Muchos de nosotros estamos de acuerdo en la lista habitual de los fotógrafos más famosos de todos los tiempos, pero si comienzas a cuestionar a un grupo de fotógrafos contemporáneos sobre lo que constituye una foto sobresaliente, recibirás una amplia gama de respuestas. Desde fotógrafos clásicos hasta los fotógrafos populares de la era moderna, cada uno ha aportado su interpretación única al oficio y ha ayudado a crear las obras fotográficas más famosas de todos los tiempos. Hoy, descubriremos a los famosos fotógrafos de retratos y fotógrafos de paisajes que han establecido el estándar para las generaciones venideras.
Nuestra lista de los fotógrafos más famosos
¿Quiénes son los fotógrafos más conocidos del mundo? «Un creador genuino no es aquel que está motivado, sino uno que estimula a los demás», observó Salvador Dalí. Sin embargo, cuando se trata de fotografía, encontrar inspiración puede ser difícil. En esta lista, exploraremos a los creadores de las obras de arte de fotografía más famosas de nuestro tiempo. Cuando las palabras fallan, los fotógrafos más famosos pueden provocar pensamientos, sensaciones y emociones a través de su trabajo.
Desde fotógrafos clásicos de antaño hasta los fotógrafos contemporáneos modernos de nuestra era, aquí está nuestra lista de los fotógrafos más populares.
Edward Henry Weston (1886 – 1958)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 24 de marzo de 1886 |
| Fecha de fallecimiento | 1 de enero de 1958 |
| Lugar de nacimiento | Parque Highland |
Edward Henry Weston fue un fotógrafo estadounidense del siglo 20. Ha sido considerado como uno de los fotógrafos más inventivos e influyentes de Estados Unidos, así como uno de los pioneros de la fotografía del siglo 20. Weston fotografió una amplia gama de temas a lo largo de su profesión de 40 años, abarcando paisajes, desnudos, naturalezas muertas, retratos, escenarios de género e incluso parodias divertidas.
Debido a su concentración en la gente y los lugares del oeste estadounidense, se afirma que ha establecido una perspectiva claramente estadounidense, y particularmente californiana, sobre la fotografía contemporánea.
El joven Edward Weston con una cámara, c. 1915; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los árboles y rocas en Point Lobos, California, donde residió durante muchos años, fueron el tema de algunas de sus imágenes más famosas. Weston creció en Chicago antes de mudarse a California a la edad de 21 años. Sabía que aspiraba a ser fotógrafo desde que era un niño, y su trabajo temprano fue característico del pictorialismo de enfoque suave de moda de la época.
Sin embargo, después de unos años, abandonó ese enfoque y se convirtió en uno de los defensores más prominentes de las fotografías fotográficas extremadamente detalladas.
Fue afectado por la enfermedad de Parkinson en 1947 y pronto dejó de fotografiar. Pasó los últimos 10 años de su vida supervisando la publicación de más de 1.000 de sus obras fotográficas más famosas. Su hijo, Brett, reprodujo sus imágenes para su Portafolio del 50 Aniversario, que fue lanzado en 1952.
Alfred Kreymbourg: El poeta tal como apareció en una interpretación de pantomima de su poema, «Globos» (1921) de Edward Weston; Edward Weston, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Entre 1952 y 1955, se llevó a cabo un trabajo de impresión mucho más grande. Brett fue quien imprimió las impresiones del proyecto. Lo mejor de toda la vida de Weston es un conjunto de 8-10 impresiones hechas de 832 negativos. En 1956, la Institución Smithsonian organizó una exhibición llamada «El mundo de Edward Weston» para honrar sus logros excepcionales en la fotografía estadounidense. Weston falleció el 1 de enero de 1958 en su residencia de Carmel, California, Wildcat Hill. En Pebbly Beach, cerca de Point Lobos, las cenizas de Weston fueron esparcidas en el océano.
Man Ray (1890 – 1976)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 27 de agosto de 1890 |
| Fecha de fallecimiento | 18 de noviembre de 1976 |
| Lugar de nacimiento | Filadelfia, Pensilvania |
Emmanuel Radnitsky nació en Filadelfia, creció en Nueva Jersey y trabajó como artista profesional en la década de 1910 en Nueva York. En 1912, comenzó a firmar su nombre. Hombre Ray, a pesar de que el apellido de su familia no se cambió a Ray hasta la década de 1920. Primero aprendió fotografía para poder recrear sus propias obras de arte, que comprendían pinturas y técnicas mixtas.
Para mantenerse, se trasladó a París en 1921 y abrió un negocio fotográfico. Comenzó a hacer fotogramas, a los que llamó «Rayógrafos» allí.
