una búsqueda de otras nuevas.
Esta estructura, que se asienta sobre un lote trapezoidal, cuenta con un atrio en la parte posterior de la fachada primaria que está lleno de luz natural.
El Museo de Artes Aplicadas de Budapest (construido en 1896), diseñado por Ödön Lechner; El cargador original fue Misibacsi en wikipedia húngara., CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons
Azulejos, vidrieras y piedra unen la complicada estructura a su alrededor, creando un estilo policromado vívido que mantiene el ojo del público errante e informa a uno de la armonización de la unión de las formas de arte en la generación de una «obra de arte completa». Los complejos arcos multilobulados, junto con las grandiosas agujas en forma de campana derivadas de Europa Central y las torres con remates esculpidos en forma de cebolla, son ejemplos de las formas utilizadas por dentro y por fuera.
Las entradas al metro de París (1900) de Hector Guimard
| Arquitecto | Héctor Guimard |
| Fecha de finalización | 1900 |
| Función | Entrada del metro |
| Ubicación | París |
Después de Londres, París fue la segunda ciudad del mundo en construir un sistema ferroviario subterráneo cuando Hector Guimard recibió el encargo de diseñar estas famosas entradas de estaciones de metro. El diseño de Hector Guimard se inspiró en el objetivo de conmemorar y promover la nueva infraestructura con una torre dramática que se destacaría en el horizonte de París.
Las entradas presentan formas retorcidas y orgánicas de estilo Art Nouveau que parecen ser prácticamente perfectas a primera vista, pero en realidad están formadas por múltiples componentes de hierro fundido que podrían producirse en masa en Osne-le-Val, al este de París.
La entrada al Metro de las Abadesas de París, diseñada por Hector Guimard; Andrea, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Hector Guimard había ocultado efectivamente algún aspecto del modernismo del objeto detrás de su continuidad serpentina, un método que tipifica la postura ambigua del Art Nouveau hacia el período moderno. Por lo tanto, el diseño de Hector Guimard fue fundamental para presentar los diseños normalmente sofisticados y laboriosos del Art Nouveau a una amplia audiencia para quien se pensaba que el estilo representaba un lujo inalcanzable.
Ernst-Ludwig Haus (1901) de Joseph Maria Olbrich
| Arquitecto | José María Olbrich |
| Fecha de finalización | 180P |
| Función | Edificio estudio |
| Ubicación | Darmstadt, Alemania |
Este es el punto focal de la nueva Comunidad de Artistas de Darmstadt, que fue fundada en 1899 bajo los auspicios del Gran Duque de Hesse. Olbrich, que estaba entre los pintores originales de la comunidad, fue robado de la Secesión de Viena por el duque. La Ernst-Ludwig Haus, al igual que la arquitectura de la Secesión, es altamente rectilínea, con una fachada blanca brillante coronada por un techo suavemente inclinado y situada en una colina.
La entrada principal arqueada y ubicada en el centro, con su diseño geométrico chapado en oro y en forma de nube alrededor de la entrada, que está flanqueada por las dos estatuas masculinas y femeninas de Ludwig Habisch que representan la Fuerza y la Belleza, contrarresta esto.
La entrada al estudio del artista de la colonia diseñado en 1901 por el arquitecto Joseph Maria Olbrich (1867-1908) llamada Casa de Ernst Ludwig (Ernst-Ludwig Haus); Jean-Pierre Dalbéra de París, Francia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Los tragaluces inclinados que recorren la parte posterior de la torre revelan su papel como una de las pocas estructuras Art Nouveau construidas principalmente para el espacio de estudio, y fue el punto focal de la primera exposición del grupo darmstadt en 1901. A pesar de que la Colonia solo existió hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914, la instalación ahora funciona como un museo dedicado a sus logros artísticos.
