«Vi al ángel en el mármol y lo tallé hasta que lo liberé». Esta cita es de Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, más comúnmente conocido como Miguel Ángel, que es una de las figuras más conocidas e influyentes de la historia del arte. Fue un pintor, escultor, arquitecto y poeta italiano del Alto Renacimiento. Su trabajo fue especialmente notable por su influencia significativa en el desarrollo de la tradición occidental del arte, particularmente con respecto a las nociones de humanismo y naturalismo que eran comunes entre los artistas y eruditos de la época. El renacimiento cultural renacentista del arte clásico griego y romano es evidente en la obra de Miguel Ángel, pero lo que hizo que sus piezas fueran especialmente cautivadoras fue su uso del realismo emocional y la intensidad psicológica. Este artículo presenta algunas de las esculturas más conocidas de Miguel Ángel, sus historias y significados interpretados.
Esculturas famosas de Miguel Ángel
Algunas de las obras más conocidas y famosas de Miguel Ángel son sus Esculturas renacentistas. Estas obras de Miguel Ángel no solo muestran la gran habilidad del artista, sino que también cuentan sus propias historias y tienen sus propias historias. Aquí están 15 de las esculturas más famosas de Miguel Ángel.
Crucifijo (1492)
| Título | Crucifijo |
| Fecha de creación | 1492 |
| Medio | Estatua de madera policromada |
| Dimensiones (cm) | 142 x 35 |
| Ubicación actual | Santo Spirito, Florencia |
| Valor | 4,2 millones |
Miguel Ángel creó esta pieza a la edad de 18 años, como muestra de agradecimiento a los monjes agustinos de San Spirito que le proporcionaron vivienda. El tema de la estatua, un Jesús crucificado en la cruz, era bastante común en el arte, el tema de muchas esculturas y pinturas.
Esta escultura no prestó mucha atención a la carrera de Miguel Ángel como artista, y la mayoría olvidó que él fue quien la creó.
Crucifijo (1492) de Miguel Ángel, ubicado en el Santo Spirito en Florencia, Italia; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
En Las vidas de los artistas (1908) de Vasari, se dice que Miguel Ángel comenzó a estudiar anatomía diseccionando cadáveres en San Spirito, lo que ayudó mucho en sus futuras obras. La estatua ha sido descrita como juvenil, y Cristo no tiene el icónico físico musculoso por el que Miguel Ángel es bien conocido. Es probable, sin embargo, que esto estuviera destinado a complacer los deseos del comisionado.
La estatua también presenta una herida de lanza en el costado de Cristo, así como sangre goteando por su cuerpo, desde cuando fue apuñalado por un soldado romano, como se describe en la historia bíblica.
Ángel (1494 – 1495)
| Título | Ángel |
| Fecha de creación | 1494 – 1495 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 51.5 |
| Ubicación actual | Basílica de San Domenico, Bolonia |
| Valor | Desconocido |
Esta estatua de mármol de Miguel Ángel, que representa a un ángel juvenil arrodillado sosteniendo un candelabro, es una de las primeras obras de Miguel Ángel. Esta pieza fue encargada por el Arca di San Domenico en Bolonia, donde todavía se puede encontrar, como pieza complementaria a una estatua de ángel similar de Nicollo dell’ Arca.
Mientras que el ángel de Nicollo dell’ Arca se presenta como un joven delicado, suave y afeminado vestido con túnicas góticas, el «Ángel» de Miguel Ángel se presenta como fuerte, con las alas de un águila, con la musculatura característica del artista.
Ángel (1494 – 1495) de Miguel Ángel, ubicado en la Basílica de San Domenico en Bolonia, Italia; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Hay una esencia de honor e integridad en este ángel, con los contornos de la escultura comunicando una sensación de firmeza, con la silueta de la pieza perfectamente contrastada con el telón de fondo del santuario ornamentado en el que fue diseñado para encajar.