Retrato del hombre Ray, París, 1934; Man_Ray_Salvador_Dali.jpg: Van Vechten, Carl, 1880-1964, fotografíaderivada: Svajcr, dominio público, vía Wikimedia Commons
También comenzó a crear películas conmovedoras en la década de 1920. Las cuatro películas terminadas de Man Ray fueron todas investigaciones muy creativas y no narrativas de las capacidades del medio. Poco antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial, regresó a Estados Unidos, y desde 1940 hasta 1951 residió en Los Ángeles.
Estaba frustrado porque en Estados Unidos, solo era conocido por su fotografía y no por su trabajo en películas, pinturas, esculturas y otros medios.
Man Ray llegó a París en 1951. Hasta su muerte en 1976, se centró principalmente en la pintura. Las raíces creativas de Man Ray estaban en el movimiento Dada unos años antes. Los artistas dadaístas fueron moldeados por los traumas de la Primera Guerra Mundial y el surgimiento de una comunidad de medios modernos por los avances en telecomunicaciones como la radio y el cine, y compartieron un descontento fundamental con las formas convencionales de creación artística, recurriendo en su lugar a experimentos de riesgo y espontaneidad.
Noire et Blanche (1926) de Man Ray. Esta fotografía fue publicada en la edición de mayo de 1926 de French Boga acompañado de la elegante descripción «Cara de nácar y Máscara de Ébano»; Man Ray, dominio público, vía Wikimedia Commons
Basó su obra masiva The Rope Dancer Accompanies Herself with Her Shadows en un complejo patrón de fragmentos de papel de colores arrojados al suelo. La obra de arte irradia multitud de objetivos que el artista trasladaría a su carrera fotográfica: espacio negativo y manchas oscuras; la capitulación parcial de las elecciones estilísticas al percance; y la abolición de los restos de la mano del artista en su implementación precisa y dura del color atonal.
Jacques Henri Lartigue (1894 – 1986)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 13 de junio de 1894 |
| Fecha de fallecimiento | 12 de septiembre de 1986 |
| Lugar de nacimiento | Courbevoie, Francia |
En 1963, Jacques Henri Lartigue tenía 69 años cuando mostró por primera vez una colección de sus numerosas imágenes recopiladas a lo largo de su vida en el MoMA de Nueva York. En el mismo año, su trabajo aparece en una imagen difundida en la famosa edición de la revista Life que conmemora la muerte de John Fitzgerald Kennedy, que es bien reconocida.
Lartigue se convierte en uno de los fotógrafos más populares del siglo 20, para su asombro.
Ya en 1900, Jacques aprendió sobre la famosa fotografía de su padre. Cuando Jacques tenía ocho años, Henri Lartigue reconoció su pasión al comprar su primera cámara para él. Así comenzó la cobertura inagotable de su niñez, que incluía viajes en automóvil, vacaciones familiares y, sobre todo, los inventos de su hermano mayor Maurice.
Gran Premio del Automóvil Club de Francia, Curso en Dieppe (1912) por Jacques-Henri Lartigue; Jacques-Henri Lartigue, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Ambos hermanos estaban interesados en los automóviles, los vuelos y otras actividades populares de la época. Cada momento fue capturado por la cámara de Jacques. Continuó frecuentando eventos deportivos como adulto y participando en actividades de élite como patinaje, esquí, tenis y golf.
La fotografía, sin embargo, no era ni de lejos adecuada para registrar sus recuerdos de la infancia, ya que siempre fue consciente del paso del tiempo. Todo lo que quedaba por decir y recordar no podía condensarse en una sola imagen.
Como resultado, comenzó a mantener un diario, que haría por el resto de su vida. También comenzó a dibujar y pintar, como para dedicarse a un pasatiempo más conocido. La pintura comenzó y se convirtió en su principal actividad profesional después de asistir temporalmente a la Academia Juliana en 1915. Comenzó a exponer su arte en París y el sur de Francia en 1922.
Dorothea Lange (1895 – 1965)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 26 de mayo de 1895 |
| Fecha de fallecimiento | 11 de octubre de 1965 |
| Lugar de nacimiento | Hoboken, Nueva Jersey |
Incluso si no estuviéramos presentes, muchos de nosotros tenemos una impresión mental de cómo se sintió la Gran Depresión. Una explicación es por las imágenes de Dorothea Lange. La cita favorita de Lange: «Una cámara es un dispositivo para entender cómo mirar sin una cámara». ShRealmente comprendí que el poder de ver no se deriva del ojo, sino más bien del cerebro.
Lange, un fotógrafo de retratos de profesión, se dio cuenta de que las imágenes de personas tendrían mucha más resonancia psicológica que las imágenes del campo en ruinas o una tormenta de polvo.
