¿Alguna vez te has preguntado qué pinturas hay en el Louvre? ¿Sabías que actualmente hay más de 7.500 pinturas del Louvre? Pero, ¿son reales las pinturas del Louvre o réplicas? Hoy veremos algunas obras de arte notables del Louvre, así como el museo en sí.
Una introducción al Museo del Louvre
El Museo del Louvre inaugurado en 1793, mostrando la colección de arte del monarca francés, así como los resultados del saqueo del Imperio de Napoleón. Desde su creación, el museo ha estado abierto al público en días selectos de la semana, lo que se consideró innovador en ese momento. El Palacio del Louvre alberga el museo más grande del mundo. A lo largo de las décadas, el castillo del siglo 12 fue ampliado y renovado varias veces.
Antes de que se convirtiera en un museo, el rey Carlos V y Felipe II vivieron en este palacio, que decoraron con su colección de arte en constante expansión.
La Galería Apolo del Louvre, París, foto tomada entre 1870 y 1910; Rijksmuseum, CC0, vía Wikimedia Commons
Una vez que la familia real se trasladó a Versalles, la majestuosa estructura de 160.000 metros cuadrados se convirtió en uno de los museos más importantes del mundo. En 1989, se creó una pirámide de vidrio, que ahora sirve como entrada principal del museo, en el patio principal del palacio, rompiendo la uniformidad de la fachada del Louvre.
La colección oficial del Louvre contiene casi 300,000 obras de arte de antes de 1948, solo 35,000 de ellas están abiertas a la población en general.
La vasta colección se divide en muchas categorías, incluidas las antigüedades orientales, las antigüedades griegas, las antigüedades egipcias y las antigüedades romanas y etruscas. El museo también cuenta con una sección sobre la historia del palacio real, como el Louvre a lo largo de la Edad Media, obras de arte islámicas, pinturas, estatuas y arte gráfico. Los huéspedes necesitarán una mañana entera para obtener una idea aproximada del Louvre y ver las pinturas, esculturas y otros tipos de arte más notables. El Louvre es tan grande que recorrer sus exhibiciones puede llevar muchos días.
Panorama del Louvre tomado desde el interior del museo, 2018; Pedro Szekely de Los Ángeles, USA, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Las pinturas más famosas del Louvre
Hay literalmente miles de obras de arte del Louvre, sin embargo, hay algunas que podrían considerarse las pinturas más famosas del Louvre. ¿Qué pinturas hay en el Louvre que puedes nombrar? Echemos ahora un vistazo más profundo a algunas de las pinturas más queridas del Louvre.
San Francisco de Asís recibiendo los estigmas (c. 1300) por Giotto di Bondone
| Fecha de finalización | c. 1300 |
| Medio | Témpera sobre madera |
| Dimensiones | 313 cm x 163 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
Si estás familiarizado con el arte bizantino, puedes estar de acuerdo en que puede ser un toque monótono. El estilo artístico se caracteriza por figuras «rígidas» desprovistas de sentimiento. El arte bizantino se identifica fácilmente ya que depende principalmente de las hojas de oro, como se ve arriba. Si has visto una obra de arte bizantina, las has visto todas, por lo que todos admiran la última que se haya creado. El cuadro de Giotto no es la última pintura bizantina jamás producida, pero marca el comienzo del fin de esta forma de arte.
Giotto presenta personajes más emocionales que conectan entre sí y dan una cierta historia. Este concepto se convertiría en el núcleo del Renacimiento.
San Francisco de Asís recibiendo los estigmas (c. 1300) por Giotto di Bondone; Giotto, dominio público, vía Wikimedia Commons
Al pararse frente a la famosa obra maestra de Giotto, puede compararse fácilmente con las otras pinturas bizantinas en la misma sala del Louvre. Las figuras de Giotto se conectan más entre sí, muestran más emociones y crean una historia un poco más apasionada. Giotto pintaría al fresco la Capilla Scrovengi, que era rica en color y presentaba una gran historia.
La capilla impulsó las artes cada vez más cerca de la época renacentista, que generó muchas de las obras de arte más famosas del mundo, varias de las cuales ahora se encuentran en el Louvre.
La Virgen de las Rocas (1483 – 1486) de Leonardo da Vinci
| Fecha de finalización | 1483-1486 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones | 199 cm x 122 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
La magnificencia de esta pintura se concentra en algunos puntos importantes. Primero, hay una obra de arte casi similar con algunas modificaciones cruciales en Londres, que es algo típico del artista. El dedo de Uriel no se extiende en la obra de arte de Londres, y los colores se cambian. Puede parecer un punto menor, pero considere cuánta disputa el dedo extendido de Judas en La última cena de Da Vinci (1495-1498) causas.
