En este artículo, exploraremos la pregunta: «¿qué es el simbolismo en el arte?» Los artistas que utilizaron el simbolismo transmitieron conceptos a través de símbolos y enfatizaron el significado subyacente a las formas, líneas, patrones y tonos, en comparación con los artistas impresionistas, que se centraron en la actualidad del objeto pintado en sí. Las obras de arte de ciertos pintores simbolistas representan la desaparición de las tradiciones de las artes visuales de la era clásica. Las definiciones de arte del simbolismo establecen que el movimiento estaba a la vanguardia del modernismo en el sentido de que estableció técnicas nuevas y, a veces, abstractas para retratar la verdad cognitiva y la creencia de que había una existencia espiritual más allá del mundo físico.
¿Qué es el simbolismo en el arte?
El enfoque en los sentimientos, sentimientos, conceptos e individualidad en lugar de la realidad es lo que vincula a los numerosos pintores y formas conectadas con el movimiento simbolista. Muchos ejemplos de arte simbolista contienen información personal y comunican sus propias filosofías, en particular la confianza del artista en su capacidad para exponer la verdad.
La muerte del sepulturero (1895 – 1900) de Carlos Schwabe; Carlos Schwabe, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los símbolos en el arte eran una mezcla de mística religiosa, lo grotesco, lo sexual y lo degenerado en lo que respecta al tema en particular. Lo sobrenatural, lo macabro, el reino de los sueños, la tristeza, la maldad y la mortalidad son temas comunes entre los artistas que usaron el simbolismo.
Los pintores simbolistas se esforzaron por la complejidad y la implicación de las alusiones íntimas, a medias y crípticas exigidas por sus equivalentes intelectuales y musicalmente inclinados, en lugar del simbolismo inmediato uno a uno presente en las formas anteriores de iconografía comercial.
El movimiento de simbolismo sirvió como un puente entre el romanticismo de principios del siglo 19 y el modernismo del siglo 20. Además, el globalismo del simbolismo pone en tela de juicio la dirección histórica popularmente asumida del arte contemporáneo en Francia que abarca desde la era impresionista hasta el período cubista.
Los conceptos y estilos del arte del simbolismo
El movimiento del simbolismo se desarrolló en un momento de agitación en los puntos de vista éticos, sociales, teológicos y académicos. El mundo estaba creciendo más allá de las convenciones europeas, y el socialismo ya no comprendía los buenos objetivos con los que comenzó.
La fe, así como el vínculo entre el amor y las relaciones, estaban siendo puestos en duda.
Los artistas que usaban el simbolismo, en particular, se sentían solos y separados de la élite. Sin embargo, el concepto de lo místico fue crucial en la formación de símbolos en el arte y expresó ideas antimaterialistas preocupadas por el misticismo.
La araña llorona (1881) de Odilon Redon; Odilon Redon, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta noción estaba vinculada a una curiosidad en el mundo de los espíritus, así como a un paladar para los macabros y depravados, ya que esta era a menudo se define como una de «indulgencia», una era de deterioro creativo o ético como se ve en el deseo de lo poco realista sobre lo orgánico y, por implicación, la noción de que la civilización estaba en declive. Los pintores (y autores) simbolistas enfatizaron la noción de arte solo por el arte, ya que generalmente se oponían a los usos prácticos del arte (a diferencia de los pintores Art Nouveau), y también sentían que la pintura no tenía que conectarse con la realidad cotidiana.
Sintetismo y simbolismo
Comprender la estética simbolista requiere una comprensión del sintetismo en particular. Los artistas del sintetismo mezclaron aspectos del mundo real con componentes extraídos de obras de arte anteriores o tipos de arte para construir realidades alternativas. Entre algunas de las inclinaciones simbolistas estaba el énfasis en absorber el sonido en el arte; este concepto fue motivado por Arthur Schopenhauer, quien veía el sonido como un medio artístico que transmitió directamente su significado.
Fotografía de retrato de Arthur Schopenhauer (1859); Schäfer, Johann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta característica de la música fue replicada por creativos visuales. También emplearon enfoques musicales para organizar obras, como los leitmotivs, que son partes recurrentes que unen la obra. Los pintores simbolistas se sintieron especialmente atraídos por la música de Richard Wagner, que pensaba que contenía energías espirituales y preveía una amplia unión de las artes.
Por lo tanto, siEn estímulos ópticos o auditivos, los artistas que utilizaban el simbolismo se esforzaban por traducir experiencias obtusas en algún tipo de representación sensual.
