El neoprimitivismo fue un movimiento artístico popular entre la vanguardia rusa a principios del siglo 20. Se inspiró en el primitivismo, que se extendía por toda Europa en ese momento. Sin embargo, el neoprimitivismo tenía una identidad claramente rusa que estaba influenciada por el arte popular y los artefactos prehistóricos pertenecientes al Imperio ruso.
¿Qué es el neoprimitivismo? Una breve reseña histórica
«No hay ni puede haber fenómenos que surjan de la nada». Así lo dijo el artista y teórico del arte ucraniano Aleksander Shevchenko en su ensayo titulado Neo-Primitivism: Its Theory, Its Possibilities, Its Achievements (1912). Pero, ¿qué es el neoprimitivismo? Después de esta declaración, uno primero debe preguntarse qué es el primitivismo antes de comprender completamente el significado detrás del neoprimimitivismo.
El primitivismo fue una tendencia que influyó en el arte de finales del siglo 19 y principios del siglo 20. Muchos artistas estaban amargados por el estado del mundo moderno. Sentían que la industrialización y las prácticas artísticas académicas habían estancado el espíritu humano.
En busca de algo más espontáneo y crudo, recurrieron al arte y los artefactos de lo que se consideraba culturas primitivas, particularmente las de África y Oceanía. Esto incluiría pinturas rupestres, ídolos de piedra o madera, y sobre todo, máscaras tribales.
Primavera (1914) de David Burliuk; David Burliuk, Dominio público, vía Wikimedia Commons
También vale la pena señalar que en años más recientes, esta noción de culturas «incivilizadas» o «primitivas» se considera etnocéntrica y racialmente cargada. El primitivismo sacudió la escena artística europea y fue practicado por personas como Pablo Gauguin, Henri Matisse y Pablo Picasso. Su influencia vanguardista se extendería a muchas partes del mundo, incluida Rusia. Aquí, tomaría nueva vida y sería adaptado por artistas rusos para formar su propio movimiento, que llegaría a ser conocido como Neo-Primitivismo.
El neoprimitivismo fue un estilo de arte popular entre los años de 1908 y 1913 en Rusia. Fue influenciado por el primitivismo y otros estilos artísticos de vanguardia europeos.
Sin embargo, los artistas neoprimitivistas hicieron todo lo posible para distanciarse de sus influencias europeas, imponiendo una identidad claramente rusa en sus obras de arte. Lo hicieron utilizando temas exclusivamente rusos y recurriendo a su herencia en busca de inspiración. Muchas obras de arte neoprimitivismo incluyen imágenes de campesinos rusos o de la clase trabajadora urbana.
Khorovod (1910) de Natalya Goncharova, ubicada en el Museo de Arte Histórico de Serpukhov en Rusia; Museo de arte histórico Serpukhov, dominio público, vía Wikimedia Commons
Algunos incluso fueron innovados por la historia prehistórica rusa, como la mitología de los escitas, una tribu nómada que vagaba por la zona antes de la Era Común. Hubo varios artistas neoprimitivistas, y dos se destacan por sus contribuciones al movimiento. Natalya Goncharova y su compañero Mikhail Larionov fueron artistas influyentes por derecho propio, pero juntos fueron una fuerza en el mundo del arte. En 1910, fundaron un grupo de arte llamado Jack of Diamonds, a veces conocido como el Knave of Diamonds.
Este grupo realizó exposiciones en Moscú que mostraron una combinación de obras de arte rusas y europeas, gran parte de las cuales eran arte neoprimitivista. En 1912, la pareja dejó el grupo Jack of Diamonds, alegando que se había centrado demasiado en el arte europeo. Algunos de los artistas más militantes del grupo siguieron el ejemplo de Goncharova y Larionov. Sin embargo, el Jack of Diamonds continuó siendo dirigido por otros miembros hasta 1917.