Baco (1496 – 1497)
| Título | Baco |
| Fecha de creación | 1496 – 1497 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 203 x 76 |
| Ubicación actual | Museo Nazionale del Bargello, Florencia |
| Valor | Desconocido |
Baco es una de las pocas obras religiosas de Miguel Ángel que representan un tema pagano, en lugar de un cristiano. La estatua, que originalmente era encargado por el cardenal Raffaele Riario, que terminó rechazándolo después de encontrar que el producto terminado era inapropiado, representa al dios romano del vino, Baco (conocido como Dioniso en la mitología griega) en una pose de sugerente embriaguez. Los ojos del dios están rodando hacia arriba, su cuerpo colocado de una manera que sugiere tambalearse o balancearse. Lleva una corona de hiedra y sostiene una copa en su mano derecha, que está poniendo en sus labios para otro sorbo.
Sostiene la piel de un león en su otra mano, que simboliza la muerte. Este simbolismo se deriva del mito griego de Hércules.
Baco (1496 – 1497) de Miguel Ángel, ubicado en el Museo Nacional del Bargello en Florencia, Italia; Miguel Ángel, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El uso de la anatomía de Miguel Ángel representa al dios como casi andrógino, con Giorgio Vasari describiéndolo con «tanto la esbeltez de un joven como la carnosidad y redondez de una mujer», que se ajusta a la descripción del dios del manuscrito de Historia Natural de Plinio el Viejo (77 dC) de una escultura de bronce perdida de Praxíteles. Detrás del dios se encuentra un pequeño sátiro, o fauno, como se le conoce en la mitología romana, comiendo las uvas que caen de la mano descuidada del dios.
El uso de un fauno es significativo en el sentido de que la deidad era el símbolo del culto de Baco.
Piedad (1498 – 1499)
| Título | Piedad |
| Fecha de creación | 1498-1499 |
| Medio | Escultura de mármol de Carrara |
| Dimensiones (cm) | 174 x 195 |
| Ubicación actual | Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano |
| Valor | $300 millones |
Esta escultura de Miguel Ángel fue la primera de muchas piedades creadas por el artista, que representan la escena bíblica en la que la Virgen María acuna a Jesús después de ser crucificada, también conocida como piedad. Si bien esta escena se representaba comúnmente en el arte europeo, no era tan común en Italia, y el trabajo de Miguel Ángel fue la primera vez que la escena se presentó utilizando el medio de una estatua de mármol. Durante la época del Renacimiento, muchos artistas comenzaron a traducir las narrativas religiosas en una representación más humanista, difuminando las líneas entre el hombre y lo divino.
Esto se puede ver en la pieza de Miguel Ángel, con la Virgen María presentada de una manera mucho más humana y maternal que la representación tradicional de la Virgen.
Pietá (1498 – 1499) de Miguel Ángel, ubicada en la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Miguel Ángel la presentó como más joven de lo que la mayoría de los artistas tendían, y en lugar de representar su sufrimiento, la presentó como una madre con profunda ternura maternal por Cristo, que muestra muy pocos signos de la reciente crucifixión, más bien mirando dormida en los brazos de su madre, que espera que se despierte, lo que alude a la resurrección. La composición de la estatua se presenta en una estructura piramidal, con la cabeza de María en la parte superior, y el ensanchamiento gradual hacia la base.
Curiosamente, esta es la única obra que Miguel Ángel ha firmado, con el nombre de Miguel Ángelus escrito en la faja que cubre el pecho de María. El uso de este nombre hace referencia a Miguel Arcángel.
David (1501 – 1504)
| Título | David |
| Fecha de creación | 1501-1504 |
| Medio | Estatua de mármol |
| Dimensiones (cm) | 517 x 199 |
| Ubicación actual | Academia di Belle Arti di Firenze, Florencia |
| Valor | $200 millones |
La Estatua de David es, sin duda, la estatua de Miguel Ángel más conocida y una de las obras más conocidas de la época del Renacimiento. La escultura fue un encargo de la Ópera del Duomo para la Catedral de Florencia y estaba destinada a ser parte de una serie de esculturas de profetas para la azotea de la Iglesia.