Art Nouveau y simbolismo
Se cree que el Art Nouveau es un subtipo de simbolismo. Hay muchos puntos en común en temas simbolistas y Art Nouveau, como los temas indulgentes de la obra de Aubrey Beardsley, pero el Art Nouveau es mucho más precisamente una estética ornamental basada en la forma natural e implementada en todas las formas de arte, como en cualquier elemento que se pueda hacer «expresivo», como broches, muebles suaves, y así sucesivamente.
Isolda (1899) de Aubrey Beardsley; Aubrey Beardsley, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Es imposible precisar sus orígenes, aunque la mayoría de los expertos creen que se originó en Bélgica con las obras de Victor Horta. Sin embargo, el estilo ganó inmediatamente la aclamación internacional. El objetivo del Creative Nouveau era establecer un estilo que pudiera extenderse a todas las formas de arte y así coexistir con las necesidades de la era de la maquinaria y el mundo contemporáneo.
Simbolismo global
En las artes visuales, la mayoría de los académicos definen la definición de arte de simbolismo como un enfoque hacia el tema en lugar de un estilo, como era más obvio en la literatura. La mayoría de los pintores simbolistas de finales del siglo 19 se vieron afectados por la agitación social y moral de la época, que culminó en símbolos y temas íntimos, metafísicos, esotéricos y, a veces, crípticos relacionados con la aparente depravación de la época. A diferentes niveles y de diversas fuentes gráficas, las obras de arte de pintores de muchas naciones participaron en este concepto.
Comenzamos en Francia, donde la palabra «simbolismo» se utilizó por primera vez para caracterizar esta ocurrencia y la estética se estandarizó.
Simbolismo francés
Odilon Redon y Gustave Moreau fueron dos de los pintores simbolistas más prominentes de Francia. Moreau fue influenciado por pintores románticos como Eugène Delacroix, así como el extranjero en general. En su construcción de paisajes oníricos fantásticos, Redon fue motivado por los románticos, así como por Francisco Goya, lo que explica la inquietante calidad de sus obras.
Maja y Celestina (1808 – 1812) de Francisco Goya; Francisco de Goya, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los Nabis
Los Nabis fueron un grupo de artistas que utilizaron el Simbolismo, creado en 1889 por Paul Sérusier, y se inspiraron en su obra de arte, El Talismán (1888). Si bien no compartían las mismas creencias políticas o religiosas que otros simbolistas, los nabis deseaban conectarse con una fuerza superior; sentían que el artista desempeñaba el papel de un hombre santo con la capacidad de revelar lo invisible.
Su técnica evolucionó más allá de El trabajo de Paul Gauguin, mostrado en el aplanamiento y la estilización.
Sin embargo, el tema difería, ya que se centraron en interiores residenciales, como con Pierre Bonnard y Édouard Vuillard. Muchos de los pintores nabis fueron publicados con sus equivalentes académicos en la revista simbolista La Revue Blanche.
Rosacrucianismo y simbolismo
Los Rosacruces fueron una colección de artistas dirigidos por el escritor Sar Joséphin Péladan que se adhirió a las doctrinas esotéricas del supuesto clarividente del siglo 15 Christian Rosenkreuz. Denunciaron el consumismo de la época y resucitaron el catolicismo y Arte renacentista, pero con connotaciones espirituales y ocultas. Para esta comunidad, el arte era un medio de introducción a la iluminación religiosa.
Caricatura de Joséphin Péladan (1890) de Alfred Le Petit; Alfred Le Petit, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus obras adoptaron el tipo de metáfora mística, pero eran de estilo más convencional. Este grupo simbolista incluyó a los artistas Armand Point, Charles Filiger y Marcellin Desboutin, que expusieron en los Salones Rose y Croix en París durante cinco años a partir de 1892. Estos salones eran notables porque presentaban las obras de una multitud de pintores de naciones distintas a Francia.
Simbolismo en Bélgica e Inglaterra
Fernand Khnopff, cuyas obras mantienen cierta depravación, y las más excéntricas James Ensor, que examinaron el significado de las máscaras, fueron los dos pintores más notables de Bélgica. El simbolismo se puede observar en las obras de arte de Aubrey Beardsley y Oscar Wilde en el 18Años 90, que pueden considerarse como «indulgentes», con un enfoque en lo sensual. Beardsley investigó temas simbolistas como el concepto de la femme fatale, el reino de fantasía medieval del rey Arturo y la música de Richard Wagner.
