El movimiento artístico chicano se refiere al innovador movimiento artístico mexicano-estadounidense en el que los artistas desarrollaron una identidad artística, fuertemente influenciada por el movimiento chicano de la década de 1960. Los artistas chicanos tenían como objetivo formar su propia identidad colectiva en el mundo del arte, una identidad que promoviera el orgullo, la afirmación y el rechazo de los estereotipos raciales. Los artistas chicanos más conocidos y famosos incluyen a Carlos Almaraz, Chaz Bojórquez, Richard Duardo, Yreina Cervántez y Magú. Los artistas chicanos desarrollaron sus obras para existir como una forma de representación comunitaria de la vida en el barrio, pero también actuó como una forma de activismo por los problemas sociales que enfrentan los latinoamericanos en los Estados Unidos.
El movimiento artístico chicano
El movimiento artístico chicano comenzó a fines de la década de 1960 y principios de la década de 1970, junto con el crecimiento del movimiento chicano, o El Movimiento, y fue creado y definido por personas mexicanas, o personas de ascendencia mexicana que viven en los Estados Unidos. El término «chicano» se usa indistintamente con «mexicano-estadounidense», surgiendo de los jóvenes que rechazaron la asimilación a la cultura estadounidense eurocéntrica. El término fue ampliamente utilizado en las décadas de 1960 y 1970 y se asoció con el orgullo indígena, la afirmación de la cultura, la solidaridad étnica y el empoderamiento político.
El movimiento artístico chicano involucró a artistas chicanos que formaron y establecieron una identidad artística específica y única, que se desvió de las formas de arte dominantes de los Estados Unidos.
Como el movimiento estaba destinado a representar un rechazo de la cultura blanco-estadounidense y sus formas de arte, el movimiento chicano tenía como objetivo formar y desarrollar una identidad colectiva que se distinguiera como mexicano-estadounidense. Muralistas chicanos y pintores chicanos se inspiraron en Murales mexicanos y Arte Precolombino. El arte precolombino se refiere a obras hechas por los aztecas, incas, mayas y nativos mexicanos.
Un mural de Chicano Park, Barrio Logan en San Diego, California, EE.UU.; Smedpull, dominio público, vía Wikimedia Commons
Estas comunidades, todas nativas de América Latina o América del Sur, fueron fuertemente interrumpidas por la colonización por los conquistadores españoles. El movimiento chicano, y por extensión, el movimiento artístico chicano tenían como objetivo rechazar la cultura blanca estadounidense dominante, lo que sus antepasados no pudieron hacer cuando los españoles invadieron. Los artistas chicanos desarrollaron su trabajo como una expresión de sus experiencias y cultura.
A menudo, los dibujos de arte chicano presentan el tema del «rasquachismo», que se refiere a la palabra española, «rasquache», que significa «pobre».
El rasquachismo se refiere a la actitud cultural de ser siempre trabajador e ingenioso, arreglándose con los pocos recursos que tienden a tener en una sociedad dominada por estadounidenses blancos ricos. En otras palabras, el movimiento artístico chicano estaba destinado a ser una forma de protesta, con la obra de arte a menudo siendo muy directa y vibrante. Las pinturas murales chicanas no solo promovieron la comunidad en su tema, sino que a menudo involucraron a los miembros de la comunidad en su creación; discutiendo y formulando lo que querían representar en función de su historia cultural y sus luchas.
Sección de La epopeya de la civilización americana mural de José Clemente Orozco en la Biblioteca Baker en Dartmouth College, Hanover, New Hampshire. Esto es aproximadamente 1/4 del mural total; Wikipedia en inglés en la Wikipedia en inglés, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Estos murales a menudo fueron pintados por artistas autodidactas, lo que nuevamente muestra el valor del movimiento por el ingenio. Estos murales generalmente se pintaban en paredes públicas, donde comunidades enteras podían ver caminando o conduciendo. La naturaleza pública de esta forma de arte enfatizó historias que a menudo fueron eclipsadas por la narrativa blanco-estadounidense, que tendía a presentar eventos históricos bajo una luz proeuropea. Esta naturaleza pública permitió que las audiencias se politizaran y movilizaran sin esperar que entraran en una galería de arte o museo.
Además de los murales, los artistas chicanos también utilizaron creaciones serigrafiadas, lo que permitió la producción de carteles e imágenes impresas, que podían distribuirse en grandes cantidades, difundiendo el aspecto político y social del movimiento chicano.
