Pablo Picasso es posiblemente el artista más importante en la historia del arte del siglo 20. El arte de Picasso mostró una variedad diversificada que fue el resultado de su determinación de evaluar críticamente la forma y la metodología más adecuadas para lograr su mayor efecto para cada obra artística, en lugar de alteraciones sustanciales en su estilo a lo largo de su carrera. Desde las primeras obras de Picasso hasta la última pintura de Pablo Picasso, sus creaciones estaban destinadas a ser tejidas en el mosaico de la humanidad como algunas de las mejores obras de arte jamás creadas.
Una introducción a Pablo Picasso
| Nacionalidad | Español |
| Fecha de nacimiento | 25 de octubre de 1881 |
| Fecha de fallecimiento | 8 de abril de 1973 |
| Lugar de nacimiento | Málaga, España |
Pablo Picasso produjo alrededor de 20,000 bocetos, pinturas y esculturas a lo largo de su larga carrera, así como vestuario y decorados de teatro. Debido a las famosas pinturas de Picasso, el legendario pintor se había distinguido como la persona más conocida en el arte moderno, con el estilo más identificable y el gusto por la creatividad artística, antes de cumplir los 50 años.
Muy pocos pintores tuvieron una influencia tan masiva en el mundo del arte o tuvieron una reputación tan fuerte entre los entusiastas y detractores como Picasso.
Retrato fotográfico de Pablo Picasso frente a su cuadro El Aficionado (Kunstmuseum Basel) en Villa les Clochettes, Sorgues, Francia, verano de 1912; Autor anónimo desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Pero antes de entrar más en los dibujos y pinturas de Pablo Picasso, permítanos primero presentarle al artista. A menudo se le cita como uno de los más prominentes y pintores famosos del siglo 20. Es reconocido como cofundador del movimiento cubista, junto con Georges Braque, como pionero de la estética. El cubismo fue un movimiento popular que cambió la cara de la pintura y la escultura europeas, así como los diseños arquitectónicos, la música y la escritura, para mejor. Los motivos y objetos cubistas son desmontados y reconstruidos abstractamente.
Paul Cézanne y Vincent van Gogh, así como el arte antiguo e indígena, se encuentran entre las inspiraciones que llevaron a Picasso a dar a sus figuras más gravedad y forma alrededor de 1907.
Finalmente lo llevaron al cubismo, en el que socavó Pintura renacentista reglas de perspectiva. Picasso y Braques produjeron un estilo que utilizó tonos en gran medida neutros y se centró en «desmontar» objetos y «evaluarlos» en términos de sus formas durante este período de tiempo. El cubismo tuvo un tremendo efecto en el crecimiento del arte occidental, en particular la segunda versión conocida como cubismo sintético.
Visitantes admirando la Femme nue devant le jardin («Mujer desnuda frente al jardín», 1956) de Picasso en el Museo Stedelijk, 1981; Hans van Dijk para Anefo, CC0, vía Wikimedia Commons
Entre 1910 y 1920, cuando Picasso y Braque sentaron las bases del cubismo en Francia, su impacto fue tan generalizado que generó ramificaciones como Dada, Constructivismo, y el futurismo, en otros países.
Picasso también es conocido por co-inventar el género de arte collage y por inventar la escultura construida.
Este estilo de arte revolucionario movió a la civilización hacia los avances sociales en impresión, pinturas, esculturas y cerámicas mediante la manipulación activa de cosas que nunca antes se habían cortado o moldeado. Estos no eran simplemente plásticos; podrían ser moldeados de varias maneras. El yeso, los metales y la madera fueron empleados por los artistas para producir piezas escultóricas únicas que nunca antes se habían visto.
Hombre con cordero (1943-1944) de Pablo Picasso, Museo de Arte de Filadelfia; Regan Vercruysse de Stewartsville, Nueva Jersey, EE.UU., CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Pinturas famosas de Picasso
La participación de Pablo Picasso con el cubismo resultó en la invención del ensamblaje, en el que abandonó la idea de lo visible como una ventana a las cosas del mundo en favor de considerarlo como una organización de símbolos que empleaba diversas técnicas, a menudo alegóricas, para relacionarse con esos elementos. Esto, por lo tanto, tendría implicaciones de largo alcance en los años venideros.