El enfoque de Beardsley, por otro lado, es más parecido al Art Nouveau, con el que también está afiliado.
Simbolismo en el resto del mundo
Arnold Böcklin produjo sus «paisajes del estado de ánimo» en Suiza combinando imágenes de su mente. Su compatriota Ferdinand Hodler creó obras como Night (1889 – 1890) y Day (1899 – 1900), que se distinguen por figuras más expresionistas y estilizadas, así como por la utilización de representaciones y analogías, en lugar de iconos como tales, aunque las posturas y expresiones de sus figuras parecen representar varios estados del ser.
Noche (1889 – 1890) de Ferdinand Hodler; Ferdinand Hodler, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Giovanni Segantini, un Artista italiano, desarrolló vistas mágicas de los Alpes suizos. Un grupo significativo, aunque breve, de pintores simbolistas llegó de Holanda, en particular Johan Thorn Prikker y Jan Toorop, quienes desarrollaron imágenes simbolistas por excelencia. Los diseños escénicos fueron donados por pintores simbolistas rusos como Leon Bakst.
Día (1899 – 1900) de Ferdinand Hodler; Ferdinand Hodler, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Artistas de simbolismo importantes y sus obras de arte
Ahora veremos algunos ejemplos selectos de arte de simbolismo. Estos artistas y sus obras de arte representan y encarnan adecuadamente la definición de arte del simbolismo. Su uso de símbolos en el arte es mundialmente conocido.
Gustav Moreau (1826 – 1898)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 6 de abril de 1826 |
| Fecha de fallecimiento | 18 de abril de 1898 |
| Lugar de nacimiento | París, Francia |
Las obras místicas de Gustave Moreau se conectan con una preocupación contemporánea con lo sobrenatural, mórbido y la vida de la mente, convirtiéndolo en uno de los artistas más convincentes del siglo 19 para el público actual. Moreau retrató las creaciones de su mente en lienzo con un realismo preciso, inspirado en parte por su peculiar filosofía teológica, que ha sido etiquetada como neoplatónica, enfatizando los defectos y la fragilidad del mundo físico.
Pensó que estaba permitiendo que la visión celestial se comunicara a través de su pincel al hacerlo. Las obras de Moreau, que típicamente muestran escenas de temas bíblicos o legendarios, están llenas de simbolismo confuso, que tomó para reflejar deseos y emociones particulares en formas abstractas, criaturas santas y mortales atrapadas en la batalla e imágenes extrañas de sexo y miseria.
Autorretrato (1850) de Gustave Moreau; Gustave Moreau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su arte presagia no solo seguir tendencias como el simbolismo (del que fue predecesor) y el surrealismo, sino también los problemas específicos de nuestros días, considerados como haber dado licencia libre a los impulsos más profundos y ocultos de la psique humana.
Júpiter y Semele (1895)
| Artista | Gustavo Moreau |
| Fecha de creación | 1895 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Ubicación actual | Museo Nacional Gustave Moreau |
Esta obra de arte representa la historia de Júpiter, el monarca celestial de los dioses, y Semele, quien, por consejo de la esposa de Júpiter, Juno, le pide a Júpiter que le haga el amor en su glorioso esplendor. Júpiter no puede resistir el encanto de su atractivo, a pesar de que sabe que será devorada por su brillo y el fuego de su majestad. Como resultado, la imagen representa la conexión de la humanidad con lo divino, que culmina en la muerte.
Júpiter y Semele (1895) de Gustave Moreau; Gustave Moreau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, como señaló el artista, «Todo ha sido alterado, limpiado y glorificado. La inmortalidad comienza, y lo Divino penetra en todo». La muerte, la decadencia y la regeneración son todos temas que emergen.
Moreau, al igual que Wagner, siguió los pasos de Wagner, haciendo imágenes a la manera de la poesía sinfónica en su riqueza de color y apariencia, aunque este mismo rasgo le impidió resaltar las partes más contemporáneas del simbolismo. El pintor used una técnica más ortodoxa para comunicarse, pero al igual que con el simbolismo, el significado emerge de las propias formas; la humanidad es a pequeña escala y frágil en su exquisitez visceral.
La apariencia ambigua de Júpiter alude a la soledad del artista soñador despierto y a la existencia de pensamientos.