En el mismo año en que dejaron el Jack of Diamonds, los miembros que se fueron formaron otro grupo de arte llamado The Donkey’s Tail. Sin embargo, The Donkey’s Tail solo logró organizar una exposición en Moscú antes de disolverse. En ese momento, el neoprimitivismo estaba en declive y el arte ruso estaba cambiando en una dirección más cubo-futurista.
Características del arte neoprimitivismo
Durante el siglo 20, muchos países ya se habían industrializado mucho. En Rusia, sin embargo, la industrialización sólo comenzó realmente a finales del siglo 19. Esto significó que tuvo que pasar por un rápido período de industrialización para tratar de ponerse al día. Esto causó una insatisfacción generalizada entre la población rusa, que hasta entonces había sido una sociedad en gran parte agraria.
Representaciones de rurales Vida
Este descontento alentó sentimientos de nostalgia por la forma en que las cosas eran antes. Como reacción, los artistas neoprimitivistas comenzaron a pintar imágenes del campesinado ruso y las virtudes simples de la vida rural. Estos temas pastorales se convertirían en una de las características definitorias del neoprimitivismo.
Aunque los artistas europeos, como Paul Gauguin, también se inspiraron en la pintura de campesinos en este momento, los artistas neoprimitivistas hicieron todo lo posible para impartir su identidad rusa a sus obras de arte.
Mujeres con rastrillos (1907) de Natalya Goncharova; Наталья Сергеевна Гончарова, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Arte popular ruso
Otra de las características más comunes del neoprimitivismo fue el giro al arte popular ruso en busca de inspiración. El arte popular ruso a menudo mostraba colores brillantes y alegres como rojos, verdes y amarillos. Los patrones florales eran muy prominentes, así como en menor medida los motivos, incluidos los pájaros y las fresas. Muchos ejemplos de arte popular ruso también contienen figuras vestidas con atuendos tradicionales rusos que participan en alguna forma de danza folclórica.
Las obras de arte neoprimitivistas a menudo se inspiraron en el lubki ruso, grabados originalmente tallados en madera pero luego producidos utilizando litografía.
The Knifegrinder (1912) de Kazimir Malevich, ubicada en la Galería de Arte de la Universidad de Yale en Connecticut; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Lubki se caracteriza por gráficos simples y audaces y se basan en historias populares contadas en ruso. Estas historias pueden variar desde anécdotas bíblicas hasta cuentos populares locales. El propósito principal del lubok era el entretenimiento, casi como un libro ilustrado que se podía colgar en la pared. Por esta razón, eran comunes en los hogares rusos.
Simbolismo
A los artistas neoprimitivistas les gustaba incluir el simbolismo en sus obras de arte. A menudo, este simbolismo era bastante obvio y no requería que el espectador pensara demasiado profundamente sobre su significado previsto. Un claro ejemplo de esto se puede ver en Primavera, pintado por Mikhail Larionov en 1912.
La pintura contiene imágenes que están conectadas con la primavera, como flores y pájaros.
Lirios rayonistas (1913) de Natalya Goncharova, ubicada en el Museo de Arte de Perm en Rusia; Natalia Goncharova, dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, también expresa las ideas asociadas con la primavera a través de una oruga y una mariposa, que están destinadas a simbolizar el renacimiento. Imágenes como la figura con la pala evocan la fertilidad asociada a la estación.
Formas crudas y esquemas de color simples
Finalmente, una de las últimas características de las obras de arte neoprimitivistas es su uso intencional de formas rudimentarias y paletas de colores simples. Aunque la mayoría de los artistas que participaron en este movimiento fueron entrenados, optaron por rechazar las técnicas que se les enseñaron.
En cambio, recurrieron al arte de los niños en busca de inspiración.
Autorretrato (1910) de Kazimir Malevich, ubicado en la Galería Tretyakov en Rusia; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Creían que el arte académico había sofocado su creatividad y deseaban volver a un estado infantil de espontaneidad e intuición. Por lo tanto, hicieron uso de formas planas, poco sofisticadas y audaces. colores primarios para emular el arte creado por los niños.