Modelo #342, Wisteria Lamp (1905) por Clara Driscoll
| Fecha de finalización | 1905 |
| Medio | Vidrio emplomado y bronce |
| Dimensiones | 70 cm x 45 cm |
| Ubicación actual | Sociedad Histórica de Nueva York |
Louis Tiffany’s es conocida por sus lámparas de mesa Art Nouveau. La pantalla de vidrio emplomado de la lámpara parece parecerse a las ramas de glicinias en su parte superior cuando se enciende. La base de bronce y la sombra trabajan juntas para dar una apariencia natural. Las pantallas de casi 2,000 piezas de vidrio cuidadosamente elegidas proporcionan una iluminación cálida pero suave, dando a las flores en flor la ilusión de gotas de agua que se vierten. Esto indica que la luz del sol ha pasado a través de la pantalla.
Este motivo, que incorpora un marco de forma irregular en la parte superior y un límite inferior, imita el realismo y el japonismo, ya que las glicinas son nativas del lado oriental de América del Norte, así como de Japón, China y Corea.
Modelo #342 Wisteria Lámpara de mesa, c. 1902, por Tiffany Studios, diseñada por Clara Driscoll; Fopseh, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Clara Driscoll lo diseñó, según la evidencia recientemente desenterrada. También marca un hito para las diseñadoras a principios de siglo, cuando se les dio el control de una gran parte de la fabricación de la compañía. Driscoll fue una de las mujeres con mayores ingresos de su período, ganando $ 10,000 al año hasta que se vio obligada a abandonar Tiffany Studios en 1909 cuando se comprometió y finalmente se casó.
Esperanza, II (1908) de Gustav Klimt
| Fecha de finalización | 1908 |
| Medio | Aceite y pan de oro |
| Dimensiones | 110 cm x 110 cm |
| Ubicación actual | Musammm de Arte Moderno |
Obra de Gustav Klimt está marcado por la deformación de la forma y el embellecimiento, así como por temas sexuales explícitos. Gustav Klimt, a diferencia de Beardsley, es conocido por su uso extensivo de pan de oro, generalmente en combinación con un caleidoscopio de otros colores vivos, particularmente en sus obras posteriores a 1900.
Gustav Klimt desarrolló su estética sofisticada única como consecuencia de esta mezcla.
Esto se puede resumir como una serie de pinturas de mujeres soñadoras, visualmente deliciosas (así como materialmente lujosas), que ocasionalmente retratan a personas reales, pero que más a menudo muestran encarnaciones previstas o metafóricas, como en su obra de arte Hope, II.
Esperanza, II (1907-1908) de Gustav Klimt; Gustav Klimt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Gustav Klimt logró su objetivo de producir un «nuevo arte» que estuviera libre de las convenciones o principios existentes mediante el empleo de formas corporales acentuadas y aplanadas, así como un enfoque en los patrones y la falta de profundidad.
Como miembros originales de la organización, los secesionistas como Klimt criticaron los ideales de la pintura académica.
El trabajo de Gustav Klimt evocó un amplio espectro de emociones durante su vida y continúa haciéndolo ahora, contribuyendo a su estatus como uno de los pintores con más visión de futuro del Movimiento del Arte y un pionero del modernismo.
Park Güell (1914) de Antoni Gaudí
| Arquitecto | Antoni Gaudí |
| Fecha de finalización | 1914 |
| Función | Parque |
| Ubicación | Barcelona |
Antoni Gaudí, mejor conocido por su trabajo en la inacabada Iglesia Expiatoria de la Sagrada Familia en Barcelona, también construyó docenas de otras estructuras en la metrópoli catalana. El proyecto final de Antoni Gaudí antes de dedicarse por completo a la Sagrada Familia fue la preparación de un barrio residencial en la ladera para el empresario textil Eusebi Güell.
Independientemente del hecho de que solo se construyó la residencia de Gaudí y otra propiedad, y que la empresa fue un fracaso financiero, esta estructura ejemplifica la habilidad arquitectónica innovadora de Gaudí.
Entrada al Park Güell, Barcelona; Enfo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
El estilo arquitectónico del Park Güell se mezcla a la perfección con el entorno circundante, con columnas inclinadas en bruto que parecen haber sido excavadas en las laderas y cubiertas de enredaderas. Un espacio de mercado con columnas soporta una plaza abierta, que está rodeada por un asiento serpenteante cubierto con una combinación de azulejos de cerámica abandonados conocidos como trencads, una característica del arte catalán.