El tema del arte chicano comúnmente presenta imágenes relacionadas con temas de inmigración y desplazamiento, temas que las comunidades latinas de los Estados Unidos a menudo trataron. Los mexicanos a menudo luchan con la inmigración a los Estados Unidos y los mexicanos nativos y sudamericanos.e siendo desplazado por la colonización española y portuguesa.
Mural en Chicano Park, San Diego que dice «Todo el camino hasta la bahía»; Rpotance, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Las obras de arte chicano también representaron específicamente las violaciones de derechos humanos que enfrentan los mexicoamericanos en el suroeste de los Estados Unidos, incluidos los perfiles raciales, así como los problemas de inmigración xenófobos que enfrentan los inmigrantes indocumentados sobre la militarización de la frontera. En 1990, el arte chicano comenzó a ganar una exposición significativa, con una exposición itinerante llamada Arte chicano: resistencia y afirmación. La exposición se inauguró en la Universidad de California, Los Ángeles, en la Galería Wight.
El comité declaró que «el arte chicano es la expresión moderna y continua de la lucha cultural, económica y política a largo plazo del pueblo mexicano dentro de los Estados Unidos. es una afirmación de la compleja identidad y vitalidad del pueblo chicano». El movimiento continúa hasta el día de hoy, con artistas chicanos evolucionando junto con el tema, incorporando nuevos problemas sociales a medida que surgen en una sociedad que continúa dominada por la cultura blanco-estadounidense y oprime a los mexicanos y otros latinoamericanos.
El arte chicano contemporáneo presenta una amplia gama de temas, así como muchos medios diferentes.
Historia del movimiento artístico chicano y sus formas
El movimiento chicano, en su esencia, fue un movimiento sociopolítico en el que los mexicoamericanos se unieron como una entidad unificada para crear un cambio para su gente. El movimiento abordó varios problemas que las comunidades mexicanas y latinoamericanas enfrentaron en los Estados Unidos, como los problemas de derechos civiles, la falta de servicios sociales disponibles para los mexicoamericanos, los problemas de derechos y calidad educativa, así como la brutalidad policial y la Guerra de Vietnam.
El movimiento estaba abierto a todos los mexicoamericanos, independientemente de su edad o género, lo que permitió discusiones sobre temas generacionales, así como los derechos de las mujeres.
Barrio Logan en Chicano Park, ubicado en San Diego, California, Estados Unidos; Roman Eugeniusz, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Los jóvenes artistas que participaron en el movimiento artístico chicano formaron colectivos, ya que el movimiento artístico apuntaba a la identidad colectiva y la comunidad, como Asco, un colectivo ubicado en Los Ángeles, California, en la década de 1970. Asco era un grupo de graduados de secundaria que perseguían y contribuían al movimiento artístico chicano.
Otro grupo, conocido como la Asociación Nacional de Trabajadores Agrícolas, o NFWA, tenía como objetivo sindicalizar a los trabajadores y militares mexicano-estadounidenses, para mejorar las condiciones de trabajo y los salarios. El grupo fue fundado por César Chávez, Dolores Huerta y Gil Padilla, quienes organizaron protestas, marchas, huelgas y boicots para crear conciencia a escala nacional.
Hicieron uso de símbolos, como el águila negra, y produjeron carteles y arte sindical, que se incorporaron al arte chicano y viceversa.
El arte chicano como forma de activismo
Aunque el movimiento chicano disminuyó a medida que pasaba el tiempo, el movimiento artístico continuó prosperando como una salida para el activismo, constantemente llamando la atención y desafiando las construcciones sociales dominantes de la discriminación racial y étnica, así como las cuestiones de ciudadanía, roles de género y la explotación del trabajo. Este activismo a través del arte se expresó representando narrativas y temas alternativos.
Presentar al mexicano-estadounidense como el foco de las piezas era en sí mismo nuevo en el tema más dominado por los blancos de la arte contemporáneo Pero el arte chicano también destacó las ilustraciones de las injusticias históricas y las violaciones de los derechos humanos que enfrentó el pueblo mexicano-estadounidense, convirtiéndose en una herramienta tanto de expresión artística como de educación para audiencias que pueden no estar informadas sobre el asunto.
Los artistas chicanos a menudo difundían sus mensajes a través de carteles de serigrafía, que se producían en masa en grandes cantidades, para el consumo público, lo que ayudó a difundir el mensaje del movimiento.