Eso lleva a la segunda crítica de la obra de arte, que es el flujo de la pintura. Las figuras forman una forma de triángulo, lo que hace que los ojos se muevan de un punto a otro.
La Virgen de las Rocas (1483-1486) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci y taller, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su mirada puede ser atraída a varias partes de la imagen, pero hay un movimiento continuo desde la mano de Uriel hasta Juan, María y viceversa. Las características suaves de la cara de cada persona vienen en tercer lugar. Cuando esto se reveló, fue como tratar de comparar la claridad de una película de la década de 1980 con una de este año. Da Vinci era un experto en dibujar figuras. Finalmente, está el fondo, que está lleno de rocas dentadas y un campo al estilo de «El Señor de los Anillos».
¿Por qué fueron colocados en este maravilloso mundo? El propósito de Da Vinci, al igual que las redes sociales de hoy, era captar y captar su atención.
Minerva expulsando los vicios del jardín de la virtud (1502) de Andrea Mantegna
| Fecha de finalización | 1502 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 160 cm x 192 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
Minerva expulsando los vicios del jardín de la virtud es una de las obras más espectaculares de la artista. Representa una imponente cerca que encierra un humedal. La victoria de los vicios demuestra que los vicios tienen ventaja en el gobierno del recinto. Hay pruebas de seres horribles que gobiernan la cerca como vicios. Estos personajes atroces, como se muestra, solo pueden ser medievales. Esto se debe a la prevalencia de los pergaminos en la época medieval. Diana se muestra siendo salvada por Minerva, quien se muestra persiguiendo la pereza. Diana, como diosa de la virginidad, no debe ser violada, como un Centauro, un signo de naturaleza pecaminosa, se representa intentándolo.
Justo al lado de Minerva, hay un árbol con cualidades humanas y virtudes teologales, Justicia, Templanza y Fortaleza. Estos son los ideales morales que son vistos como fundamentales y esenciales en la vida de cualquier ser humano.
Minerva expulsando los vicios del jardín de la virtud (1502) de Andrea Mantegna; Andrea Mantegna, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Este esfuerzo se realiza tácticamente para asegurar que se produzcan las emociones deseadas. Hay un intento consciente de representar los vicios que intentaban infiltrarse en el paraíso de las virtudes. A medida que las virtudes ganan, estos vicios se muestran siendo expulsados del jardín. Esta es una empresa difícil ya que los vicios dominan el jardín y lo gobiernan. Minerva tendrá que esforzarse mucho para ganar este duelo.
Mirando de cerca la victoria de las virtudes, está claro que los vicios nunca pueden vencer a las virtudes si hay un deseo de expulsarlas.
Los vicios son retratados como siendo expulsados del jardín. El arte tradicional ha proporcionado con frecuencia dirección moral, ya sea a través de representaciones de temas religiosos o reflejando directamente los sentimientos personales del artista. La religión controlaría el arte durante muchas generaciones, en parte porque estas organizaciones estarían entre las más ricas de Europa, lo que les permitiría contratar a los mejores pintores disponible.
La batalla entre el amor y la castidad (1503) de Pietro Perugino
| Fecha de finalización | 1503 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 160 cm x 191 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
Esta pieza es alegórica, ilustrando el conflicto interno que sufrieron nuestros antepasados europeos. ¿Ahorras para un matrimonio sin amor o aprecias tus libertades sexuales ahora? Debido a que nuestra cultura no necesita la virginidad antes del matrimonio como lo hizo en los siglos 15 y 16, es posible que no comprendamos la obra de arte. Los matrimonios arreglados que comienzan sin amor tampoco son parte de la cultura occidental, por lo tanto, esta imagen está aún más alejada de la realidad.
El tema fue propuesto por el poeta de la corte de Isabella, Paride da Ceresara, y está atestiguado a través de la comunicación de Isabella con Perugino, que fue activo en Florencia en ese momento.
La batalla entre el amor y la castidad (1503) de Pietro Perugino; Pietro Perugino, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El acuerdo notarial incluía el concepto literario, así como un boceto en el que se basaría la obra. La Marchesa, por ejemplo, se indignó cuando Perugino representó una Venus desnuda en lugar de una Venus vestida. Cuando la obra fue entregada en 1505, la Marchesa estaba insatisfecha. Ella declaró que le hubiera gustado que se creara en aceite en lugar de la témpera empleada bajo su dirección para imitar la técnica de Mantegna. A Perugino, que sin duda se sentía incómodo con el modesto formato de la obra, se le pagaron 100 ducados por ello.
