Al igual que con cualquier campo de trabajo, las mujeres siempre han tenido más dificultades para tratar de entrar en la industria, y las mujeres fotógrafas no son una excepción. Sin embargo, hay excepciones en las que las fotógrafas famosas han podido romper el molde y ganar reconocimiento mundial por su fotografía femenina. Hoy exploraremos a las fotógrafas feministas que han asombrado al mundo con su visión y creatividad únicas.
Fotógrafas famosas
Las fotógrafas han abordado todo, desde la fotografía de moda hasta el trabajo fotoperiodístico en tiempos de conflicto, creando fotografías compasivas e innovadoras que merecen reconocimiento y respeto. Algunas de estas fotógrafas feministas se preocupaban por retratar con precisión la realidad, mientras que otras se inspiraban en la expresión creativa y el deseo de una conexión con los demás a través de la fotografía.
Aquí está nuestra lista de fotógrafas famosas inspiradoras que han incendiado el escenario internacional de la fotografía.
Julia Margaret Cameron (1815 – 1875)
| Nacionalidad | Británico |
| Fecha de nacimiento | 11 de junio de 1815 |
| Fecha de fallecimiento | 26 de enero de 1879 |
| Lugar de nacimiento | Calcuta, India |
Julia Margaret Cameron, ahora considerada como una de las mejores fotógrafas del siglo 19, vivió en la oscuridad comparativa durante más de 80 años antes de ser redescubierta por el historiador Helmut Gernsheim en 1948. Cameron solo actuó fotografía artística durante unos 11 años de su vida, concentrándose únicamente en el retrato no comercial, al que dotó de un sentido muy espiritual y un estilo prerrafaelita.
Su estilo singular le permitió producir una galería excepcional de retratos que evocan la pintura renacentista al tiempo que capturan los valores de inocencia, pureza, devoción y amor asociados con las mujeres victorianas.
Una fotografía de Julia Margaret Cameron, 1870; Henry Herschel Hay Cameron, dominio público, vía Wikimedia Commons
Cameron comenzó a fotografiar a la edad de 48 años y llegó a hacer más de 900 fotos en su breve carrera, un logro notable en una era en la que las cámaras eran voluminosas y laboriosas. Había dos categorías básicas en su trabajo. Una categoría incluye sus retratos no comisionados de personas famosas, como Sir John Herschel, Charles Darwin y Robert Browning, y la otra categoría incluía fotografías de compañeros, parientes y ayuda doméstica, a menudo vistiéndose y posando extravagantemente para representar temas artúricos o renacentistas.
Su fotografía femenina la ha llevado a ser reevaluada como un componente significativo del pictorialismo temprano, así como una innovadora significativa en uno de los tipos más nuevos de artesanía victoriana en la Inglaterra del siglo 19, a pesar del hecho de que no fue emulada por otros fotógrafos del siglo 19.
Sus retratos, en particular, se consideran entre las mejores interpretaciones de las capacidades estéticas del medio.
El jardín rosebud de las niñas (1868) de Julia Margaret Cameron; Museo de Arte de Indianápolis, dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus imágenes, por otro lado, no fueron elogiadas universalmente: el establecimiento fotográfico, así como varias publicaciones periódicas, criticaron su técnica supuestamente débil. Su trabajo, por otro lado, fue muy apreciado por sus colegas artistas, un sentimiento reflejado por arte moderno expertos que elogian su elección por la belleza por encima de la excelencia técnica.
En retrospectiva, está claro que Cameron poseía una habilidad única para imbuir sus obras con profundidad espiritual, una característica que claramente faltaba en muchos retratos corporativos de la época.
Frances Benjamin Johnston (1864 – 1952)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 15 de enero de 1864 |
| Fecha de fallecimiento | 16 de mayo de 1952 |
| Lugar de nacimiento | Grafton, Estados Unidos |
Frances Benjamin Johnston, una artista de retratos a principios del siglo XX, es una de las primeras fotógrafas notables reconocidas. Es más reconocida por sus fotografías de personas históricas como Alice Roosevelt, Susan B. Anthony y Mark Twain.
Si bien sus fotografías son impresionantes, lo más intrigante de Johnston es que trabajó libremente como fotógrafa periodística independiente para varias publicaciones periódicas y revistas estadounidenses durante un tiempo. cuando los hombres controlaban el negocio.
