¿Sabías que cuando miras una pintura, realmente estás mirando varios elementos de arte que la componen? Al igual que una orquesta, cada instrumento tiene una parte que tocar, que culmina en una hermosa sinfonía visual. Pero, ¿cuáles son los elementos del arte y cómo componen una pintura? Esto es lo que discutiremos y describiremos en este artículo.
Los fundamentos: ¿Cuáles son los elementos del arte?
En términos simples, los elementos del arte son partes que conforman el todo. Estos a menudo se describen como métodos o componentes en el artes visuales. Por lo general, hay siete elementos principales del arte, a saber, color, valor, línea, forma, forma, textura y espacio. Discutiremos cada uno de estos con más detalle a continuación.
Los artistas pueden aplicar los siete elementos del arte de muchas maneras diferentes, y no tienen que utilizarlos en conjunto o simultáneamente, para crear obras de arte que sean visualmente atractivas y / o expresivas.
Los elementos artísticos pueden aplicarse a casi todos los tipos de obras de arte, incluyendo pintura, dibujo, diseño gráfico o cualquier otra forma de composición visual. Es importante entender los elementos del arte si eres un estudiante de arte, o incluso si eres un entusiasta del arte porque actúan como pautas o herramientas no solo para componer una obra de arte sino también para analizarla. Una vez que se entienden los elementos artísticos, las posibilidades son aparentemente infinitas en cuanto a cómo se pueden aplicar. Aquí está la descripción general:
| Elementos del arte | Características |
| El color en el arte | Algunos de los aspectos principales del color incluyen la rueda de colores, diferentes esquemas de color, colores primarios, secundarios y terciarios, colores complementarios y análogos, tonos, tonos, tintes, sombras, saturación / intensidad, valor y temperatura de color. |
| Valor en el arte | Esto se refiere a los aspectos claros y oscuros del color y viene en variaciones de clave baja, clave alta o media. |
| Línea en el arte | Hay diferentes tipos de líneas: horizontales, verticales, diagonales, cortas, largas, curvas o en zig-zag, que se pueden aplicar para formar una estructura fundamental de una obra de arte y proporcionan diferentes efectos como movimiento, ritmo o énfasis. |
| La forma en el arte | La forma varía de cuadrada, circular, triangular o rectangular y es más bidimensional, geométrica u orgánica. |
| La forma en el arte | Estos van desde cúbicos, esféricos, piramidales o cónicos, entre muchos otros, y es tridimensional, y puede ser geométrico u orgánico. |
| Textura en el arte | Esto se refiere a la «calidad de la superficie» de las obras de arte, que puede ser real o implícita. |
| El espacio en el arte | Esto se refiere a la tridimensionalidad o profundidad creada en una composición, y consiste en espacio positivo y negativo, que se puede utilizar para crear diferentes efectos. |
¿Alguna vez has mirado una pintura sin saber cuáles son los elementos del arte? ¿Te pareció una imagen? Sin el conocimiento de estas herramientas, no podemos profundizar en la estructura subyacente de la composición visual, en otras palabras, los elementos de arte proporcionarán un contexto desde el cual podamos entender la obra de arte.
Es casi como aprender un idioma y cada elemento del arte se combina para formar la «oración» visual, por así decirlo.
Algunas fuentes de arte lo describen como «alfabetización visual». Por lo tanto, la próxima vez que visite un galería podrás profundizar en la estructura de una pintura. Un paisaje con un cielo arremolinado o una escultura en forma de curva significará más de lo que parece.
¿Qué pasa con los principios del arte?
Antes de discutir los siete elementos del arte con más detalle, debemos proporcionar una breve descripción de los principios del arte, también conocidos como los principios del diseño o los principios de organización. Proporcionan más estructura a la forma en que se utilizan y aplican los elementos de arte, y a menudo se entienden como las herramientas que los organizan. Prometemos que no será demasiado complicado.
Es importante tener en cuenta que los principios del arte varían según las diferentes fuentes de arte, sin embargo, estos son los más ampliamente mencionados. Son, a saber, equilibrio, contraste, énfasis, armonía, unidad, proporción, ritmo, movimiento, variedad, repetición / patrón y escala.