La estatua fue esculpida con un bloque de mármol que otro artista ya había comenzado a tallar para un proyecto diferente, que abandonó la pieza después de encontrar el mármol estructuralmente comprometido. Miguel Ángel, sin embargo, fue lo suficientemente hábil como para trabajar con la piedra, completando el trabajo cuando tenía 26 años.
David (1501 – 1504) de Miguel Ángel, ubicado en la Galleria dell’Accademia en Florencia, Italia; Michelangelo, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Esta estatua representa al profeta David de la conocida historia bíblica de David y Goliat. La estatua desnuda, a pesar del tema, se mantiene alta, confiada y majestuosa, con la honda que usa para matar a Goliat colgando sobre su hombro izquierdo. La habilidad de Miguel Ángel en la anatomía es evidente en el físico musculoso de David, con su clásico postura de contrapposto, enfatizando su fuerza.
Esta postura confidente, así como la mirada decidida en el rostro de David, transmite un sentido de naturalismo.
Virgen de Brujas (1501 – 1504)
| Título | Virgen de Brujas |
| Fecha de creación | 1501 – 1504 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 200 x 64 |
| Ubicación actual | Onze Lieve Vrouwekerk, Brujas |
| Valor | Desconocido |
Esta gran escultura renacentista de Miguel Ángel representa la actitud solemne con la que el artista a menudo retrataba a la Virgen María y a Cristo. Esta es la única escultura del artista que salió de Italia durante su vida, donada a su hogar actual en 1514. Esta escultura fue tallada en una gran y densa losa de piedra de mármol, que se refleja en la robusta composición de María y el joven Cristo.
La representación de Miguel Ángel de la Virgen con el niño difiere mucho de las representaciones anteriores y contemporáneas, que generalmente mostraban a María sonriendo a su bebé, acunado en sus brazos.
Virgen de Brujas (1501 – 1504) de Miguel Ángel, ubicada en la Iglesia de Nuestra Señora en Brujas, Bélgica; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
La escultura de Miguel Ángel presenta al joven Cristo de pie, como si estuviera a punto de alejarse de su madre, símbolo de que él sale al mundo. Su madre no lo contiene, consciente del destino divino de su hijo.
Hay similitudes entre esta pieza y la «Piedad» de Miguel Ángel (que completó poco antes de esta pieza. El uso de sombras crea un patrón de claroscuro, visto en la forma en que fluye la ropa de María y el largo rostro ovalado de la Virgen.
Esclavo rebelde (1513)
| Título | Esclavo rebelde |
| Fecha de creación | 1513 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 215 |
| Ubicación actual | El Louvre, París |
| Valor | Desconocido |
Esta escultura renacentista de Miguel Ángel representa a un esclavo en una lucha activa, tratando de liberarse de las cadenas que lo sostienen. La escultura retrata activamente la resistencia humana a la esclavitud. Similar al esclavo moribundo (1513-1516), implica la condición de esclavitud y la necesidad desesperada de escapar. Miguel Ángel da la impresión con el uso de la postura del esclavo de que se está moviendo hacia el espectador, lejos de su dueño u opresor, levantando el hombro y la rodilla derecha, y a través de la contorsión del torso.
Gran parte del poder de esta pieza proviene de su naturaleza sin pulir, como si estuviera inacabada.
Esclavo rebelde (1513) de Miguel Ángel, ubicado en el Louvre de París, Francia; Jörg Bittner Unna, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
La herida en el brazo desierto de la figura en su espalda expresa una lucha constante por liberarse. Miguel Ángel específicamente hizo que la figura pareciera estar desnuda para mostrar una sensación de humillación, mostrando la humillación por la que los esclavos eran sometidos por sus amos.