Frances Benjamin Johnston’s Autorretrato (como «Mujer Nueva»), un autorretrato de cuerpo entero de ella sentada frente a la chimenea, mirando hacia la izquierda, sosteniendo un cigarrillo en una mano y una jarra de cerveza en la otra, en su estudio de Washington, D.C., 1896; Frances Benjamin Johnston, Dominio público, vía Wikimedia Commons
También dirigió su propio estudio en Washington, D.C. con gran éxito. «Es otra creencia favorita conmigo que hay un enorme potencial en la fotografía como una vocación exitosa y placentera para las mujeres, y siento que mi logro ayuda a ilustrar esto, y es por esta razón que estoy encantada de que otras mujeres conozcan mi trabajo», dijo.
Alice (Pike) Barney, 1857-1931 (1890) por Frances Benjamin Johnston; Johnston, Frances Benjamin, 1864-1952, fotógrafo, dominio público, vía Wikimedia Commons
Imogen Cunningham (1883 – 1976)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 12 de abril de 1883 |
| Fecha de fallecimiento | 23 de junio de 1976 |
| Lugar de nacimiento | Portland, Oregón |
Imogen Cunningham fue una de las fotógrafas más talentosas e innovadoras del siglo 20, con una carrera que se extendió por más de siete décadas, comenzando alrededor de 1906 y concluyendo solo con su muerte en 1976. Sus temas fotográficos eran diversos: pasó fácilmente de los estudios de plantas y naturaleza a los retratos formales y a los humanos.
Sus técnicas y enfoques artísticos eran tan similares a los de las artes fotográficas en su conjunto que su carrera podría considerarse una crónica de la fotografía estadounidense.
El padre de Imogen Cunningham era un idealista autodidacta que abrazaba el vegetarianismo, exploraba la teosofía y era un fanático contra la religión organizada. Era un empleado de supermercado convertido en agricultor que intentó sin éxito la agricultura comunitaria antes de trasladar a su familia a Seattle en 1889 y encontrar trabajo en la industria de la madera y el carbón. Sus ideales progresistas, sin embargo, no incluían la emancipación de la mujer. La madre de Imogen era casi analfabeta y trabajaba 14 horas al día cocinando, limpiando y cuidando a sus hijos.
Retrato de Imogen Cunningham, 1907; Edward Curtis Studio, dominio público, vía Wikimedia Commons
Estaba decidida a evitar el destino de su madre, y se propuso crear una nueva vida para sí misma. Eligió seguir una profesión en fotografía en 1901, cuando todavía era estudiante de secundaria, después de ver reproducciones de las imágenes de Gertrude Kasebier. A pesar de las reservas de Isaac sobre su elección de profesión, él le construyó un cuarto oscuro en el cobertizo de herramientas. Imogen comenzó a fotografiar después de comprar una cámara y un programa de capacitación de un curso escolar por correo.
Sus esfuerzos autoconscientes para trascender la fotografía al nivel de alto arte se pueden ver en las fotografías que creó.
Le gustaba vestir a sus sujetos y fotografiarlos con posturas suaves y oníricas mientras recreaba escenarios y figuras de poesía y literatura. Nunca fue una persona que hiciera hincapié en los aspectos técnicos del retrato; en cambio, se centró en retratar la personalidad de la persona que estaba capturando. Lo logró en parte conversando libremente con su sujeto durante la sesión de fotos en un intento de romper la autoconciencia de la niñera para que la verdadera persona pudiera ser capturada en una película.
El sueño (1910) de Imogen Cunningham; Imogen Cunningham, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Claude Cahun (1894 – 1954)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 25 de octubre de 1894 |
| Fecha de fallecimiento | 8 de diciembre de 1954 |
| Lugar de nacimiento | Nantes, Francia |
Claudio Cahun fue una fotógrafa surrealista, y autora, más conocida por sus llamativos autorretratos. Los fotógrafos inconformistas exploraron con frecuencia cuestiones de identidad propia, sexualidad e inconsciente personal en su trabajo. Cahun, quien nació como Lucy Schowb en un distinguido hogar judío, asumió su apodo de género neutro a los 20 años. Se mudó a París con su pareja y hermanastra, el artista Marcel Moore.
