El viejo guitarrista (1903) se hizo hacia el final de lo que se conoce como el Período Azul de Picasso. La pintura en sí no es particularmente radical, pero marca un momento importante en el camino de este pintor apasionado. Contendiendo cientos de años de tradición refinada, el pintor se esforzó por expresar y evocar emociones en lugar de simplemente ilustrar una realidad física. Esta ambición se convertiría en una piedra angular del movimiento de Arte Moderno.
El blues melancólico de El viejo guitarrista de Pablo Picasso
La pintura representa a un anciano lavado en una luz lunar sobrenatural. Debido a su ropa gastada, podemos conjeturar que es indigente. Sus ojos cerrados nos dicen que podría ser ciego. Parece estar sentado en el suelo, con las piernas cruzadas. Su cuerpo está desplomado, en una postura sin vida, en un rincón oscuro. Está sosteniendo y rasgueando su guitarra. La forma en que el cuerpo se orienta alrededor de su guitarra evoca una figura en aislamiento desesperado, encontrando consuelo solo a través de su arte. El hombre parece cercano a la muerte.
| Fecha de creación | 1903-1904 |
| Medios utilizados | Pintura al óleo sobre el panel |
| Dimensiones | 122,9 x 82,6 cm |
| Colección / Ubicación | Instituto de Arte de Chicago |
| Lugar de creación | Madrid |
| Asociado Movimiento Artístico | Expresionismo (El Período Azul) |
| Temas dominantes | Pobreza, sufrimiento, soledad, melancolía |
Artista en contexto
Picasso puede haber pasado gran parte de su tiempo practicando en París, pero nació en la ciudad costera mediterránea de Málaga en España. Desde muy joven, dio muestras de ser un dibujante excepcional. Con un profesor de arte para un padre, creció con su talento natural nutrido. Como el apellido de su padre era Ruiz, técnicamente debería llamarse Pablo Ruiz, pero el joven Pablo tenía otras ideas.
Desde sus primeros bocetos, comenzó a practicar la firma del apellido de soltera mucho más glamoroso de su madre, Picasso.
La firma de Pablo Picasso; Pablo Picasso, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Claramente, su confianza era justificable. El joven Picasso demostró no solo un don para arte clásico sino una capacidad para aprender rápidamente y cambiar entre estilos. A los 16 años, ya había asegurado una plaza para estudiar en la Real Academia de San Fernando de Madrid. Allí estudió a maestros pintores como el pintor de la corte española. Diego Velázquez. Sin embargo, debe haberse sentido insatisfecho por la escuela de arte porque en un año, había abandonado.
La muerte de Casagemas (1901)
Habiendo dejado la escuela de arte, Picasso comenzó a socializar con otros creativos, y así fue como conoció al pintor Carles Casagemas. Los dos formaron un vínculo instantáneo. En 1900, cuando solo tenían 19 años, pusieron su mirada en las oportunidades artísticas que les esperaban en París. Si bien Picasso había recibido cierto interés, todavía no había logrado mucho éxito comercial.
Como París era el epicentro del arte y la cultura occidentales, también era el centro de la extravagancia y el libertinaje.
Las muchas pinturas producidas en su París compartido representaban escenas de burdeles, tabernas, prostitutas y borrachos. La combinación de establecimientos sórdidos, absenta y amor no correspondido creó una catástrofe vertiginosa para Casagemas. Su consumo excesivo de alcohol no hizo nada para calmar su anhelo por Germaine, el objeto de sus deseos.
La muerte de Casagemas (1901) de Pablo Picasso; Pablo Picasso, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
El 17ésimo de febrero de 1901, mientras Picasso estaba en España, Casagemas invitó a Germaine y a un grupo de amigos a cenar en un café parisino. Varias botellas de vino más tarde, Casagemas se levantó y murmuró un discurso incoherentemente arrastrado al que nadie prestó mucha atención. Pero sacó una pistola y le disparó a Germaine. Afortunadamente, tuvo la previsión de agacharse, sosteniendo solo un rasguño en el cuello de la bala. Sin embargo, Casagemas giró el arma hacia su sien derecha y apretó el gatillo.