Picasso tenía un enfoque multifacético de la forma, y mientras que las famosas pinturas de Picasso fueron identificadas por una sola técnica dominante. en cualquier momento, cambiaba regularmente entre varios enfoques, a veces incluso dentro de la misma pieza.
El surrealismo afectó no solo los delicados contornos y la sutil sensualidad de las fotografías de su novia, sino también la iconografía agresivamente fragmentada de su obra de arte en tiempos de guerra. Picasso siempre estuvo ansioso por distinguirse en el tiempo, y algunas de sus obras más famosas insinúan una variedad de precursores del pasado, incluso cuando se subvierten. A medida que crecía, se preocupó más por preservar su legado, y más tarde las famosas pinturas de Picasso estuvieron marcadas por un diálogo abierto con los viejos maestros.
Pablo Picasso, 1962; Argentina. Revista Vea y Lea, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La sopa (1903)
| Fecha de finalización | 1903 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 38 cm x 46 cm |
| Ubicación | Instituto de Arte de Chicago |
Esta es una de las primeras obras de Picasso en nuestra lista. Esta pintura exhibe la profunda desesperación de Picasso durante su Período Azul, y fue pintada al mismo tiempo que una serie de otras obras sobre temas de privación, edad y discapacidad. La obra de Picasso transmite su preocupación por los terribles eventos que presenció cuando era niño en España, y fue claramente influenciada por el arte religioso con el que creció, en particular. El Greco. Sin embargo, la pintura es representativa de la mayor Movimiento de simbolismo de la época.
Independientemente del hecho de que muchos de estos cuadros son famosos y, por supuesto, muy caros, Picasso finalmente describió sus obras del Período Azul como «nada más que sentimiento». Los críticos generalmente estuvieron de acuerdo con él.
Retrato de Gertrude Stein (1905)
| Fecha de finalización | 1905 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 100 cm x 83 cm |
| Ubicación | Museo Metropolitano de Arte |
La autora de Picasso, cercana colaboradora e incluso benefactora, Gertrude Stein, fue importante en su crecimiento artístico. Este cuadro, en el que Stein luce su chaqueta de terciopelo parduzco y marca un punto de inflexión en su técnica. Los contornos de esta imagen aparecen prácticamente cincelados en comparación con el aspecto plano de otras pinturas de los períodos Azul y Rosa, y fueron influenciados por el estudio del creador de la antigua escultura ibérica.
La creciente fascinación de Picasso por el rostro de una persona que se muestra como una sucesión de superficies planas es evidente.
Stein afirmó haberse sentado para Picasso 90 veces, y aunque esto puede ser exagerado, Picasso claramente luchó con la representación de su cabeza durante un largo período. Lo produjo por completo un día, declarando: «No puedo discernirte más cuando miro», y finalmente abandonó la imagen después de intentarlo varias veces y fallar. No completó la cabeza durante mucho tiempo, pero lo hizo sin la persona frente a él.
Les Demoiselles d’Avignon (1907)
| Fecha de finalización | 1907 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 243 cm x 233 cm |
| Ubicación | Museo de Arte Moderno |
Incluso los contemporáneos artísticos más cercanos de Picasso se sorprendieron con esta pieza, tanto en términos de tema como de técnica. El concepto de damas desnudas no era inusual, pero la representación de Picasso de las niñas como prostitutas en poses abiertamente sexuales era única. Los rostros en forma de máscara de tres de los personajes revelan el amor de Picasso por el arte ibérico e indígena, lo que implica que su sensualidad no solo es agresiva sino también primitiva.
Pablo Picasso fue aún más lejos con sus estudios espaciales, abandonando la ilusión renacentista de la tridimensionalidad en favor de presentar un plano de cuadro severamente aplanado dividido en piezas geométricas, una técnica que Picasso tomó prestada de las pinceladas de Paul Cézanne.