Claude Cahun, Autorretrato, de Bifur, nº 5 (1930) de Claude Cahun; lightsgoingon, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Allí, Cahun trabajó con conocidos artistas surrealistas, incluido uno de los fundadores del movimiento, André Breton. En 1937, la pareja se trasladó a Jersey, en la costa de Francia. El artista era un activista y agitador aquí, pero tenía un contacto limitado con el mundo exterior. Durante la Segunda Guerra Mundial, Moore y Cahun crearon panfletos antialemanes que criticaban los crímenes nazis. Intencionalmente pusieron los volantes en las actividades alemanas en su isla, donde los soldados podrían localizarlos fácilmente.
Ambas mujeres fueron arrestadas y condenadas a muerte en 1944, y la mayor parte de su material fue borrado. Afortunadamente, la isla fue liberada por los Aliados un año después, y pudieron evitar la pena de muerte.
Cahun empleó métodos de duplicación y reflexión en su trabajo. Cahun desafía la belleza y los estereotipos de género en la mayoría de sus autorretratos al pararse con la cabeza afeitada y mirar sin vergüenza a la cámara. La mirada epicena de Cahun se manifiesta a través de su arte, que a menudo se considera su método íntimo de expresión.
Varios temas recurrentes aparecen en las fotos de la artista, incluyendo el cabello, las manos y, más tarde en su vida, componentes orgánicos. La mayoría de las veces, esto pasa desapercibido, aunque Cahun y Moore cooperaron a menudo en sus proyectos.
Tina Modotti (1896 – 1942)
| Nacionalidad | Italoamericano |
| Fecha de nacimiento | Agosto de 1896 |
| Fecha de fallecimiento | Enero de 1942 |
| Lugar de nacimiento | Udine, Italia |
Tina Modotti, fotógrafa, modelo, actriz y activista política nacida en Italia, fue otro ícono de la fotografía femenina. No dudó en experimentar con diversos enfoques en su trabajo, prefiriendo fotografías de alta calidad y primeros planos sorprendentes. Modotti fue a la Ciudad de México con su pareja, el fotógrafo Edward Weston, en 1923 después de emigrar a los Estados Unidos. Comenzó un estudio y se unió al Partido Comunista allí.
¡Estaba íntimamente comprometida con algunos de sus líderes, por cierto!
Tina Modotti, Glendale. Fotografía de Edward Weston, 1921; Edward Weston, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Modotti trabajó duro para capturar la ciudad y sus habitantes en todo su esplendor. Fotografió a varias personas famosas, entre ellas Diego Rivera y Frida Kahlo. Sus imágenes se centran en las culturas indígenas, así como en la clase trabajadora. Modotti fue expulsada de México siete años después debido a sus opiniones políticas de izquierda. Modotti finalmente se convirtió en miembro del Partido Comunista Soviético en Moscú y se retiró de la fotografía en 1931.
A diferencia de otros creadores, estaba preocupada por su batalla política, que finalmente triunfó sobre sus actividades creativas.
Manos del titiritero, Ciudad de México (1929) de Tina Modotti; Minneapolis Institute of Art, dominio público, vía Wikimedia Commons
Modotti viajaba con una visa limitada que requería que su destino final fuera Italia, por lo que primero se detuvo en Berlín y luego se fue a Suiza. El gobierno italiano emprendió esfuerzos agresivos para deportarla como ciudadana subversiva, pero escapó del encarcelamiento de la policía fascista con la ayuda de voluntarios de Ayuda Roja Internacional. Parecía desear viajar a Italia y unirse a la lucha antifascista allí. Sin embargo, en reacción a la situación política en desarrollo en Alemania y sus propios recursos agotados, siguió el consejo de Vittorio Vidali y se trasladó a Moscú en 1931.
Modotti dejó de fotografiar después de 1931. Los informes de imágenes posteriores no están verificados.
Germaine Krull (1897 – 1985)
| Nacionalidad | Alemán |
| Fecha de nacimiento | 29 de noviembre de 1897 |
| Fecha de fallecimiento | 31 de julio de 1985 |
| Lugar de nacimiento | Wilda, Polonia |
Germaine Krull fue una pionera en el fotomontaje de vanguardia y el fotoperiodismo, y mantuvo lealtades económicas y artísticas. Krull, que nació en Wilda-Pozna, Prusia Oriental, en 1897, llevó una vida increíble que abarcó nueve décadas y cuatro continentes: era el arquetipo de la abrasiva y sexualmente libre Mujer Nueva, considerada como un icono del modernismo. Antes de que su familia se mudara a Múnich en 1912, tuvo una educación nómada.