Artistas y obras de arte neoprimitivistas
A principios del siglo 20 muchos artistas rusos entrenados comenzaron a experimentar con estilos de arte más contemporáneos, como el neo-primitivismo. Se inspiraron en obras de arte primitivas como muchos otros artistas en Europa en ese momento. Sin embargo, eligieron mirar más cerca de casa y explorar el arte primitivo de Rusia y Oriente en lugar de África y similares. Estos son solo algunos de los artistas que tuvieron un profundo impacto en el movimiento neoprimitivista.
Kazimir Malevich (1879 – 1935)
Kazimir Malevich fue un artista ucraniano de ascendencia polaca. Fue un miembro activo de la vanguardia rusa, causando una gran controversia con sus obras. Aunque experimentó con una amplia variedad de estilos artísticos diferentes, muchas de sus pinturas llevaban rastros de elementos típicos del neoprimimitivismo.
Malevich creció en el campo ucraniano, moviéndose frequently entre los pequeños pueblos allí. Debido a su entorno rural, no había muchos ejemplos de arte cultivado a su alrededor. Así, sus principales interacciones con el arte fueron con el arte popular tradicional que se utilizaba para decorar viviendas y muebles, o bordado en tapices.
Llevaría este amor y aprecio por el arte popular con él a lo largo de su carrera. Ejemplos de esto se pueden ver en pinturas como «Triunfo del cielo» (1907), que combina elementos del arte popular con imágenes religiosas.
Fotografía de Kazimir Malevich (c. 1900); AnónimoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Malevich finalmente se mudó a Moscú en busca de más estímulo y entrenamiento formal. Fue aquí donde conoció a muchos otros famosos artistas neoprimitivistas. En 1912, participó en exposiciones con los grupos de arte The Jack of Diamonds y The Donkey’s Tail. Sin embargo, después de enfrentarse con el miembro fundador Mikhail Larionov, Malevich se fue a favor del grupo futurista Unión Juvenil.
Después de haber trabajado en la escenografía de la producción teatral cubo-futurista de «Victory Over the Sun», Malevich se volvió más experimental. En 1915, desarrolló su propio estilo de arte de vanguardia, al que llamó Suprematismo.
El suprematismo utilizado de forma limitada esquemas de color y formas geométricas para crear pinturas basadas en los sentimientos del artista en lugar de las observaciones. El más famoso de ellos es su pintura El Cuadrado Negro (1915), un singular cuadrado negro sobre fondo blanco. Malevich afirmó que el cuadrado negro representaba un ser divino, mientras que el blanco representaba el olvido.
Plaza Negra (1915) de Kazimir Malevich, ubicada en la Galería Tretyakov en Rusia; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1930, Malevich fue encarcelado durante tres meses por producir obras de arte supuestamente antisoviéticas. Esto hizo que volviera a sus temas de arte popular neoprimitivista, pero con un sesgo más suprematista. Esto se puede ver en obras de arte como Campesinos (1930), en la que dos figuras sin rostro están destinadas a simbolizar los temores de Malevich en torno al estado político cambiante de la Unión Soviética. Pinturas similares, que combinan temas neoprimitivistas con técnicas suprematistas, incluyen Mower (1930), Woman with Rake (1932) y Red House (1932).
Malevich murió de cáncer en 1935. Una de sus últimas peticiones fue que fuera enterrado en Nemchinovka. Por lo tanto, sus cenizas fueron enterradas en un campo allí. Nikolai Suetin, artista y amigo de Malevich, creó un monumento para marcar su lugar de entierro. Consistía en un cuadrado negro pintado sobre un cubo blanco, para conmemorar su famosa pintura El Cuadrado Negro (1915).
Durante la Segunda Guerra Mundial, este monumento fue destruido. Sin embargo, en los últimos años se han erigido otros monumentos en Nemchinovka para honrar al artista.