Los siete elementos del arte
Ahora profundicemos en los siete elementos del arte. Repasaremos brevemente cada uno y cómo se utilizan y aplican en el arte visual.s. También proporcionaremos un ejemplo de las diferentes formas en que cada elemento de arte se puede utilizar en una composición visual.
Color
Conocido como «tono», el color es un elemento de arte crítico porque nos muestra a nosotros, los espectadores, de qué se trata la obra de arte. También puede evocar fuertes respuestas emocionales y cuando se aplica estratégicamente puede crear una composición visual bien equilibrada. Es versátil y puede transmitir realismo, naturalismo o ideas más abstractas.
Por ejemplo, piense en obras de arte famosas como «Los caballos azules» (1911) y «La vaca amarilla» (1911) del expresionista alemán Franz Marc.
The Blue Horses (1911) de Franz Marc, ubicada en el Walker Art Center de Minnesota, Estados Unidos; Walker Art Center, dominio público, vía Wikimedia Commons
En la pintura antes mencionada, hay tres caballos azules, no un color que esperaríamos que fueran los caballos. Aún así, el azul se utiliza para expresar un significado más profundo, según se informa, «espiritualidad» y «masculinidad». Además, también se cree que simboliza la paz o la armonía. Del mismo modo, el amarillo de la vaca simboliza la «sensualidad» y la «feminidad».
Algo de ciencia del color: piensa en un arco iris
¿Qué es, exactamente, el color? La ciencia del color explica que ocurre cuando la «luz visible», que es una de las formas de radiación electromagnética, se refleja o es absorbida por un objeto. Percibiremos que la luz es un color específico dependiendo de su longitud de onda.
Hay diferentes longitudes de onda de color que componen un espectro de color.
Arco iris doble de Alaska y arco iris supernumerario en el interior del arco primario. La sombra de la cabeza del fotógrafo en la parte inferior marca el centro del círculo del arco iris (punto antisolar); Eric Rolph en Wikipedia en inglés, CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons
Es importante tener en cuenta antes de enumerar el espectro de color que esto se denomina «luz visible», que nuestros ojos pueden ver o detectar. Hay otras formas de luz como la luz ultravioleta o infrarroja que no podemos ver que forman parte del espectro electromagnético.
Hay siete colores que podemos ver, a saber, violeta, índigo, azul, verde, amarillo, naranja y rojo.
Estos están en el orden de su tamaño de longitud de onda, que varía de menor a mayor. Podemos entender mejor estos colores a partir de sus diversas divisiones, lo que nos lleva a lo que probablemente hayas oído hablar antes, el rueda de colores.
La rueda de colores
La rueda de colores, que fue inventada por Sir Isaac Newton en 1666, es una herramienta útil que organiza los diferentes colores en tres grupos, a saber, primario, secundario y colores terciarios. Azul, rojo y amarillo son los colores primarios; naranja, verde y púrpura son colores secundarios, y rojo-naranja, rojo-púrpura, azul-púrpura, azul-verde, amarillo-verde y amarillo-naranja son los colores terciarios.
Es importante tener en cuenta que los colores secundarios son de una combinación de colores primarios, y los colores terciarios se producen a partir de una combinación de colores primarios y secundarios.
Moses Harris, en su libro El sistema natural de colores (1776), presentó esta paleta de colores; Moses Harris, The Natural System of Colours e Ignaz Schiffermüller, Versuch eines Farbensystems (Viena, 1772), lámina I, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los colores primarios como se señaló anteriormente producen multitudes de colores diferentes cuando se combinan. También hay colores complementarios, que se refieren a los colores opuestos entre sí en la rueda de colores, por ejemplo, el azul es opuesto al naranja, el rojo es opuesto al verde y el amarillo es opuesto al púrpura.
Características del color: Temperatura
Hay otras características asociadas con los colores, por ejemplo, la temperatura de color. Esto se refiere a cool o colores cálidos, sin embargo, algunas fuentes sugieren que esto también está relacionado con la psicología y con lo que asociamos los colores.
Si nos fijamos en colores como el rojo o el amarillo nos da una sensación de calidez, a menudo asociamos estos colores con el sol o el fuego. Por el contrario, si miramos el azul o el verde, podría darnos una sensación de frío y podríamos asociarlo con agua o follaje.