La imagen representa un conflicto entre los personajes alegóricos de Amor y Castidad contra un paisaje de colinas suavemente inclinadas.
San Miguel abrumando al demonio (1518) de Rafael
| Fecha de finalización | 1518 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 268 cm x 160 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
La pintura al óleo de Rafael de San Miguel es bien conocida por millones de personas. Aunque la mayoría de las personas reconocen esta imagen, no son conscientes de su significado. La imagen representa al Arcángel Miguel rodeado de demonios. Tiene alas y un halo fijado a él y está rodeado por las sombrías y lúgubres profundidades del infierno. Hay cautivos demoníacos en la tierra bajo los pies de San Miguel, y él lucha contra los demonios a su alrededor con un escudo y una espada larga. Los ángeles se pueden ver en el telón de fondo de la pintura. Todos los condenados detrás de él están sufriendo.
La causa real de la creación de la pieza es desconocida, sin embargo, hay una teoría ampliamente aceptada.
San Miguel abrumando al demonio (1518) de Rafael; Raphael, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Según la leyenda, la pintura fue encargada para transmitir el aprecio del duque a Luis XII de Francia. Raphaello Sanzio da Urbino fue un brillante maestro de su época y un Pintor italiano que poseía un enorme taller.
Durante su breve vida, produjo una serie de obras de alto arte. La mayoría de sus obras todavía están en exhibición en todo el mundo, especialmente dentro del Vaticano.
La fiesta de bodas en Caná (1563) por Paolo Veronese
| Fecha de finalización | 1563 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 677 cm x 994 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
La fiesta de bodas de Caná, una narración bíblica, recuerda el primer milagro de Cristo. Mientras es llamado a una cena de bodas en Caná, el vino se agota al final de la comida. Jesús les dijo a los esclavos que llenaran enormes jarras de piedra con agua y luego sirvieran al señor de la casa. ¡Se sorprende al ver que el agua se ha convertido en vino! Este episodio religioso es reimaginado como una lujosa boda veneciana. Sorprendentemente, Cristo está posicionado en medio de esta escena nupcial, flanqueado por la Virgen y los apóstoles, con el novio y la novia a la izquierda.
Además, la figura dominante de Cristo se enfatiza por su mirada inquebrantable al observador.
La fiesta de bodas de Caná (1563) de Paolo Veronese; Paolo Veronese, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La novia también nos está mirando, pero ¿parece estar feliz? No, ya que no hay más vino en su fiesta. ¿Y por qué el novio parece estar pensando? Su comportamiento puede estar relacionado con la pose del mayordomo con su túnica verde: se desenrosca el cinturón, con la mano izquierda en la bolsa, se enfurece: su tarea ha sido insultada y devuelve su ropa en el centro del banquete; el novio no sabe qué más decir y prueba el vino a pesar de no saber de dónde viene.
Un hombre de azul, con una nariz enorme y mejillas rojas, se para junto a la novia.
¿Está mirando el seno de la novia? No, sostiene una taza llena en su mano izquierda, conversa con el sirviente que luce una gorra de campana y habla sobre el vino: parece que está gimiendo, ¿tal vez todavía tiene el vino más viejo en su copa y desea probar el nuevo?
Muerte de la Virgen (1606) de Caravaggio
| Fecha de finalización | 1606 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 369 cm × 245 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
La imagen fue encargada originalmente para Santa Maria della Scala en Roma, pero fue rechazada. El piLo más probable es que se negara la cture porque era grosero. Jesús y los Apóstoles no tenían dinero, como ilustra esta obra de arte. Caravaggio frecuentemente contrataba mendigos, prostitutas y otras personas pobres para que posaran para él. Experimentó una existencia horrible y venenosa, que se refleja en sus pinturas. Su retrato del encuentro con la Reina de la Cristiandad es probablemente más auténtico que cualquier otra historia.
Su intensa pasión, sus pies descalzos, su mirada solemne y su cuerpo incoloro de María no cumplían con el concepto de las últimas horas de la Virgen en la Tierra, por lo que fue descartado.