El muslo de la mujer de la izquierda, por ejemplo, se retrata como si se viera desde muchos puntos de vista a la vez; es imposible distinguir la pierna del espacio vacío a su alrededor, creando la sensación de que ambos están en primer plano. Cuando la fotografía fue finalmente expuesta al público en 1916, fue ampliamente vista como inmoral. Braque es uno de los pocos pintores que lo estudió a fondo en 1907, lo que resultó en sus obras cubistas con Picasso.
Se reconoce como proto o precubismo, ya que predijo algunas de las características del cubismo.
Bodegón con silla Caning (1912)
| Fecha de finalización | 1912 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 29 cm x 37 cm |
| Ubicación | National Gallery, Londres |
Esta conocida pieza es a menudo reconocida como el primer collage en arte moderno. Picasso había incluido previamente objetos preexistentes en sus obras, pero esta es la primera vez que lo hace con una intención tan cómica y dramática. Como el nombre de la obra lo indica, la silla en la obra es en realidad tela impresa y no silla real. La cuerda que envuelve la pintura, por otro lado, es bastante real y sirve para imitar el borde tallado de una mesa de café. La pintura también puede considerarse como un panel de vidrio, y la silla como el asiento real del objeto como se puede ver a través de la mesa.
Como resultado, la obra de arte no solo distorsiona radicalmente el espacio visual, como es característico de la experimentación de Picasso, sino que también confunde nuestra comprensión de lo que estamos mirando.
Cuenco de frutas, violín y botella (1914)
| Fecha de finalización | 1914 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 92 cm x 73 cm |
| Ubicación | National Gallery, Londres |
Esta pintura es un ejemplo de cubismo sintético, en el que utiliza una variedad de métodos para aludir a los objetos mostrados, como puntos pintados, sombras y granos de arena. Picasso «sintetizó» texturas en esta pieza de pintura y técnica mixta, creando conjuntos después de deconstruir mentalmente los materiales en cuestión.
Picasso restringió el color durante su período cubista analítico para centrarse más en las formas y dimensiones de las cosas, lo que afectó su elección de la naturaleza muerta durante todo el período.
La vida en el café resumía claramente la vida parisina actual de los pintores (pasó un tiempo considerable allí hablando con pintores), pero la variedad básica de objetos también aseguró que se pudieran evitar las preocupaciones metafóricas.
Ma Jolie (1912)
| Fecha de finalización | 1912 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 100 cm x 64 cm |
| Ubicación | Museo de Arte Moderno |
Otra de las pinturas más famosas de Picasso, Ma Jolie empuja los experimentos del artista a nuevas regiones a caballo entre el alto arte y la cultura popular. Al reducir el color y aumentar la apariencia de la escultura en bajo relieve, Picasso se acerca a la abstracción, basándose en los contornos geométricos de obras pasadas. Picasso, por otro lado, usó palabras pintadas como parte de su lienzo. Debido a la elección de un tipo de letra publicitario, la palabra «ma Jolie» en el frente no solo consolida el campo, sino que también relaciona la obra de arte con una valla publicitaria.
Es la primera vez que un pintor incorpora abiertamente aspectos de la cultura popular en las bellas artes.
También se usó como nombre de una canción de renombre en ese momento, y también el seudónimo de Picasso para su prometida, vinculando la imagen aún más estrechamente con la cultura popular. La figura de Ma Jolie está formada por planos cambiantes. El cubismo analítico se caracteriza por esto.
Picasso y Georges Braque tienen firmas artísticas similares. Ambos artistas utilizaron una variedad de técnicas de representación al mismo tiempo.
Una masa triangular prominente en la obra de arte denota su cabeza y cuerpo. Picasso representó las cuerdas de una guitarra agrupando líneas verticales en el centro inferior. La señora rasgueando este instrumento crea una imagen con la que muchas personas pueden relacionarse.
