Giorgio Morandi trabajó en una modesta habitación en el centro de Italia, bastante lejos del epicentro artístico de su época, para abordar los problemas relacionados con el arte, las diversas cuestiones que rodean a las artes contemporáneas, esforzándose por el patrón y el orden que subraya el arte de la representación en sí. Con una gama restringida de artículos ordinarios y paisajes reconocibles retratados en tonos apagados y luz suave, las pinturas de Giorgio Morandi combinaron la larga tradición del arte italiano con la modernidad del siglo 20. Con relaciones tonales minuciosamente reguladas y un sentido del espacio real y la luz, sus pinturas de bodegones continuaron una tradición de arte pictórico mientras inventaban un aspecto minimalista que resultó relevante frente a la abstracción.
Biografía de Giorgio Morandi
| Nacionalidad | Italiano |
| Fecha de nacimiento | 20 de julio de 1890 |
| Fecha de fallecimiento | 18 de junio de 1964 |
| Lugar de nacimiento | Bolonia, Italia |
Las pinturas de Giorgio Morandi se basaban en diseños simples y universales, pero su minuciosa técnica de pintura y su atención a una iluminación italiana específica sugerían un elemento autobiográfico. Independientemente del hecho de que retrataba artículos cotidianos, los críticos notaron cómo sus representaciones de estos objetos transmitían un sentido de la personalidad de Morandi, los hábitos monásticos y el entorno italiano.
Su cuerpo cohesivo de trabajo sería importante para su examen meticuloso de las partes comunes de la vida cotidiana, impregnándolas de un profundo significado al enfatizar su belleza artística y simplicidad.
Infancia y Educación
Giorgio Morandi era el mayor de cinco hijos nacidos en una familia de clase media en Bolonia, Italia. El temprano amor de Morandi por el arte perturbó a su padre, quien quería que su hijo lo acompañara en su negocio de exportación; Morandi lo intentó sin éxito en 1906.
Después de esto, se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 1907.
Fotografía del pintor italiano Giorgio Morandi tomada antes de 1965; AnónimoAutor desconocido / Imagno, dominio público, vía Wikimedia Commons
Su elección de seguir la pintura como carrera está influenciada por la incapacidad de su padre, la confianza de su madre en la capacidad de su hijo para lograr sus objetivos y la renuencia de su padre a cambiar su concentración en el arte independientemente de los mejores esfuerzos de su padre.
Formación temprana
Morandi continuó sus estudios con el apoyo de su madre cuando su padre falleció repentinamente en 1908, lo que lo obligó a valerse por su madre y sus hermanas menores. Durante este tiempo, fue presentado a Cubismo y el futurismo, que impactó sus primeros trabajos. «Solo una apreciación de los triunfos más significativos en la pintura a lo largo de los años podría ayudarme a establecer mi camino», dijo Morandi en su autobiografía de 1928.
Se graduó en 1913, pero continuó su estudio viajando por Italia, especialmente a la Bienal de Venecia. Estas excursiones eventualmente resultarían significativas, ya que Morandi rara vez viajó al extranjero después de la década de 1920, y gran parte de su futura exposición a los pintores provino de publicaciones de arte.
Fotografía del estudio de Morandi en Via Fondazza, 1981; Paolo Monti, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Estaba particularmente interesado en el trabajo de impresionistas como Claudio Monet, así como grandes posteriores como Georges Seurat y Paul Cézanne. También viajó dentro de Italia, particularmente para ver galerías y exposiciones, y fue mucho más viajado de lo que algunas fuentes históricas lo retratan.
La carrera inicial de Morandi se vio truncada por su alistamiento en el ejército italiano durante los años de la Primera Guerra Mundial.
Período de madurez
Morandi trabajó anteriormente en la Escuela Metafísica a partir de 1916 y participó en exposiciones grupales centradas en este movimiento. Se ha dicho que este período le dio el coraje de explorar más a fondo porque era la primera vez que su arte se notaba a escala mundial. A pesar de sus estrechos contactos con pintores notables de la escuela, como Giorgio de Chirico, más tarde cuestionó la influencia de este enfoque en su siguiente trabajo, declarando que nunca representó lo que no podía observarse con sus propios ojos.