Natalya Goncharova (1881 – 1962)
Natalya Goncharova fue una de las artistas más controvertidas de su tiempo. Hoy, sin embargo, es conocida como un icono ruso. Goncharova se formó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Es aquí donde conoció a su compañero de vida, Mikhail Larionov, y desarrolló su amor por la pintura. Originalmente estudió escultura con Sergei Volnukhin y Paolo Troubetzkoy. Sin embargo, Larionov señaló que «tenía ojo para el color» y que debería dedicarse a la pintura. Esto inició una disputa entre la pareja, lo que hizo que se separaran por primera vez desde su encuentro.
Durante los tres días que estuvieron separados, Goncharova tomó en serio las palabras de Larionov y experimentó con la pintura. Descubrió que tenía un verdadero talento y pasión por ello y nunca se volvió atrás.
Aunque continuó estudiando pintura en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura, lo sintió muy limitante y asistió a clases privadas impartidas por artistas en sus estudios. En este momento, las mujeres no tenían los mismos derechos que los hombres.
Fotografía de Natalya Goncharova en 1910; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Como mujer, a Goncharova solo se le permitió estudiar desnudos femeninos y no recibiría un diploma al graduarse como sus homólogos masculinos. En 1910, fue expulsada de la escuela por su estilo contemporáneo. Esto no obstaculizó en absoluto su carrera. Las pinturas de Goncharova a menudo contenían temas de naturaleza espiritual. Esto se puede ver en pinturas como Virgen con el Niño (1911). Sin embargo, la Iglesia Ortodoxa Rusa condenó a GoncharOva.
No aprobaron que viviera con su pareja fuera del matrimonio, a menudo vestía ropa de hombre y participaba en actuaciones en las que estaba en topless, con los pechos cubiertos solo por flores pintadas.
Sin embargo, su imaginería espiritual no se limitaba solo a temas cristianos. También le gustaba pintar iconos paganos rusos, como se puede ver en Fertility God (c. 1910). Goncharova a menudo producía pinturas que representaban al pueblo judío. Esto estaba destinado a enviar no solo un mensaje espiritual sino también político. Durante este período, el pueblo judío ruso era un grupo minoritario perseguido.
Ciclista (1913) de Natalya Goncharova, ubicada en el Museo Ruso de Rusia; Natalia Goncharova, dominio público, vía Wikimedia Commons
Goncharova estaba vocalmente en contra del maltrato que recibían y a menudo trataba de retratarlos con una luz más amable en sus pinturas. En su pintura de 1912 Rabí con gato, establece paralelismos entre el judaísmo y el cristianismo al mostrar al rabino con su gato en el estilo típico de la Virgen con el niño. Más tarde en su carrera, Goncharova participó en varios otros medios artísticos.
Sergei Diaghilev le pidió que diseñara vestuario y decorados para el famoso Ballet Ruso. Encontró una gran gratificación artística en esto y pasó a diseñar ropa para Maison Myrbor y otros famosos diseñadores franceses. Sin embargo, continuó pintando hasta su fallecimiento en 1962.
Mijaíl Larionov (1881 – 1964)
Mikhail Larionov fue tan influyente como su compañero Goncharova. Larionov estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura con los aclamados pintores Isaac Levitan y Valentin Serov. Al comienzo de su carrera, pintó principalmente en el Estilo de arte impresionista. Sin embargo, a medida que pasaba el tiempo, su trabajo se volvió más contemporáneo y sus creencias se volvieron más radicales. Esto resultó en muchas suspensiones de la escuela.
A principios de 1900, las pinturas de Larionov eran casi exclusivamente obras del neoprimimitivismo. Fue fuertemente influenciado por el arte popular ruso y a menudo modeló sus pinturas a su alrededor. Algunos de los ejemplos más claros de esto se pueden ver en sus obras como «Invierno» (1912) y «Primavera» (1912).