Los tres músicos (1921)
| Fecha de finalización | 1921 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 204 cm x 188 cm |
| Ubicación | Museo de Arte de Filadelfia |
Las pinturas de músicos de Pablo Picasso venían en dos variantes. Esta versión más pequeña se puede ver en el Museo de Arte de Filadelfia, aunque ambas son gigantescas para la fase cubista de Picasso, y puede haber optado por crear a una escala tan grande para conmemorar el final de su cubismo sintético, que lo había preocupado durante más de diez años. Fue creada durante la misma temporada que la obra clásica Tres mujeres en la primavera (1921), que es bastante diferente.
Picasso se sienta en el medio, como de costumbre el Arlequín, con Max Jacob y Guillaume Apollinaire a cada lado, de quienes se había distanciado.
En una pequeña cámara en forma de caja, Picasso representa a tres músicos formados por formas abstractas planas y de colores vivos. Un clarinetista está a la izquierda, un guitarrista está en el medio, y un cantante agarrando partituras está a la derecha. Están disfrazados como personajes conocidos, incluyendo Pierrot con un atuendo azul y blanco, el Arlequín con un traje estampado amarillo y naranja, y un monje a la derecha. Una mesa con una pipa y otras pertenencias se encuentra frente a Pierrot, y debajo de él hay un perro cuyo estómago, patas y parte trasera se asoman desde debajo de las piernas del artista.
Todo en esta imagen está formado por formas planas, al igual que el escenario en el que juegan los tres intérpretes.
El piso marrón detrás de estos músicos está en una ubicación distinta, extendiéndose considerablemente más hacia la izquierda que hacia la derecha. El espacio desigual es creado por el piso y las paredes planas que enmarcan la toma, pero los músicos parecen ser estables. Debido a que las formas que los componen se cruzan y se superponen, como si fueran recortes de papel, es difícil determinar dónde comienza un músico y dónde termina otro.
Tres mujeres en la primavera (1921)
| Fecha de finalización | 1921 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 204 cm x 174 cm |
| Ubicación | Museo de Arte Moderno |
Para pintar este, su retrato más complejo de un tema clásico antiguo, Picasso realizó un estudio significativo. Rinde homenaje a las obras anteriores de Poussin e Ingres, dos titanes de la pintura tradicional, pero también toma elementos de Esculturas griegas, y el peso masivo de las figuras es extremadamente escultórico. Según los críticos, el tema lo atrajo debido al nacimiento de su primer hijo, y el estado de ánimo melancólico de las figuras puede explicarse por la fascinación actual de Francia por conmemorar a los que murieron en la Primera Guerra Mundial.
El ambiente mediterráneo primordial y temprano de esta hermosa pintura es otro ejemplo colorido de las gigantescas figuras neoclásicas de Picasso.
Las tres damas aparecen del paisaje rocoso como enormes esculturas en relieve, sus rasgos cincelados y contornos estatuarios exagerados evocan formas helenísticas tardías o provinciales. Los rasgos altamente tallados, así como las profundas líneas excavadas para significar los pliegues de los vestidos, contrastan con la rotundidad inusual de los cuerpos.
El relieve elevado creado por la amplitud ampliada de estos pliegues y la aplicación dramática del color para producirlos, plateados en calidad contra el azul brillante, contrasta con el fondo marrón-naranja de las rocas.
Guernica (1937)
| Fecha de finalización | 1937 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 250 cm x 777 cm |
| Ubicación | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía |
Picasso creó esta pintura en protesta por el bombardeo de Guernica, una ciudad vasca, el 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española. Tardó menos de un mes en producirse y funcionó como el punto focal de la exposición para España durante la Exposición Universal de París de 1937. Posteriormente se prohibió su exhibición en España hasta el derrocamiento del tirano militar Francisco Franco en 1975, a pesar de causar un gran revuelo durante la exhibición. Se han dedicado muchas horas a comprender el significado de la pintura, y algunos creen que el caballo sufriente en el centro de la imagen representa a los españoles.
Esta obra es considerada como un híbrido de géneros pastorales y épicos. La falta de color aumenta el drama, dando a la imagen una sensación periodística similar a la de una fotografía.