Moreau, que es crucial para cualquier estudio del simbolismo, se sumó a los componentes más literarios del simbolismo, tomando sus temas de las Escrituras o, como en este caso, la mitología, al tiempo que señala algunos de los temores y ansiedades de la era moderna.
Odilon Redon (1840 – 1916)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 20 de abril de 1840 |
| Fecha de fallecimiento | 6 de julio de 1916 |
| Lugar de nacimiento | Burdeos, Francia |
Odilon Redon es considerado como uno de los pintores simbolistas más prominentes y únicos. Sus obras imaginativas están inspiradas en los mundos de los sueños, la imaginación y la fantasía. Saltó a la fama con su serie noirs, una colección de obras monocromáticas que hacen uso de las posibilidades emotivas y provocativas del color negro.
Fotografía de retrato de Odilon Redon (c. 1880); Guy et Mockel (Pierre Mockel), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus litografías, que a menudo reconfiguraban ilustraciones anteriores, se convirtieron en una forma de ampliar sus espectadores, así como de descubrir diferentes temas u obras literarias en series: se sintió especialmente atraído por las obras románticas y simbolistas de Poe, Flaubert y Mallarmé. Más tarde, Redon gradualmente comenzó a usar una paleta más vívida, y sus obras en pastel y óleo son exuberantes con el color, principalmente retratos y bodegones de flores.
Su encuentro con los Nabis lo expuso a un estilo más ornamental, y sus obras posteriores presentan japonismo, así como un énfasis en diseños abstractos aplanados y agrupaciones ornamentales. Redon tuvo una gran influencia en las obras de arte de sus colegas, como Paul Gauguin, así como en pintores contemporáneos posteriores como Marcel Duchamp.
Sus litografías fueron adoradas por los escritores simbolistas de la época, así como por los surrealistas posteriores, por sus temas a veces extraños y mágicos, muchos de los cuales combinaban la investigación científica con la visión imaginativa.
El ojo como un extraño globo se monta hacia el infinito (1882)
| Artista | Odilon Redon |
| Fecha de creación | 1882 |
| Medio | Litografía |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
A pesar de que Edgar Allan Poe ya llevaba muerto unos 33 años en el momento de la litografía de Redon, este no es un relato reproducido de la obra de Poe; más bien, es concurrente a ella en su conjuro del espeluznante universo del escritor. El ojo único es un emblema antiguo, pero se cambia aquí. La vasta magnitud del ojo representa el espíritu que sale del cuerpo sin vida del pantano.
A Edgar Poe (El ojo, como un extraño globo, se monta hacia el infinito) (1882) de Odilon Redon; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, dominio público, vía Wikimedia Commons
Es un instrumento físico que mira hacia el cielo hacia el todopoderoso, llevando consigo el cráneo muerto. El área etérea, así como el halo de luz alrededor de la imagen primaria, contribuyen a la noción de lo sobrenatural. Dentro de un reino de fantasía, la pieza inspira una sensación de asombro. Las pinturas de Redon, sin embargo, no deben confundirse con el surrealismo, ya que están destinadas a producir una noción cohesiva y precisa: la cabeza como la génesis de la creatividad y el alma incrustada en la materia.
Además, las pinturas de Redon difieren del surrealismo en que la idea puede ser construida. Las imágenes de Redon son etéreas y grotescas, pero son la realidad última. «Abordé lo improbable a través de lo inusual y así ofrecer coherencia visual a los aspectos imaginativos que noté», afirmó el pintor. Redon estaba en el modernismo, más que otros simbolistas.
Aunque era simbolista, también estaba fascinado por el materialismo de la época, como la investigación de Charles Darwin sobre la adaptación, el examen de las especies zoológicas y, como se demuestra en esta pieza, la ingeniería de globos aerostáticos.
Su arte era una representación de su propio universo interior retratado en símbolos personales, haciéndolo más accesible a la interpretación, y permitía a la audiencia comprender qué verdades ocultas se encuentran dentro de las formas.
James Ensor (1860 – 1949)
| Nacionalidad | Flamenco |
| Fecha de nacimiento | 13 de abril de 1860 |
| Fecha de fallecimiento | 19 de noviembre de 1949 |
| Lugar de nacimiento | Ostende, Bélgica |
A pesar de estar formado en la pintura convencional, Ensor la abandonó inmediatamente en favor de desarrollar un nuevo estilo que expresara su propia perspectiva sobre la vida actual. Se sintió particularmente atraído por la cultura popular del carnaval estructurada en torno a la celebración anual del Mardi Gras en toda Bélgica, que probablemente se inspiró en el hecho de que el negocio de su familia en Ostende era un importante minorista de productos de carnaval.