Dorothea Lange, 1936; Dorothea_Lange_1936.jpg: Dorothea_Lange ??? Trabajo derivado: Svajcr, dominio público, vía Wikimedia Commons
La foto más famosa de Lange se conoce como Migrant Mother (1936), pero no fue la etiqueta que Lange le dio. Según ella, esa es la imagen más vívida de la Depresión que muchas personas tienen. Florence Thompson se muestra abrazando a sus hijos mientras mira hacia el horizonte. Thompson parece demacrada, a pesar del hecho de que solo tenía 30 años en el momento en que se tomó la fotografía. Dentro de la tensión grabada en todo su rostro, se puede observar que es una mujer realmente atractiva.
Y esa fue una gran parte del genio de Lange: podía tomar imágenes de personas realmente indigentes, personas que habían pasado por mucho, y aún así convertirlas en personas increíblemente hermosas.
Madre migrante (1936) de Dorothea Lange. Una de las fotos estadounidenses más famosas de la década de 1930, esta imagen muestra a Florence Owens Thompson, madre de siete hijos, de 32 años, en Nipomo, California, en marzo de 1936, buscando un trabajo o ayuda social para mantener a su familia; Dorothea Lange, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Lange tuvo una existencia difícil. Fue diagnosticada con polio a la edad de siete años, después de haberla dejado con una pierna marchita y un pie deformado. Debido a su condición, Lange no podía caminar fácilmente. Uno de los factores que explican por qué fue una de las más fotógrafos de retratos famosos fue su excepcional capacidad para conectarse con todo tipo de personas y sacarlas.
Eliot Porter (1901 – 1990)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 6 de diciembre de 1901 |
| Fecha de fallecimiento | 2 de noviembre de 1990 |
| Lugar de nacimiento | Winnetka, Illinois |
Eliot Porter era un fotógrafo de vida silvestre que se especializó en fotos en color. Tomó muchas fotos de la propiedad de su familia en Great Spruce Head Island cuando era joven. Mientras estaba en Harvard, Porter estudió ingeniería química y medicina y trabajó como científico biológico, pero la fotografía era su verdadera pasión.
La carrera fotográfica de Porter comenzó cuando un amigo de la familia le presentó las obras de Alfred Stieglitz y Ansel Adams.
En 1938, Stieglitz exhibió las imágenes de Porter en su exposición de Nueva York. Porter abandonó la escuela para dedicarse a la fotografía a tiempo completo como resultado del éxito de la exposición. En 1940, Porter comenzó a experimentar con el método de transferencia de tinte de Eastman Kodak para imágenes en color. Esto influyó en la forma en que tomó imágenes.
REDSTART SUDAMERICANO. MASCULINO (1953) de Eliot Porter; Museo Nacional de los Estados Unidos; Institución Smithsonian; Estados Unidos. Departamento del Interior, Sin restricciones, vía Wikimedia Commons
El Sierra Club publicó un libro, que trataba sobre los bosques y los animales de Nueva Inglaterra. Emparejó las fotos con citas de Henry Davis Thoreau. El libro se vendió muy bien con muchas ediciones. Desde 1965 hasta 1971, pasó a servir como director del Sierra Club. Porter fue nombrado miembro de la Academia de Artes y Ciencias en 1971.
Porter fue y filmó áreas culturales y ecológicamente significativas durante su carrera.
Porter reexaminó su propio trabajo después de leer uno de los libros de James Gleick. Porter y Gleick trabajaron en un libro llamado Nature’s Chaos en 1990. Las imágenes de Porter se mezclaron con un texto escrito por Gleick para la pieza. Los archivos personales del fotógrafo fueron legados al Museo Amon Carter de Fort Worth cuando falleció en Santa Fe en 1990.
Ansel Adams (1902 – 1984)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 20 de febrero de 1902 |
| Fecha de fallecimiento | 22 de abril de 1984 |
| Lugar de nacimiento | San Francisco, California |
Ansel Adams fue un fotógrafo de paisajes más conocido por sus imágenes en blanco y negro que presentaban escenas del oeste estadounidense. Fue socio fundador del Grupo f/64, una alianza de fotógrafos que defendían el arte fotográfico «puro», que enfatizaba el enfoque nítido y el uso del conjunto. variación tonal de un disparo.
Él y Fred Archer crearon la Zona Methodology, un sistema preciso de creación de imágenes que logra la impresión final prevista a través de una comprensión profundamente técnica de cómo se captura y evoluciona el rango tonal a lo largo de la exposición, el procesamiento negativo y la impresión.
Retrato fotográfico del fotógrafo de naturaleza Ansel Adams, que apareció por primera vez en el anuario de la Escuela de Campo de Yosemite de 1950. La cámara es probablemente un Zeiss Ikon Universal Juwel; J. Malcolm Greany, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su trabajo fue reconocido por la claridad y riqueza de las imágenes que produjo. Adams fue un partidario de toda la vida de la protección del medio ambiente, y su trabajo fotográfico estuvo inextricablemente ligado a esta causa. Sería durante su primera visita al Parque Nacional de Yosemite a la edad de 12 años, que le entregaron su primera cámara. Como miembro del Sierra Club, perfeccionó sus primeras habilidades fotográficas.