La plaza principal del Park Güell; T meltzer, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Una gran escalera conecta el mercado con la entrada del parque, que tiene una cuenca de azulejos con cara de dragón y la bandera catalana. La puerta principal y el apartamento del conserje están hechos de cabañas rocosas con agujas cónicas desiguales que parecen hechas de pan de jengibre.
Las formas onduladas, influenciadas por arcos de catenaria invertidos, y los azulejos de colores vivos reflejan el espíritu colaborativo del Art Nouveau catalán, compuesto por equipos de artesanos especializados en varios medios y la dependencia de la gestión ética de materiales ambientalmente sensibles.
Las escaleras principales del Park Güell; Alexandru Ene, CC BY-SA 3.0 ES, vía Wikimedia Commons
Artistas Art Nouveau
Ahora hemos visto algunos de los ejemplos más famosos del estilo Art Nouveau. Pero, ¿quiénes fueron los artistas detrás del movimiento? Descubramos algunos de estos pioneros en el movimiento.
Émile Gallé (1846 – 1904)
| Nacionalidad | Francés |
| Año de nacimiento | 1846 |
| Año de muerte | 1904 |
| Medio | Fabricante de vidrio |
Junto con Louis Majorelle, Émile Gallé, un vidriero, creó la École de Nancy, una organización comprometida con extender el alcance del Art Nouveau. Instruyó personalmente a los diseñadores y les suministró acuarelas de patrones florales que creó en los jardines de su casa.
Gallé instruyó a sus diseñadores a utilizar solo flores y plantas genuinas como modelos, aunque al final se les permitió tomar ciertas decisiones creativas.
Retrato de Émile Gallé (c. 1890) de Victor Prouvé; Dguendel, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
«Es vital tener una marcada inclinación a favor de modelos tomados de la flora y los animales mientras les permite la libre expresión», escribió en 1889. La naturaleza y la literatura influyeron en su arte. En su tiempo libre, reunía y estudiaba plantas e insectos en busca de inspiración, desarrollando procesos experimentales de fabricación de vidrio que finalmente registró.
Muchas de sus obras tenían patrones de flores y poesía escrita solo para el propietario.
Dos gafas con montura diseñadas por Émile Gallé, 1900; Émile Gallé, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Louis Comfort Tiffany (1848 – 1933)
| Nacionalidad | Americano |
| Año de nacimiento | 1848 |
| Año de muerte | 1933 |
| Medio | Pintura, fabricación de vidrio |
Louis Comfort Tiffany era hijo de Charles Lewis Tiffany, un conocido joyero. Aunque originalmente se formó en pintura, comenzó a incursionar con vitrales en 1875, y tres años más tarde, abrió su propio negocio de vidrio.
Su habilidad con el vidrio se hizo muy conocida en otros países.
Louis Comfort Tiffany, fecha desconocida; Pach Bros, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Educación, una vidriera en la biblioteca de la Universidad de Yale, es su obra más conocida. Fue erigido en honor a una de las hijas de los patrocinadores de Yale. La escultura fue sacada del local en 1970 como medida de precaución en caso de manifestaciones. Como resultado, se equivocó y se olvidó más tarde.
Años más tarde, cuando el artículo fue mal etiquetado y otra pieza de Tiffany desapareció en su lugar, este error probablemente protegió la pieza del robo.
Education (1890), una vidriera de Louis Comfort Tiffany y Tiffany Glass Co. (finales de 1885-1892), ubicada en Linsly-Chittenden Hall en la Universidad de Yale. En el centro, representa la Ciencia (personificada por la Devoción, el Trabajo, la Verdad, la Investigación y la Intuición) y la Religión (personificada por la Pureza, la Fe, la Esperanza, la Reverencia y la Inspiración) en armonía, presidida por la personificación central de «Luz· Amor· Vida». A la izquierda está el Arte, al que asisten la Forma, el Color y la Imaginación. A la derecha está Música, con Ritmo, Melodía, Armonía, Verso y Voz. Percepción y Análisis (oculto detrás de los pilares izquierdos) vincula el Arte y la Ciencia, mientras que un ángel solitario, el Derecho, une la Religión y la Música (escondido detrás de los pilares derechos); Dominio público, enlace
Antoni Gaudí (1852 – 1926)
| Nacionalidad | Catalán |
| Año de nacimiento | 1852 |
| Año de muerte | 1926 |
| Medio | Arquitectura |
Antoni Gaudí fue un arquitecto pionero que trabajó principalmente en Barcelona, donde dominaba su estilo Art Nouveau. Con líneas fluidas y superficies brillantes que se desviaban de las formas arquitectónicas normales, su trabajo fue influenciado por la naturaleza y la religión católica.