Es importante tener en cuenta que también se ha sugerido que hay más versatilidad a las temperaturas de color; algunos cLos colores ooler pueden parecer más cálidos que otros y viceversa: algunos colores más cálidos pueden parecer más fríos que otros dependiendo de sus combinaciones o intensidades.
Características del color: Intensidad/Saturación
La saturación de color, también denominada intensidad, a menudo se describe como el «brillo» o «brillo» y su nivel de intensidad. La palabra «puro» también se utiliza para describir cuando el color está en su intensidad más alta porque entonces está en su forma más pura, en otras palabras, está saturado.
Si un color está saturado, ¿qué es lo opuesto a esto? Un color con baja intensidad a menudo se describe como «opaco» o «apagado».
Un prado en las montañas: Le Mas de Saint-Paul (1889) de Vincent van Gogh, ubicado en el Museo Kröller-Müller en Otterlo, Países Bajos; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aparecerá más débil o más pálido debido a otros colores como el gris, blanco o negro añadido; otros colores también se pueden combinar para afectar el nivel de saturación. Veremos un ejemplo de alta saturación en la pintura postimpresionista de Vincent van Gogh Un prado en las montañas (1889).
Otro ejemplo típicamente utilizado es del impresionista Claude Monet y su pintura «Impresión, amanecer» (1872), que es una combinación de saturación de color alta y baja; el sol está pintado en un naranja más brillante y los colores circundantes son más apagados, lo que crea un efecto de contraste.
Valor
El valor de color es otro elemento artístico que se relaciona con el color. Se refiere a la calidad clara u oscura del color. Esto es cuando se agrega blanco o negro a un color; cuando se agrega blanco, se lo conoce como un «tinte» y el negro se conoce como un «tono».
El valor de color a menudo se puede detectar si una imagen se ve como blanco y negro.
Además, el valor del color también puede crear diferentes significados o efectos emocionales en una obra de arte, agregando énfasis. Más oscuro o más claro puede crear varios «estados de ánimo» o sugerir la hora del día. También puede resaltar parte del tema o crear un punto focal en la composición.
Textura
La textura se define ampliamente como la «calidad de la superficie» de una obra de arte. Hay dos formas en que se puede utilizar la textura, a saber, implícita o real. La textura implícita dará el efecto, o ilusión, de la calidad de la superficie, y puede variar desde áspera, lisa, dura, suave o cualquier otra superficie imaginable.
En las pinturas, la textura implícita agrega carácter y definición al tema y hay miles de ejemplos.
Si miramos hacia atrás a la Renacimiento del Norte, artistas como Alberto Durero fueron hábiles en retratar temas cercanos a la realidad, por ejemplo en Young Hare (1502), podemos ver el meticuloso detalle del pelo largo y corto de la liebre.
Liebre joven (1502) de Alberto Durero, ubicada en el Museo Albertina de Viena, Austria; Alberto Durero, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En la Edad de Oro holandesa, los objetos en Pinturas de naturaleza muerta parecía casi real, lo que generalmente se describe como «realismo» o «naturalismo». Un ejemplo incluye Banquet Piece with Mince Pie (1635) de Willem Claesz Heda, quien estuvo activo durante la Edad de Oro holandesa. Aquí vemos la hábil aplicación de la textura, desde las superficies lisas y brillantes de los objetos metálicos hasta la tela suave y arrugada del mantel.
La textura real se refiere a una superficie táctil, ya sea la pintura en un lienzo, el material de una escultura o una estructura arquitectónica. El expresionista abstracto Jackson Pollock, que goteaba físicamente o vertía pintura sobre sus lienzos, es un buen ejemplo.
En su Autumn Rhythm (Number 30) (1950), que se realiza con pintura de esmalte, podemos ver la textura táctil de la pintura creando un patrón rítmico por todas partes, que es evidentemente uno de los principios artísticos que mencionamos anteriormente.
Las esculturas también proporcionan texturas táctiles que van desde mármol, piedra, madera, plástico o cualquier otro medio. Vemos esto en la escultura de mármol como la Piedad (1498-1499) de Miguel Ángel, que también implica textura como se ve en las túnicas plegables y caídas de la Madre María, lo que agrega más realismo y énfasis al tema.