Posteriormente, sería contratado por el Departamento del Interior de los Estados Unidos para fotografiar parques nacionales.
Árboles con nieve en las ramas, «Half Dome, Apple Orchard, Yosemite», California. Abril de 1933 (1933) de Ansel Adams; Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1980, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad por sus esfuerzos y campaña continua, que ayudaron en la expansión del sistema de Parques Nacionales. Adams expresó su preocupación en su autobiografía sobre la pérdida de conexión de los estadounidenses con la naturaleza como resultado de la industrialización y el mal uso de la riqueza mineral de la tierra.
Según él: «Todos estamos familiarizados con la tragedia de los cuencos de polvo, la degradación cruel e inexcusable de la tierra, el agotamiento de los peces y la vida silvestre, y la disminución de los bosques majestuosos. Y todos sabemos que tales desastres minan el espíritu de las personas. La naturaleza salvaje ha sido rechazada, y el hombre se puede encontrar en todas partes. La soledad, que es tan importante para el individuo, es casi inexistente».
Walker Evans (1903 – 1975)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 3 de noviembre de 1903 |
| Fecha de fallecimiento | 10 de abril de 1975 |
| Lugar de nacimiento | San Luis, Misuri |
Walker Evans fue un fotógrafo de los Estados Unidos mejor conocido por fotografiar los impactos de la Gran Depresión para la Administración de Seguridad Agrícola. Evans utilizó la cámara de gran formato ampliamente durante todo el tiempo de la FSA. Como fotógrafo, declaró que su objetivo era crear imágenes que fueran «alfabetizadas, autorizadas y sublimes».
Muchas de sus pinturas se encuentran en colecciones permanentes del museo, y ha tenido exposiciones retrospectivas en lugares como el Museo Metropolitano de Arte y George Eastman House.
Walker Evans, 1937; Edwin Locke, para la Administración de Seguridad Agrícola / Oficina de Información de Guerra / Oficina de Manejo de Emergencias / Administración de Reasentamiento, dominio público, a través de Wikimedia Commons
En 1935, Evans trabajó para la Administración de Reasentamiento en Pensilvania y Virginia Occidental durante un par de meses en una campaña de fotografía. A partir de octubre, continuaría disparando para la RA y, posteriormente, para el ELS, particularmente en el sur.
A lo largo del verano de 1936, mientras todavía operaba para la FSA, él y el periodista James Agee fueron enviados de servicio al condado de Hale para una historia que la revista más tarde decidió no publicar.
Let Us Now Praise Famous Men, un libro innovador publicado en 1941, incluyó las imágenes de Evans y la escritura de Agee que describe el tiempo de la pareja con tres hogares de inquilinos blancos en el sur de Alabama durante la Gran Depresión. Su descripción exhaustiva de tres familias agrícolas crea una poderosa representación de la pobreza rural.
Hitchhikers Vicksburg (vecindad) (1936) de Walker Evans; Farm Security Administration Photographers, dominio público, vía Wikimedia Commons
Janet Malcolm reconoció una conexión con el libro de los Beal en su libro de 1980 Diana & Nikon: Essays on the Aesthetic of Photography, señalando el contraste entre una forma de desarmonía torturada en la prosa de Agee y la majestuosidad serena y regia de las fotografías de aparceros de Evans.
Las familias se convirtieron en emblemas del dolor y la pobreza de la era de la Depresión debido a las imágenes de Evans.
Henri Cartier-Bresson (1908 – 2004)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 22 de agosto de 1908 |
| Fecha de fallecimiento | 3 de agosto de 2004 |
| Lugar de Birth | Chanteloup-en-Brie, Francia |
Henri Cartier-Bresson, nacido en Chanteloup, Sena y Marne, adquirió un interés temprano en la pintura, especialmente en el surrealismo. Después de un año en Costa de Marfil en 1932, encontró la Leica, su cámara preferida a partir de entonces, y lanzó un interés de por vida en la fotografía. Su exposición debut fue en 1933 en la Galería Julien Levy de Nueva York. Posteriormente colaboró en películas con Jean Renoir. Fue hecho prisionero de guerra en 1940 y escapó en su tercer intento en 1943, uniéndose a un grupo clandestino que ayudaba a prisioneros y fugitivos.
En estas palabras, describió su enfoque de la fotografía «Para mí, la cámara es un cuaderno de bocetos, una herramienta para el instinto y la espontaneidad, un maestro del momento que, en un sentido visual, cuestiona y elige al mismo tiempo. Es por la economía de métodos que se logra la simplicidad de la articulación».