Casagemas, de 20 años, murió en una hora y debido a la distancia, Picasso no pudo asistir al funeral de su amigo. Picasso quedó destrozado por la noticia, pero su miseria lo llevaría al primer gran avance de su carrera artística.
A medida que se consumía cada vez más con el suicidio de Casagemas, comenzó a dedicar la memoria de su amigo al lienzo.
Los abetos de PicassoEl retrato de su duelo fue La muerte de Casagemas (1901). El cálido retrato a la luz de las velas de su amigo Casagemas muestra solo la cabeza sin vida marcada con balas, encaramada desde el interior de un ataúd. Picasso produciría otra versión de la pintura ese mismo año, Casagemas en su ataúd (1901) representando nuevamente el cadáver en un ataúd, excepto que esta vez no hay luz de velas. La pintura es mucho más oscura que la original y los tonos inquietantemente azules.
El Período Azul
Picasso comenzó a pintar sus cuadros azules en algún lugar entre finales de la primavera de 1901 y el siguiente enero. Solo un año después de que los dos mejores amigos hubieran llegado a París, Picasso estaba pintando cuadros catárticos de su amigo en un ataúd. Esta experiencia desencadenó una transición en el desarrollo artístico de Picasso que fue tan significativa que llegó a ser conocida como el Período Azul.
El uso de azules, negros, verdes y marrones para crear una sensación de melancolía, soledad y desesperación fue una característica clave del Período Azul.
Inicialmente, el tema parecía girar en torno al tema de la muerte, pero a medida que se desarrollaba el cuerpo de trabajo, Picasso se interesó en las personas en la parte inferior de la sociedad, con defectos, defectos y problemas. Pintaba a los pobres, a menudo mendigos semidesnudos, a menudo con algún tipo de defecto físico.
Mientras que el Período Azul, como muchas otras fases de su carrera, contaría con más sujetos femeninos que hombres, los hombres parecen estar en más angustia. Muchas de las figuras en su Período Azul tienen físicos delgados, alargados y angulares y dedos estirados.
Este fue un período increíblemente productivo para Picasso, cuyas complejas formas de trabajar le sirvieron para una miríada de estilos a través de los cuales podía navegar a voluntad.
Si bien aún no había alcanzado la cima de su carrera cuando se realizó este trabajo, estaba demostrando una alfabetización visual excepcional. Podría decirse que la pintura más popular del Período Azul de Picasso hecha hacia su final es El viejo guitarrista. El Período Azul duró de 1901 a 1904 y esta pintura se realizó en 1903, cuando el artista tenía poco más de veinte años.
Echando un vistazo más de cerca a la obra de arte
The Old Guitarist es una de las imágenes más conocidas que surgieron del Período Azul. Tan icónico como es, algunos de los detalles más finos de esta obra de arte a menudo se pueden perder. A pesar de su conmovedora simplicidad, esta pintura está llena de inmenso significado y habilidad.
Color
En la pintura principalmente monocromática El viejo guitarrista, Picasso armonizó las variaciones entre los valores tonales. Los tonos más claros cubren la parte superior de la pintura, mientras que los tonos profundos y oscuros definen el extremo inferior. Las decisiones del artista sobre dónde usar varios verdes, azules, grises y negros son cruciales para orquestar la sensación de melancolía.
Si bien los azules, negros y verdes son los colores obvios de este esquema, hay una ruptura en el corazón mismo de la imagen con el marrón de la guitarra. La guitarra marrón crea tensión con el azul, dominante en el resto de la pintura. Picasso había empleado una táctica similar en otras obras del Período Azul.. Debido a la coloración de la guitarra marrón, el objeto significa no solo el sustento del sujeto, sino su símbolo de esperanza.