Retrato de Antoni Gaudí, 1878; Pablo Audouard Deglaire (1856 – 1919), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los balcones de casa milà representan abstracciones de hojas y hojas de hierba, mientras que los bancos del Parc Güell se supone que se alinean con la columna vertebral humana. Gaudí fue identificado como un miembro del Art Nouveau por su imaginación, que lo distinguió de otros estilos de la época.
La Sagrada Familia, su obra maestra más famosa, ha estado en desarrollo desde 1882 y se trabaja continuamente en la actualidad.
Exterior de la Sagrada Familia, diseñado por Antoni Gaudí en 1882. La estructura aún está en construcción; Nicholas Gemini, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Gaudí fue asignado para comenzar en la iglesia en 1883 a pesar del hecho de que no sobreviviría para verla terminada, un reflejo de su fuerte religión. La iglesia fue construida aproximadamente en un 20% cuando Gaudí murió en 1926. Cuando esté terminada, la estructura será la basílica más alta del mundo.
Víctor Horta (1861 – 1947)
| Nacionalidad | Belga |
| Año de nacimiento | 1861 |
| Año de muerte | 1947 |
| Medio | Arquitectura |
Victor Horta fue miembro fundador del Art Nouveau y se le atribuye la ampliación del alcance del movimiento más allá de las artes visuales y ornamentales para incluir la construcción. El trabajo de Horta se distinguió por su comprensión de la ventaja tecnológica.ncements tanto en hierro como en vidrio.
Sus estructuras estaban revestidas con hierro retorcido y doblado que fluía del exterior al interior.
Retrato de Victor Horta, c. 1900, en La Belgique d’aujourd’hui («La Bélgica de hoy»); Gustave Deltour, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El Hôtel Tassel fue la primera estructura Art Nouveau y una de las obras maestras más conocidas de Horta. Esta casa fue creada para uno de sus colegas de la Universidad Libre de Bruselas. Combina perfectamente motivos naturales e industriales, y la famosa sala de escaleras del edificio se puede ver desde el exterior.
La fachada del Hôtel Tassel, diseñado por Victro Horta en 1893; Arco Ardon de Dordrecht, Países Bajos, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
El movimiento Art Nouveau comenzó en 1890 con el propósito de actualizar el diseño y rechazar las formas clásicas e históricas previamente establecidas. Características naturales como flores e insectos inspiraron a los pintores Art Nouveau. Curvas, formas asimétricas y colores vibrantes fueron algunos de los otros temas recurrentes del movimiento. Además del arte ornamental, la pintura, la arquitectura e incluso los comerciales, el estilo Art Nouveau aparece en una variedad de medios.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué es el Art Nouveau?
Muchos artistas talentosos especializados en arte ornamental, diseño arquitectónico y artesanía del vidrio, particularmente vidrio escoria, surgieron del movimiento Art Nouveau. Tanto los coleccionistas como los entusiastas del Art Nouveau buscan gran parte de su trabajo hoy en día. El deseo de los artistas Art Nouveau de romper con las tradiciones históricas del siglo 19 fue una razón principal detrás del modernismo del movimiento Art Nouveau.
¿De dónde viene el Art Nouveau?
Art Nouveau se remonta al grupo Arts and Crafts, que fue una reacción contra las formas de arte académico del siglo 19. El diseño también fue influenciado por una afluencia de grabados en madera japoneses con temas floridos y curvas poderosas. El Art Nouveau fue prominente hasta 1905, pero ahora es visto como un precursor del Modernismo. El Art Nouveau comenzó con el propósito de actualizar el diseño y rechazar los enfoques tradicionales e históricos previamente establecidos.