Comenzó a reducir su actividad fotográfica en 1968, prefiriendo centrarse en el boceto y la pintura. Fundó la Fundación Henri Cartier-Bresson en 2003 en París con su hija y su esposa para preservar su obra. Cartier-Bresson recibió una asombrosa cantidad de elogios, honores y doctorados honorarios. El 3 de agosto de 2004, murió en su casa en Provenza, a pocas semanas de cumplir 96 años.
Henri Cartier-Bresson empleó casi exclusivamente cámaras telémetros Leica de 35 mm con objetivos estándar de 50 mm o, para paisajes, un objetivo gran angular. Con frecuencia colocaba cinta negra sobre el cuerpo cromado de la cámara para ocultarlo.
la primera Leica de Henri Cartier-Bresson (modelo Leica I); Les Hotels Paris Rive Gauche – AlainB, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Con películas rápidas en blanco y negro y óptica precisa, pudo imaginar los procedimientos prácticamente de manera invisible. Las cámaras de formato miniatura le permitieron a Cartier-Bresson lo que él llamó «la mano de terciopelo y el ojo de halcón», liberándolo de las limitaciones de una gran cámara de prensa de 45 o una cámara réflex de doble lente de formato medio desgarbada.
Nunca usó la fotografía con flash porque pensó que era «descortés, como llegar a una sinfonía con un revólver en la mano». Era un firme creyente en organizar sus imágenes en el visor en lugar de en el cuarto oscuro.
Robert Doisneau (1912 – 1994)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 14 de abril de 1912 |
| Fecha de fallecimiento | 1 de abril de 1994 |
| Lugar de nacimiento | Gentilly, Francia |
Robert Doisneau nació en abril de 1912 en el suburbio parisino de Gentilly en el seno de una familia de clase media-alta. Tuvo un interés voraz en las artes desde una edad temprana. Robert Doisneau fue criado por una tía poco amorosa después de que sus padres fallecieran cuando él todavía era un niño. Se matriculó en la Ecole Estienne, una escuela vocacional, cuando tenía 14 años, y se graduó en 1929 con certificados en grabado e impresión.
Un año más tarde, comenzó a trabajar como fotógrafo promocional. En 1931, comenzó a trabajar como asistente de André Vigneau, un fotógrafo modernista.
Doisneau sería introducido a la nueva objetividad en la fotografía por André Vigneau. Su primer artículo fotográfico fue vendido a la revista Excelsior en 1932. Fue contratado como fotógrafo industrial en la fábrica de Renault en Boulogne Billancourt en 1934.
El fotógrafo francés Robert Doisneau fotografiado por Bracha L. Ettinger en su estudio de Montrouge, 1992; Bracha L. Ettinger, CC BY-SA 2.5, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, fue despedido en 1939 porque a menudo llegaba tarde. Se convirtió en fotógrafo independiente después de perder su empleo e intentar hacer una carrera en publicidad y grabado. Charles Rado, el creador de la Agencia Rapho, contrató a Robert Doisneau justo antes de la Segunda Guerra Mundial.
El estallido de la guerra truncó su primer reportaje fotográfico sobre kayak en la Dordoña. En 1940, fue despedido del servicio como fotógrafo y soldado en el ejército francés. Utilizó su experiencia para fabricar pasaportes e identificar documentos para la Resistencia francesa hasta la conclusión de la guerra. Robert Doisneau regresó a la agencia Rapho después de la guerra como fotógrafo independiente. Es muy probable que la influencia compartida con Jacques-Henri Lartigue haya comenzado durante este período.
Comenzó a crear una serie de cuentos fotográficos sobre una variedad de temas: noticias de París, temas populares parisinos, así como naciones extranjeras.
Robert Capa (1913 – 1954)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 22 de octubre de 1913 |
| Fecha de fallecimiento | 25 de mayo de 1954 |
| Lugar de nacimiento | Budapest, Hungría |
Cuando era joven, Robert Capa escapó de la opresión política en Hungría y se mudó a Berlín, donde ingresó a la universidad. Observó el ascenso de Hitler, lo que lo llevó a trasladarse a París, donde se encontró y comenzó a trabajar con Gerta Pohorylle. Colaboraron como fotoperiodistas bajo el apodo de Robert Capa. A pesar de contribuir a la mayor parte de los primeros trabajos, rápidamente formó su propia personalidad como «Gerda Taro», y comenzaron a lanzar su trabajo de forma independiente.
el fotógrafo Robert Capa durante la guerra civil española, mayo de 1937; Gerda Taro, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Más tarde fotografió cinco guerras, incluyendo la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Sino-Japonesa, la Segunda Guerra Mundial en Europa, la Guerra Árabe-Israelí de 1948 y la Primera Guerra de Indochina, y sus imágenes aparecieron en revistas y periódicos notables. Varias veces durante su carrera, puso su vida en peligro, sobre todo como el único fotógrafo aficionado que llegó a la playa de Omaha el Día D.