Otra pintura suya que fue claramente influenciada por los principios del arte popular ruso fue Venus y Miguel (1912). Larionov también disfrutó de la influencia de los signos tradicionales rusos, que se pueden ver en pinturas como Soldado a caballo (1911) y Peluquería de oficial (1908).
Fotografía de Mikhail Fyodorovich Larionov (entre 1916 y 1917); Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Después de haber hecho importantes contribuciones al arte neoprimitivismo, Larionov desarrolló su propia forma de arte de vanguardia llamada rayonismo. El rayonismo se centraba en pintar objetos cotidianos como si estuvieran formados por rayos de luz. Junto con Goncharova, produjo muchas obras de arte de rayonismo, recibiendo fama internacional por sus contribuciones únicas al mundo del arte. Algunas de sus pinturas más famosas de rayonismo incluyen Glass (1912), Bull’s Head (1913) y Sunny Day (c. 1914).
Al estallar la Primera Guerra Mundial, fue reclutado en las fuerzas armadas rusas. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que Larionov resultara gravemente herido en el conflicto. Pasó un período prolongado en el hospital recuperándose de sus heridas. Una vez que estuvo lo suficientemente sano como para ser dado de baja, fue dado de baja del ejército y pudo regresar a su arte.
Mientras tanto, sus obras de arte habían crecido en popularidad. Fue reclutado, junto con Goncharova, para diseñar y crear decorados para el Ballet Ruso de Diaghilev. Fue aquí donde descubrió un talento para la coreografía, así como le gustaron las bailarinas.
Bailarina en movimiento (1915) de Mijaíl Larionov; Mikhail Larionov, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Larionov y Goncharova tuvieron una relación abierta, y aunque ambos tuvieron múltiples relaciones amorosas, siempre siguieron siendo una unidad familiar y socios artísticos. Finalmente, la amante de Larionov, Alexandra Tomilina, se mudó con la pareja cuando vivían en París. Muchas de sus pinturas, como Desnudo reclinado (1930) presentan a Tomilina. Las amantes no eran infrecuentes en la cultura francesa y las tres parecían vivir en armonía. Tomilina también se hizo cargo de todas las tareas domésticas, dejando a Goncharova y Larionov más tiempo para su arte.
Esto permitió a Larionov explorar otras salidas artísticas como creati.ng títeres para famosos teatros de títeres rusos. También escribió, dirigió y creó el escenario para su propio libreto. Larionov sufrió complicaciones de salud alrededor de 1946, que habían sido provocadas por las duras condiciones de vida en tiempos de guerra. Su mala salud ralentizó drásticamente su carrera artística. Para proteger su patrimonio conjunto, Larionov y Goncharova se casaron en 1955.
Un año después del fallecimiento de Goncharova en 1962, Larionov se casó con Tomilina. Cuando murió en 1964, Tomilina quedó como heredera de todos sus bienes y los de Goncharova. Su último deseo era que ella llevara todo su arte de vuelta a Rusia.
David Burliuk (1882 – 1967)
David Burliuk fue un artista, escritor y poeta ucraniano que se convirtió en un miembro integral del movimiento artístico neoprimitivismo. Estudió en muchas escuelas de arte de renombre en toda Europa, incluida la Real Academia, en Munich y la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura, en Moscú. Fue en Moscú donde comenzó su inclinación por el neoprimitivismo.
En 1907, Burliuk conoció a Mikhail Larionov, otro artista muy involucrado en el movimiento artístico neoprimitivismo. Rápidamente desarrollaron una amistad debido a sus creencias similares y su aprecio conjunto por el arte popular y los artefactos rusos prehistóricos. Burliuk invitó a Larionov, junto con otros artistas involucrados en el movimiento, a quedarse con él y su familia en su casa en Chernianka.
Todos los artistas aprovecharon el espacio creativo y produjeron una gran cantidad de obras de arte mientras estaban allí. Fue también durante el transcurso de esta estancia que la obra de Burliuk adquirió un carácter más vanguardista.