Parte del genio de Picasso es que puede ser sutil. La tranquilidad de estas infusiones perspicaces es lo que las hace efectivas. Incluso en el momento más oscuro, dice Picasso, habrá luz al final del túnel.
Forma
La exploración de la emoción por parte del movimiento expresionista es lo que lo distinguió en su tiempo. Si bien era un rito de iniciación necesario para el joven pintor, supera al género al presumir de una gran cantidad de lógica en la construcción de esta pintura evocadora. Sin esfuerzo, la pintura demuestra la profundidad de la educación y el conocimiento del artista.
A diferencia de la alta frecuencia de algunas de sus obras posteriores, en El viejo guitarrista Picasso es mucho más tenue. La simple alineación de los elementos es lo que le da a esta pintura su lento sentido del movimiento. Los pies del anciano crean una gran curva en la parte inferior del lienzo, el hombro y la guitarra complementan la curva, respaldando una evocación de un movimiento de rasgueo.
La escasez de patrones y repeticiones lo hace más estático y claustrofóbico, lo cual es algo bueno teniendo en cuenta lo que la pintura está tratando de transmitir.
La profundidad se crea a través de un contraste en las formas. Las formas rectangulares básicas representan el primer plano y el fondo. Son claros sobre un fondo oscuro u oscuros sobre un fondo claro. Hay cuatro planos rectangulares. Todos ellos representan el terreno en el primer plano, el pavimento en el segundo plano, luego una pared baja y el cielo en el fondo.
El espacio que retrocede delante y detrás del anciano parece limitado. Existe la sensación de que la figura está cerca ya que la imagen se recorta con fuerza y algo frontal. La cabeza del guitarrista es el punto focal en la parte superior izquierda del lienzo. El torso del anciano es angular, lo que de alguna manera se acentúa por las líneas sombrías debajo de su rostro.
Mientras que la forma de la guitarra es curva, los puntos entre la guitarra, la cabeza del intérprete y sus manos crean un triángulo.
La pintura está delineada por líneas diagonales con el mástil de la guitarra formando la diagonal principal hacia arriba. Debido a esta diagonal, la guitarra cae sobre dos puntos naturales de interés, comprometiendo la regla de los tercios. También está prácticamente posicionado en el centro de la pintura, lo que amplifica su enfoque.
La miseria del anciano se ve amplificada por las decisiones formales tomadas por el artista. Debido a los límites pictóricos que lo envuelven, el alivio del guitarrista de su postura estrecha parece espacialmente imposible. Su condición de cautivo le impide estirar las piernas o levantar la cabeza, lo que agrava su dolor.
Estética
La pintura de guitarra de Picasso combina muchos de los dispositivos que había utilizado en el Período Azul. Sin embargo, muchos de estos dispositivos son parte de una larga tradición pictórica que se extendía detrás y delante de él. Esta pintura y otras imágenes en este cuerpo de trabajo son icónicas simplemente por sus tonos azul-oscuros.
Sin embargo, esta paleta de colores fríos y melancólicos, a menudo compensada por algún elemento marrón cálido, tiene sus raíces en el profundo conocimiento y apreciación de Picasso de las tradiciones de pintura occidentales.
La paleta francesa se arraigó en los descubrimientos de nuevos pigmentos como el azul de Prusia y el cobalto en la década de 1700, y el posterior desarrollo del ultramarino francés a principios de 1800. La paleta marrón fue, por supuesto, influenciada por pintores holandeses como Rembrandt van Rijn.
Tan deudora estaba la pintura española con los maestros holandeses que el término «hispano-flamenco» se usaba a menudo para describir los estilos híbridos de pintores como José Moreno Carbonero que influyeron en Picasso. Picasso estaba tratando de construir un puente entre las dos grandes tradiciones mirando las tradiciones de la pintura francesa a través de una lente española.