Imagen de Emiliano Zapata en Chicano Park en San Diego, California con traducción al inglés de la famosa cita, «Es mejor morir de pie que vivir de rodillas.»; Rpotance, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Traer luz a estos problemas sociales es el primer paso para lograr el cambio, y también hizo que los mexicoamericanos se sintieran más empoderados para luchar por su libertad y construir su propia identidad y soluciones. Otro ejemplo de cómo se utilizó el arte chicano para el activismo fue en el caso del Chicano People’s Park en San Diego, California. El vecindario mexicano-estadounidense de Logan Heights había solicitado un parque comunitario durante años, pero fue completamente ignorado.
En cambio, la ciudad comenzó a construir una intersección para la autopista interestatal cinco y una rampa de acceso para el Puente Coronado en la década de 1960. Derribaron grandes áreas del suburbio, desplazando a 5000 residentes mexicano-estadounidenses. Junto con las protestas pacíficas planeadas, el muralista chicano Víctor Ochoa pintó murales en las paredes de concreto en el área, que presentaban figuras chicanas históricas como César Chávez y La Virgen de Guadalupe.
Eventualmente, la ciudad acordó el desarrollo de un parque, con el activista y artista, Salvador Torres estableciendo el Programa de Murales Monumentales del Parque Chicano, que alentó a los artistas chicanos a llenar el parque con murales.
Estos murales destacaron el patrimonio y la comunidad del parque con el arte mexicano-estadounidense, incluidas figuras chicanas como las imágenes indígenas aztecas, como Coatlicue, la Diosa Azteca de la Tierra.
El arte chicano es una forma de arte cultural, que expresa los valores de la comunidad y la unidad entre los mexicoamericanos. Con el ejemplo del Parque del Pueblo Chicano, todo el arte que se muestra en todo el parque se centra en ideas orientadas a la comunidad, con murales creados por muralistas y pintores chicanos. Estos murales generalmente fomentan un sentido de participación comunitaria, a menudo involucrando a otros mexicoamericanos en el desarrollo y creación de los murales, ya sea formulando ideas para el tema o pintando los murales en sí.
El movimiento artístico chicano es ampliamente considerado como un movimiento basado en la comunidad, que se ha desarrollado en dos medios significativos; muralismo, que se refiere a las grandes pinturas o murales pintados en paredes en espacios públicos y centros de arte cultural.
Estos centros se desarrollaron durante el movimiento chicano para actuar como un espacio para estructuras alternativas que apoyaban a los artistas mexicano-estadounidenses, así como a la creación artística en general. Estos centros de arte cultural también ayudaron en la unificación de las comunidades y ayudaron a difundir información sobre el movimiento chicano y sus mensajes.
Mural de rap chicano; kevin, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Estos centros no solo fomentaron y crearon un espacio para reuniones comunitarias, sino que también actuaron como un espacio cultural; donde los artistas, muralistas y entusiastas chicanos podían participar en discusiones y diálogos sobre el movimiento chicano a medida que se desarrollaba. También actuó como un espacio para que los mexicoamericanos discutieran temas y temas que estaban surgiendo en las comunidades mexicoamericanas en general.
El centro Self-Help Graphics and Art Inc. es un ejemplo de uno de estos centros culturales, que sirvió como un lugar para la serigrafía, así como un espacio para albergar exposiciones de arte.
El arte chicano como expresión de identidad cultural
Como se dijo anteriormente, el arte chicano sirve como una expresión de identidad y afirmación cultural para el pueblo mexicano-estadounidense. Una forma en que esto se expresa en el arte es a través del uso de imágenes religiosas por parte del artista chicano y el muralista. Esto incluye tanto las religiones indígenas de los pueblos aztecas, incas y mayas, como el catolicismo, que se ha convertido en un elemento significativo de la cultura mexicana.
Una figura religiosa popular que a menudo aparece en pinturas y murales chicanos es La Virgen de Guadalupe, o la Virgen de Guadalupe, que es una figura muy prominente en la cultura mexicana.
Mural chicano que representa a Nuestra Señora de Guadalupe; RightCowLeftCoast, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Esto se usaba a menudo para representar la esperanza durante los tiempos difíciles, o incluso el empoderamiento, particularmente el empoderamiento femenino. Tanto las culturas mexicanas como las indígenas latinoamericanas a menudo celebran su herencia religiosa mediante el uso de santuarios.