Estudió fotografía de 1916 a 1918, y en 1919, lanzó su propio negocio de retratos.
Su temprana participación en la acción política de izquierda resultó en su deportación de Munich. El avance creativo de Krull llegó en 1928 cuando fue empleada por la incipiente revista VU, el primer gran semanario ilustrado de Francia. Fue pionera en un nuevo tipo de revista.ismo basado en la libertad de expresión y la intimidad con sus sujetos, dando como resultado primeros planos íntimos, todo hecho posible por su cámara portátil.
Erotische Fotografie (1890-1920) de Germaine Krull; Germaine Krull, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Durante este tiempo, lanzó Metal (1928), una cartera de 64 imágenes de gigantes de hierro modernistas como grúas, trenes, generadores eléctricos y la Torre Eiffel, tomadas en poderosos primeros planos y desde ángulos vertiginosos. Krull fue parte de la famosa exposición Fifo. Fifo señaló el surgimiento de una nueva filosofía crítica de la fotografía, poniendo a Krull en la primera línea de la fotografía New Vision, un nuevo enfoque basado en la investigación completa del potencial técnico del medio fotográfico a través de una gran cantidad de procedimientos poco ortodoxos basados en lentes y cuarto oscuro.
Después de la Segunda Guerra Mundial, viajó al sudeste asiático y luego a la India, donde optó por vivir como ermitaña entre los monjes tibetanos después de una carrera dedicada a documentar algunos de los mayores trastornos del siglo 20.
Berenice Abbott (1898 – 1991)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 17 de julio de 1898 |
| Fecha de fallecimiento | 9 de diciembre de 1991 |
| Lugar de nacimiento | Springfield, Ohio |
Berenice Abbott comenzó su carrera fotográfica en la década de 1920 como asistente de Man Ray en Francia. Hombre Ray comenzó a experimentar con una técnica de colocar artículos en papel fotográfico y someterlos a la luz mientras trabajaba como asistente.
Man Ray se refirió a este proceso como Rayogramas, aunque ahora se lo conoce más a menudo como fotogramas.
Esta fotografía de Berenice Abbott fue tomada por Hank O’Neal en su Downtown Sound Studio en la ciudad de Nueva York, el 18 de noviembre de 1979; Hank O’Neal, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
A pesar de su formación con Man Ray, que es más conocido por sus fotos surrealistas y técnicas experimentales, Abbott se enamoró de las obras del documentalista y fotógrafo callejero francés Eugène Atget. Su serie Changing New York (1935), que rastreó la rápida evolución arquitectónica de la ciudad, es particularmente popular.
Oak and New Chambers Streets, Manhattan (1935) de Berenice Abbott; Berenice Abbott, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Ilse Bing (1899 – 1998)
| Nacionalidad | Alemán |
| Fecha de nacimiento | 23 de marzo de 1899 |
| Fecha de fallecimiento | 10 de marzo de 1998 |
| Lugar de nacimiento | Frankfurt, Alemania |
Ilse Bing nació en la ciudad alemana de Frankfurt. Comenzó como fotoperiodista para una publicación alemana y, después de abandonar sus estudios de Historia del Arte, viajó a París para centrarse únicamente en la fotografía en 1930. Lea la narrativa de la próxima representante fotógrafa. Bing se concentró en su trabajo independiente para revistas como Vogue y Harper’s Bazaar.
Sin embargo, además de su trabajo profesional, se distinguió como una artista de vanguardia y estuvo muy motivada por la estética Bauhaus, que la llevó a la fotografía modernista.
Su cámara era una modelo leica de mano. Así, después de unos años, Bing se estableció como la «Reina de la Leica». Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Bing y su cónyuge fueron llevados a diferentes centros de detención en el sur de Francia porque eran judíos. Se reunieron en Marsella, y con la ayuda de un editor de moda de los Estados Unidos con quien Bing cooperó, la pareja pudo partir de Europa en 1941 hacia la ciudad de Nueva York.
Algunas de sus impresiones más valiosas se perdieron ya que no podía pagar el cargo de aduana sobre todas ellas cuando venían de Francia. Fue a París varias veces después de la guerra, pero optó por abandonar su carrera como fotógrafa en favor de poemas, dibujos de líneas y ensamblajes. Bing frecuentemente escogía temas metropolitanos y los fotografiaba desde alturas vertiginosas. Siempre desarrolló sus propios aspectos negativos y trabajó sin iluminación suplementaria.