Fotografía de David Burliuk en 1914; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Chernianka fue la vista de muchas ruinas escitas y lugares de excavación. Vivir en esta área inspiró al padre de Burliuk a estudiar la antigua cultura escita. Esto significaba que David y su hermano Wladimir, que también era artista, tenían un conocimiento profundo de la forma de vida escita. Esto quedó claro a través de sus dos obras de arte. David, en particular, utilizó muchas de las características del arte escita en sus propias pinturas.
El arte escita a menudo carecía de una orientación fija, lo que significa que los diferentes elementos de la imagen no tenían que estar alineados. Esta característica se puede ver en las obras de arte de Burliuk, como su grabado Campesino y caballos (1913). En Campesino y caballos, un hombre, mirando hacia arriba, está acompañado por dos caballos, que están inclinados en un ángulo de 90 grados hacia él.
Otros elementos de las características escitas, que Burliuk utilizó en su arte, incluyeron el aislamiento de los animales, en el que solo se retrataban sus rasgos distintivos, y la transformación, en la que una figura emergía de otra.
Mi antepasado cosaco (1912) de David Burliuk; David Burliuk, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Burliuk no solo se inspiró en el arte prehistórico, sino también en el arte popular ruso. Al igual que muchos artistas del movimiento neoprimitivismo, a menudo recurría a los signos tradicionales, así como al lubki para el estímulo. Esto se puede ver en sus rudimentarios grabados en blanco y negro, como A Trap for Judges (1913), Archer (1915) y Raging Parnassus (1918).
También siguió un estilo neoprimitivista más común, en el que usó colores brillantes, pinceladas audaces y figuras parecidas a caricaturas, para representar a los campesinos en el trabajo. Esto se puede ver en pinturas como «Campesino y caballo» (1910), «En los arrozales» (1921) y «En un pueblo ruso» (1926).
En 1916, Wladimir Burliuk fue reclutado para unirse al ejército ruso, para luchar en la Primera Guerra Mundial. Un año más tarde, murió en batalla. Como estaba muy cerca de su hermano, esto empujó a David a abandonar Rusia y comenzar a dirigirse a los Estados Unidos. Sin embargo, le tomaría cinco años llegar allí mientras viajaba por Asia y Canadá, estableciéndose finalmente en los Estados Unidos en 1922. Fue aquí donde vivió hasta que murió en 1967. Su casa y estudio siguen en pie en Hampton Bay, Long Island.
Marc Chagall (1887-1985)
Marc Chagall fue un artista franco-bielorruso que popularizó el movimiento artístico neoprimitivista. Sus contribuciones fueron únicas y altamente impactantes, por lo que todavía es muy celebrado hoy en día. En el momento de su muerte en 1985, se decía que era uno de los últimos maestros restantes del modernismo europeo. Mientras que él exploró otros movimientos artísticos, su trabajo siempre llevó características distintivas del neoprimitivismo.
Chagall creció en un hogar judío jasídico pobre y tradicional cerca de la ciudad de Vitebsk. Sus padres trabajaban hapara mantener a sus hijos, con su madre vendiendo verduras de cosecha propia y su padre trabajando para un comerciante de pescado.
Fish se puede ver en muchas de sus obras, como «The Blue Fish» (1957), para rendir homenaje a su padre. Al principio, sus padres no querían que estudiara arte, pensando que no era práctico, pero después de ver su pasión y talento por la pintura cedieron.
Fotografía de Marc Chagall (c. 1920); Pierre Choumoff, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1906, al ver la aptitud de Chagall para el arte, el pintor realista Yehuda Pen se ofreció a enseñarle a pintar gratis. Sin embargo, Chagall aprendió rápidamente que la pintura académica no era para él. Por lo tanto, decidió mudarse a San Petersburgo para buscar una educación más contemporánea. Durante este tiempo, Rusia estaba plagada de antisemitismo. Chagall tuvo que obtener una visa temporal para residir en San Petersburgo, a pesar de que Bielorrusia pertenecía al Imperio ruso en ese momento. Permaneció allí durante dos años, disfrutando de la escena artística rusa, antes de viajar a Francia.