El físico de la escultura es muy similar a los modelos romanos, dando una sensación dinámica de autenticidad.
El Moisés (1513 – 1515)
| Título | El Moisés |
| Fecha de creación | 1513 – 1515 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 235 x 210 |
| Ubicación actual | La Iglesia de San Pietro, Roma |
| Valor | $65 millones |
El Moisés es una de las varias esculturas bíblicas de Miguel Ángel que se encargaron, que representan la escena del Libro del Éxodo en la que Moisés baja del Monte Sinaí con las losas de piedra de los Diez Mandamientos, para encontrar a su pueblo adorando a un ídolo pagano, el Becerro de Oro. Moisés estaba bastante enojado en esta escena, y esta ira está presente en la obra de Miguel Ángel; su expresión es severa, y su postura, que presenta su pierna izquierda moviéndose hacia la izquierda mientras que su torso mira hacia la derecha.
Esta postura, junto con la dirección hacia la que fluye su barba, crea una sensación de fuerte movimiento, tensión y poder. La gran estatua también es notable por su uso de tela, que fluye auténticamente.
El Moisés (1513 – 1515) de Miguel Ángel, ubicado en la Iglesia de San Pedro en Roma, Italia; Livioandronico2013, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Lo que hizo que esta estatua fuera especialmente interesante es que Moisés está representado con un par de cuernos. Algunos han interpretado esto como un símbolo de la angustia del profeta, mientras que otros creen que es una interpretación literal de la Vulgata, la traducción latina de la Biblia, con la palabra hebrea Keren que significa «luz irradiada» o «cuernos crecidos».
Sigmund Freud señaló esta escultura como «superior al Moisés histórico o tradicional», creyendo que tenía un significado más secular, simbólico de un hombre que reprime su pasión en interés de un significado superior.
Esclavo moribundo (1513 – 1516)
| Título | Esclavo moribundo |
| Fecha de creación | 1513 – 1516 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 215 |
| Ubicación actual | El Louvre, París |
| Valor | Desconocido |
Esta pieza de una de las varias esculturas inacabadas de Miguel Ángel destinadas a ser para la tumba del Papa Julio II, y una de las seis esculturas de esclavos creadas por el artista. Estaba destinado a acompañar la escultura, Esclavo rebelde (1513), con la escultura de Moisés de pie en el medio. La pieza fue hecha por Miguel Ángel después de seleccionar a mano las losas perfectas de piedra de las canteras de roca de Carrara, Italia.
El artista inicialmente planeó cincelar una figura de un hombre en la muerte apáticamente aceptada. Después de que el entonces Papa cambiara de opinión, cancelando la comisión, Miguel Ángel continuó trabajando en ella.
Esclavo moribundo (1513 – 1516) de Miguel Ángel, ubicado en el Louvre de París, Francia; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
La frustración del artista con la cancelación del Papa es evidente en la pieza, con la figura del esclavo pareciendo frustrada por sus propias circunstancias, con el historiador del arte Richard Fly sugiriendo que la lucha del esclavo con la muerte es emblemática de la lucha del artista con la pieza en sí.
Si bien la escultura puede ser vista como el esclavo que se encuentra con la fuerza implacable de la muerte, también hay una sensación de distorsión, frustración y debilitamiento que sugieren algo impío, que puede reflejar el contexto de la esclavitud durante el Renacimiento italiano.
Apolo (1530)
| Título | Apolo |
| Fecha de creación | 1530 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 146 cm |
| Ubicación actual | Museo del Bargello, Florencia |
| Valor | Desconocido |
Apolo, también conocido como Apolo-David o Apollino, fue encargado por el Papa Clemente VII para el palacio de Baccio Valori. La escultura representa a un hombre desnudo, identificado de diversas maneras como Apolo, el dios griego y romano del sol, y David de la historia bíblica de David y Goliat. Miguel Ángel hace uso de la sombra y la torsión de una manera que permite que múltiples partes de la figura sean visibles desde un solo ángulo, con la pierna derecha y el brazo izquierdo doblados, con el brazo opuesto y la pierna extendida.