El movimiento artístico chicano ha tomado la idea de los santuarios, con sus imágenes religiosas, y la ha incorporado a sus murales, a menudo haciendo uso del mismo tipo de composiciones.
Una fiesta cultural y religiosa importante dentro de la cultura mexicana es lo que se conoce como el Día de Muertos, que se enfoca en la familia al recordar y honrar a sus antepasados y seres queridos que han fallecido. Esta fiesta se celebra junto con el Día católico de Todos los Santos y el Día de Todas las Almas, que tiene lugar del 1 al 2 de noviembre. Como este día es un día muy honrado dentro de la cultura mexicana, a menudo se presenta como el tema del arte chicano.
El arte chicano como expresión de la vida en el barrio
La palabra barrio es un término español que significa «barrio» o «barrio», refiriéndose a las áreas de la ciudad que están habitadas por ciudadanos de habla hispana. En la forma moderna del idioma español, Barrio generalmente se refiere a áreas que están delimitadas por características funcionales, sociales o arquitectónicas.
En los Estados Unidos específicamente, los barrios se refieren a áreas del centro de la ciudad que están predominantemente pobladas por personas mexicoamericanas o latinoamericanas, a menudo refiriéndose a familias inmigrantes de primera generación que no se han asimilado a la cultura blanca estadounidense dominante. Ejemplos de estas áreas del centro de la ciudad incluyen el este de Los Ángeles, Segundo Barrio en Houston y Spanish Harlem, en la ciudad de Nueva York.
El arte chicano a menudo presenta representaciones de la vida en los Barrios.
Vista del Parque Chicano en San Diego, California, EE.UU.; Roman Eugeniusz, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Estas áreas a menudo tienen historias de opresión, marginación, inequidad, pobreza, violencia de pandillas y dislocación. Este arte es a menudo expresado por la comunidad, a menudo con el medio del graffiti. El graffiti generalmente se considera una forma de vandalismo, especialmente con Barrios, ya que el graffiti a menudo es utilizado por las pandillas como marcas de territorio, marcando fronteras no oficiales.
Sin embargo, el arte chicano abrazó esto, ya que generalmente se asocia con la rebelión contra la autoridad. Los artistas chicanos utilizaron el graffiti para expresar sus opiniones políticas, así como su historia nativa y su iconografía religiosa.
Por lo tanto, el graffiti dentro de los barrios se convirtió en una afirmación cultural, promoviendo la herencia latina, facilitando el diálogo y sacando a la luz las injusticias que han afectado a las comunidades mexicoamericanas. El graffiti ha sido recientemente reclamado como una forma de arte público. Los museos y galerías de arte han adoptado el graffiti, con muchos artistas que presentan formas de graffiti en su trabajo. El medio ha sido reconocido tanto por instituciones de arte como por críticos de arte.
Artistas notables y obras de arte del movimiento artístico chicano
El movimiento de arte chicano se construyó desde cero, fundado por una generación de artistas dentro de la comunidad chicana, las décadas de 1960 y 1970 vieron a algunos de estos artistas surgir, ganando elogios y reconocimiento por sus obras culturalmente afirmativas. Artistas como Carlos Almaraz tuvieron su trabajo ganando tanto reconocimiento que fueron aceptados en la escena artística convencional, uniéndose a las galerías de arte estadounidenses.
Hoy en día, muchos de estos artistas y sus obras se pueden encontrar en el Smithsonian American Art Museum.
Magú (1940 – 2011)
| Artista | Gilbert «Magú» Luján |
| Año de nacimiento/muerte | 1940 – 2011 |
| Nacionalidad | Americano |
| Obras notables | Regreso a Aztlán (1983)
Crucero por la Isla Tortuga (1986) El Fireboy y El Mingo (1988) Tener un bebé en coche (2004) Consenso de género (2005) |
Gilbert Luján, también conocido como «Magú», fue un dedicado artista e intelectual chicano que ayudó a establecer el movimiento artístico chicano en las décadas de 1960 y 1970. Nació de padres indígenas mexicanos, pero creció en Los Ángeles, donde estudió arte y cerámica en East Los Angeles College, así como en la Universidad Estatal de California.
Magú es considerado un visionario para el movimiento artístico chicano, pintando murales y creando instalaciones de arte público en todo Los Ángeles y California, antes de unirse a Los Four.