Otros ejemplos incluyen las esculturas contemporáneas hechas de acero inoxidable por Jeffrey Koons.
Sus famosos animales globo son más grandes que la vida y dan la impresión de un globo que encontraríamos en una fiesta de cumpleaños. Aunque estos tienen superficies duras, dan la ilusión de ser globos blandos, inflados. Un ejemplo incluye Balloon Dog (Magenta) (1994 – 2000).
Forma
Hay dos tipos principales de formas, típicamente denominadas «geométricas», y «orgánicas» o «de forma libre». Las formas geométricas se refieren a objetos como círculos, cuadrados, rectángulos o triángulos. Por lo general, se describen como más bidimensionales y creados por líneas.
Otros elementos artísticos como el espacio y el color también pueden contribuir a crear una forma.
Composición con amarillo, azul y rojo (1937 – 1942) de Piet Mondrian, ubicada en la Tate de Londres, Reino Unido; Piet Mondrian, dominio público, vía Wikimedia Commons
Algunos de los mejores ejemplos de formas geométricas utilizadas en las artes son del famoso artista abstracto Piet Mondrian y el polaco-ruso Kazimir Malevich. Entre muchos, Composición de Mondrian con amarillo, azul y rojo (1937 – 1942) representa varios cuadrados y rectángulos creados por la colocación de gruesas líneas negras a través del lienzo.
También veremos la forma cuadrada que se hizo famosa por la pintura al óleo «Cuadrado Negro» (1915) de Malevich.
Forma
La forma es otro elemento artístico que es casi como las formas mencionadas anteriormente, pero está más relacionado con las tres dimensiones en comparación con las dos dimensiones. Las formas pueden ser esféricas, cúbicas, piramidales, cónicas, cilíndricas y más.
La forma también se refiere a la forma completa de la obra de arte, ya sea una pintura y la forma que toma el sujeto o la forma física de una escultura. Esto también puede variar desde formas geométricas hasta orgánicas.
Un ejemplo de forma en el arte se puede ver en la escultura de acero inoxidable Cloud Gate (2006) de Anish Kapoor en Chicago, Estados Unidos. Es una forma orgánica que recuerda a una forma de frijol, que también es otro nombre para ella: El frijol.
La aplicación de casi todos los demás elementos artísticos como el color, la línea, la textura o el espacio, puede informar una forma.
Por ejemplo, con el sombreado, una forma circular geométrica puede volverse más tridimensional, convirtiéndose en una forma esférica. El sombreado también puede resaltar una forma orgánica, por ejemplo, una figura o un objeto. Del mismo modo, los contornos o lo que se denomina «líneas de nivel» pueden proporcionar más definición al tema.
Línea
La línea es un elemento artístico importante y se encuentra en casi todos los tipos de obras de arte, proporcionando la estructura fundamental para el tema. Desde corto, largo, vertical, horizontal, diagonal, curvo, recto, delgado o grueso; las líneas pueden variar en longitud y forma.
También hay numerosos métodos de aplicación de líneas para crear diferentes efectos para obras de arte.
Como mencionamos anteriormente en el artículo, los principios del arte son herramientas que «organizan» los elementos del arte; principios como el movimiento, el ritmo, la perspectiva, el patrón o el énfasis determinan cómo se utilizan las líneas. Si las líneas se aplican en patrones repetidos, pueden crear una sensación de movimiento y ritmo que le da a la obra de arte significado y énfasis. Un ejemplo famoso y de uso frecuente proviene de la pintura Pop Art de Roy Lichtenstein In the Car (1963). El uso de líneas horizontales en esta composición agrega énfasis y crea la idea de movimiento y velocidad del automóvil.
La Última Cena (c. 1495 – 1498) de Leonardo da Vinci, ubicada en el refectorio del Convento de Santa Maria Delle Grazie en Milán, Italia; Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Las líneas también pueden llamar la atención sobre un punto focal, por ejemplo, en La última cena de Leonardo da Vinci (c. 1495 a 1498). Aquí vemos las líneas de los tapices pintados a lo largo de las paredes izquierda y derecha de la composición. Su alineación crea una línea horizontal que centra nuestra atención en el punto final junto a la ventana en el fondo, que también resalta la figura central de Dios mío.