Las interpretaciones del Guernica son diversas y a menudo contradictorias. Esto incluye las dos partes más prominentes del mural, el toro y el corcel. Patricia Failing, historiadora del arte, declaró: «En la cultura española, el toro y el corcel son figuras prominentes. Picasso seguramente empleó estas figuras para realizar una serie de diversos papeles durante su vida. Esto ha hecho que descifrar los significados exactos del toro y el caballo sea extremadamente difícil.
Su conexión es un ballet que Picasso imaginó en varias formas a lo largo de su carrera». Algunos opositores desaconsejan creer en el mensaje político del Guernica. Por ejemplo, el toro furioso, un símbolo significativo de devastación en esta obra, ha aparecido anteriormente como alter ego de Picasso, ya sea como un toro o un Minotauro. Sin embargo, en este caso, lo más probable es que el toro signifique el ataque del fascismo.
Picasso explicó que simbolizaba la crueldad y la oscuridad, lo que aparentemente es una referencia a su obra profética.
También dijo que el caballo simbolizaba al pueblo de Guernica. El espíritu de patriotismo y justicia de Picasso triunfó sobre su ubicación real. Cuando los nazis atacaron el pueblo español de Guernica en 1937, no había visitado su propio país en varios años. En ese momento residía en París en ese momento, y nunca volvió a vivir en su ciudad natal. A pesar de esto, el ataque, que principalmente asesinó a mujeres y niños, sacudió al artista hasta la médula.
Autorretrato frente a la muerte (1972)
| Fecha de finalización | 1972 |
| Medio | Lápiz de cera |
| Dimensiones | 65 cm x 50 cm |
| Ubicación | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía |
No solo es uno de los retratos de Picasso, sino que también es una de las últimas pinturas de Picasso. Picasso pintó hasta su muerte a la edad de 91 años, y los años anteriores que fueron definidos por su prodigiosa producción. La última pintura de Pablo Picasso fue una pintura de crayón sobre papel que tardó varios meses en crearse, y es una de sus obras más famosas de finales de carrera.
Picasso «sostuvo el dibujo junto a su cara para enfatizar que la expresión del terror era una invención», según el compañero de Picasso, Pierre Daix, quien agregó que cuando regresó al taller de Picasso meses después, el dibujo había crecido aún más en líneas más ásperas.
Daix escribió: «No parpadeó. Tuve la sorprendente sensación de que, como un buen español, se enfrentaba a su propia mortalidad en la cara». La interpretación definitiva de los retratos de Picasso, hecha en verde mareado y rosa lechoso, es como una máscara de puro miedo. La mirada de ojos abiertos del individuo perfora al observador, lo que implica que no está aceptando su muerte inminente.
Con esto concluye nuestra mirada a los dibujos y pinturas de Pablo Picasso. Alrededor de 1907, una ráfaga de influencias, que van desde Van Gogh hasta el arte tribal, llevó a Picasso a dar a sus figuras más peso y estructura. Todo esto culminó en llevarlo finalmente al cubismo, con el que desafió las convenciones de la perspectiva renacentista en el arte.
Preguntas Frecuentes
¿Quién es Pablo Picasso?
Pablo Picasso es generalmente considerado uno de los artistas más significativos y conocidos del siglo 20. Es considerado como un creador de tendencias creativas y cofundador de la estética cubista. El cubismo fue un movimiento prominente en Europa que mejoró la cara de la pintura y la escultura, así como los diseños arquitectónicos, la música y la poesía. Las ideas y objetos cubistas son diseccionados y reconstruidos abstractamente.
¿Qué fue significativo del arte de Pablo Picasso?
Las pinturas más famosas de Picasso exploraron una técnica que empleaba principalmente tonos neutros y se concentraban en separar las cosas y evaluarlas a la luz de sus formas. El cubismo tuvo un efecto significativo en la evolución del arte del mundo occidental, en particular la segunda versión definida como cubismo sintético. Cuando Picasso fundó el cubismo en 1910, su influencia fue tan extensa que produjo ramificaciones como el movimiento dadaísta.