Su trabajo tuvo una gran influencia en el movimiento, definiendo el estilo general del arte y la estética. En 1969, cuando el movimiento artístico chicano estaba en ascenso, Magú notó que había una forma de arte chicano que había existido durante años, sin formalización ni reconocimiento. Continuó explicando que la conciencia del «vínculo cultural» de uno con México y la India ilustra que «la cultura chicana es un cuerpo real e identificable».
El arte de Magú es elogiado por su rica textura de historia cultural, a menudo vista en su uso del color y las imágenes.
Estos a menudo se incorporan el brut tradicional y el arte popular, así como la mitología indígena latinoamericana. Su marca más reconocible es la figura de una figura de perro antropomorfizada, similar a las que se ven en Antiguo Egipcio mitología, que está destinada a representar la mitología indígena mexicana.
El Fireboy y el Mingo (1988)
| Título | El Fireboy y el Mingo |
| Artista | Gilbert «Magú» Luján |
| Medio | Litografía en color sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 76,2 x 111,8 |
| Fecha de creación | 1988 |
| Ubicación actual | Museo Smithsonian de Arte Americano |
Este dibujo de arte chicano encarna perfectamente el rico uso del color de Magú sobre su historia cultural. La inclusión del personaje del perro antropomorfizado también resalta la mitología indígena mexicana. El título de este dibujo de arte chicano se traduce como «el bombero y el mingo».
La palabra «mingo» en el idioma español se usa para describir a los hombres que están bien vestidos y compuestos.
Esto le da a la pieza un sentido de ironía, en el sentido de que hay decencia y compostura en el carácter más representativo de los indígenas. Esta pieza se encuentra actualmente en el Museo de Arte Smithsonian, pero actualmente no está a la vista.
Carlos Almaraz (1941 – 1989)
| Artista | Carlos Almaraz |
| Año de nacimiento/muerte | 1941 – 1989 |
| Nacionalidad | Americano |
| Obras notables | El Corazón del Pueblo (1976)
Europa y el jaguar (1982) Soñé que podía volar (1986) Homenaje al bodegón (1986) Magia nocturna/Bufón azul (1988) La lucha de la humanidad (1989) |
Carlos Almaraz fue un artista y figura destacada del movimiento artístico chicano en la década de 1970. Nacido en la Ciudad de México antes de emigrar al este de Los Ángeles con su familia, Almaraz obtuvo su Maestría en Bellas Artes de Otis College of Art and Design. También estuvo involucrado en la parte activista política del movimiento, produciendo pancartas, carteles, pinturas y murales para las manifestaciones en apoyo del sindicato United Farm Workers de César Chávez. También participó en el Teatro Campesino y Mecánico de Luis Valdez, que era una galería de arte chicano cooperativa en el este de Los Ángeles.
Almaraz, junto con algunos otros artistas chicanos, fundó el colectivo local de arte chicano, Los Four, que llamó la atención del movimiento sobre la escena artística de Los Ángeles.
Fotografía del artista Carlos Almaraz en Los Ángeles, diciembre de 1979; Dan Guerrero, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Almaraz, junto con los muralistas chicanos Frank Romero, Gilbert «Magú» Luján y Robert de la Rocha, pintaron murales públicos en toda la ciudad, que presentaban representaciones de los problemas de derechos civiles que enfrentan los mexicoamericanos, con el uso expresivo de colores audaces, con morado, tonos rosados y naranjas de uso común.
Europa y el jaguar (1982)
| Título | Europa y el jaguar |
| Artista | Carlos Almaraz |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 182,9 x 182,9 |
| Fecha de creación | 1982 |
| Ubicación actual | Museo Smithsonian de Arte Americano |
Esta obra de arte chicana es una pintura al óleo que muestra el uso expresivo de almaraz, así como de otros pintores chicanos, de colores audaces, como se ve con la representación naranja brillante del jaguar en comparación con la figura azul europea. Esta obra se encuentra actualmente en el Smithsonian American Art Museum, pero actualmente no está disponible para su visualización.
Como los pintores chicanos a menudo usaban sus pinturas para expresar su cultura y política, esta pieza muestra claramente la yuxtaposición entre los colonizadores europeos, o incluso los estadounidenses blancos, y los nativos mexicanos y centroamericanos.