Muerte de la Virgen (1606) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los rostros de los Apóstoles están llenos de incertidumbre mientras la miran fijamente. El último eslabón con el salvador Dios mío ha sido cortado, y ahora están solos. María Magdalena se inclinó hacia un lado, con la cabeza en las manos. Un signo de incertidumbre y duda compartido por otros dos apóstoles. Detrás de los dos apóstoles inseguros e infelices, lo más probable es que Pedro esté de su lado. Es difícil saberlo porque las imágenes tradicionales de las llaves del cielo no están en sus manos.
Sin embargo, la cifra irradia urgencia y confianza. Pedro fue el sucesor de Jesús y el primer Papa, por lo que será su responsabilidad unir al grupo.
David con la cabeza de Goliat (c. 1605) por Guido Reni
| Fecha de finalización | c. 1605 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 220 cm x 160 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
Guido Reni, un pintor boloñés, a menudo se le atribuye la codificación de una especie de belleza ideal y «clásica» en el siglo 17, centrándose en la armonía de las proporciones y el dibujo. Esta inclinación innata hacia el clasicismo fue el producto de su educación, que se inspiró en los modelos de Rafael y se filtró a través de las técnicas del artista boloñés Carracci. Guido, que ya era un artista consumado, se matriculó en la famosa Accademia degli Incamminati, una escuela de pintura. Su objetivo era seguir los pasos de los grandes maestros del siglo 16 centrándose en la anatomía y el dibujo de la vida.
Guido Reni conservó la serenidad llena de luz y la precisión figurativa que con frecuencia han llevado a que sus obras se yuxtapongan con el realismo y la oscura manera dramática de los Caravaggisti a lo largo de su ilustre carrera.
David con la cabeza de Goliat (c. 1605) de Guido Reni; Guido Reni, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Reni, sin embargo, desarrolló una apertura a los colores y métodos de Caravaggio después de mudarse a Roma a principios del siglo 17, adoptando algunas de las características más superficiales, como los marcados contrastes de luz o la afición por las imágenes históricas vinculadas a sucesos sangrientos.
Una cierta frialdad frígida impregnaba sus figuras, que conservaban aspectos de gracia melancólica incluso en sus posiciones más rudimentarias.
David golpea una posición dandy, con un sombrero de plumas rojas y su cuerpo iluminado por una luz lunar y apenas oculto por una hermosa capa recortada con piel; la luz delinea delicadamente su figura, mientras que la sombra se irradia desde el telón de fondo. El niño está estudiando la cabeza cortada de Goliat; el evento ya ha ocurrido, y el drama se ha disuelto en meditación.
La violación de las mujeres sabinas (1638) de Nicolas Poussin
| Fecha de finalización | 1638 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 206 cm x 159 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
Esta historia mitológica romana se remonta a la época de Rómulo. Las mujeres eran escasas en la recién creada colonia de Roma. Para resolver la situación, los romanos se acercaron a la cercana tribu Sabina, pero prohibieron a sus mujeres casarse con romanos. Entonces, los romanos prepararon una gran fiesta durante la cual secuestraron a las damas sabinas y expulsaron a los indefensos hombres sabinos en una señal preestablecida. En respuesta, los Sabines y sus aliados lanzaron una guerra contra Roma.
Después de que sus amigos fueron derrotados en la batalla, los Sabines asaltaron Roma, provocando una furiosa lucha que hizo que las mujeres Sabinas intercedieran y suplicaran por la paz.
Después de la guerra, los sabinos decidieron formar un solo país con los romanos. A lo largo de la Renacimiento italiano y más tarde, la narrativa fue representada en innumerables obras de arte. Nicolas Poussin creó dos versiones de esta fábula, una de las cuales se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano y la otra en el Louvre de París. Ambas piezas ilustranLa poderosa y agresiva técnica del artista, que utilizó en muchos de sus temas de la historia antigua.
La violación de las mujeres sabinas (1638) de Nicolas Poussin; Nicolas Poussin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque ambas versiones de la obra de arte son básicamente idénticas (Rómulo proporciona el mensaje preestablecido en ambas, y la anarquía cubre el lienzo), hay cambios en la composición y el color. La obra de arte en el Met es más estructurada, estática y colorida, pero la del Louvre es más fluida y tiene más dimensión.
Poussin enfatiza el terror y el conflicto entre las mujeres y los hombres en la versión del Louvre, contra un fondo arquitectónico que conduce nuestra mirada hacia el horizonte con diagonales generadas por las estructuras de la derecha.