La incertidumbre con respecto a la identidad del sujeto proviene de la naturaleza inacabada de la pieza. Se desconoce si la figura está destinada a dibujar una flecha de un carcaj, como lo haría Apolo, o agarrar una honda, como lo haría David.
Apolo (1530) de Miguel Ángel, ubicado en el Museo del Bargello en Florencia, Italia; Miguel Ángel, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Si esta escultura renacentista de Miguel Ángel está destinada a representar a David, es interesante en comparación con la icónica estatua de David (1501 – 1504) del artista, que está mucho más definida en su musculatura y tiene una expresión mucho menos angustiada emocionalmente en su rostro que Apolo-David.
El pie derecho de la figura se coloca en una sección inacabada, que los historiadores del arte sugieren que podría haber sido la cabeza de Goliat el gigante, si Miguel Ángel la hubiera terminado y hubiera pretendido que fuera David.
Sin embargo, si la escultura está destinada a representar a Apolo, el cuerpo pesado sería la primera pista, sin embargo, no hay indicación de dónde estaría el arco del arquero si se agregara a la pieza. Algunos historiadores del arte creen que si la escultura está destinada a representar al dios sol, sería una forma de que Miguel Ángel expresara su desprecio por aquellos que conquistaron su ciudad natal, Caprese.
Niño agazapado (1530 – 1534)
| Título | Crouching Niño |
| Fecha de creación | 1530 – 1534 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 54 x 40,3 |
| Ubicación actual | Museo del Hermitage, San Petersburgo |
| Valor | Desconocido |
Esta escultura de Miguel Ángel representa a un niño desnudo, agachado y girando sobre sí mismo, cuidando su pie herido, tal vez sacando una espina. La obra es pequeña e inacabada, pero aún presenta el físico bien definido característico del artista, con su postura encorvada que sugiere una fuerza interior comprimida en su interior.
La cabeza del niño está boca abajo mientras se enfoca en su pie, ignorando todo lo que sucede a su alrededor. Esto evoca una sensación de aislamiento y tristeza en la pieza.
Crouching Boy (1530 – 1534) de Miguel Ángel, ubicado en el Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia; Yair Haklai, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
La interpretación de esta pieza ha sido un tema de debate y discusión entre los historiadores del arte, con algunos estudiosos argumentando que la enigmática pieza podría representar el alma por nacer, con su posición rizada, casi fetal, mientras que otros argumentan que representa a un soldado herido.
Algunos incluso interpretan la escultura como la personificación del genio, o incluso el sufrimiento del dolor o el luto.
El genio de la victoria (1532 – 1534)
| Escultura | El genio de la victoria |
| Fecha de creación | 1532 – 1534 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 261 x 74 |
| Ubicación actual | Palazzo Vecchio, Florencia |
| Valor | Desconocido |
El Genio de la Victoria, a veces conocido simplemente como Victoria, fue otra obra de Miguel Ángel producida para la tumba del Papa Julio II. En general, se asume que la pieza estaba destinada a colocarse allí debido a la pose fuerte y fluida de la figura joven, el vencedor, que simboliza el movimiento de esclavos. El vencedor, que se alza victorioso sobre su oponente, es coronado con un laurel de hojas de roble, que muchos estudiosos sugieren que está vinculado al emblema de Della Rovere, una familia noble de Italia.
La majestuosa escultura evoca fuerza y poder, representando las secuelas de una batalla, con el espectador observando al vencedor dominando sobre el perdedor, que está atrapado y encadenado.
Cabe señalar que el vencedor es representado como un hombre joven y guapo, mientras que el perdedor es representado como viejo, débil y roto. Este contraste también está presente en el acabado de los dos hombres, con el vencedor recubierto para parecer liso, mientras que el perdedor es más áspero, como si estuviera inacabado.