Hizo una crónica de los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial en el norte de África, Londres, Italia y la liberación de París.
Tropas estadounidenses de la Compañía E, 16º Regimiento de Infantería, 1ª División de Infantería vadeando la sección Easy Red de la playa de Omaha (Calvados, Basse-Normandie, Francia) en la mañana del 6 de junio de 1944; Robert Capa, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Irwin Shaw, Ernest Hemingway, John Steinbeck y el cineasta John Huston estaban entre sus amigos y compañeros de trabajo. El general Dwight D. Eisenhower de los Estados Unidos otorgó a Capa la Medalla de la Libertad en 1947 por sus esfuerzos en fotografiar la Segunda Guerra Mundial. Luego pasó a cofundar Magnum Photos en París el mismo año.
La compañía fue la primera agencia cooperativa para fotógrafos independientes en todo el mundo. En su honor, Hungría ha lanzado un sello y una moneda de oro.
Diane Arbus (1923 – 1971)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 14 de marzo de 1923 |
| Fecha de fallecimiento | 26 de julio de 1971 |
| Lugar de nacimiento | Manhattan, Estado de Nueva York |
Diane Arbus es una fotógrafa más conocida por sus fotos en blanco y negro de grupos desfavorecidos como enanos, rarezas de circo, gigantes y personas no binarias de género, así como temas más aceptados como hogares suburbanos, superestrellas y nudistas. El trabajo de Arbus puede ser descrito como extraño, surrealista y psicológicamente profundo, todo al mismo tiempo; en cualquier caso, avanzó en la fotografía documental.
Uno puede sentir como si estuviera rompiendo un contrato social con el sujeto, ya que su fotografía con frecuencia produce una sensación de «otredad» por la mirada intensa que entrega.
Los humanos (incluso los más banales e indiferentes) se convierten en espectáculos visuales gracias a Arbus. Arbus se hizo mundialmente reconocida por su fotografía de confrontación y todavía es considerada como una de las fotógrafas estadounidenses posmodernas más distintivas.
Foto de Diane Arbus después de una fotografía de Roz Kelly, finales de los años 60; Fduriez, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Arbus utilizó técnicas fotográficas documentales o fotoperiodísticas para representar a personas de la vida real en sus entornos naturales. Sin embargo, hizo que las piezas resultantes fueran completamente suyas al incorporar su propio viaje en las fotos que tomó. Hay una multiplicidad del tema, ya que no se puede pensar en la imagen sin pensar en la colección de características que hicieron posible la imagen; es decir, es imposible concebir que el disparo tenga lugar sin la presencia de Arbus. Arbus descubrió la fascinación y la belleza en situaciones extrañas, creando fotografías increíbles de personas que no siempre fueron juzgadas «aptas» para ser fotografiadas.
«Realmente siento que hay cosas que nadie notaría si no las imaginara», dijo sobre su búsqueda de personalidades distintivas en las afueras de la sociedad. Esta fue una desviación significativa del arte, que generalmente se considera reservado principalmente para lo estéticamente atractivo, en lugar de representar la realidad «real» o «genuina».
Robert Frank (1924 – 2019)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 9 de noviembre de 1924 |
| Fecha de fallecimiento | 9 septiembre 2019 |
| Lugar de nacimiento | Breton, Nueva Escocia, Canadá |
En 1941, Robert Frank comenzó a estudiar fotografía y trabajó para empresas de diseño gráfico en Ginebra, Zúrich y Ba.sel para los siguientes seis años. En 1947, voló a los Estados Unidos, donde fue contratado por Alexey Brodovitch para fotografiar moda para Harper’s Bazaar.
Aunque algunas publicaciones dieron la bienvenida al uso poco ortodoxo de Frank de la Leica de 35 milímetros para la fotografía de moda, despreció las limitaciones de la fotografía de moda y se fue unos meses más tarde.
Entre 1950 y 1955, pasó a trabajar de forma independiente para publicaciones como Charm, LIFE, Vogue y otras. Figuras influyentes de la comunidad artística de Nueva York, como Willem de Kooning, Edward Steichen, Franz Kline y Walker Evans, quien se convirtió en un importante defensor estadounidense de la fotografía de Frank, también respaldaron sus fotos callejeras generadas de forma independiente.
Evans le aconsejó que solicitara la beca Guggenheim, que le permitió viajar por todo el país en 1955 y 1956 para fotografiar su libro más famoso, The Americans, que se publicó por primera vez en 1957. Tras su estreno en Estados Unidos en 1959, dedicó una cantidad significativa de energía al cine.
Frank dividió su tiempo entre Nueva York y Nueva Escocia en 1970, y continuó haciendo imágenes fijas y videos. The Americans fue uno de los libros más innovadores en la historia de la fotografía, y su publicación en los Estados Unidos provocó controversia. La mayoría de los estadounidenses que lo vieron en ese momento se sorprendieron por el mordaz punto de vista de Frank sobre la cultura estadounidense y su actitud descuidada hacia las técnicas fotográficas tradicionales.