Coronación de Napoleón (1807) por Jacques-Louis David
| Fecha de finalización | 1807 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 621 cm x 979 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
Napoleón se encuentra en el centro, llevando la corona, y se está preparando para coronar a su esposa, Joséphine. Josefina está recostada sobre un cojín, mientras que Napoleón está vestido con su prenda de coronación, que imita las túnicas utilizadas por los emperadores romanos. El Papa Pío VII está sentado a la derecha de Napoleón.
Aprueba la coronación, pero solo a regañadientes debido a la coerción de Napoleón.
La madre de Napoleón está sentada en el centro de la obra de arte, vestida con un vestido blanco. Los hermanos de Napoleón, dos caballeros vestidos de manera similar en el primer plano izquierdo, llevan gorras negras. A la derecha de los dos hermanos de Napoleón están sus tres hermanas, que también están vestidas de manera similar.
Coronación de Napoleón (1807) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Julie Clary, la esposa de Joseph Bonaparte, y Hortense, la hija de Joséphine, se encuentran a la derecha de las tres hermanas de Napoleón. También están equipados de manera idéntica. David se retrató a sí mismo mientras observaba la coronación en el telón de fondo. Finalmente, las 204 caras en la imagen parecen solemnes, enfatizando el significado de la ocasión.
El hecho de que ocurriera en la catedral de Notre Dame aumentó su importancia.
Además, el Papa estuvo personalmente allí para la ceremonia, y no por elección. Después de la derrota de los soldados papales en 1796, Napoleón tomó la autoridad de Roma y arrastró al Papa a Francia, donde falleció en 1799. Al futuro Papa, Pío VII, no le gustaba Napoleón, como se ve por su expresión solemne en la obra de arte (la única persona sentada).
La balsa de la Medusa (1819) de Théodore Géricault
| Fecha de finalización | 1819 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 491 cm x 716 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
La Revolución Francesa provocó un aumento en el interés en representar los acontecimientos actuales, pero después de la derrota de Napoleón en 1815, pocos pintores estaban dispuestos a abordar tales temas. Géricault era un caso atípico, aunque se distinguía de sus predecesores por el temperamento y la honestidad de enfoque. La Balsa de la Medusa representa poderosamente la angustia individual en lugar del drama grupal.
Representa las secuelas del hundimiento en 1816 del buque medusa de la Marina Real Francesa frente a la costa de Senegal. Debido a la falta de botes salvavidas, 150 sobrevivientes abordaron una balsa y quedaron devastados por la desnutrición durante una terrible experiencia de 13 días que se convirtió en violencia y canibalismo.
Cuando se salvaron en el mar, solo quedaron unos pocos. El naufragio tuvo impactantes ramificaciones políticas en Francia: el inepto capitán, que había ascendido a la posición debido a los vínculos con las autoridades de la Restauración Borbónica, luchó para salvarse a sí mismo y a los oficiales superiores mientras abandonaba los rangos inferiores para perecer, y por lo tanto la pintura de Géricault de la balsa y sus residentes fue recibida con antagonismo por el gobierno.
La balsa de la Medusa (1819) de Théodore Géricault; Théodore Géricault, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El espantoso realismo de la pintura, la presentación de la catástrofe de la balsa como una tragedia épica-heroica y el dominio de su dibujo y tonalidades trabajan juntos para elevarlo mucho más allá del reportaje contemporáneo convencional.
La representación de los muertos y moribundos, construida dentro de una composición dramática y meticulosamente elaborada, abordó un tema de actualidad con un fervor asombroso e incomparable.
Géricault exhibió la pintura en el Salón de 1819, la exposición anual del Louvre del arte francés moderno. Recibió un premio de oro, pero muchos críticos criticaron el tema espantoso y el realismo repulsivo. Géricault, insatisfecho con la recepción de La Balsa de la Medusa, transportó la pintura a Inglaterra en 1820, donde fue un éxito fenomenal. Tras la muerte de Géricault en 1824, el director del Louvre, conde de Forbin, compró la pintura a los herederos de Géricault para el museo.
Dante y Virgilio en el infierno (1822) de Eugène Delacroix
| Fecha de finalización | 1822 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 189 cm x 241 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
Dante Alighieri es a menudo considerado como el más importante Renacimiento temprano escritor o poeta. La Divina Comedia, un poema épico escrito en el embrionario idioma italiano, efectivamente puso la escritura de nuevo en el mapa. Produjo el primer libro importante desde la desaparición del Imperio Romano 700 años antes. La Divina Comedia es un poema épico de tres partes que describe el Cielo, el Purgatorio y el Infierno. Eugène Delacroix La pintura del infierno es una de las más intrigantes, ya que casi todos en la Tierra están aterrorizados por ella. Vale la pena señalar que su temor al infierno proviene de La Divina Comedia y obras de arte como las representaciones de Delacroix.
