Los pintores en blanco y negro utilizan la ausencia de color para maximizar el impacto. El marcado contraste entre el blanco y el negro ha demostrado ser efectivo para enfatizar las realidades e ideales contrastantes de nuestro mundo en diversas representaciones artísticas a lo largo de la historia. Muchos de nosotros estamos familiarizados con el sentimiento de que el blanco simboliza la pureza, mientras que el negro significa algo de una naturaleza más oscura. Bueno, estos artistas que hemos seleccionado como parte de nuestra lista han dado su propio giro en estos dos tonos distintos. ¡Continúa leyendo para encontrar nuestra lista de las 10 pinturas en blanco y negro más famosas!
Nuestra lista de famosas pinturas en blanco y negro
En el sentido más estricto, el blanco es la ausencia de color, pero también es cierto que el blanco y el negro existen en el mismo espectro. En el neutral color gris Espectro, el blanco y el negro se encuentran en los extremos opuestos insinuando que restringir los colores de una pintura a los del blanco y negro, hace que la pintura sea monocromática. Así que realmente, el blanco y el negro también pueden existir como uno solo, en armonía en lugar de indicar siempre una diferencia distintiva.
Exploremos cómo estos diversos artistas orquestaron expertamente magníficas obras de arte en blanco y negro.
Odalisca en Grisaille (c. 1824 – 1834) por Jean-Auguste-Dominique Ingres
| Artista | Jean-Auguste-Dominique Ingres |
| Fecha pintada | c. 1824 – 1834 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 83,2 cm x 109,2 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos |
La magnífica pintura de Jean-Auguste-Dominique Ingres Odalisca en Grisaille es una repetición incompleta de su aclamada Grande Odalisque (1814), la obra de arte que fue fundamental para su abstracción de la belleza ideal. Las pinturas que se ejecutaron en tonos de gris generalmente se crearon como una guía para que los grabadores identificaran distinciones en el tono para sus impresiones en blanco y negro. Sin embargo, la intención detrás de Odalisque en Grisaille sigue siendo desconocida, ya que no estaba oficialmente vinculada a Grande Odalisque.
Odalisca en Grisaille (c. 1824-1834) por Jean-Auguste-Dominique Ingres; Jean Auguste Dominique Ingres, CC0, vía Wikimedia Commons
La cuidadosa reelaboración de Ingres tiene una composición simplificada en comparación con su Grande Odalisque, al tiempo que se reduce en escala. Ingres colocó la figura frente a un fondo negro liso, lo que insta al espectador a prestar mayor atención a la figura en sí. El motivo de una mujer reclinada ha sido popular desde el Renacimiento. Las líneas sinuosas que Ingres ha utilizado para representar a la mujer resaltan las delicadas curvas de su cuerpo.
La curva rítmica que sigue la totalidad del cuerpo de la mujer demuestra las elecciones artísticas de Ingres para estilizar su figura, ya que su cuerpo está distorsionado de una manera ilusoria.
Ingres mantiene un plano plano con su representación para que su figura permanezca decorativa. Odalisque in Grisaille revela el dominio de Ingres de su oficio, ya que demuestra su experiencia en el nivel de su abstracción. La pintura existe como una imagen pura. La libertad de Ingres con la forma humana instó a otros artistas a experimentar y su legado lo estableció como un precursor instrumental de arte moderno.
Cuadrado negro (1915) de Kazimir Malevich
| Artista | Kazimir Malevich |
| Fecha pintada | 1915 |
| Medio | Óleo sobre lino |
| Dimensiones | 79,5 cm x 79,5 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Galería Tretyakov, Moscú, Rusia |
La impresionante pintura Plaza Negra de la vanguardia rusa artista Kazimir Malevich fue la primera de cuatro variantes. Malevich trabajó frecuentemente con conceptos extraordinariamente simples. Su famoso arte abstracto en blanco y negro es una representación de un cuadrado negro considerable que domina el lino en el que está pintado. Con el tiempo, el Cuadrado Negro de Malevich se ha agrietado. Malevich exhibió por primera vez la pieza en Petrogrado en la exposición 0.10 en 1915. El Cuadrado Negro es considerado por artistas, curadores, historiadores y lo que Malevich se refirió, como el «punto cero» del arte.