En muchas pinturas del Período Azul, el torso del guitarrista es alargado. La inclinación hacia abajo de su pobre cuello no solo es físicamente imposible, sino también extremadamente expresiva. La distorsión del cuerpo humano para lograr un propósito particular es una característica común de la historia del arte global.
Picasso miró al manierista El Greco, que se hizo conocido durante el renacimiento español por pintar figuras anormalmente altas y alargadas para aumentar su destreza espiritual.
Mientras sus compañeros daban la espalda a las tradiciones de la pintura clásica, Picasso estaba decidido a llevar estas viejas tradiciones a la era moderna. Tenía solo veinte años y, sin embargo, ya era lo suficientemente audaz como para compararse con los maestros. En El viejo guitarrista Picasso utilizaba los fundamentos simbolistas de las tradiciones españolas junto con el ritmo modernista de los estilos franceses para posicionar su obra como descendiente directo.
Como París era la capital del arte del mundo occidental en la década de 1900, Picasso la identificó como un lugar donde necesitaba estar. Como tal, absorbería al estilo típico de Picasso las tradiciones de la pintura francesa y las regurgitaría en su obra. Como muchos artistas, citó a los artistas que admiraba. Para él, estos incluyeron a Jean-Auguste-Dominique Ingres, Pablo Gauguin, Auguste René Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec y Edgar Degas. Estos fueron los artistas franceses que habían tenido el mayor impacto en Picasso en 1901 cuando hizo The Old Guitarist.
Sin embargo, esta pintura de guitarra de Picasso fue hecha en Madrid y se nota. Cuando nos fijamos en las diversas obras del Período Azul, que se hicieron entre París, Barcelona y Madrid, queda claro que cada vez que regresaba a España, también regresaba al arte español. Mientras que una obra como The Blue Room (1901) es claramente bastante francesa en su estilo y tema, The Old Guitarist parece enfatizar las raíces españolas de Picasso.
El hecho de que Picasso estuviera siendo influenciado por grandes maestros españoles y el realismo español es particularmente importante debido a la adulación de los pobres en la iconografía de la pintura española del siglo de oro.
El período clásico utilizó la virtud alegórica de la caridad como un tropo común. En pinturas como The Old GuiPicasso intentaba reinventar las interpretaciones realistas de los viejos maestros españoles sobre la difícil situación de los pobres. Por supuesto, esto complica los conceptos comúnmente sostenidos de la empatía de Picasso por el proletariado. Seguir la antigua tradición de afirmar ennoblecer a los pobres a través de grandes gestos artísticos puede elevar la imagen de estas personas a figuras virtuosas, pero podría explotar perversamente su sufrimiento para el disfrute de la élite.
Si bien esta consideración plantea preguntas sobre cómo Picasso está jugando en esta pintura de larga historia, la pintura ha logrado mantener su propia cabeza y hombros por encima de los maestros que pueden haberla inspirado.
Picasso combina la simplificación de los dispositivos compositivos con las tradiciones clásicas para crear un linaje de imagen completamente nuevo.
Significado
Pero esta pintura es más que otra imagen de los pobres. Gran parte de la crítica sobre la tradición de los pintores europeos que pintan a los pobres se disipa ante el hecho de que Picasso había estado teniendo problemas financieros cuando hizo The Old Guitarist. El joven artista Picasso se encontraba en un momento de su carrera en el que no tenía verdaderos mecenas o coleccionistas en Francia o España. Fue prolífico y fue reconocido, pero aún no había encontrado el favor.
Durante este tiempo, era tan pobre que tuvo que quemar muchas de sus pinturas solo para mantener la habitación caliente. A menudo, pintaba sobre pinturas porque no podía permitirse comprar lienzos nuevos. Es por esta razón que este período lo vio producir tantos dibujos. Por esta razón, no es difícil imaginar The Old Guitarist como una alegoría de la propia lucha del artista.