Hay formas aparentemente infinitas en que las líneas en las artes visuales se pueden utilizar, no solo con fines dramáticos o de perspectiva, sino también para crear los contornos necesarios o «líneas de contorno» para el tema, que pueden incluir dibujos figurativos o bocetos, para acentuar ciertas características.
Espacio
El espacio como elemento artístico tiene que ver con la profundidad retratada en una composición, que se relaciona con su tridimensionalidad. Esto típicamente se refiere a pinturas o dibujos, que representan lo que se denomina la «ilusión del espacio». En scUlptural o arte arquitectónico, el espacio se definiría como el área alrededor del objeto, incluido el espacio ocupado por el objeto, ya sea que tenga aberturas o no.
También hay diferentes tipos de espacio, a saber, espacio positivo y negativo; el espacio positivo se refiere al objeto o materia en sí y el espacio negativo es el espacio que lo rodea.
El perro (c. 1819 – 1823) de Francisco Goya, ubicado en el Museo del Prado de Madrid, España; Francisco de Goya, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Un ejemplo de esto está en Serie Pintura Negra de Francisco Goya, a saber, El Perro (c. 1819 – 1823), en el que hay un gran espacio abierto, y en la parte inferior, hay un perro. Esta gran área de espacio también puede crear énfasis, uno de los principios del arte, y llamar nuestra atención sobre el perro a continuación.
También hay técnicas que ayudan a crear profundidad en una superficie bidimensional. Estas son comúnmente llamadas perspectivas «lineales» y «atmosféricas», todas las cuales emplean otros elementos artísticos como líneas, color y valor para mejorar el efecto espacial.
En perspectiva lineal, las líneas paralelas que «retroceden» en el fondo hasta un punto focal crean la ilusión de espacio. Esto es lo que vemos en La Última Cena de Leonardo da Vinci (c. 1495 a 1498) mencionada anteriormente. La perspectiva atmosférica incluye el uso del color y el valor para crear un efecto nebuloso del tema en la distancia de una composición. Los objetos en primer plano parecerían más brillantes o más claros, lo que también se relaciona con el valor porque el fondo sería más claro y el primer plano más oscuro. Esto también incluye que el primer plano aparezca más detallado en comparación con el fondo.
Una sinfonía visual: elementos artísticos en contexto
Si bien hay muchos más detalles para explorar sobre los siete elementos del arte, en este artículo proporcionamos las características principales para una mejor comprensión de lo que sucede detrás de escena de una pintura, dibujo o escultura.
Siempre hay más de lo que parece en cualquier obra de arte, y comprender cómo se utilizan los elementos artísticos mejorará sus capacidades no solo para crear arte, sino también para analizarlo. Los elementos artísticos son diversos y se pueden moldear para adaptarse a cualquier necesidad artística, ya sea más expresivamente abstracta o tradicionalmente figurativa.
Preguntas Frecuentes
¿Cuáles son los elementos del arte?
Los elementos del arte son varias herramientas como el color, el valor, la textura, la línea, la forma, la forma y el espacio que los artistas o entusiastas de la historia del arte pueden utilizar para crear o analizar pinturas, dibujos, esculturas, artes gráficas o cualquier otra modalidad de arte. Proporcionan los medios para crear diversos efectos en las obras de arte para darles significado y expresión.
¿Cuántos elementos de arte hay?
Por lo general, hay siete elementos del arte, a saber, valor, color, espacio, textura, línea, forma y forma. Estos son comúnmente referidos por muchas fuentes de arte, sin embargo, algunas fuentes incluyen más elementos de arte.
¿Cuáles son los principios del arte?
Los principios del arte son la unidad, la armonía, la proporción, el énfasis, el equilibrio, la variedad, el contraste, el ritmo, el movimiento, el patrón o la repetición y la escala. Estos generalmente se conocen como principios organizativos y trabajan junto con elementos de arte para componer una obra de arte. Los elementos de arte dispuestos o utilizados de cierta manera crearán diferentes efectos, que están informados por los principios del arte.