Chaz Bojórquez (1949 – Presente)
| Artista | Carlos Bojórquez |
| Año de nacimiento/muerte | 1949-Actualidad |
| Nacionalidad | Americano |
| Obras notables | Somos La Luz (1992)
Nuevo Orden Mundial (1994) Placa/Rollcall (1980) |
Charles Bojórquez, también conocido como «Chaz» es un pintor y grafitero chicano, y es uno de los primeros artistas de graffiti conocidos de Los Ángeles. Es ampliamente acreditado como uno de los artistas prominentes que llevaron el movimiento artístico chicano a la atención de la corriente principal.
Comenzando su carrera en la década de 1970, etiquetaría el nombre ‘Chaz’ alrededor de Highland Park en Los Ángeles, que se traduce como «el que arruina las cosas y le gusta pelear».
Fotografía de Charles «Chaz» Bojórquez (izquierda) dibujando un tatuaje en 2011; RJ, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Estudió arte en la Universidad de Guadalajara, así como en el Estado de California y en el Instituto de Arte Chouinard. Su trabajo fue muy influenciado por los artistas chicanos que lo precedieron, como Gilbert «Magu» Luján.
Chaz es más conocido por su work en caligrafía al estilo Cholo. Este estilo es considerado como una de las formas más antiguas del medio, habiendo sido inventado en la década de 1940 por pandilleros mexicano-estadounidenses como marcas de territorio. Estos a menudo incluían pases de lista o listas de pandilleros.
Chaz estudió caligrafía asiática en el Museo de Arte Asiático del Pacífico y visitó más de 30 países para desarrollar su estilo característico, observando cómo otras culturas incorporaron la cultura y la identidad en su caligrafía, gráficos y letras. Bojórquez, junto con otros artistas chicanos, todos desarrollaron su estilo de arte de graffiti, y esto eventualmente se conoció como West Coast Cholo, que fue fuertemente influenciado por el muralismo mexicano y las placas pachucas, que se refiere a las etiquetas que indican los límites territoriales, un homenaje a cómo los pandilleros mexicano-estadounidenses marcarían sus territorios.
Placa/Rollcall (1980)
| Título | Placa/Rollcall |
| Artista | Carlos «Chaz» Bojórquez |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 173,4 x 211 |
| Fecha de creación | 1980 |
| Ubicación actual | Museo Smithsonian de Arte Americano |
Esta obra de arte se inspiró en los grafitis hechos por pandilleros en todos los barrios, con Bojórquez enumerando a sus mentores y amigos en el pase de lista, de la misma manera, que estos artistas de graffiti enumerarían a los miembros de sus pandillas. El término placa se refiere a la denotación de territorio y lealtad vecinal.
Esta conexión entre el graffiti y el arte chicano representa cómo el movimiento expresa la cultura, incorporando formas caligráficas tradicionales en la pieza.
Richard Duardo (1952 – 2014)
| Artista | Richard Duardo |
| Año de nacimiento/muerte | 1952 – 2014 |
| Nacionalidad | Americano |
| Obras notables | Aztlán (1982) |
Richard Duardo fue una figura fundamental en la escena artística chicana, particularmente cuando se trataba de grabado. Nació en Boyle Heights, Los Ángeles en 1952, y se graduó con una Licenciatura en Diseño Gráfico de Pasadena Community College, así como una Maestría en Bellas Artes de UCLA. Duardo trabajó con el conocido centro de arte gráfico de autoayuda que se especializó en grabado, antes de pasar a cofundar el Centro de Arte Público a fines de la década de 1970, que era un conocido colectivo de artes políticas en Highland Park, Los Ángeles.
Hoy en día, Duardo es mejor conocido por su serigrafía, a menudo conocida como el «West Coast Warhol» (una referencia al artista, Andy Warhol).
Fue uno de los fundadores de Modern Multiples, que era una imprenta en California que era bastante prominente e influyente dentro del movimiento chicano. Modern Multiples continúa hasta el día de hoy, utilizando su arte para la construcción y afirmación de la comunidad.
Duardo trabajó con más de 400 artistas, incluyendo Banksy, David Hockney, y Shepard Fairey, y fue comisionado para varios proyectos muy publicitados, incluido el arte promocional de la película Biopic, Frida (2002), que también se centró en la herencia y la cultura mexicano-estadounidenses. El estilo característico de Duardo implicó transformar el gran arte en impresiones impresionantes.
Produjo impresiones coloridas y a gran escala de músicos conocidos y famosos como Jimi Hendrix, Che Guevara, Lauren Becall, Bob Dylan, Duke Ellington, Miles Davis y Madonna.