Sin embargo, sus rasgos fotográficos se convirtieron en pilares para una nueva generación de fotógrafos estadounidenses durante la próxima década.
Guy Bourdin (1928 – 1991)
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 2 de diciembre de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | 29 de marzo de 1991 |
| Lugar de nacimiento | París, Francia |
Guy Bourdin fue uno de los primeros fotógrafos en imaginar imágenes de moda con historias atractivas, efectos dramáticos con excesiva saturación de color, hiperrealismo y composiciones recortadas, todo mientras creaba la idea de que el elemento es secundario a la imagen. Las imágenes de Bourdin son a menudo muy sensuales, pero también dependen en gran medida de la provocación y el valor de choque.
Bourdin creó un léxico estético completamente nuevo con el que vincular artículos de alta costura.
Las historias eran inusuales e intrigantes, y estaban influenciadas por la literatura, el cine y la historia del arte. Bourdin se benefició de la influencia de un grupo diverso de contemporáneos, como lo demuestra la lectura inteligente de su demostración compositiva y temática: en primer lugar, su modelo a seguir Man Ray, pero también Edward Weston, el cineasta surrealista español Luis Buñuel y los artistas surrealistas Balthus y Magritte.
Es reconocido como uno de los fotógrafos comerciales y de moda más conocidos de la segunda mitad del siglo 20. «Mientras que las tomas de moda normales hacen de la belleza y la ropa sus principales características, las fotografías de Bourdin proporcionan una alternativa radical». La primera exposición de pinturas y bocetos de Bourdin se celebró en la Galerie de París, Rue de la Bourgogne. En 1953, tuvo su primera exposición fotográfica.
Al principio de su carrera, expuso bajo el alias de «Edwin Hallan».
Bourdin, un colega de Helmut Newton, que también trabajó con frecuencia para Vogue, contribuyó a la evolución de la fotografía contemporánea. Newton dijo: «En muchos sentidos, entre él y yo, la revista se volvió casi seductora, y nos felicitamos mutuamente. Lo más probable es que ni siquiera hubiera funcionado si él hubiera estado solo o si yo hubiera estado solo». Trabajó con la publicación hasta finales de la década de 1980.
Annie Leibovitz (1949 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 2 de octubre de 1949 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Waterbury, Connecticut |
Annie Leibovitz es una conocida fotógrafa. Comenzó su carrera como fotógrafa para la revista Rolling Stone, donde trabajó durante diez años antes de pasar a otros proyectos. Ella fotografía para una variedad de revistas, aunque la mayoría de su trabajo es para Vanity Fair. Si recogiste una copia reciente de la revista, es muy probable que haya fotografiado algunas de las fotografías que contiene.
Leibovitz ha fotografiado prácticamente a todas las celebridades imaginables, y su enfoque de iluminación realmente la distingue de otros fotógrafos conocidos.
La reconocida fotógrafa Annie Leibowitz ha fotografiado artísticamente a personas prominentes y celebridades para publicaciones como Rolling Stone y Vogue; Robert Scoble de Half Moon Bay, USA, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Ella emplea una disposición de iluminación especial que produce un aspecto tenue, casi impresionista. Si has estudiado su trabajo aunque sea por un corto tiempo, reconocerás sus imágenes. La consistencia en el estilo fotográfico de uno es una habilidad importante que debe tener, ya que permite a las personas reconocer instantáneamente su trabajo y aumenta sus posibilidades de obtener un empleo.
Si quieres ser como Annie Leibovitz, debes entender la iluminación del estudio. Aunque la iluminación del estudio puede ser intimidante al principio, el resultado final es una imagen maravillosamente construida.
Fotografía de retrato de Annie Leibovitz del periodista gonzo Hunter S. Thompson y el candidato demócrata a las primarias George McGovern en San Francisco durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 1972. Usando su mano izquierda, Thompson ofrece al fotógrafo un discreto dedo medio; el gesto parece escapar a la atención de McGovern. La leyenda original: «El autor explicando al senador George McGovern por qué no puede aceptar su oferta de la Vicepresidencia, a bordo del McGovern Victory Special durante las Primarias de California en junio de 1972.»; Inglés: Publicado por primera vez por Straight Arrow Press. Fotografía de Annie Leibovitz, que no estaba acreditada en la sobrecubierta. Sin embargo, su autoría es clara porque una fotografía casi idéntica de Thompson y McGovern se puede ver en su colección de 2008 Annie Leibovitz at Work en la página 24. Esta segunda foto es un trabajo distinto, a pesar de la extrema similitud, la postura y los gestos de las manos de Thompson son notablemente diferentes, y permanece bajo derechos de autor.