Debido a su propio roce con la pobreza, Picasso podría relacionarse con aquellos que sufren un destino similar.
El anciano huesudo acuna su guitarra de una manera que la hace parecer sagrada. Claramente, el hombre depende de él como un medio de supervivencia. El anciano está literal y figurativamente apoyado en la guitarra. Es su única esperanza. En la pintura, el anciano parece tan cautivado por el sonido de su guitarra que puede olvidarse momentáneamente de su dolor y hambre.
No es solo el dominio capaz de la forma lo que hace que esta pintura sea icónica, sino su capacidad para armonizar eso con el tema. Debido a que hay dos puntos principales de interés en la pintura, que son la cabeza y la guitarra, el espectador puede considerar fácilmente al sujeto como el guitarrista y la guitarra.
La guitarra ocupa un gran espacio simbólico y físico en la obra de arte.
Si bien tendría sentido imaginarlo emitiendo un sonido triste, la guitarra tiene una sensación ambigua de tristeza. El anciano parece no tener casi nada. Ni siquiera ropa destornada o un asiento para sentarse. Al espectador se le da suficiente información para comprender las profundidades a las que se ha hundido. Pero todavía tiene su guitarra y en el caso de esta pintura, eso podría significar que todavía tiene esperanza.
Debido a su universalidad, esta esperanza es la conexión más profunda entre el espectador, el artista y la obra de arte. La esperanza que evoca The Old Guitarist es en sí misma una cosa de belleza. Trabajando en esta pintura, el artista demostró su propio sentido de esperanza en un momento de oscuridad. Esencialmente ambos hombres son artistas e incluso en su aislamiento, se exponen a nosotros el espectador implorándonos que veamos su arte, empaticemos y los ayudemos.
Detalles
El anciano es extremadamente delgado y tiene dedos anormalmente largos. Su cuerpo parece haber sido estirado y deformado por el sufrimiento y el hambre. Su ropa está hecha jirones y rasgada exponiendo su hombro y otras partes del cuerpo. Una inspección más cercana detecta que los huesos de sus piernas se destacan. Mirando la pintura desde otro ángulo, es más claro ver que los ojos del anciano están cerrados y su boca abierta. Estas características, particularmente en The Old Guitarist connotan una expresión lánguida de sufrimiento.
Debido a la forma estratificada en que el artista ha tratado la estructura de esta pintura, es posible que haya algunas cosas que hayan pasado desapercibidas.
Esto puede pertenecer a aspectos de la pintura que son difíciles de racionalizar o apreciar, como el pie en la parte inferior izquierda de la pintura, que está torpemente posicionado para que caiga justo del borde de la pintura.
Examinar el compromiso de Picasso con la ligereza y la oscuridad en esta imagen produce más iluminaciones.
La fuente de luz de esta pintura parece emanar de la luna sombría y sus características clave están contorneadas por la luz lunar. La firma se encuentra en el otro extremo del espectro. Su valor oscuro está enredado en una espalda oscurasuelo que parece lo suficientemente vívido como para ser visto sin competir con la imagen.
Pintura inferior
Los investigadores revelaron que había dos o tres bocetos o pinturas inacabadas debajo de The Old Guitarist, después de realizar una radiografía de la misma. Las pinturas debajo fueron finalmente descifradas en 2001 por investigadores del Instituto de Arte de Chicago. La más perceptible de estas pinturas inferiores es una imagen de una mujer sentada con la cabeza hacia la izquierda. Pero la tecnología infrarroja mostró otra imagen de la cara y el cuello de una mujer joven mirando hacia la derecha. También es perceptible que los pies, el torso y el perfil de un niño estén a los pies de una de estas mujeres.
El hecho de que Picasso incluso tuviera que pintar sobre algunas de sus viejas pinturas es una prueba de que el artista no tenía un centavo.