Cuadrado Negro (Cuadrado Suprema ético negro) (1915) de Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Malevich indicó que su trabajo era parte de la Movimiento suprematismo, que se centró on la supremacía del sentimiento artístico. El único elemento pictórico en la composición es el cuadrado en sí, pero sutilezas como las huellas dactilares visibles, las pinceladas y los colores que se asoman a través de las grietas debajo de la pintura, se prestan a la magnificencia de esta pintura.
Solo la pesadez de la pintura negra en el lino blanco da una sensación de peso visual y refuerza la importancia del cuadrado en sí contra el fondo liso y las sensaciones que evoca.
El Cuadrado Negro adquirió una importancia seminal y es considerado en gran medida como una de las hazañas artísticas más importantes del siglo 20. La pieza aparentemente modesta era relativamente pequeña, pero cuando se exhibió generó un alboroto. Black Square afirma ser la primera obra de arte abstracta exhibida públicamente en el mundo occidental. Se convirtió en la declaración definitiva del reduccionismo, ya que eliminó toda figuración, imágenes naturales y narración de historias; y demostró que el contenido no es importante, que el sentimiento es primordial.
Cráneo de caballo con rosa blanca (1931) de Georgia O’Keeffe
| Artista | Georgia O’Keeffe |
| Fecha pintada | 1931 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 76,3 cm x 40,9 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Colección privada |
Georgia O’Keeffe’s Horse’s Skull with White Rose es una de sus pinturas en blanco y negro sobre lienzo más famosas. Su espectacular pintura reflejó sus experiencias en Nuevo México y su fascinación por el desierto, junto con los huesos blanqueados que encontró allí, ya que la artista pasaba menos tiempo en Nueva York.
El cráneo del caballo se convirtió en una nueva exploración para su trabajo, pero el motivo floral era uno con el que estaba familiarizada y revisitada en su trabajo. O’Keeffe retrata la muerte con un toque de vida en blanco y negro.
La noción de contraste se explora aún más por su representación de un cráneo, un detalle familiar de la muerte, con una rosa blanca, un símbolo de la vida mientras juega con una paleta monocromática. El trabajo de O’Keeffe explora las diferentes percepciones que utilizamos para informar la perspectiva, ya que une los dos objetos en un estilo distintivo. El uso del blanco y negro por parte de O’Keeffe parece sugerir aún más la fragilidad de la vida misma.
Horse’s Skull with White Rose es una de las mejores obras de arte monocromáticas de la era moderna. El trabajo de O’Keeffe fue un componente instrumental para el progreso del modernismo estadounidense y su relación con el Movimientos de vanguardia de Europa a principios del siglo 20. O’Keeffe capturó el poder y la emoción de los objetos haciendo que el mundo natural fuera abstracto.
Ha sido reconocida como la primera mujer modernista estadounidense y su obra de arte ha llegado a informar la iconografía y la mitología del paisaje artístico en América.
Guernica (1937) de Pablo Picasso
| Artista | Pablo Picasso |
| Fecha pintada | 1937 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 349,3 cm x 776,6 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Museo Reina Sofía, Madrid, España |
Un nombre que la mayoría de nosotros hemos escuchado antes, Pablo Picasso, creó su obra maestra Guernica en 1937. Esta famosa pintura en blanco y negro sirve como una de sus declaraciones políticas más poderosas, que inmediatamente elaboró como reacción a la devastadora campaña de bombardeos de los nazis lanzada en Guernica, en el País Vasco en España, durante la Guerra Civil Española. Guernica para demostrar el horror y la destrucción de la guerra y el trauma que impone a personas inocentes.
Empleados del Museo Stedelijk colocando en la pared el cuadro Guernica (1937) de Picasso, 1956; Herbert Behrens / Anefo, CC0, vía Wikimedia Commons
La elección de Picasso del blanco y negro para su pintura intensificó el drama de la misma, dando a la pintura una calidad de imagen como si fuera parte de un registro fotográfico. También destaca la esencia de que la guerra es mala, reduciendo la vida a su alrededor en compuestos dicotómicos del bien y el mal. En Guernica, Picasso representa los restos de las personas y el paisaje urbano a medida que se reducen a escombros del descenso de las bombas alemanas. Presenta a una madre llorando sobre el cuerpo de su hijo, al tiempo que incluye la angustia de un caballo que ha quedado atrapado en la horrenda escena.
Las pinturas de Picasso han sido reconocidas como símbolos de obras alegóricas distintivas.