La pose del Víctor, cuyo brazo está extendido, presionando el pecho de su oponente derrotado. Su pie también se coloca sobre el perdedor, con su pose evocando fuerza y su cuerpo retorcido solo enfatizando su físico musculoso. La postura del vencedor crea una sensación de alerta, como si advirtiera a su oponente que no se atreviera a levantarse, saliendo como seguro de sí mismo pero también arrogante en su dominio.
Si bien muchos historiadores creen que esta pieza está inacabada, también se ha relacionado con un dibujo de un adolescente alado que se encuentra en la Casa Buonarroti, que los estudiosos creen que puede ser lo que el artista planeaba representar en el producto final.
Raquel (1542 – 1545)
| Título | Rachel |
| Fecha de creación | 1542 – 1545 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 209 |
| Ubicación actual | San Pietro, Roma |
| Valor | Desconocido |
Durante el Renacimiento italiano, muchos aspirantes a artistas eran altamente hábiles en su oficio, y durante su vida, Miguel Ángel asumió muchos asistentes, dando tareas dependiendo de sus habilidades y experiencia. La estatua de Miguel Ángel de Raquel, así como su compañera, Lea (1542-1545), fueron algunas de las piezas en las que trabajó el artista con la ayuda de sus asistentes.
«Rachel», en particular, fue esculpida por el artista, y en sus etapas posteriores, fue contratada por otros escultores para la limpieza y el pulido mientras Miguel Ángel dirigía, lo que le permitió trabajar en otros proyectos.
Raquel (1542 – 1545) de Miguel Ángel, ubicada en la Iglesia de San Pedro en Roma, Italia; Jörg Bittner Unna, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
El tema de la escultura es la figura bíblica de Raquel, del Antiguo Testamento. Esta estatua de Miguel Ángel fue producida para la tumba del Papa Julio II y ahora se encuentra junto a Moisés, (1513-1515) con Lea al otro lado.
El significado de estas dos esculturas ha sido objeto de mucha discusión y debate, con historiadores del arte interpretando las dos como simbólicas de los dos métodos alternativos para vivir una vida fructífera; Raquel representa un camino basado en la fe, mientras que Lea representa un camino basado en el trabajo.
Estas dos esculturas y sus temas representan dos métodos diferentes de vida, pero no se oponen directamente entre sí.
La Deposición (1547 – 1553)
| Título | La deposición |
| Fecha de creación | 1547-1553 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | 277 |
| Ubicación actual | Museo dell’Opera del Duomo, Florencia |
| Valor | Desconocido |
La deposición, que se refiere a que el cuerpo de Cristo fue bajado de la cruz después de su crucifixión, es el tema de esta escultura. La escena, representada por Miguel Ángel, presenta cuatro figuras; el cuerpo de Cristo, la Virgen María, Nicodemo y María Magdalena.
La escena representa el cuerpo de Cristo cayendo en los brazos de la Virgen María y María Magdalena, cuya inclusión es especialmente notable, ya que generalmente no se incluiría en una pieza de tanta importancia, siendo algo controvertido dentro de la fe cristiana y católica.
La Deposición (1547 – 1553) de Miguel Ángel, ubicada en el Museo dell’Opera del Duomo en Florencia, Italia; © Marie-Lan Nguyen / Wikimedia Commons
Detrás de ellos hay una figura encapuchada, a menudo debatida como Nicodemo o José de Arimatea. Como esta escultura representa a Jesús en los brazos de su madre, a menudo se la conoce como una piedad. Esta pieza como escultura es bastante compleja, con capas de significado e interpretaciones. Como esta escultura puede ser referida como La Deposición, una piedad, o incluso una representación del Entierro, (debido a la presencia de Nicodemo y José) las múltiples interpretaciones se enfatizan en la composición.