Era tan pobre que apenas podía permitirse comida y mucho menos nuevos materiales de arte y lienzos. Algunos han sugerido que parte del poder de esta pintura es que está pintada sobre otras pinturas. Se podría decir que las imágenes fantasmales en capas visibles desde debajo de The Old Guitarist fueron accidentes felices que empujaron a Picasso en la dirección de cubismo.
Luz al final del túnel
Una cantidad abrumadora de atención pública se ha centrado en la obra más madura de Picasso de los años 20, 30 y 40. Pero este artista tuvo un largo y sinuoso camino antes de convertirse en la megaestrella que se ha asociado con su prolífica carrera. El Período Azul fue una de las colecciones menos lucrativas de la carrera de Picasso.
Sin embargo, incluso cuando nadie compraba su arte, persistió porque creía en su visión artística y vitalidad. Cuando Picasso estaba en ese lugar oscuro y profundo, la pintura se convirtió en su fuente de esperanza y aliento.
La pintura en cuestión tiene una simplicidad engañosa. Quizás por eso es precisamente por eso que es tan convincente. Representa experiencias humanas profundamente subjetivas en consonancia con el movimiento modernista del expresionismo que data de 1905 a 1920, para el que se dice que The Old Guitarist fue un precedente. El expresionismo se fundó en artistas modernos que priorizaban la expresión de experiencias emocionales en lugar de realidades físicas perceptibles.
Retrato fotográfico de Pablo Picasso, 1908; Autor anónimo desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Desde nuestra perspectiva en el 21c Siglo, no es exagerado ver a The Old Guitarist como una hermosa imagen. Pero para aquellos que estaban al tanto de esta pintura cuando era nueva, de 1903 a 1904, podría haber parecido poco convincente en parte debido a la deformación del cuerpo humano por parte del artista. Picasso ciertamente no fue el primer artista en el 19ésimo Siglo para hacer eso, pero su contribución a estas tradiciones pictóricas cambiaría el concepto mismo de lo que llamamos bello.
El viejo guitarrista es una ventana a la experiencia de Picasso con el dolor y la pobreza en un momento decisivo justo antes de convertirse en el artista vivo más famoso. Su capacidad para dibujar tanto de la historia del arte como de la vida real lo catapultaría al estrellato. Si el artista estaba usando su cabeza, su corazón o ambos cuando comenzó a producir imágenes que provocaban empatía por los pobres es de hecho un debate para los siglos.
Estas preguntas sin respuesta son las que le dan a la imagen su longevidad relacionable. Los temas de la pobreza, la pérdida y la tristeza son tan relevantes en la vida contemporánea como lo fueron en los días de Picasso. Sus esfuerzos por visibilizar a los marginados por la sociedad denotan la compasión que sentía por los oprimidos. No solo pintó a los pobres tal como aparecieron, sino que experimentó con varias formas de representar sus dimensiones internas. De alguna manera, construyó un nuevo puente entre lo melancólico y lo sublime. Este trabajo lo llevó hacia las obras más coloridas y radicales que se han convertido en un símbolo de su éxito. Esta trayectoria es una prueba de que efectivamente hay luz al final del túnel.
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Preguntas Frecuentes
¿Cuál era el propósito de The Old Guitarist?
La pintura era a la vez una metáfora de la condición humana y un defensor de las personas marginadas. También fue un ejercicio técnico e intentó usar la forma para expresar sentimientos de dolor y tristeza.
¿Cuánto valdría hoy el viejo guitarrista?
Es poco probable que The Old Guitarist vuelva al mercado pronto, pero los expertos estiman que esta icónica obra de arte el valor supera la marca de $100,000,000.
¿Es cubista el viejo guitarrista Picasso?
No. Esta obra se realizó durante una fase anterior en la carrera de Picasso conocida como el Período Azul. Más tarde transformaría sus estilos a través del Período Azul (1901-1904), el Período Rosa (1905-1907), el Período de influencia africana (1908-1909) y el Cubismo de Picasso (1909-1919).