Guernica ha adquirido un significado monumental, actuando como un recordatorio permanente de la calamidad de la guerra. Guernica se ha convertido en un emblema del movimiento contra la guerra y elbodimento de paz. Cuando se completó la pintura, se exhibió en todo el mundo en un breve recorrido, lo que la llevó a recibir elogios de la crítica.
Cebra (1937) de Victor Vasarely
| Artista | Víctor Vasarely |
| Fecha pintada | 1937 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones | 52 cm x 60 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Colección privada |
El arte abstracto en blanco y negro de Victor Vasarely fue pionero en el movimiento de arte óptico en el siglo 20. Vasarely representó dos cebras entrelazadas, con extremidades superpuestas, sobre un fondo negro. Las rayas blancas que componen su forma son las que las definen y dan la impresión de volumen, ya que no hay contornos ni límites alrededor de las figuras. Las extremidades superpuestas imitan el patrón de un tablero de ajedrez que proporciona una sensación de profundidad espacial, además de generar una sensación de energía.
Vasarely, uno de los artistas en blanco y negro más notables, se centró en dominar el uso de las líneas y la interacción entre la luz y la sombra para crear perspectiva en sus pinturas.
El contraste entre las rayas blancas y el fondo negro da lugar a una compleja relación entre lo que es real y lo que es abstracto. Vemos dos cebras, pero en el mismo momento, desaparecen entre sí y se rompen en configuraciones abstractas. El uso de trucos ópticos de Vasarely crea una obra maestra que está llena de movimiento feroz y poder.
Acuñada como el «Abuelo del Arte Óptico», la Cebra de Vasarely es posiblemente su pieza más importante de obras de arte en blanco y negro, ya que estableció los fundamentos para el movimiento del Arte Óptico. Vasarely no pretendía hacer que su arte abstracto en blanco y negro fuera significativo o llevar un mensaje emocional, sino que buscaba jugar con la percepción del espectador.
Vasarely continuó utilizando cebras como motivos visuales en sus obras de arte posteriores, y en particular, creó una escultura basada en esta pintura en 1965.
Mahoning (1956) de Franz Kline
| Artista | Franz Kline |
| Fecha pintada | 1956 |
| Medio | Óleo y papel sobre lienzo |
| Dimensiones | 204,2 cm x 255,3 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, Estados Unidos |
Franz Kline fue un artista asociado con el movimiento expresionista abstracto durante las décadas de 1940 y 1950. Aunque varias de sus pinturas contenían color, fue uno de los pintores prominentes en blanco y negro que formaron parte de la Escuela de Nueva York. Aunque exploró vías de arte similares a las de los otros artistas que componían este grupo, fue capaz de distinguirse con su estilo distintivo, del que ganó la aclamación de la crítica. La pintura de Kline Mahoning es una obra de arte monumental con llamativos trazos de esmalte negro sobre un fondo blanco.
Esta pintura presenta pinceladas ásperas y toques de pigmento para demostrar el libre movimiento del pincel de Kline a través del lienzo.
Aunque la apariencia de la pintura aparentemente sugiere inmediatez, los movimientos de Kline fueron planeados intencionalmente. Mahoning fue primero un boceto preliminar en una guía telefónica, que luego se completó en el lienzo. En esta pintura, Kline incluyó componentes de collage que podrían ser una referencia a su dibujo original, ya que fijó trozos de papel al lienzo, pintando sobre ellos con capas de pintura negra.
La poderosa estructura interna de la composición juega en contra del marco del lienzo, con fuertes diagonales que parecen atravesar los bordes de la pintura.
El trabajo de Kline fue deliberado y distintivo, se destacó de otros artistas de su generación. Su objetivo era generar un compromiso palpable con el espectador. El espectador estaba destinado a experimentar la presencia y la estructura de sus pinturas. Las obras de arte dominantes de Kline se encuentran en colecciones de todo el mundo, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York y la Tate Gallery de Londres, entre otros.
El matrimonio de la razón y la miseria, II (1959) de Frank Stella
| Artista | Frank Stella |
| Fecha pintada | 1959 |
| Medio | Esmalte sobre lienzo |
| Dimensiones | 230 cm x 337 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos |
El matrimonio de la razón y la miseria II formó parte de las famosas pinturas en blanco y negro sobre lienzo de Frank Stella, la serie Black Paintings. La pintura de Stella presenta gruesas bandas negras que forman tiras invertidas en forma de U que corren parallel entre sí y los bordes del lienzo. Las bandas negras están separadas por finas tiras blancas de lienzo sin pintar, sirven como espacios entre la pintura. Las bandas negras comparten el mismo grosor que el pincel stella utilizado y son uniformes en su ancho.