Todas sus imágenes tienen una vivacidad instintiva y espontánea sobre ellas. A Bing le gustaba la simplicidad y trabajaba con gracia con la luz y la sombra en una variedad de paisajes intrigantes indicativos de los lugares y épocas en los que vivió.
A pesar de estar influenciada por las principales voces estéticas de su época, fue pionera en el campo de la fotografía, siendo una de las primeras en emplear métodos como la solarización, el flash eléctrico y la captura de imágenes nocturnas.
Margarita Bourke-White (1904-1971)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 14 de junio de 1904 |
| Fecha de fallecimiento | 27 de agosto de 1971 |
| Lugar de nacimiento | Bronx, Estado de Nueva York |
Margaret Bourke-White fue la primera mujer fotoperiodista en los Estados Unidos. Recorrió el mundo, inmortalizando algunos de los acontecimientos históricos más significativos de su época. En Cleveland, estableció su primer taller, donde incursionó en la fotografía industrial.
Bourke-White fue nombrado como el primer fotógrafo del personal de Fortune en 1929.
Se le dio permiso para fotografiar las industrias soviéticas mientras trabajaba allí. Además, ella, al igual que sus predecesores, desarrolló arte sobre el aspecto humano de la Gran Depresión. La revista LIFE todavía estaba en sus primeras etapas en ese momento, y ella fue una de las primeras cuatro fotógrafas empleadas.
Foto de Margaret Bourke-White como tema del programa de televisión Persona a persona, 1955; Oficina de Servicios Industriales. Esta era una división de la agencia de publicidad Young & Rubicam y fue ampliamente utilizada para la distribución de materiales publicitarios en la televisión temprana.
Para la revista, cubrió la Guerra de Corea. Durante la invasión alemana de la Unión Soviética en 1941, Bourke-White fue el único fotógrafo occidental en Moscú que fotografió al líder del Partido Comunista, Josef Stalin. Vio las operaciones de bombardeo del Cuerpo Aéreo un año después. Documentó la liberación de los campos de prisioneros de Erla y Buchenwald en Alemania hacia la conclusión de la guerra, ayudando al general S. Patton del Ejército de los Estados Unidos. Sin embargo, no se detuvo aquí. Bourke-White voló a Asia para fotografiar al icono indio Mohandas Gandhi durante la Partición de la India.
Bourke-White es uno de los fotoperiodistas más talentosos y excelentes del mundo, ¡siempre en el lugar correcto en el momento adecuado!
Margaret Bourke-White tomando una foto de «Blood May Day». Foto: Jun Miki, 1952; 三木淳, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Lee Miller (1907 – 1977)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 23 de abril de 1907 |
| Fecha de fallecimiento | 21 de julio de 1977 |
| Lugar de nacimiento | Poughkeepsie, Estado de Nueva York |
Lee Miller fue una modelo y fotógrafa que fue conocida por sus esfuerzos en Vogue y durante toda la Segunda Guerra Mundial. Miller tuvo una lucrativa carrera como modelo en la ciudad de Nueva York en la década de 1920 antes de viajar a París y convertirse en ayudante, inspiración y novia de Man Ray. Planeaba crear su propio taller y trabajar en los proyectos de Ray en un futuro próximo. Miller se introdujo en el surrealismo y adoptó muchas de las tácticas de su amante, como la solarización.
En 1932, Miller se mudó a la ciudad de Nueva York y lanzó su segundo taller, obteniendo una carrera en fotografía publicitaria y retrato.
La corresponsal de guerra Lee Miller, que cubrió el Ejército de los Estados Unidos en el Teatro Europeo durante la Segunda Guerra Mundial (Centro de Historia Militar del Ejército de los Estados Unidos), 1943; Fotografía oficial del Ejército de los Estados Unidos, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Trabajó para Vogue como belleza y fotógrafa. Miller recorrió Europa y residió en Londres y El Cairo en los años siguientes. Documentó la liberación de París, los hospitales militares en Normandía, los campos de exterminio de Dachau e incluso la residencia de Hitler en Munich como corresponsal de guerra. Miller experimentó episodios depresivos después de la guerra y fue clasificado con TEPT. Se casó con su segundo marido Roland Penrose, en 1947. Miller lo ayudó a escribir biografías de Pablo Picasso y Man Ray, a quienes ella conocía.
De hecho, el MI5 la interrogó por posiblemente trabajar como espía soviética durante la década de 1940.