Incluso si la historia es difícil de rastrear aquí, como lo es en la mayor parte de la vida de Morandi, los historiadores del arte ven la «pittura metafisica», o pintura metafísica, como un momento decisivo en su evolución.
Primeros encuentros ingenioLas ideas modernas, como la declaración de Carlo Carra de 1910, «la concepción artística requiere una fuerza de carácter diligente, meticulosa y vigilante y requiere un trabajo continuo para no perder las manifestaciones, y son poco más que relámpagos de cosas cotidianas que cuando resaltan generan las necesidades que son tan valiosas para nosotros los artistas modernos».
Exposición de Giorgio Morandi del 19 de mayo al 4 de julio de 2021, en el Museo de Grenoble; Milky, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Este tema parece resonar con fuerza a lo largo del viaje creativo de Morandi. Morandi adquirió rápidamente el enfoque modernista por el que es mejor reconocido, con naturalezas muertas simples y suavemente impresionantes de objetos cotidianos como latas y botellas, así como paisajes que representan su entorno. Creó una técnica serial en su pinturas de naturaleza muerta, que representa agrupaciones de objetos con solo modificaciones menores en el espaciado o la colocación. Si bien la mayor parte de estas obras eran pinturas, Morandi a menudo empleaba grabados para representarlas en la limitada paleta en blanco y negro.
Durante muchos años, Morandi mantuvo una rutina diaria pacífica. Su taller, una pequeña habitación en un piso que compartía con su madre y hermanas, era donde hacía la mayor parte de su trabajo.
A pesar de su diminuto tamaño, la habitación estaba bien iluminada y proporcionaba un panorama del campo rural desde sus ventanas, una de las dos vistas que representaba regularmente. La segunda ubicación fue influenciada por las vistas desde Grizzana, una comunidad de montaña donde Morandi pasó muchos meses con su familia y finalmente estableció una casa de vacaciones, así como un espacio de estudio.
Bodegón (1943) de Giorgio Morandi; Pedro Ribeiro Simões de Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
El polvo que se acumuló en las diversas botellas y artículos que Morandi utilizó en sus bodegones se suma a su existencia monástica. Después de ver el taller del artista, el historiador John Rewald declaró: «Sin tragaluz, sin vistas enormes; una habitación promedio de un piso de clase media iluminado por dos ventanas ordinarias». Pero el resto fue excepcional: cajas, botellas, jarrones y todo tipo de recipientes en todo tipo de formas, esparcidos por el suelo, estantes y mesa. Los lados de las estanterías o escritorios, así como la parte superior de la superficie de cajas, frascos o recipientes similares, estaban recubiertos de una gruesa capa de polvo.
Giorgio de Chirico declaró en 1922 que Morandi estaba tratando de redescubrir e inventar todo por su cuenta. Esta podría ser la idea esencial para comprender la tenaz búsqueda de Morandi que consumiría el resto de su vida.
Valoró la práctica del estudio y la preparación práctica y reprendió a los contemporáneos que desestimaron estas costumbres; cuando vio las creaciones de la Expresionistas abstractos mucho más tarde en la vida, dijo que Jackson Pollock «simplemente salta antes de aprender a nadar».
A pesar de su pobre y solitaria existencia, Morandi se estableció rápidamente como un artista moderno significativo e importante. Su dominio de un lenguaje formal de color, luz y disposición comenzó a llamar la atención, brillando frente a la pintura actual a la manera de Surrealismo o abstracción. Morandi fue nombrado «uno de los más grandes pintores vivos» por Roberto Longhi en 1934. Morandi fue considerado localmente en gran medida como un discreto profesor de aguafuerte, no como el maestro que debe ser recordado a la manera de Carracci y otras leyendas boloñesas.