También produjo grabados de otros artistas famosos, como Frida Kahlo, David Hockney, Chaz Bojórquez, Mick Haggerty, Banksy y el propio Andy Warhol. Eventualmente fundó Future Perfect Publishing, que era un estudio de serigrafía donde pudo poner en práctica sus habilidades expertas en grabado, lo que le valió el reconocimiento internacional, como el mejor artista serigrafo de Los Ángeles, y finalmente fue nombrado Artista del Año en 1988.
Aztlán (1982)
| Título | Aztlán |
| Artista | Richard Duardo |
| Medio | Serigrafía sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 64,1 x 97,2 |
| Fecha de creación | 1982 |
| Ubicación actual | Museo Smithsonian de Arte Americano |
Esta obra alegórica realizada en 1982 no solo expresa el estilo característico de Duardo, sino que también se refiere a la cultura indígena chicana. Este dibujo de arte chicano, una serigrafía sobre papel, es otro ejemplo del uso de la caligrafía por parte de los pintores chicanos.
La pieza presenta la palabra «Aztlán» a través de ella, que se refiere al hogar ancestral de los nativos aztecas.
Historiadores y los arqueólogos han especulado sobre la posible ubicación de esta tierra perdida, colocándola alrededor del noroeste de México, aunque algunos creen que es completamente mitológica, una parte del folclore de la cultura azteca.
Yreina Cervántez (1952 – Presente)
| Artista | Yreina Cervántez |
| Año de nacimiento/muerte | 1952-Actualidad |
| Nacionalidad | Americano |
| Obras notables | Homenaje a Frida Kahlo (1978) |
Yreina Cervántez es una artista chicana, muralista y feminista que nació en Garden City, Kansas en 1952. Su arte es bien conocido por ser una expresión de las experiencias culturales y personales del pueblo chicano.
Se la considera una pionera cuando se trata de su papel en el impulso para que las mujeres sean incluidas en los principales movimientos artísticos de la época, particularmente en el movimiento de arte chicano.
Cervántez asistió a la Universidad de California en Santa Cruz, sumergiéndose en el Movimiento de Derechos Civiles y uniéndose al grupo de la Coalición del Tercer Mundo de la universidad. Su experiencia en estos entornos influyó fuertemente en su arte, que se volvió altamente político, representando las luchas que enfrentaba la comunidad mexicano-estadounidense, como los problemas con los que lidiaban los inmigrantes mexicanos y centroamericanos cuando se trataba de ser documentados y plenamente aceptados como ciudadanos estadounidenses.
Su trabajo fue muy transformador e incluyó representaciones del feminismo chicano, que se refiere al movimiento sociopolítico que analizó la interseccionalidad de la historia, la cultura, la educación y la espiritualidad que conformaban las mujeres chicanas, rompiendo las barreras de género, etnia, raza, clase y sexualidad.
Cervántez también realizó autorretratos que expresaban la idea de que lo personal y lo político estaban, de hecho, vinculados, proporcionando mujeres mexicanas y latinoamericanas. representación en el arte.
Eventualmente se convirtió en la artista residente en El Centro de La Raza en California, donde proporcionaría a estas mujeres los recursos que necesitaban, a través del programa La Nueva Chicana: Homegirl Productions. También se convirtió en la artista residente de la tienda Self-Help Graphics, después de ganar muchos elogios y reconocimiento por su obra de arte, Homenaje a Frida Kahlo (1978).
Homenaje a Frida Kahlo (1978)
| Título | Homenaje a Frida Kahlo |
| Artista | Yreina Cervántez |
| Medio | Pintura de acuarela sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 50,8 x 35,56 |
| Fecha de creación | 1978 |
| Ubicación actual | Los Ángeles, California |
Esta pintura de acuarela representa a la artista mexicana, Frida Kahlo, como una representación simbólica de la cultura chicana. Kahlo es una figura prominente en el campo del arte y la historia del arte, y dado el impulso de Cervántez por el feminismo en su trabajo, Kahlo es una gran representación.
La pieza representa a la artista como un ser divino, con un halo alrededor de su cabeza similar a los que se ven en las pinturas renacentistas de la Virgen María, que se hace eco de la cultura católica presente en México.