Dante fue uno de los primeros en representar vívidamente el Infierno, y el arte transformó esas descripciones en imágenes, por lo que tenemos tanto miedo del Infierno en primer lugar.
Dante y Virgilio en el infierno o La barca de Dante (1822) de Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Dominio público, vía Wikimedia Commons
También conocido como La barca de Dante, esta fue la primera gran película de Delacroix, y fue rápidamente aceptada y aclamada por los partidarios del movimiento romántico. Es una alegoría dramática protagonizada por Dante con su gorra roja y Virgilio, un escritor pagano romano que le ofreció el recorrido de la historia por el infierno.
Puede reconocer el impacto de Miguel Ángel en Delacroix si visita la Capilla Sixtina. Con más de 300 años entre ellos, Miguel Ángel era tan viejo para él como nosotros lo somos para él, sin embargo, su efecto fue enorme.
Los «condenados» son representados como enormes individuos musculosos flotando en el océano, casi vivos pero no muertos. Los demonios se muestran como criaturas amarillas más agresivas mordisqueando el costado de la vasija y generalmente infundiendo terror en todos los que los rodean.
La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugène Delacroix
| Fecha de finalización | 1830 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 260 cm x 325 cm |
| Ubicación actual | Museo del Louvre |
La Revolución Francesa fue una era de agitación política y social a finales del siglo 18 que envolvió al país. La toma de la Bastilla marcó el inicio oficial de la revolución. En este día, una turba de alborotadores, en su mayoría artesanos y dueños de tiendas, irrumpieron en la Bastilla, una fortaleza histórica convertida en cárcel estatal. Los rebeldes planeaban obtener acceso a la pólvora almacenada en la propiedad, además de liberar a los presos políticos.
¿Qué protestaban estos alborotadores? Finalmente, estaban insatisfechos con la familia real de Francia, cuyo lujo abrumador destacó y exacerbó su propia miseria. Los ciudadanos de Francia estaban luchando por alimentarse a sí mismos y a sus familias porque estaban sobrecargados de impuestos y mal pagados, lo que resultó en una serie de peleas.
Delacroix creó Liberty Leading the People en 1830, el mismo año en que la Revolución de Julio alteró la trayectoria de la historia francesa.
La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta lucha, como las libradas a lo largo de la Revolución Francesa, surgió como resultado de opiniones opuestas sobre quién debería dirigir Francia. En esta ocasión, ambas facciones respaldaron la Casa de Borbón o la Casa de Orleans. Carlos X de la Casa Borbón había estado en el poder desde 1824 en este punto. Sin embargo, después de una lucha de tres días, fue depuesto y reemplazado por Louis-Philippe, un miembro de la Casa de Orleans.
La imagen a gran escala, ambientada en las calles de París y cargada de simbolismo, representa a los parisinos persiguiendo una figura femenina.
Este carácter alegórico, destinado a reflejar la noción de libertad, se cree ampliamente que es un prototipo inicial de Marianne, una representación de la república francesa. Todos los personajes están colocados en forma de pirámide, con Marianne en la parte superior, enfatizando su prominencia en la composición y dirigiendo la mirada del espectador a través del lienzo de la pintura.
¿Qué te ha parecido nuestra lista de las pinturas más famosas del Museo del Louvre? Hay muchas obras de arte del Louvre para elegir, pero creemos que esta lista de pinturas del Louvre presenta algunas de las obras de arte más apreciadas. Hasta el día de hoy, son disfrutados por miles de visitantes por mes.
¡Echa un vistazo a nuestra historia web de pinturas del Louvre aquí!
Preguntas Frecuentes
¿Qué pinturas hay en el Louvre?
El Louvre está lleno de miles de pinturas y obras de arte conocidas. Habría demasiados para mencionar aquí. Le sugerimos que visite el museo para ver su selección o eche un vistazo a nuestra lista de algunas de las mejores obras que puede descubrir.
¿Son reales las pinturas del Louvre?
Podrías pensar que todas las pinturas del museo son auténticas. Sin embargo, nuevas pruebas han sugerido lo contrario. Según un estudio actual, más de la mitad de las piezas de la colección del Museo del Louvre parecen ser falsificaciones.