La enseñanza del arte fue un aspecto esencial de la vida de Morandi, reflejando su dedicación artística al método y la experimentación estructural.
Enseñó dibujo en escuelas primarias locales durante años antes de ingresar en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, como Jefe de Grabados en 1930. Permanecería en la Academia durante años, incluso cuando saltó a la fama mundial, prefiriendo la tranquilidad y la seguridad de un puesto regular distante de los principales centros culturales de Europa.
Período tardío
Muchos eventos mundiales pasaron, pero Morandi se mantuvo firmemente para centrarse en gran medida en la naturaleza muerta, trabajando con una estrecha variedad de composiciones comparables a lo largo de las décadas para refinar su técnica y forma. Morandi puede haberse enamorado de las cosas básicas que adquirió en las tiendas de segunda mano, mirando y analizando sus formas día y noche; tal emoción puede ayudar a explicar su gran apego a sus temas elegidos.
Sus raros paisajes reflejaban la creciente modernidad del mundo; los cables y antenas que ahora se veían desde la ventana de su taller comenzaron a aparecer en sus pinturas de la década de 1950, aunque de manera abstracta.
Tumba de Morandi en la Certosa di Bologna; Pbertels, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Morandi fue instructor de aguafuerte en la Academia durante 26 años, retirándose solo en 1956 para dedicarse a la pintura a tiempo completo como un pintor conocido, obteniendo una seguridad financiera de las ventas de su trabajo (anteriormente, él y su familia tenían dificultades financieras, y se enfrentó con sus comerciantes sobre las ventas y la representación adecuada).
Incluso en sus últimos años, Giorgio Morandi prefirió centrarse en su arte en lugar de en las exposiciones y la aclamación internacional. Según los informes, rechazó una oferta de exposición porque los organizadores fueron demasiado insistentes: «Realmente intentan privarme de ese pequeño grado de tranquilidad que es vital para mi trabajo».
Pinturas de Giorgio Morandi
Morandi, que se centró en sus propias investigaciones pictóricas en un período en que la vanguardia se preocupaba por la pintura abstracta, no parecía impresionado por las tendencias teóricas del arte. Sin embargo, sus preocupaciones eran comparables a las de sus contemporáneos, ya que consideraba el color, las líneas, la iluminación, el espacio y la pincelada como cuestiones que debían abordarse a través de un estudio riguroso y modificaciones precisas.
Morandi continuó la historia de la pintura italiana en el siglo XX con su atención a la técnica y su precisión cuidadosa, pero le dio un nuevo significado con su simple énfasis estético y no narrativo.
Con sus paletas minimalistas, líneas precisas y pinceladas exactas, las naturalezas muertas de Morandi son innegablemente modernas, y su preocupación por la habilidad y la fisicalidad de la superficie pintada vinculó a los artistas posteriores al legado épico de las formas de naturaleza muerta y paisajes.
Natura Morta (1914)
| Fecha de finalización | 1914 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 25 cm x 48 cm |
| Ubicación actual | Colección de Augusto y Francesca Giovanardi |
Es una de las primeras pinturas de Giorgio Morandi y representa una mesa de madera con una variedad de cosas comunes monocromáticas. A pesar de la abstracción de la imagen, el espectador puede distinguir un libro erecto con sus encuadernaciones hacia afuera, que se coloca frente a una botella transparente, una jarra y una jarra.
Una imagen abstracta de una habitación aparece en el área detrás de la mesa, indicando una pared, ventanas y otra mesa. A pesar de que los objetos están completamente sin vida, se crean de una manera que transmite fragilidad y movimiento, con un empuje diagonal que los obliga hacia el espectador.
Morandi experimentó con el desarrollo de géneros en sus primeros años; esta pintura exhibe elementos tanto del cubismo como del futurismo. El bodegón de Morandi recuerda al futurismo, con cada objeto representado para simular el movimiento hacia el frente. Los elementos cubistas se pueden ver en el uso de contornos afilados que enfatizan las formas geométricas fundamentales y su agrupación en un plano comprimido, así como la pesada estratificación de tonos de pintura apagados.