Mientras estuvo en Francia, nunca se desvió de pintar temas rusos en el estilo neoprimitivista. Sin embargo, aprendió nuevas técnicas con las que pintar sus escenas folclóricas, como la pintura gouache.
Echando de menos su hogar, muchas de sus pinturas, como Over Vitebsk (1913), Vitebsk, Village Scene (1917) y Over the Town (1918) presentan Vitebsk. Su más conocida de ellas, y una de sus obras de arte más famosas fue The Village, and I (1911). En 1923, fundaría el Vitebsk Art College, que se convertiría en un aclamado instituto de arte.
Después de las Revoluciones Rusas, Chagall se mudó a Francia permanentemente con su esposa e hijo en busca de una vida mejor. Fueron muy felices allí y se naturalizaron como ciudadanos franceses. Sin embargo, las leyes antisemitas se hicieron cada vez más pronunciadas antes del período previo a la Segunda Guerra Mundial. En 1940, Francia fue tomada por las tropas nazis. La ciudadanía francesa de los Chagall les fue despojada y fueron casi una de las muchas familias judías enviadas a los campos de concentración. Afortunadamente para ellos, la reputación de Chagall como un artista respetado les permitió recibir asilo en los Estados Unidos.
Chagall no hablaba nada de inglés al llegar a los Estados Unidos. Por lo tanto, pasó la mayor parte de su tiempo en el Lower East Side y otras áreas de Nueva York con una gran población judía. Su cultura judía siempre había sido una parte integral de su obra de arte, y mientras el Holocausto tuvo lugar, fue más importante para él que nunca. Deseaba inmortalizar sus tradiciones moribundas a través de su arte. Esto, junto con su estilo inspirado en el arte popular, es claramente evidente en pinturas como Le Mort (1924), White Crucifixion (1938) y Song of David (1958).
En el momento de su muerte, Chagall era un artista de renombre internacional. Su característico uso simple pero efectivo del color llevó a artistas como Picasso a cantar sus alabanzas.
En 1963, recibió el encargo de pintar el techo de la Ópera de París. Al principio, muchos ciudadanos franceses estaban molestos porque a un extranjero se le encargó pintar un hito histórico francés. Sin embargo, después de ver su caprichoso arte popular y su hermoso uso del color, se acordó ampliamente que no había mejor artista para el trabajo que Chagall.
El movimiento artístico neoprimitivista fue revolucionario en su tiempo. Utilizó muchas técnicas no exploradas hasta ese momento. Algunos de los artistas más famosos de la historia rusa participaron en él y lo utilizaron para expresar el amor que tenían por su país y herencia. Aunque este artículo solo exploró a cinco de los artistas neoprimitivistas más populares, hubo muchos más que también enriquecieron el mundo del arte. Si te gustó leer sobre el Neo-Primitivismo, te animamos a que busques más.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es un ejemplo de arte neoprimitivista?
Jardinería (1908) de Natalya Goncharova es un ejemplo perfecto del arte neoprimitivista. Goncharova realmente captura la esencia del movimiento en esta pintura. Desde el tema campesino hasta las formas planas y los colores audaces, esta pintura ejemplifica el arte neoprimitivista.
¿Cuáles son las principales características del neoprimitivismo?
El arte neoprimitivismo es fácil de distinguir de otros movimientos artísticos cuando sabes qué buscar. En primer lugar, el tema es siempre de origen ruso, siendo los temas típicos el campesinado y la vida rural. A continuación, las obras de arte neoprimitivistas generalmente hacen uso de formas rudimentarias o infantiles. También a menudoen no prestar atención a los principios de gravedad u orientación. Finalmente, usan esquemas de color audaces y simples.