El uso del color y el simbolismo también captura la simbología y la cultura nativas que muchos artistas chicanos famosos pretendían expresar. Junto con varios otros artistas, Cervántez creó una pieza de instalación multimedia titulada, ! ¡Alerta! (1987), que expresaba las cuestiones de la inmigración. También se unió a una delegación chicana que viajó a Managua, Nicaragua, para construir un puente, lo que implicó la creación de un mural titulado La Ofrenda (1989).
La Ofrenda (1989)
| Título | La Ofrenda |
| Artista | Yreina Cervántez |
| Medio | Pintura acrílica sobre suelo de cemento |
| Dimensiones (cm) | 91,44 x 50,8 |
| Fecha de creación | 1989 |
| Ubicación actual | Los Ángeles, California |
Este mural es uno de los nueve que fueron pintados en california por el Programa de Murales del Orgullo Del Vecindario de SPARC. La pieza está ubicada bajo un puente en Toluca y Second Street, en Los Ángeles, y presenta imágenes relacionadas con United Farm Workers of America, con el término ‘Ofrenda’ que se traduce como ofrenda en español.
Desafortunadamente, el mural se perdió bajo capas de vandalismo y graffiti durante décadas por parte de los lugareños, pero fue restaurado cerca de su estado original en 2016 por el Programa de Murales de la Ciudad.
El movimiento artístico chicano es uno de los movimientos artísticos más importantes de la historia reciente de Estados Unidos, fundado por una generación de artistas con el objetivo de desarrollar su propia identidad.en el campo del arte que representaba y afirmaba su identidad racial y cultural. El movimiento continúa hasta el día de hoy, creciendo, evolucionando y adaptándose junto con la comunidad de mexicoamericanos y las luchas que continúan enfrentando.
Preguntas Frecuentes
¿Qué significa el término chicano?
El término chicano o chicana se refiere a la identidad elegida de los mexicoamericanos en los Estados Unidos. El término fue popularizado por el Movimiento Chicano en la década de 1960, utilizado por inmigrantes nacidos en México u originarios como una expresión política y orgullosa de cultura, etnia y comunidad.
¿Por qué es importante el arte chicano?
El movimiento chicano tenía como objetivo promover la afirmación cultural y la comunidad para los mexicoamericanos, con el movimiento artístico haciendo lo mismo; utilizando los medios del arte para expresar la cultura, los valores culturales, el patrimonio y la estética. A menudo, el arte chicano usaría los problemas sociales que enfrenta el pueblo chicano como tema, representando representaciones de la lucha de clases, los problemas de inmigración y el desplazamiento.
¿Cuándo comenzó el movimiento de arte chicano?
El movimiento artístico chicano se definió históricamente como arte creado por estadounidenses de ascendencia mexicana, a menudo representando expresiones de su cultura, comunidad y luchas compartidas. El movimiento artístico chicano comenzó a surgir a fines de la década de 1960 y principios de la década de 1970 como el arte de la lucha.
¿Cuál era el propósito principal del movimiento artístico chicano?
El movimiento artístico chicano tenía como objetivo recordar al pueblo mexicano-estadounidense su identidad cultural y herencia, así como las contribuciones que las generaciones anteriores han hecho al avance del pueblo latinoamericano en los Estados Unidos. El movimiento también fue un rechazo de la cultura blanca estadounidense dominante, que también estaba presente en la escena artística.
¿Qué son los murales chicanos?
Los murales fueron una parte prominente del movimiento artístico chicano, establecido a fines de la década de 1960 en todo el suroeste en barrios mexicano-estadounidenses, particularmente en Los Ángeles. Estos muralistas chicanos representaron la cultura mexicano-estadounidense pintando en las paredes de edificios, escuelas e iglesias, así como proyectos de vivienda en toda la ciudad. Esto permitió que el arte fuera visto por el público, y al colocarlo dentro de los barrios, ayudó a crear un sentido de orgullo cultural dentro de la comunidad.
¿Qué constituye el arte chicano?
El arte chicano generalmente se define como una obra de arte creada por personas estadounidenses de ascendencia mexicana. El arte está fuertemente influenciado por el movimiento chicano en los Estados Unidos y a menudo presenta temas que se relacionan con el movimiento, la afirmación cultural, el orgullo, la herencia y la comunidad. Los muralistas y artistas chicanos generalmente incorporaron motivos culturales, imágenes e iconografía de diferentes períodos de tiempo a lo largo de su patrimonio histórico, incluidas imágenes inspiradas en las culturas indígenas de los pueblos azteca, inca y maya, así como imágenes religiosas poscoloniales, generalmente el catolicismo.