Aunque esta vitalidad fue rápidamente reemplazada por una serena estabilidad, esta pieza temprana revela características formales esenciales que ocurrirían a lo largo de las obras posteriores de Morandi.
Natura Morta (1916)
| Fecha de finalización | 1916 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 82 cm x 57 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno, Nueva York, Nueva York |
Este bodegón se compone de dos botellas marrones, una jarra gris y una cafetera, y una caja gris de dos tonos. Las esculturas son simples y carecen de complejidad. Se colocan sobre una mesa beige, cuyo borde es ligeramente más bajo que el centro del lienzo, dividiéndolo en tres bandas. Las bandas superior e inferior son de chocolate marrón, enfatizando la mesa, que se muestra en un bronceado más brillante para distinguir mejor los elementos y proyectar sombras.
Aunque este tema no es interesante en sí mismo, Morandi vio una inmensa promesa en él, afirmando que «incluso en un tema tan básico, un gran pintor puede lograr una grandeza de percepción y una fuerza de sentimiento a la que respondemos instantáneamente».
Esto obligaría a Morandi a concentrarse en las características formales de la línea, el color y la composición. Aunque simple, esta pieza debe haber tenido un significado especial para Morandi porque estuvo colgada en la pared de su estudio durante muchos años; también eligió esta obra para exponerla en la Bienal de Venecia de 1948.
Natura Morta (1918)
| Fecha de finalización | 1918 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 30 cm x 30 cm |
| Ubicación actual | Galería Nazionale d’Arte Moderna, Roma |
Con tres elementos no identificados flotando en una caja con un frente transparente, esta escultura difiere de su realismo anterior. Este es uno de una serie limitada de proyectos en los que se inspiró en el estilo metafísico del arte, y muestra la influencia de artistas de renombre de este tipo, particularmente Carlo Carra. Si bien los tres componentes parecen ser una bola, un pasador de bolos y un borde de marco mitrado, su ubicación es extraña y bastante inquietante. Flotan en el espacio contenido de una caja, lo que también desafía el espacio de perspectiva.
Morandi muestra las cosas en un arreglo bien ordenado incluso mientras trabaja de esta manera ilógica.
Los componentes metafísicos son secundarios a la disposición de los objetos, el dinamismo del espacio a su alrededor y cómo reflejan la luz; estas características son típicas del cuerpo de trabajo más grande de Morandi y sobreviven a su experimentación en esta etapa de su carrera. Según los historiadores del arte, Morandi inicialmente experimentó con la adición de significados más profundos a los elementos cotidianos durante esta era de la pintura metafísica.
Morandi más tarde se distanció de esta tendencia, señalando que «mis propias obras de ese tiempo siguen siendo creaciones puras de naturaleza muerta y nunca indican ninguna preocupación filosófica, surrealista, mental o literaria en absoluto».
Preguntas Frecuentes
¿Quién fue Giorgio Morandi?
Giorgio Morandi fue un conocido artista italiano que se especializó en bodegones delicadamente teñidos de envases de cerámica. Morandi pintó paisajes bañados por el sol tanto en óleo como en acuarela, tanto desde la ventana de su estudio como al aire libre en las colinas de los Apeninos. Las pinturas del artista se entienden con frecuencia como un rechazo pacífico del turbulento mundo moderno.
¿Qué tipo de arte creó Giorgio Morandi?
Las pinturas de Giorgio Morandi se basaron en diseños simples y universales, pero su minuciosa aplicación de pintura y su atención a una calidad de luz italiana específica sugirieron un elemento autobiográfico. Independientemente del hecho de que representaba objetos comunes, los críticos observaron cómo sus representaciones de estos objetos reflejaban el temperamento de Morandi, las rutinas monásticas y el entorno boloñés. Su cuerpo de trabajo sería significativo para iUn análisis cuidadoso de los objetos cotidianos, infundiéndoles un significado profundo al enfatizar su belleza estética y simplicidad.