Stella optó por no usar pinceladas expresivas en The Marriage of Reason and Squalor, II, ya que quería que su pintura tuviera una estructura organizada que se reconociera como una superficie plana y una tridimensional. El matrimonio de la razón y la miseria, II representa el acto de pintar y el resultado que trae, donde lo que tú como espectador ves ante ti, es lo que hay allí. Es una superficie cubierta de pintura, no una representación de otra cosa. En las propias palabras de Stella, «lo que ves es lo que ves».
Stella no deja espacio para el gesto; su trabajo fue despojado de contenido emocional o temático.
El patrón geométrico alterno en El matrimonio de la razón y la miseria, II demuestra que una pintura es solo eso, un lienzo con pintura. Usó un cepillo de pintor doméstico, esmalte industrial y una camilla extra gruesa para enfatizar este hecho. Stella adoptó un enfoque excepcionalmente literal de sus pinturas, y es reconocido y elogiado por su trabajo en el área de la abstracción post-pictórica y el minimalismo.
Movimiento en las plazas (1961) de Bridget Riley
| Artista | Bridget Riley |
| Fecha pintada | 1961 |
| Medio | Témpera en tablero duro |
| Dimensiones | 123,2 cm x 121,2 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Arts Council Collection, Londres, Reino Unido |
Movement in Squares fue el primer cambio significativo de Bridget Riley hacia el éxito en la abstracción. La famosa obra de arte en blanco y negro de Riley anima al espectador a contemplar los sentimientos que la obra de arte evoca. Sus pinturas personificaron el movimiento de Arte Óptico, que utilizaba ilusiones ópticas para pintar el movimiento en superficies bidimensionales.
Riley explora las unidades estructurales de formas familiares como rayas, óvalos y, en este caso, cuadrados, donde luego las usará en diversas configuraciones para examinar las respuestas psicológicas y físicas que tenemos.
El pensamiento detrás del monumental arte abstracto en blanco y negro de Riley era que todos estaban familiarizados con un cuadrado, su forma, sus ángulos y su tamaño, lo que produce una imagen estable y simétrica. Luego se acercó al concepto de la plaza en un intento de descubrir algo nuevo, dado el éxito de Movement in Squares, ¡es seguro decir que desenterró algo increíble! Completó su famoso arte en blanco y negro en una sola sesión, creando contraste pintando cada cuadrado alternado de negro, con lo que creó una imagen en movimiento.
Riley estableció el cuadrado como el componente principal de la pintura que modula en todos los ámbitos.
La altura del cuadrado se mantiene en todas partes, pero el ancho de cada cuadrado disminuye a medida que se acercan al centro desde ambos lados de la pintura, que es como Riley imitaba el movimiento. Ella crea una imagen brillante de dos superficies que se doblan entre sí. El movimiento en cuadrados provoca que el espectador desafíe su percepción y perspectiva. La experimentación de Riley nos anima a desafiar la estabilidad y la certeza.
Sin título (Negro sobre gris) (1969) de Mark Rothko
| Artista | Marcos Rothko |
| Fecha pintada | 1969 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones | 203,3 cm x 175,5 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | The Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos de América |
Marcos Rothko fue uno de los artistas preeminentes de su generación. Rothko utilizó muchos estilos artísticos diferentes hasta que desarrolló sus campos de pintura suaves y rectangulares al notar el potencial expresivo de los bloques de color apilados. Rothko fue fuertemente influenciado por Friedrich Nietzsche y su herencia ruso-judía. Su obra abstracta se centró en la profundidad, el equilibrio y la escala. Estaba impregnado de contenido emocional que quería que los espectadores experimentaran en un nivel inconsciente. Sin título (Negro sobre gris) es una de sus pinturas en blanco y negro sobre lienzo más famosas.
Rothko saturó su gran lienzo con velos de negro y gris. Para crear variaciones sutiles de color, textura y tono, aplicó muchas capas y cambió su pincelada para desarrollar modulaciones fuertes o delicadas.