Si un espectador caminara alrededor de la escultura, podría observar las tres narrativas potenciales desde diferentes perspectivas. Esta pieza fue hecha esta escultura para su propia tumba en Santa Maria Maggiore, Roma, comenzando a trabajar en ella alrededor de la edad de 72 años, con muchos estudiosos de acuerdo en que Nicodemo fue modelado después del propio artista.
Después de trabajar en él durante ocho años, intentó destruirlo por frustración. Finalmente fue completado a su estado actual por Tiberio Calcagni.
Cupido (1556)
| Título | Cupido |
| Fecha de creación | 1556 |
| Medio | Escultura de mármol |
| Dimensiones (cm) | Desconocido |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte, Manhattan |
| Valor | Desconocido |
La escultura de Miguel Ángel de Cupido ciertamente tiene una historia interesante. Fue envejecido artificialmente para aparecer como una antigüedad, lo que fue aconsejado al artista por Lorenzo di Pierfrancesco. La estatua representa a un niño de cabello rizado con extremidades dañadas, llevando un carcaj hecho de la pata de un león. En 1955, la escultura se exhibió en una exposición de arte francés en el Museo Metropolitano de Arte de Manhattan sin identificación del artista, cuando la profesora de Bellas Artes Kathleen Brandt señaló que la pieza tenía todas las características que definían las obras de un joven Miguel Ángel.
Ella notó el movimiento del cabello rizado y las técnicas de tallado, con un curador de arte llamado Dr. Penny sugiriendo que ningún otro artista de la época habría sido lo suficientemente innovador como para hacer que el carcaj de Cupido se hiciera de la pata de un león. Los historiadores del arte comenzaron a examinar la historia de la pieza para encontrar sus orígenes.
Fue registrado por primera vez en 1556 en una casa en Roma propiedad de Jacopo Galli, donde fue nombrado «Apolo», probablemente debido al carcaj. En 1650 se dijo que la escultura estaba situada en el jardín de Villa Borgheses, Roma, y había sido renombrada como «Cupido».
El siguiente caso registrado del paradero de la estatua fue en 1902 cuando la pieza entonces dañada fue vista por un comerciante llamado Stefano Bardini, quien se identificó como una obra de Miguel Ángel y la llevó a Londres para subastarla. La pieza no se vendió y luego fue devuelta a Roma, donde el arquitecto Stanford White la compró para una casa que estaba diseñando para Payne Whitney.
Whitney murió en 1944, con gran parte de su arte siendo subastado, pero una vez más, la estatua no se vendió y permaneció en la casa. En 1968, un erudito italiano identificó la pieza como una obra de Miguel Ángel. Hoy en día, la pieza permanece en el Museo Metropolitano, afirmando que la pieza era iConstruido por Miguel Ángel.
Las esculturas renacentistas de Miguel Ángel discutidas anteriormente muestran la habilidad y técnica avanzadas del artista; su musculatura característica, la talla precisa y el uso de contornos y sombras son la razón por la que sus obras se consideran obras maestras, y por la que su arte es estudiado y elogiado hasta el día de hoy.
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Preguntas Frecuentes
¿Por qué es más conocido Miguel Ángel?
Las obras más conocidas de Miguel Ángel son la estatua de David (1501 – 1504), que actualmente se encuentra en la Academia di Belle Arti di Firenze en Florencia, y el fresco, La creación de Adán (1512), que forma parte de la techo de la Capilla Sixtina en la Ciudad del Vaticano.
¿Dónde nació Miguel Ángel?
Miguel Ángel nació en Caprese, Florencia. El pueblo ahora se conoce como Caprese Michelangelo, que lleva el nombre del artista.
¿Cuántos años tenía Miguel Ángel cuando murió?
Miguel Ángel vivió de 1475 a 1564, por lo que tenía 88 años en el momento de su muerte.
¿Cuánto valdría Miguel Ángel hoy?
A pesar de que fuentes anteriores informaron que el artista no fue financieramente afortunado, el patrimonio de Miguel Ángel hoy vale 50,000 florines, que vale casi $ 37 millones en la actualidad.