Diane Arbus (1923 – 1971)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 14 de marzo de 1923 |
| Fecha de fallecimiento | 26 de julio de 1971 |
| Lugar de nacimiento | Manhattan, Estado de Nueva York |
Diane Arbus fue una de las famosas fotógrafas nacidas en los Estados Unidos, mejor conocida por sus retratos en blanco y negro y fotografías de los residentes inusuales de la ciudad de Nueva York. Arbus nació en una familia acomodada, lo que le permitió desarrollar sus habilidades creativas mientras la protegía de los efectos de la Gran Depresión. Participó en fotografía de moda y comercial para publicaciones como Harper’s Bazaar y Vogue junto a su marido, el actor Allan Arbus.
En la década de 1950, Arbus había tomado la decisión de concentrarse en su propio trabajo.
Foto de Diane Arbus después de una fotografía de Roz Kelly, finales de los años 60; Fduriez, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Luego llevó su cámara por las calles de la ciudad de Nueva York, capturando la vida privada de sus residentes en una variedad de entornos, incluidos bares, hoteles e incluso la morgue. Por lo general, Arbus no recortaba sus tomas, dejando algunos bordes desiguales alrededor de las imágenes.
Dejó que sus sujetos fueran ellos mismos frente a su cámara de formato medio, amando su autenticidad y seguridad en sí mismos.
Diane Arbus fue incluida en la histórica exposición New Documents en el MoMA, junto con otros pintores conocidos de la época. Desafortunadamente, se suicidó a los 48 años, después de luchar contra la depresión toda su vida.
Vivian Maier (1926 – 2009)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 1 de febrero de 1926 |
| Fecha de fallecimiento | 21 abril 2009 |
| Lugar de nacimiento | Nueva York, Estado de Nueva York |
Durante más de 40 años, Vivian Maier fue confundida con una niñera. Era, en realidad, una de las mejores fotógrafas callejeras estadounidenses. Su obra, que incluyó más de 150.000 fotos creadas a lo largo de su vida, fue descubierta en 2007 en una subasta. Maier estaba cautivada por la arquitectura y la gente de los lugares que visitó. Es más conocida por sus fotografías de las calles de Chicago y la ciudad de Nueva York.
Maier, que ha sido comparada con Diane Arbus por su inventiva, capturó imágenes de temas aparentemente insignificantes y las convirtió en obras de arte, momentos fascinantes congelados en el tiempo.
Retrato de Vivian Maier; Aureliamoz, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Muchos de sus defectos nunca fueron explorados. Maloof incluyó las fotos de Maier en uno de sus artículos de blog en 2009, y su trabajo rápidamente se ganó una reputación en las instituciones de arte de todo el mundo. La historia de Maier se está contando actualmente en el documental Finding Vivian Maier. Su arte también se exhibe en el Museo de Historia de Chicago en la exposición multimedia Vivian Maier: In Color, que se extenderá hasta el 8 de mayo de 2023.
Deborah Turbeville (1932 – 2013)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 6 de julio de 1932 |
| Fecha de fallecimiento | 24 octubre 2013 |
| Lugar de nacimiento | Stoneham, Massachusetts |
Deborah Turbeville existió antes de Annie Leibovitz. Fue una de las primeras fotógrafas de moda; durante muchos años, fotógrafos masculinos como Cecil Beaton, Richard Avedon y Helmut Newton dominaron el campo. Turbeville es bien conocida por su fotografía femenina de moda de ensueño, que contrastaba con las fotos de fuerte contraste de muchos de sus contemporáneos. También era bastante aventurera con sus pinturas.
Le gusta sobreexponer su película y desfigurar sus negativos para dar a sus fotografías un aspecto más áspero, casi desintegrador.
Si bien gran parte de su trabajo está bien considerado, algunas de las imágenes más intrigantes que creó son collages construidos cortando y juntando negativos. El arte de Turbeville estuvo fuertemente influenciado por su infancia: «Soy como una niña, debo controlarlo cada hora de cada día», dice. Las imágenes de Turbeville se distinguen por sus tonos de grano, pastel, sepia o blanco y negro, y el desenfoque de la imagen.
Con la ayuda de su asistente y compañera, Sharon Schuster, ocasionalmente reelabora sus imágenes raspándolas o grabándolas. Estas imágenes, según Pete Silverton, son «productos deliberadamente arruinados». Además, Turbeville afirma que «Después de crear la imagen, la borro. Borrar una pieza de tal manera que nunca se haya ido del todo» «El tema de la desintegración está realmente en el centro de mi trabajo», por ejemplo.