La acumulación de capas de varios tonos de negro crea un bloque luminoso de negro consumidor. La clara distinción entre la t grisEl sombrero parece desvanecerse a medida que se acerca al negro realza el enigmático sentido de la pintura. La pintura es sorprendentemente ambigua con imágenes vacías y desoladas que se prestan a la rica experiencia visual.
Rothko utilizó imágenes abstractas y color para articular sus sentimientos con respecto a la condición humana, revelando que Untitled (Negro sobre Gris) abarcaba la tragedia. Su capacidad para reposicionar sus emociones en sus lienzos lo convirtió en un artista ampliamente popular, ya que elevó el estatus de la pintura abstracta.
Los contrastantes colores claros y oscuros de Rothko eran intentos observables de demostrar sus percepciones de las dificultades y conflictos de la vida moderna y las emociones humanas universales insinuadas.
Apocalypse Now (1988) de Christopher Wool
| Artista | Cristóbal Wool |
| Fecha pintada | 1988 |
| Medio | Esmalte sobre aluminio |
| Dimensiones | 213,4 cm x 182,9 cm |
| Dónde se encuentra actualmente | Colección privada |
Las famosas pinturas en blanco y negro de Christopher Wool revelaron influencias de varias formas de arte. La obra de arte Apocalypse Now del famoso artista en blanco y negro es una representación artística de una cita de una película del mismo nombre. En la película de Francis Ford Coppola de 1979, la última carta del teniente Richard M. Colby a su esposa dice: «Vende la casa. Vende el coche. Vende a los niños». La obra de arte de Wool cuestiona implícitamente el concepto de «expresión pura» o «alto arte» al demostrar que el arte abstracto también puede ser informado e inspirado por la vida a su alrededor y por los medios de comunicación.
Wool usa letras en negrita, que de otro modo serían familiares, de una manera que las hace parecer extrañas e irreconocibles al colocarlas en un sistema de cuadrícula.
Logra interrumpir la capacidad de leer con facilidad, lo que lleva al espectador a cuestionar su capacidad para deducir el significado de la obra. Wool insta al espectador a ver las letras como formas abstractas y como algo para comunicar significado. Esto anima a los espectadores a examinar sus observaciones estéticas y la forma de percibir el mundo que los rodea.
Las pinturas subversivas y experimentales de Wool lo han llevado a la aclamación de la crítica por algunos, pero también descartadas como superficiales por otros. Aún así, ciertamente se ha hecho un nombre en el mundo del arte. La pintura de Apocalypse Now de este artista en blanco y negro se vendió por $ 26,485,000 en una subasta de Christie’s a un comprador no identificado. La casa de subastas Christie’s describió la pintura como atemporal, conmovedora, imponente y una pieza que continúa manteniendo su relevancia hoy en día. Wool ha establecido su lugar como un «artista imprescindible» con su arte innovador.
Durante siglos, los artistas han restringido sus paletas y se han comprometido con el blanco y negro como un medio para hacer que su arte sea más complejo y matizado. Estas famosas pinturas en blanco y negro en nuestra lista demuestran cuánto se puede lograr a partir de la ausencia de color. Si te gustó este artículo, ¡deberías visitar el resto de nuestro sitio web! Tenemos una amplia gama de temas de arte, ¡algunos que seguramente despertarán su interés!
¡Echa un vistazo a nuestra historia web de pinturas en blanco y negro aquí!
Preguntas Frecuentes
¿Cómo se llaman las pinturas en blanco y negro?
Los artistas en blanco y negro producen pinturas que se llaman pinturas monocromáticas. Monocromo significa un color; en términos de obras de arte, se refiere al arte que incorpora un solo color. En el espectro de color gris neutro, el blanco y el negro se encuentran en los extremos opuestos insinuando que restringir los colores de una pintura a los de blanco y negro, hace que la pintura sea monocromática.
¿Por qué el arte es blanco y negro?
Se puede lograr mucho restringiendo la paleta de una pintura a solo blanco y negro. La ausencia de color puede alentarlo a prestar atención a los diversos elementos de la pintura, como el valor, la iluminación, la composición y la forma. Los pintores en blanco y negro utilizan la ausencia de color para maximizar el impacto. El marcado contraste entre el blanco y el negro ha demostrado ser efectivo para enfatizar las realidades e ideales contrastantes de nuestro mundo en diversas representaciones artísticas a lo largo de la historia.