La familia se mudó con frecuencia debido a los puestos militares de su padre, y ella tomó sus primeras imágenes mientras él estaba desplegado en Filipinas en la Guerra de Vietnam. La pasión de Leibovitz por el arte se encendió por la participación de su madre en la danza, la música y el arte. Con la intención de convertirse en un educador de arte, Leibovitz persiguió el arte en el Instituto de Arte de San Francisco. En la escuela secundaria, asistió a su primera clase de fotografía y cambió su enfoque a la fotografía. El trabajo de Robert Frank y Henri Cartier Bresson le sirvió de inspiración.
Perfeccionó sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en una variedad de ocupaciones durante muchos años, incluida una estadía de seis meses en 1969, en un kibutz cerca de Amir, Israel.
Cindy Sherman (1954 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 19 de enero de 1954 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Glan Ridge, Nueva Jersey |
Cindy Sherman es un maestro moderno de la fotografía con conciencia social. Ella es un miembro importante de la «Generación De Imágenes», un grupo suelto de Artistas estadounidenses que alcanzó la madurez creativa y la aclamación de la crítica a principios de la década de 1980, un momento marcado por el desarrollo rápido y generalizado de las imágenes de los medios de comunicación. Sherman, quien comenzó a pintar de una manera súper realista en la escuela de arte después del feminismo estadounidense, se trasladó a la fotografía a fines de la década de 1970 para examinar una amplia gama de posiciones o personajes sociales femeninos prevalentes.
Sherman tenía como objetivo desafiar el efecto tentador y a menudo represivo de los medios de comunicación en nuestras identidades individuales y sociales.
Girando la cámara sobre sí misma en un extenso juego de rol de Hollywood ficticio, estilo, marketing masivo y posiciones y poses de «chica de al lado», Sherman finalmente atrajo el interés de la audiencia hacia el potente equipo y maquillaje que yacía detrás de las innumerables imágenes que circulaban en una sociedad implacablemente pública y «conectada».
El deseo y el control sexuales, así como el diseño de la identidad propia como engaño colectivo, se encuentran entre los temas inquietantes que subyacen a la amplia serie de autorretratos de Sherman en muchas formas. El arte de Sherman es significativo en la era de finales del siglo 20 de consumismo excesivo y difusión de imágenes.
Sherman utiliza la cámara y las variadas herramientas de las películas cotidianas, como cosméticos, atuendos y escenarios espectaculares, para replicar fantasías comunes, o «instantáneas» reconocibles, que denotan varias nociones de personalidad de los medios públicos, confianza en sí mismo, exploración sexual, diversión y otras condiciones introspectivas socialmente reconocidas oficialmente, evocando una larga historia de autorretrato y juegos de rol cinematográficos en el arte. Estas imágenes, como si fueran simplemente la primera premisa, colapsan rápidamente de varias maneras, lo que implica que la identidad propia es a menudo un compromiso frágil entre los mandatos sociales y el propósito personal.
Eso concluye nuestra mirada a los famosos fotógrafos de retratos, fotoperiodistas y otros fotógrafos populares de nuestro tiempo. FrDesde los fotógrafos clásicos originales hasta los fotógrafos contemporáneos modernos, ¡esperamos que esta lista le haya dado una mayor visión de algunos de los fotógrafos más populares de nuestro tiempo! Cada uno de ellos ha sido capaz de encapsular y expresar el mundo que nos rodea de maneras fascinantes.
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Preguntas Frecuentes
¿Cómo se convierten las personas en fotógrafos famosos?
¡Comienza dominando tu técnica y capturando hermosas fotografías! Busque inspiración en los esfuerzos artísticos de otras personas, como los de esta lista. Entonces es solo una cuestión de hacer que tu trabajo se note. Publicar en medios en línea y sitios web de fotografía, participar en concursos y premios de fotografía y trabajar con los clientes son buenos lugares para comenzar.
¿Por qué es importante la fotografía?
La fotografía es extremadamente significativa porque tiene esa capacidad. Es un medio vital en el que se basa el mundo, dando forma a los puntos de vista y el conocimiento de las personas. Recuérdalo la próxima vez que tomes una fotografía y date cuenta de lo significativo que es lo que estás haciendo.
¿Qué consejo puedes dar a los nuevos fotógrafos?
Tal vez quieras convertirte en uno de los fotógrafos más famosos del mundo. Cuando uno comienza inicialmente como fotógrafo, podría quedar atrapado en una rutina creativa. Uno podría encontrar bastante difícil crear ideas para temas fotográficos. Al estudiar las obras de otros fotógrafos contemporáneos, puede aprender lo que constituye una buena foto, sin importar el estilo o el equipo que utilice. Nunca tenga miedo de comenzar, incluso si no tiene el último equipo de gama alta. En lo que realmente necesitas centrarte es en tu pasión. La imaginación y la habilidad llenarán las piezas.