El trabajo de modificación de Turbeville es una de las cualidades que la distinguen como artista, ya que provoca la contemplación en el medio, y el medio es significativo en sí mismo.
Sus fotografías, «Raspadas, distorsionadas, borradas y dañadas a propósito para crear la apariencia de clichés obsoletos, estas fotos contrastan con la perfección tecnológica que incluso un fotógrafo aficionado puede lograr en estos días. Turbeville desacredita el mito de que un artista que busca desarrollar material innovador puede lograr la ambigüedad por habilidad y dedicación». «Sí, la aparente serenidad de las fotos oculta una corriente subyacente de violencia. La artista refuerza esta violencia en su obra: abusa de sus propias imágenes».
Nan Goldin (1953 – Present)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 12 de septiembre de 1953 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Washington DC |
Nan Goldin es una fotógrafa estadounidense moderna conocida por sus imágenes íntimas y honestas de su vida y sus seres queridos. Su trabajo aborda temas oportunos como la epidemia de drogas, la crisis del SIDA y las comunidades LGBTQ +. Goldin viajó a Boston en su adolescencia para vivir con su amigo, el fotógrafo estadounidense David Armstrong.
Allí, se encontró con las comunidades lésbicas y transgénero de la ciudad. Está muy influenciada por Diane Arbus, quien utilizó patrones y temas similares en su fotografía.
Goldin solía viajar con su cámara, capturando «rebanadas de vida» y subculturas subterráneas. En una presentación de diapositivas de 40 minutos de 700 imágenes musicalizadas, Goldin resumió su existencia en la ciudad de Nueva York en la década de 1980. El documento atemporal y muy íntimo honra a sus amigos y amantes, muchos de los cuales murieron como resultado de la epidemia del SIDA.
la fotógrafa Nan Goldin en 2009; arte de equipo en berlín, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Goldin es una marginada por inclinación y una nocturna por hábito, que vive en las afueras de la civilización según sus propias reglas. Saltó a la fama en la década de 1980 al fotografiar su propia vida errática, así como las vidas erráticas de sus conocidos, que incluían yonquis, estafadores, travestis y prostitutas.
Como resultado, reinventó lo que la fotografía podría lograr y ser: un reflejo de uno mismo y del mundo.
Sus imágenes son seductoras, difíciles y honestas. Goldin no rehúye las duras realidades de la vida, sino que las enfrenta con coraje al mostrar la fragilidad que se encuentra debajo de los actos de amor, agresión y miseria que elige fotografiar. Goldin declaró hace unos años que sufría de una adicción a los opiáceos después de que le administraran OxyContin para el dolor de muñeca.
Eso cubre nuestro artículo sobre las fotógrafas más famosas del mundo. Casi todo el mundo conoce a los grandes nombres de la fotografía femenina, como Annie Leibovitz y Dorothia Lange, pero a menos que hayas estudiado historia del arte, puede haber muchos fotógrafos de los que nunca hayas oído hablar. A lo largo de las décadas, estas fotógrafas feministas han allanado el camino para las fotógrafas modernas. Debido a su esfuerzo, la fotografía femenina de hoy está viva y próspera.
Preguntas Frecuentes
¿Qué tipo de fotografías toman las mujeres fotógrafas?
Las mujeres fotógrafas han abordado todo, desde la fotografía de moda hasta el fotoperiodismo en tiempos de crisis, produciendo imágenes sensibles e imaginativas que merecen crédito y respeto. Algunas de estas fotógrafas feministas se preocupaban por representar con precisión la realidad, mientras que otras estaban motivadas por la expresión artística y el deseo de conectarse con las personas a través de la fotografía.
¿Por qué es importante centrarse en las fotógrafas?
Las mujeres tradicionalmente han tenido una dificultad más difícil para entrar en la profesión que los hombres, y las mujeres fotógrafas no son diferentes. Sin embargo, hay ocasiones en que destacadas fotógrafas han roto el estereotipo y han ganado fama internacional por su fotografía femenina. Estas mujeres no solo rompieron los límites de la fotografía, sino que también utilizaron su trabajo para hacer poderosos comentarios sociales y capturar el mundo de maneras que anteriormente habían pasado desapercibidas.