Autorretrato con sombrero floreado (1883 – 1888) de James Ensor; James Ensor, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su obra de arte es continuamente sardónica y ridiculizante, exhibiendo una versión casi grotesca del realismo con el objetivo de narrar las tensiones subyacentes a las morenas sociales modernas de su época, y muy probablemente de todos los tiempos. Ensor creó una técnica de pintura innovadora que se adaptaba más a su propósito particular. Comenzó a generar volumen utilizando parches de color sobre la superficie de la pintura, descartando el uso del ilusionismo y el punto de vista de un punto para ordenar la imagen representada. Como resultado, las imágenes ya no se desvanecieron, sino que amenazaron con infiltrarse en el área del espectador.
Las figuras de las pinturas de Ensor llaman la atención mientras están abarrotadas hasta el borde y privadas de espacio para respirar.
La muerte y las máscaras (1897)
| Artista | James Ensor |
| Fecha de creación | 1897 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Ubicación actual | Museo J Paul Getty, Los Ángeles |
Ensor da el cráneo de la Muerte en el medio, con su sonrisa siniestra, y las máscaras de los rasgos realistas del individuo; la máscara se ha convertido en el rostro, pero sigue siendo un disfraz que busca ocultar el vacío interior de la élite y la depravación de los tiempos. La composición empaquetada implica que este es un problema generalizado y que la imagen refleja la acusación del artista de la sociedad actual.
La muerte y las máscaras (1897) de James Ensor; James Ensor, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Ensor estaba interesado en las máscaras ya que su madre tenía una tienda de turismo que vendía artículos como estas máscaras de papel maché usadas durante el Carnaval en Bélgica. Ensor deseaba un regreso a las ferias y celebraciones locales «crudas y orgánicas» de su bélgica natal para fomentar la unificación, pero sabía que los turistas, el capitalismo y la industrialización evitarían que esto sucediera.
Además, Ensor fue el sucesor de toda la herencia norteña de exageración, lo extraño y lo fantástico, que se puede observar en las obras de Hieronymus Bosch. Sin embargo, a diferencia de las raíces realistas del arte del Bosco y Bruegel, Ensor elige una paleta ligera y brillante que transmite alegría y locura al tiempo que emplea una distribución áspera y táctil de la pintura que indica la profundidad y la tragedia de los tiempos.
Por lo tanto, mucho antes de los expresionistas, Ensor usó el color primario y las texturas violentas para desnudarse a los niveles de la psique humana, dividiendo sus recovecos, además de aumentar su léxico simbólico con connotaciones políticas matizadas.
Y con eso, concluimos nuestra exploración del arte del simbolismo. Hemos respondido a la pregunta «¿qué es el simbolismo en el arte? Hemos visto varios ejemplos de arte de simbolismo y explorado la definición de arte de simbolismo. Hemos aprendido que los símbolos en el arte han sido utilizados por los artistas para expresar ideas y nociones que no pueden ser transmitidas por la realidad cotidiana y los objetos que existen en ella.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué es el simbolismo en el arte?
Los diferentes pintores y géneros del movimiento simbolista están vinculados por su énfasis en los sentimientos, sentimientos, concepciones y personalidad en lugar de la actualidad. Muchos ejemplos de trabajo simbolista incorporan información personal y expresan sus propias ideologías, especialmente la fe del artista en su capacidad para descubrir la verdad. En términos del tema, los símbolos en el arte eran una mezcla de misterio religioso, lo grotesco, lo sexual y lo depravado. El ocultismo, lo macabro, el reino de los sueños, el dolor, el mal y la mortalidad son temas prominentes entre los pintores simbolistas.
¿Cuál es la definición de arte de simbolismo?
El movimiento del simbolismo surgió en un período de agitación en las perspectivas éticas, sociológicas, religiosas y académicas. El mundo era expandiéndose más allá de los estándares europeos, y el socialismo ya no encarnaba los nobles objetivos con los que había comenzado. La fe, así como la conexión entre el amor y las relaciones, estaban siendo cuestionadas. Los artistas simbolistas, en particular, se sentían solos y excluidos de la élite. El concepto de lo místico, por otro lado, fue vital en la construcción de símbolos en el arte y transmitió creencias antimaterialistas fascinadas con el misticismo.
